Umetniški vodja. Zgodovina ustvarjanja Izvedel okoli dvajset predstav, med katerimi

Umetniški vodja

Dvajset let sem bil vodja gledališča Vakhtangov, a o sebi težko govorim kot o umetniškem vodji. Zato bi se rad osredotočil le na nekatere splošne vidike svoje dejavnosti.

Ko so mi ponudili ta položaj, sem dolgo razmišljal o tem, ni mi bilo lahko, saj sem si predstavljal odgovornost, ki jo ta položaj nalaga, in doživljal povsem razumljiv občutek strahu: bom zmogel? Toda kljub temu se je strinjal, ker je vedel, da Vakhtangovci ne bodo sprejeli "Varagja". Tudi, in to so pokazale tedanje izkušnje Moskovskega umetniškega gledališča, je nemogoče upravljati gledališče kolegialno. Vodi ga lahko le ena oseba. Samo ena oseba ga lahko dvigne. In ko sem pretehtal vse prednosti in slabosti, sem upal, da mi bo še uspelo ohraniti ugled in raven našega gledališča. Zato sem nastopil funkcijo z glavno nalogo pred sabo - ohraniti gledališče Vakhtangov, preprečiti, da bi njegova ekipa razpadla na majhne skupine.

Da bi to naredil, je oblikoval tri točke svojega programa. Prvič, privabljanje znanih režiserjev v gledališče za uprizarjanje posameznih predstav. Drugič - zanašanje na nadarjeno dramaturgijo. In tretjič, že z izkušnjami v gledališki in filmski režiji sem obljubil, da sam ne bom postavljal predstav, saj sem vedel, da takoj, ko umetniški vodja začne postavljati predstave, te takoj postanejo dominanta repertoarja. Nimam pravega režiserskega daru. Če razumem kje, potem samo v igralstvu.

V teh dvajsetih letih so naše gledališče presojali na različne načine. V težkem desetletju po perestrojki so nekateri govorili, da je gledališče propadlo, drugi so se le pritoževali, da je njegova nekdanja slava zbledela. Vendar smo sprva preživeli, ko je skupaj s propadom

Velik del Sovjetske zveze je propadel v ZSSR, potem pa je gledališče zaživelo in se zdaj aktivno razvija, in v tem deloma vidim svojo zaslugo.

Bili so časi, ko smo do neke mere delili usodo vseh gledališč: ob močnem padcu ideološkega pritiska se je zdelo, da nas je zadela bolezen kot keson. Dejansko je bilo desetletja vse strogo regulirano, včasih le rahlo oslabljen ventil in nenadoma razglašena popolna svoboda! Ali ni to ostra sprememba pritiska?.. In živeti smo morali na nov način v razmerah tržnega gospodarstva, ki so za nas nenavadne.

Uničenje estetike asociativne umetnosti se je izkazalo za veliko katastrofo za gledališče. Ezopov jezik se je pri nas nenadoma izkazal za nepotrebnega. In Šatrov Brest Peace, ki je bil poln tudi v tujini, je začel igrati s polpraznimi dvoranami in so ga morali umakniti z repertoarja. Občinstvo je hladno pogledalo tudi igro Wilderja "Marčne idee", ki je akutna po pomenu.

Kaj naj rečem, tudi če je na Taganki, kjer so uprizarjali nasilne, državljanske predstave, tudi zaradi nenadoma zmanjšane pozornosti občinstva vse postalo »normalno kul«. In zdelo se je, da se je gledališki rokoborec Jurij Ljubimov začudeno ustavil: s kom se boriti? Za nekaj časa je izgubil glas. Ta čudni čas sprememb je od gledališč zahteval nove barve in besede. In čedalje težje jih je bilo najti.

