Slika srebrne dobe. Srebrna doba v ruski umetniški kulturi. Tri področja intelektualne in umetniške ustvarjalnosti tistega časa: religiozna filozofija, simbolizem in avantgarda so bili glavni stebri kulture srebrne dobe.

Uvod

Prelom 19. in 20. stoletja. - posebno, kritično obdobje za Rusijo. Gospodarski razcvet in kriza, izgubljena svetovna vojna 1904-05. in revolucije 1905-07, prva svetovna vojna 1914-18. in posledično revoluciji februarja in oktobra 1917, ki sta zrušili monarhijo, nato pa oblast buržoazije. V družbi se je čedalje bolj krepil občutek neizogibnosti družbene krize, potrebe po spremembi vrednot. Populistična ideologija je propadla. Začelo se je iskanje novih ideoloških konceptov družbenega razvoja.

Družbena protislovja tiste dobe in protislovja ruske družbene misli so se odražala v duhovnem življenju Rusije. V družbi obstaja občutek katastrofičnosti časa, celovitosti kulture. Na tej podlagi se v literaturi in umetnosti porajajo apokaliptični motivi. Vendar je Rusija takrat doživela obdobje plodnega in dinamičnega razvoja kulture. To je bilo obdobje duhovnega preporoda, prenove. Filozof N. A. Berdjajev je to obdobje v zgodovini ruske kulture imenoval »srebrna doba«.

Za slikarje preloma stoletja so značilni drugi načini izražanja kot pri Potepuhih, druge forme umetniška ustvarjalnost-in podobe protislovne, zapletene in le posredno odsevajo sodobnost, brez ilustracije in pripovedi. Umetniki boleče iščejo harmonijo in lepoto v svetu, ki je v osnovi tuj tako harmoniji kot lepoti. Zato so mnogi svoje poslanstvo videli v negovanju čuta za lepoto. To je čas "predvečerov", čakanja na spremembe javno življenje je povzročilo številne trende, asociacije, združevanja, trk različnih svetovnih nazorov in okusov.

Srebrna doba je dobila široko razlago in se začela uporabljati za označevanje nekaterih kulturnih procesov, ki so se v tem obdobju odvijali v Rusiji. Navsezadnje so iste ideje, motivi, razpoloženja poleg literarne ustvarjalnosti hranili tudi glasbeno in gledališko, likovno umetnost, ki je hkrati odmevala z iskanjem ruske religiozne in filozofske misli. Obenem srebrna doba ni le odražala obstoječe zgodovinske razmere s filozofskimi in umetniškimi sredstvi, ampak je, ko se je oblikovala na podlagi novega pogleda na svet, sama ustvarila nov način razmišljanja in v nekem smislu novo družbenost. , kar nam omogoča, da jo opredelimo kot kulturo.

Izvor in koncept simbolike

Starogrška beseda "simbol" je prvotno imenovala kovanec, razdeljen na dvoje. Dva človeka, ki sta imela vsak polovico tega kovanca, sta se lahko prepoznala, ko sta se srečala, tako da sta oba dela sestavila skupaj. Vendar se je simbol sčasoma iz preprostega identifikacijskega znaka spremenil v enega najbolj zapletenih, zmogljivih, globokih konceptov svetovne kulture umetnosti in filozofije. Teme simbolizma ni mogoče umestiti v okvir določene šole, smeri, sloga, manire ... je bolj splošen diahroničen rez razvoja celotne svetovne umetniške kulture od pradavnine do danes.

Osnovna načela simbolizma so popolnoma izčrpana s pojmom "simbol". Simbol je najprej univerzalni koncept, univerzalna podoba, znak, vrsta pomenov, katerih pomenov je neskončno, kot je vesolje samo. V umetnosti je simbolika poskus človeka, da z omejenimi sredstvi uma izrazi neizrekljivo, transcendentalno, da intuitivno začuti tisto brezno, ki je onkraj vidnega sveta. Ustvarjalci, umetniki simbolizma, veljajo za posrednike med realnim in nadčutnim, povsod znamenja svetovne harmonije, preroško ugibajo znamenja prihodnosti, tako v sodobnih pojavih kot v dogodkih daljne preteklosti. Zato je simbolno na nek način sinonim za sveto.