Ljudje so veliko manj hodili v gledališče, tudi zato, ker so bile cene vstopnic za obubožano družbo nedosegljive. Seveda so ljudje veliko izgubili, a nič manj ni trpelo gledališče, brez refleksij, doživetij in skupnih občutkov z občinstvom. Enostavno ni dohajal življenja, ko so se dogodki kot skalni podor zrušili na zmedene državljane Rusije. Kako jih je lahko pretresla gledališka predstava, ko pa je življenje samo nenehno presenečalo in šokiralo? Zato je več kot eno naše gledališče obstalo na razpotju: kakšno smer zdaj izbrati v svojem delu, kje iskati stične točke z občinstvom? Nisem pa se želel preveč truditi za njim, izgubiti obraza, se pogrezniti na raven storitvenega sektorja ali celo odkritega sprenevedanja s pomanjkanjem kulture. Bila pa je velika želja, da bi v novih razmerah ohranili večne vrednote umetnosti v gledališču!

In okrog so nastala številna komercialna gledališča, ki so živela in živijo pravzaprav zaradi rublja. Na splošno tam ni bila uprizorjena niti ena pomembna predstava, vzgojen ni bil niti en igralec. Ker je tja donosno vzeti že priznane profesionalce in gredo, ker tam dobro plačajo! Človeško jih je mogoče razumeti: kdo ne želi zaslužiti več denarja in hitro. In znani igralci na enem mestu se ne morejo dolgo zadržati, pričakujejo jih povsod. Zato hekersko delo, znižanje ravni igre, presenečenje obrobnega gledalca: kam je šel nadarjeni igralec imyarek? In delal je nekaj francoskih drobnarij. Konec koncev je bilo, je in bo. Pa naj bo, vsaj zato, da se ohrani sivo ozadje za ostro risbo v ospredju pravih gledaliških odkritij!

Ob vseh težavah, ki smo jih morali prestati v preteklosti, še vedno nismo povsem občutili, kaj je duhovna kriza. Lahko ste ironični glede tega, kolikor hočete, a ostalo nam je še veliko izobraženi ljudje, čeprav je bil čas, ko izobraževanje ni bilo v modi. Kaj je bil vreden ta stavek: "Zakaj si tako reven, ko si tako pameten?" Toda naša publika - in to ugotavljajo vsi - je ostala umetniško najbolj sofisticirana, pa naj gre za gledališče, glasbo ali slikarstvo. In nočem, da ta raven sploh pade. In obstajajo razlogi za skrb.

Poglejte, kaj se dogaja na našem odru. Kdo je idol mladosti, tako rekoč junak našega časa? Filip Kirkorov. Ima veliko občudovalcev in občudovalcev. Hvalijo ga na vse načine. Posnemajo ga in mu zavidajo. Da, ni brez talenta in lepote. Vendar ne zavidajo toliko tega kot njegovega bogastva. Pravzaprav: leti skoraj s svojim letalom, tam je natovorjen tudi njegov Lincoln, saj samo v Lincolnu lahko idol vstopi v Krasnojarsk ali kakšno drugo mesto. A tudi to ni tako slabo, saj je Kirkorov vsaj prepoznaven, ima individualnost. Nova modna muha iz množične kulture pa nas je zapeljala v nekakšne »tovarne zvezd«, ki proizvajajo brezlične izvajalce, ti izvajalci pa se menjavajo v serijah kot del prezgodnjih vokalnih skupin brez škode za njihov komercialni program. Vendar tu ni nič posebnega, kar bi lahko škodilo, če zadevo obravnavamo s stališča kulture.

Razumem, vse to je reklama, nezaslišano. Če pa bi naše gledališče Vakhtangov želelo oglaševati katero od svojih predstav, ne bi našlo niti stotinke sredstev, ki jih šovbiznis porabi za promocijo svojih favoritov. Poleg tega se mi zdi, da se gledališče sploh ne bo naučilo oglaševati. Je staromoden, zdi se, da je oblečen v starodavna oblačila, ki omejujejo gibanje. Nerodno mu je govoriti o sebi in ohranja svoje dostojanstvo.

Zdi se, da bo s skupnimi močmi javnih in zasebnih struktur državo mogoče spraviti iz splošne gospodarske krize. A vsako gledališče išče izhod iz svojih težav tako rekoč samo. To je težka pot, a pot bo obvladal tisti, ki hodi.

Ko nas je zapustil Jevgenij Rubenovič Simonov, ni prekinil vezi z gledališčem Vakhtangov. Ime tega režiserja se je zapisalo v zgodovino gledališča, ki je meni, tako kot vsem Vakhtangovcem, sveto - z vsemi našimi zmagami, porazi, pridobitvami in izgubami. In ne bomo ga prepisali, "prilagajali" preteklosti na ugodno poravnavo sedanjosti. Njihovo Zadnja leta Evgenij Simonov je ustanovitev gledališča posvetil imenu svojega očeta in menil, da je njegova sinovska dolžnost ovekovečiti njegov spomin. In gledališče obstaja že vrsto let. Nahaja se v Arbatskih stezah zelo blizu nas, danes pa jo režira eden od vodilnih igralcev gledališča Vakhtangov Vjačeslav Šalevič. In skupaj rešujemo številne probleme današnjega življenja: Gledališče Vakhtangov, Gledališka šola Ščukina, Gledališče Rubena Simonova, igralci in režiserji vseh generacij Vakhtangova.

Še vedno iščemo. Iščemo v dragocenih shrambah ruske klasike, v sodobni dramaturgiji. Naš cilj je braniti gledališče kot hram kulture. Ujeti čustveno privlačnost gledalca je ključ do uspeha. In vsa gledališča danes iščejo tisto morda zelo preprosto odrsko akcijo, ki bo v dvorane pripeljala ljudi, željne razumevanja, kdo smo danes, kaj potrebujemo, da začutimo svojo človeško višino, svojo nujnost v življenju. Mislim, da so literatura, gledališče in umetnost nasploh potrebni sami po sebi, da povečajo, dodajo količino prijaznosti v svetu. Da bi ljudje čim več črpali iz tega vira resnice in pravičnosti, vere in ljubezni.

Ko razmišljaš o tem, kaj je najpomembnejše v gledališki umetnosti, razumeš, da je to spretnost, strokovnost, uho, ki sliši današnji čas, glas, ki zna povedati o času.

To veščino bi moral najprej imeti režiser. Z ustvarjanjem predstave postane vse: igralec, umetnik, glasbeni oblikovalec, čarovnik, ustvarjalec, lažnivec, sanjač – vse! Končno izda predstavo, ki živi sama, ne glede na ustvarjalca.

Trenutni problem režije je v tem, da je nastala nekakšna viseča mreža, ki se je umaknila med kohorto velikih gledaliških poznavalcev 20-30-ih let prejšnjega stoletja - Stanislavski, Nemirovič-Dančenko, Vahtangov, Meyerhold, Tairov, njihovi učenci Ruben Simonov. , Zavadsky, Okhlopkov , Akimov, Lobanov, Tovstonogov - in sodobni režiserji.

Generacija »učiteljev« ni vzgojila svojega nasledstva, kar se otipljivo odraža na režiserskem področju. Menim, da je ta moj očitek neupravičen: vzgojiti režiserja iz osebe, ki za to nima naravnega dara, je enako, kot če bi nekoga učili, da postane velik pisatelj. Georgij Aleksandrovič Tovstonogov je odkrito izjavil: "Režiser ne more vzgojiti naslednika, ker je to umetniško nemogoče." In če ne pozna vseh direktorjevih navodil.

Sodobni režiserji večinoma niso naravno odraščali s »postopnim zorenjem«, ampak so si nabili mišice. »Kački« dajo veliko, so energični, spretni, nepoznavanja posla jim ne gre očitati, a pomanjkanje šole vpliva na njihovo delo. Filozofska refleksija tematika, duhovnost in prepričljiva življenjska »oprema«, ki je bila prisotna v predstavah slavnih režiserjev bližnje preteklosti, ki so pri svojem delu izhajali iz najglobljega bistva. gledališka umetnost, zelo primanjkuje v trenutnih produkcijah.