Kot smer, simbolika v likovna umetnost se razvija sočasno s simbolizmom v literaturi v 60-70-ih. 19. stoletje, v dobi dekadence. vendar značajske lastnosti simbolizem se pojavi veliko prej: vsa ikonografija in slikarstvo srednjega veka sta imela globoko simboličen značaj.

Glavni motivi simbolizma v vizualni umetnosti so večne teme: smrt, ljubezen, trpljenje.

Ruska simbolika ima svoj poseben izvirni značaj, je edinstven mejnik v zgodovini svetovne kulture. Pojav simbolizma v Rusiji ob koncu 19. stoletja je povezan predvsem z dejavnostmi tako imenovanih starejših simbolističnih pesnikov in publicistov D. Merežkovskega in Z. Grippiusa; delno Valery Bryusov. Simbolika Merežkovskega in Grippija je predvsem krščanska, verska in mistična simbolika, razumevanje simbolike kot dejanja spoznanja Boga.

Najsvetlejše predhodnike ruskega simbolizma lahko upravičeno imenujemo F.M. Dostojevskega in filozofa S.M. Solovjov. Slednji je bil tudi pesnik in je s svojim pesniškim razumevanjem nauka o Sofiji, božji modrosti, določil značilnosti razvoja glavne smeri ruskega literarnega simbolizma od Grippija in Bloka. Izraz "simbolizem", za razliko od svojih predhodnikov, so mimo francoskega jezika postavili na grški vir. V žaru polemike je Blok celo pripomnil, da ima ruski simbolizem le po naključju isto grško ime kot francoski trend.

Oblikovanje umetnika srebrne dobe

V 80. letih 19. stoletja, v dobi duhovne stagnacije, se je začelo oblikovanje novega tipa umetnika. Pojavili so se dedni intelektualci, ki so izhajali iz profesorskih družin ali ustvarjalnih krogov.

Umetnika niso več dojemali kot obrtnika, postal je vladar misli. Bil je sijajno izobražen človek. znak ustvarjalni univerzalizem je postal umetnik srebrne dobe. Hrepenenje po univerzalizmu ne oživi stare romantične ideje o sintezi umetnosti. Srebrna doba je ponudila veliko možnosti za njegovo izvedbo: v sodobnosti, v dejavnostih "Sveta umetnosti" ...

Vendar pa univerzalizem ni bil le obvladovanje sorodnih specialitet. Kazalo se je v umetnikovi želji, da bi ustvarjalnost presegel ozke strokovne okvire svoje neposredne specialnosti. Prvič, predmet stalnih hobijev umetnikov srebrne dobe je bila filozofija. Pri tem ne mislimo samo na dejstvo, da ima večina modernistov umetnostno kritiko, filozofsko in estetsko oz. filozofska dela, temveč tudi filozofsko-konceptualnost vsebine njihovih umetniških del, zaradi česar jih moramo pripisati filozofsko mislečim umetnikom.

Umetnik, ki "oblikuje" realnost prihajajočega stoletja, ustvarja nov mit. Odmika se od dogajalnosti in ne ustvarja ilustracije upodobljenega, temveč njegov simbolni prenos, poetični ekvivalent. Umetniška fikcija postane nekakšna legenda o življenju, način za razumevanje njegovih skritih temeljev in zakonitosti.

Tako se je v kulturo vrnil mitopoetski pogled na svet, pesniško-čustveno doživljanje sveta, ki je bolj ustrezalo duhu časa kot njegovo refleksivno-diskurzivno obvladovanje. Mitologiziran pogled na svet in dialektično povezano mišljenje s simboli sta spodbudila zanimanje za tradicionalno ljudska umetnost brez neposredne empirične reprodukcije okoliške realnosti. Stare kulture je privlačil mitološki koncept sveta, njegovo celostno in harmonično dojemanje. Vendar pa se je novomitologizem bistveno razlikoval od mitologije kot oblike naivno-poetičnega mišljenja antike.

Tako se izkušnje arhaičnih obdobij v kulturi in za umetnika prekrivajo s poskusi sodobna umetnost prodrejo v najgloblje vdolbine notranji svet oseba. Zahvaljujoč posebnemu občutku in posebnemu zavedanju sedanjosti se je oblikoval umetnik srebrne dobe.

Obdobja zgodovine ruskega simbolizma srebrne dobe. Časovnica razvoja

Simbolizem v Rusiji se je rodil v treh časovnih obdobjih:

Prvi zajema sredino 1880-1900. - čas rojstva in razvoja simbolističnih teženj v delu kroga Abramtsevo in moskovskih umetnikov, združenje "Svet umetnosti";

Drugo obdobje je omejeno na 1900-14. - razcvet simbolističnega gibanja v literaturi, gledališču in plastičnih umetnostih, ko ustvarjajo Vrubel, Borisov-Musatov, mojstri Sveta umetnosti in mladina Modre vrtnice in ko se načela simbolizma edinstveno izvajajo v dela zgodnje ruske avantgarde;

Tretja je povezana z obdobjem prve svetovne vojne in revolucije, ki se je začela v Rusiji (1914-1920) - integralna v svojih težavah in dosežkih.

Evangelijska platna V.G. Perova, N.N. Ge, verske in zgodovinske slike pokojnih akademikov V.P. Vereščagina, G.I. Semiradsky, P.A. Svedomsky in drugi V letih 1880-90. ta težnja po posredovanju »notranje resnice« in avtorjeve žive, čustvene izkušnje bo našla svoj razvoj v verskih delih M.A. Vrubel, V.M. Vasnetsova, I.E. Repin.

V osemdesetih letih 19. stoletja, na vrhuncu zmagoslavja Potepuhov, so se pojavila zgodnja simbolistična dela M. A. Vrubela. Dualizem je prežemal njegovo delo; hkrati je manifestirala čaščenje Goethejeve naravne filozofije in dualizma Kanta, Schopenhauerja in Nietzscheja. Skoraj istočasno je umetnik naslikal svetnike in Demona, utelešenje teomahizma. Avtor vzvišenih in abstraktnih vzorcev je bil očaran nad mikrokozmosom rastlin, ornamentom vzorcev. V 1880-ih I.I. Levitan, S.V.Malyutin, A.Ya. Golovin, V.E. Borisov-Musatov, K.A. Somov, A.N. Benois, L.S. Bakst in drugi.

Pregled ruskega simbolizma je potekal v letih 1896-97. na "Razstavi eksperimentov (skic) umetniške ustvarjalnosti", v kateri so sodelovali Repin, Vasnetsov, Polenov, Golovin, Nesterov, Somov. Za simbolizem s svojim kultom nedokončanosti je bila značilna že sama ideja takšne razstave.

Leta 1890 sanje o združitvi pisateljev in umetnikov so bile na kratko uresničene v uredništvu revije Mir umetnosti: pesmi in proza Merežkovskega, Balmonta, Sologuba so bile natisnjene v zasnovi Benoita, Baksta, Lansereja. Številne njihove vinjete, zaključki, ohranjevalniki zaslona so priznane mojstrovine simbolistične grafike.

1890 dal širok spekter iskanj v smislu simbolike, ki se razvija, bo stalnica in priljubljena v naslednjih dveh desetletjih razvoja tega gibanja.

Ruski simbolizem v vizualni umetnosti, kot je bil na Zahodu, ni dal enotnega slogovnega toka (majhna izjema je skupina "nabidov" in udeležencev razstave "Modra vrtnica").

Značilnosti žanrskega slikarstva na prelomu 19. in 20. stoletja.

S krizo populističnega gibanja v 90. mnogi Potepuhi so doživeli ustvarjalni zaton. Kompleksni življenjski procesi so določali raznolikost oblik umetniškega življenja teh let.

Široka svobodna slikovna manira je rezultat evolucije v razvoju likovnih sredstev v vseh žanrih na prelomu stoletja. V iskanju »lepote in harmonije« se umetniki preizkušajo v najrazličnejših tehnikah in umetniških oblikah – od monumentalnega slikarstva in gledališke kulise do oblikovanja knjig in umetnostne obrti.