Ne morem soditi vseh, govorim po lastnih opažanjih umetniškega vodje gledališča. Po tem, kar nam prinesejo mladi režiserji, vidim, da gre za »pametne«, hladno preudarne profesionalce. To ni njihova krivda: živijo v dobi, ko se v gledališču rušijo stari koncepti in znane kategorije, v vsakdanjem življenju pa človek ne čuti vedno trdnih tal pod nogami. Tukaj, kot pravijo, ni časa za duhovno razumevanje in strmenje v nebesa, tukaj mnogi razmišljajo, kako bi se ustalili v tem ekstravagantnem svetu, česa bi se oprijeli v tem »brownovem gibanju«, v nenehnem metežu. In režiserji prinašajo to zmešnjavo v gledališče. In duhovno dojemanje lepega zahteva mir in ustvarjalni prosti čas. A v pehanju za materialnim danes za nikogar ne obstaja ne eno ne drugo. Na žalost so se spremenile tudi potrebe občinstva: sodobna javnost, ki je zašla v posel, si od vsake uprizorjene akcije večinoma želi eno - priložnost, da se izpusti. Prihaja pogovorna oddaja "Do pregrade" na televiziji. Vodi ga najbolj nadarjeni novinar Vladimir Solovjov, ki spretno manipulira z dejanji najvplivnejših politikov v državi in ​​preprosto slavne osebe. So njegovi akterji. Toda o čem odloča njegov prestop? nič! Vse to je prazno govorjenje, jok odrskih lutk, ki vztrajajo pri svojem prav, a nobena nikogar ne posluša. Do neke mere je to koristno za udeležence pogovorne oddaje - tako pritegnejo pozornost javnosti. Kaj dobi gledalec? Utrujenost, utrujajoča pravljica za lahko noč, porcija nekakšne uspavalne tablete in – hkrati – doping z zakasnjenim učinkom, ob zaužitju katerega lahko po nekaj urah počitka spet brezglavo odhitiš v vrvež poslov. . Zdaj pa govori o tem, da so režiserji svečeniki lepega ...

Ista slika v sodobni dramaturgiji: predstav je navidez veliko, a vse govorijo o istem – kako nam je danes hudo in kako dobro bo, če naredimo to in ono. To je res tisto, kar gledalec ne bo presenetil!

V zvezi s tem sem se iz neznanega razloga spomnil predstave "Polonez Oginskega" Romana Vikgyuka. Nastal je splošni kolaps. In kaj mi je razkril ta nastop? Da je svet ponorel? že vem. Da se ljudje zaradi skušnjav spremenijo v živino? To sem v življenju pogosto videl. Da ne vedo, kam bi šli? Včasih to čutim tudi sam. Zakaj torej tak nastop, če mi ne povedo, kako naj grem ven? Če v njem ni svetlobe? V njej mi pa sipajo sol na rane in sipajo! Za kaj?

Pravo gledališče ni pomirjevalo, ni pa tudi psihotropno zdravilo za razburjenje izkrivljenih duš. Rekel bi, da je primer bolj normalnega, pametnejšega in bolj celovitega sveta od tistega, ki pogosto ostaja zunaj avditorija. Idealen svet? Čisto mogoče, saj je umetnost skoraj vedno iskanje ideala.

Da, gledališče mora biti sodobno, a občinstvo in igralec potrebujeta več figur in kolizij, ki vsebujejo brezčasne vrednote. In ostajajo dragoceni, ker imajo vedno nekaj skupnega s tem, kar se dogaja danes. A tudi opomin, da življenje ni samo tečaj dolarja in operativnih poročil policije. Vendar pa mi, ki smo v kipečem kotlu vsakdanjega življenja, še zdaleč ne moremo vedno dojeti bistva dogajanja in zato sami ne moremo odgovoriti na vprašanja, ki nam jih postavlja realnost. Takrat na pomoč priskoči klasika. Vsebuje večna duhovna bogastva – odgovore na vprašanja človekovega bivanja, kar pomeni, da je opora vsem danes živečim.

Nemogoče si je predstavljati, kaj bi danes počeli brez Ostrovskega, Gogolja, Dostojevskega, Čehova, Shakespeara! Toda danes si ne morete nadeti kar klasike. Vsaka mora novo obdobje, ob vsakem novem času, ki ga je treba prebrati znova. Navsezadnje se vse nenehno spreminja. V družbi nekaj umira in se rodi. Človek se spreminja, njegov odnos, okusi. Posodobljena estetika. In predstava bi se morala organsko ujemati z našim "norim, norim, norim svetom". Nemogoče je čutiti samozadovoljstvo ob skodelici čaja z marmelado, na ozadju poslikanega lesenega Zamoskvorečja iz 19. stoletja, ko za zidom gradijo nebotičnike iz stekla in betona.

Vendar pa obstaja nekaj, kar združuje obe kulisi - prepoznavanje človeških strasti in nespremenljivosti moralne vrednote, ki gledališču v vseh starostnih obdobjih omogoča črpanje in črpanje resnično brezdna zakladnica dramaturgije vseh časov in ljudstev.

Ljubezen ... Ne glede na to, koliko o njej govorimo ali pišemo, ne glede na to, kako globoko jo sami doživljamo, ostaja skrivnosten, intimen, nerazumljiv občutek. Ni definicije ljubezni, ki bi ustrezala vsem priložnostim. Vedno je razodetje. Težko je predvideti, h kateremu dejanju bo človeka navdihnilo ali potisnilo. Da, skoraj vse klasike so ljubezenske zgodbe. In nobeden od njih ni podoben drugemu. Če parafraziramo pesnika, lahko rečemo: ljubezen je edina novica, ki je vedno nova ...

Tudi klasika je vedno nova. Vendar se ne zgodi vedno, da ste ga pobrali - in tukaj je, zlata ribica uspeha! In v gledališču se hripavo prepiramo, kaj vzeti v aktualni repertoar. Režiser ponudi Generalnega inšpektorja ali Čehovljevega Galeba. Zdi se mi, da je to postala nekakšna obsesivna moda – ves čas po svoje interpretirati Čehova in Gogolja. Kot da vsako gledališče poskuša pri Čehovu najti nekaj, česar ni našel nihče drug. Ja, tako Čehov kot Gogolj sta velika poznavalca človeka, bojim pa se mode, ki tudi v gledališkem repertoarju postane tako nepogrešljiva kot džins.

Nekoč, ko sem postal umetniški vodja, sem si zadal nalogo, da na široko odprem vrata Vahtangovskega gledališča za novo aktualno dramaturgijo in ostro, moderno zvenečo klasiko. Za to je bilo treba povabiti tako resne znane režiserje kot mlade, a že zanimive režiserje, ki obetajo, da se bodo razkrili na svoj način. Delal sem na tem in na tej poti so bili uspehi, čeprav mi nihče ni dal zavarovanja pred neuspehi. Normalni so le uspehi in neuspehi kreativno iskanje. Ne moreš našteti vseh, ki sem jih povabil. Omenil pa bom, da so Robert Sturua, Pjotr ​​Fomenko, Arkadij Katz, Roman Viktjuk, Vladimir Mirzojev, Vjačeslav Šalevič, Sergej Jašin, Aleksander Gorban razkrili svoje režijske zamisli. Pod njihovim vodstvom so nastale predstave, kot so »Brest Peace«, »Lekcije mojstra«, »The Ides of March«, »Guilty Without Guilt«, »Alibaba in štirideset tatov«, »Chasing Two Hares«, »Dedication to Eve«. ”, "Cyrano de Bergerac", "Nbch iguane" in mnogi drugi. Seveda pa vse narejeno ni bilo okronano z lovorikami velikega občinskega uspeha. Kljub temu so te predstave etape v nastajanju našega gledališča v težkih letih, ko so v Rusiji vsi naši rojaki iskali svoj, pogosto nov prostor pod soncem.