Na prelomu stoletja se je razvil slog, ki je zajel vse plastične umetnosti, imenovan secesija. Ta pojav je dvoumen, v modernosti je prisotna tudi dekadentna pretencioznost, pretencioznost, zasnovana predvsem za meščanske okuse, obstaja pa tudi želja po enotnosti sloga, ki je sama po sebi znana. V slikarstvu se je secesija kazala kot simbolika podob, nagnjenost k alegorijam.

V 90. letih. razvija se žanrsko slikarstvo. Kmečka tematika se razkriva na nov način. Razkol v podeželski skupnosti je poudarjeno obtožujoče upodobil Sergej Aleksejevič Korovin (1858-1908) v sliki "O svetu" (1893).

Abram Efimovič Arhipov (1862-1930) je v filmu Perice (1901) uspel pokazati brezupnost obstoja v težkem, napornem delu. To mu je v veliki meri uspelo z novimi slikarskimi odkritji, z novim razumevanjem barvnih in svetlobnih možnosti.

Zamolčanost, "podtekst", dobro ugotovljena izrazna podrobnost naredijo sliko Sergeja Vasiljeviča Ivanova (1864-1910) še bolj tragično.

Ivanov ima eno od del, posvečenih revoluciji leta 1905 - "Usmrtitev".

Tudi tu je ohranjena impresionistična tehnika »delne kompozicije«, kot naključno iztrgan okvir. Za Ivanova so značilni ostri svetlobni in senčni kontrasti, ekspresivna kontura predmetov in znana slikovna ravnina. Njegov jezik je lapidaren.

V 90. letih. 19. stoletje Umetnost vstopi v umetnika, ki delavca naredi za protagonista svojih del. Leta 1894 Slika N.A. Kasatkina (1859-1930) "Rudar", leta 1895 - "Premogovniki. Spremeni".

Andrej Petrovič Rjabuškin (1861-1904) deluje bolj v zgodovinskem žanru kot v čisto zgodovinskem žanru. "Ruske ženske 17. stoletja v cerkvi" (1899),

»Poročni vlak v Moskvi. 17. stoletje ”(1901) in drugi so vsakdanji prizori iz življenja Moskve v 17. stoletju. Rjabuškina je pritegnilo to stoletje s svojo medenjakovo eleganco, polikromiranostjo, vzorci. Rjabuškinova stilizacija se odraža v ploskosti slike, v posebnem sistemu plastičnega in linearnega ritma, v barvni shemi, zgrajeni na svetlih glavnih barvah, v splošni dekorativni rešitvi.

Apolinarij Mihajlovič Vasnecov (1856-1933) v svojih zgodovinskih kompozicijah posveča še večjo pozornost krajini.

Tudi njegova najljubša tema je 17. stoletje, a ne vsakdanji prizori, temveč arhitektura Moskve. Moskva konec 17. stoletja. Ob zori pri vstajenjskih vratih "(1900).

Nov tip slikarstva, v katerem so folklorne umetniške tradicije obvladale na povsem poseben način in jih prevedle v jezik sodobne umetnosti, je ustvaril Filip Andrejevič Maljavin (1869-1940). Njegove podobe "žensk" in "deklet" imajo določen simbolni pomen - zdravo rusko zemljo. Slike so vedno ekspresivne. "Smeh" (1899), "Vihra" (1906)

Slika je obsežna, skicozna s teksturirano potezo čopiča. Malyavin je v svojem slikarstvu združil izrazni dekorativnizem z realistično zvestobo naravi.

Mihail Vasiljevič Nesterov (1862-1942) se je tako kot številni mojstri pred njim loteval teme Stare Rusije, vendar se podoba Rusa na slikah pojavlja kot nekakšen idealen, skoraj začaran svet, v sozvočju z naravo. Ta izostren čut za naravo, veselje pred svetom, pred vsakim drevesom in travko pride še posebej do izraza v enem najbolj znana dela Nesterov - "Vizija mladostniku Bartolomeju" (1889-1890), "Kristusova nevesta" (1887). Nesterov je naredil veliko monumentalnega verskega slikarstva. Freske so vedno posvečene starodavni ruski temi. Na stenskih slikah Nesterova je veliko resničnih opazovanih znakov, zlasti v pokrajini, portretnih značilnostih - v podobi svetnikov. V umetnikovem stremljenju k ploskovni interpretaciji kompozicije elegance, ornamentalnosti, rafinirane prefinjenosti plastičnih ritmov se je pokazal nedvomen vpliv secesije. Nesterova pokrajina igra eno glavnih vlog.

Krajinski žanr se ob koncu 19. stoletja razvije na nov način. Novo besedo na prelomu stoletja so izrekli številni umetniki.

Že v zgodnjih krajinah Konstantina Aleksejeviča Korovina (1861-1939) se rešujejo povsem slikovni problemi - pisati sivo na belo, črno na belo, sivo na sivo. Za briljantnega kolorista se zdi, da je svet "izgred barv". Slikal je tako portrete kot tihožitja, a njegova najljubša zvrst je bila krajina. V umetnost je prinesel močno realistično tradicijo svojih učiteljev - to je drugačen pogled na svet, postavlja druge naloge. Pleneristično je začel slikati zgodaj. "V čolnu"

"Zima na Laponskem". Njegove francoske krajine so že precej impresionistična pisava, z njegovo najvišjo kulturo etide. "Pariz. Boulevard des Capucines" (1906), "Pariz ponoči. Italijanski bulvar (1908). Korovin ohranja enake značilnosti impresionistične etidne kakovosti, slikarskega mojstrstva, presenetljive likovnosti v vseh drugih žanrih, predvsem v portretu in tihožitju, pa tudi v dekorativnih ploščah, uporabni umetnosti in gledališki scenografiji. "Portret Chaliapina" (1911), "Ribe, vino in sadje" (1916).

Eden največjih umetnikov, inovator ruskega slikarstva na prelomu stoletja, je bil Valentin Aleksandrovič Serov (1865-1911). Njegovi "Dekle z breskvami" (1887) in "Dekle, osvetljeno s soncem" (1888) sta cela stopnja v ruskem slikarstvu. Serov je bil vzgojen med uglednimi osebnostmi ruske glasbene kulture - njegov oče je bil slavni skladatelj, in njegova mati - znana pianistka, študirala pri Repinu in Čistjakovu, preučevala najboljše muzejske zbirke v Evropi. Zgornji portreti so bili naslikani v Abramcevu in so vstopili v umetnost s svojim svetlim in poetičnim pogledom na svet. V portretih Serova so načela plenerističnega slikarstva. Tako umetnik upodablja ljudi v sozvočju s svetom, polne treme in notranjega gibanja. Barve so podane v kompleksni interakciji med seboj. Serov se od kritičnega realizma svojega učitelja Repina odmika k "poetičnemu realizmu" (izraz D. V. Sarabjanova). Za razliko od impresionistov se Serov v tem mediju nikoli ne raztopi, tako da se dematerializira, njegova kompozicija nikoli ne izgubi stabilnosti, mase in je vedno v ravnovesju.

Serov pogosto slika predstavnike umetniške inteligence: pisatelje, umetnike in umetnike (portret Korovin 1891, Levitan 1892, Orlova (1910-1911), Jermolova 1905.

Vse interpretira posamezno, a vse nosijo luč intelektualne ekskluzivnosti in navdihujočega ustvarjalno življenje. Serov oblikuje simbolično podobo, ki izraža pomen celotne dobe.

"Peter 1" (1907).

Tukaj Serov uspe prikazati hitro gibanje kralja in dvorjanov, ki nesmiselno hitijo za njim. Umetnik občuduje izvirnost svojega junaka.

Portret, pokrajina, tihožitje, domače, zgodovinsko slikarstvo: olje, gvaš, tempera, oglje - težko je najti slikarske in grafične žanre, v katerih Serov ne bi delal, in materiale, ki jih ne bi uporabljal.

Posebna tema v delu Serova je kmečka. V njegovem kmečkem žanru je čutiti lepoto in harmonijo kmečko življenje občudovanje zdrave lepote ruskega ljudstva. "V vasi. Baba s konjem", pastel (1898)

Še posebej slikovite so njegove zimske pokrajine s srebrno-biserno paleto barv "Zima".