Toda to je tako rekoč ustvarjalni del skrbi umetniškega vodje, ki temelji na ekonomskih temeljih in deloma odvisen od medsebojni odnosi v skupini - in tudi o tem je treba razmišljati. Tovrstne težave so bile v 90. letih prejšnjega stoletja izjemno zaostrene in verjetno bi mi bilo najlažje, da bi jih odmislila in zavzela kakšen udoben in nekoliko odmaknjen položaj. Ampak, če sem iskren, se še danes čutim odgovornega za stvar, ki ji služim vse življenje - za gledališče.

Nekoč se je končala perestrojevska evforija in izkazalo se je, da so si gledališča poleg nekaj administrativne neodvisnosti pridobila še kopico problemov, a niso obvladala mehanizmov za njihovo reševanje. In veliko sem moral narediti sam.

Naši rekviziti so bili dotrajani, odrska oprema zastarela, gledališče pa v propadlem finančnem položaju (znano je, kaj se je takrat dogajalo v gospodarstvu) ni imelo sredstev, da bi odpravilo to luknjo. Torej, moramo iti do uradnikov, načelnikov, katerih ime je bilo vedno legija. Še vedno imamo več šefov kot delavcev. Bilo jih je veliko in še več jih je bilo. Kamor koli greš, je ogromno odborov, parlamentov in resorjev. Dobro bi bilo tudi, da bi uradniki uvedli uniforme - potem bi popolnoma postali podobni Nikolajevski "palični" Rusiji, kot so jo opisovali v sovjetskih časih. Samo takrat se nam ni sanjalo o tem, kar imamo zdaj! Hoja po visokih uradih je podobna Dantejevim krogom pekla: ni dejstvo, da bo zahtevano dodeljeno, vendar boste zagotovo prestali ponižanje. In iti morate tako, da se vaše podjetje ne ustavi, da najboljšim tradicijam gledališke umetnosti, domači kulturi na splošno, ki že na več načinov močno dihajo, ne bo ukazano, da živijo dolgo.

Tukaj sem šel. Na primer, v bližini našega gledališča na Arbatu je dolgo časa stala porušena hiša, ki ni bila predmet obnove in ni pripadala nikomur. Kot zrak smo potrebovali drugi oder za eksperimentalno delovanje v gledališču, za širitev repertoarja in končno za delo celotne skupine. In ni bilo mogoče dobiti zemljišča v soseski z besedilom "v popolnem upravljanju", da bi pritegnili investitorje in gradbenike. Na naše zahteve in razloge je bil samo en odgovor: »ni sredstev, ni priložnosti«. In vse bi se lahko končalo s tem, da bi kakšen pameten poslovnež ali vseprisotna mafija dal svojo tačko na te ruševine in bi se sredi Arbata pojavila še ena igralnica. V postsovjetski Rusiji se je namreč dogajalo, da so tudi pod gledališkimi tablami odpirali dvomljive trgovine zaradi dobička, zaradi česar so novopečeni poslovneži zlahka pozabili na pravi pomen uprizoritvenih umetnosti za družbo. Vendar je gledališče Vakhtangov še vedno uspelo dokazati svoj prav in zemljišče nam je bilo dodeljeno.

S turnejo so bile težave. Zgodilo se je celo, da je Moskva zaradi gospodarskih težav dve ali tri poletne izven sezone ostala brez povabljenih gledaliških skupin - preprosto jih ni bilo na kaj povabiti. Potem je bila že pot od Sankt Peterburga do Moskve polna precejšnjih težav. Poleg tega je državi resnično grozila izguba enotnega kulturno gledališkega prostora. Poleg tega so bile metropolitanske skupine v resnih težavah tudi pri organizaciji svojih ustvarjalnih izletov na periferijo. Iz situacije smo se rešili, kolikor smo znali. In izstopil! V začetku leta 2002 so se Vakhtangovci odpravili na turnejo v Kijev v polni moči, nastopali so v gledališču Lesya Ukrainka. To pomeni, da je bila zaposlenost trupe v produkcijah polna.

Kako vključiti vse igralce v predstave, jim omogočiti ustvarjalno rast in dostojen zaslužek - to je posebna razprava. Problem ni le Vakhtangov, univerzalen je za vsa gledališča. Dokler ni bilo denarja, dokler se ga nismo naučili zaslužiti, so gledališke skupine, ki so nastajale z leti, začele spominjati na ogromne okorne dreadnoughte. Po eni strani so prišli mladi igralci - niso si še nabrali dovolj izkušenj, da bi vlekli repertoar, a jim je že treba dati perspektivo. Na drugi strani pa je bilo veliko upokojencev, ki so zaradi zdravstvenih razlogov igrali vse manj, a jih v nobenem primeru ne bi smeli odpustiti – pokojnine so bile skromne in zaslužnemu jemati vlogo v naslednji predstavi. , svojega dolgoletnega sopotnika na odru, pomeni spraviti ga na rob napol lačnega obstoja. Zato sem se, kolikor se je dalo, boril za ohranitev negotovega ravnotežja med starejšo generacijo igralcev in mladino, tako rekoč ustvarjalno podpiral starejše, gledališče pa še vedno usmerjal k mladi, sveži krvi. In tukaj je rezultat: v zadnjih dvajsetih letih so na odru Vakhtangov zrasli pravi mojstri - A. Dubrovskaya, M. Aronova, E. Sotnikova, N. Grishaeva, S. Makovetsky, M. Sukhanov, V. Simonov, E. Knyazev, A .Zavialov, lahko navedete več imen. Mnogi od njih so v tujini znani kot odlični strokovnjaki, vabljeni so k sodelovanju na različnih gledaliških in filmskih prizoriščih, nenehno so v naši skupini. Toda moji stari prijatelji igralci so še vedno v čast - na primeru mnogih, mnogih čudovito odigranih vlog so vzgojili vredno zamenjavo zase, to je njihova zasluga. In potem se zelo mladi fantje, nedavni diplomanti gledališke šole, postopoma začnejo oglašati ... In vsi igralci našega gledališča imajo svoj ustvarjalni glas, imajo pravico, da gledalcu z odra povedo nekaj pomembnega.

Nekateri veliki imajo čudovito izjavo o razliki med Ciceronovim in Demostenovim oratorijem. Ko je imel Marko Tulij Ciceron govor, je bil rimski senat navdušen: »Bog, kako govori!« In ko je Demosten govoril z Grki, so Atenci zavpili: "Vojna Filipu Makedonskemu!"

Enako lahko rečemo o razliki v umetnosti ter režiji in igri. Umetnost nasploh ima veliko obrazov – in prav to jo dela zanimivo. Umetnost je brezmejna – in to jo dela lepo. Umetnost je vsevedna – in to jo dela čudovito.

Danes umetnost še vedno išče poti, kot v zasutem rudniku, do ljudi, do svetlobe in jih pogosto najde s pomočjo klasike. In tudi klasika - palica v roki utrujenega popotnika, ki tava skozi življenje.

Če je bilo treba, v težkih letih, smo se zanašali nanj, pa tudi v repertoar del sodobnih avtorjev. Tako te kot druge predstave bi lahko šle s polnimi dvoranami in brez njih.

A pomembno je, da je z njihovo pomočjo gledališče Vakhtangov preživelo. Preživel je tudi zaradi svoje izjemne, iskrive igralske šole. Dvajset let sem po svojih najboljših močeh ohranjal našo tradicijo in zdaj, ko se ozrem nazaj, lahko z zadovoljstvom ugotovim, da mi je na poti uspelo. Morda zato, ker sem uspeh vsakega režiserja, katerega koli igralca v našem gledališču dojemal kot svoj. In nisem videl nobenih koristi zase, razen uspeha gledališča.