Serov je nenehno iskal nove oblike umetniškega uresničevanja resničnosti. Ideje o ploskosti in večji dekorativnosti, ki jih je navdihnila Art Nouveau, se niso odražale le v zgodovinskih kompozicijah, ampak tudi v njegovem portretu plesalke Ide Rubinstein.

Pomembno je, da se Serov ob koncu svojega življenja obrača na starodavni svet. "Ugrabitev Evrope" (1910). Umetnik je večplasten v svoji evoluciji od impresionistične pristnosti portretov in krajin 80. in 90. let. do secesije v zgodovinskih motivih in kompozicijah iz antične mitologije.

Ustvarjalna pot Mihaila Aleksandroviča Vrubela (1856-1910) je bila bolj neposredna, a hkrati nenavadno zapletena. Od univerze v Sankt Peterburgu, kjer je diplomiral na pravni fakulteti, do akademije umetnosti. Vrubel ima poln skrivnosti in skoraj demonski slog pisanja. Tega sloga ne smete zamenjati z nobenim drugim. Oblikuje obliko, kot mozaik, iz ostrih "fasetiranih" kosov različnih barv, kot da žarijo od znotraj ("Dekle na ozadju perzijske preproge" 1886, "Vedeževalka" 1895)

Barvne kombinacije ne odražajo realnosti barvnega razmerja, ampak imajo simbolni pomen. Narava nima moči nad Vrubelom. Pozna jo, popolnoma jo poseduje, vendar ustvarja svoj domišljijski svet, malo podoben resničnosti. V tem smislu je Vrubel antiteza impresionistom, saj nikakor ne teži k fiksiranju neposrednega vtisa realnosti. Nagiba se k literarnim zapletom, ki jih interpretira abstraktno in skuša ustvariti podobe večne, ogromne duhovne moči (»Tamarin ples«, »Ne joči, otrok, ne joči zaman«, »Tamara v krsti« itd.). .). Leta 1890 je ustvaril svojega "Sedečega demona" - delo, pravzaprav brez zapletov, a podoba je večna. Podoba demona je osrednja podoba celotnega Vrubelovega dela, njegova glavna tema. "Leteči demon" 1899, "Poraženi demon" 1902.

Vrubelov demon je trpeče bitje. Trpljenje prevlada nad zlom in to je posebnost nacionalne ruske interpretacije podobe. Sodobniki so v njegovih "Demonih" videli simbol usode intelektualca - romantika, ki poskuša uporniško pobegniti iz resničnosti brez harmonije v svetu. resnični svet sanje. Ta tragedija Vrubelovega odnosa določa njegovo značilnosti portreta: duševno neskladje, zlom v njegovih avtoportretih, budnost, skoraj prestrašenost, a tudi veličastna moč, monumentalnost - v portretu S. Mamontova (1894), zmeda in tesnoba - v pravljični podobi princese labodov ( 1900)

Vrubel je sam oblikoval svojo nalogo - "prebuditi dušo z veličastnimi podobami iz majhnih stvari vsakdanjega življenja." M.A. Vrubel "Avtoportret" 1904.

Zelo pomembno vlogo v Vrubelovem življenju je imel že omenjeni Savva Mamontov. "Portret Save Mamontova" 1897

V Abramcevu je naredil veliko monumentalnega in štafelajnega slikarstva, obrača se k folklori: k pravljici, epu, kar je privedlo do plošč "Mikula Selyanovich", "Bogatyrs". Umetnik se preizkuša v keramiki, zanimata ga poganska Rusija in Grčija, Bližnji vzhod in Indija – vse kulture človeštva, katerih umetniške tehnike želi doumeti. In vsakič, ko je vtise, ki jih je zbral, spremenil v globoko simbolične podobe, ki odražajo vso izvirnost njegovega pogleda na svet.

Svoja najbolj zrela slikarska in grafična dela je Vrubel ustvaril na prelomu stoletja - žanr krajine, portreta, knjižne ilustracije. V organizaciji in dekorativno-ploskovni interpretaciji platna ali lista, v kombinaciji realnega in fantastičnega, v zavezanosti ornamentalnim, ritmično zapletenim rešitvam se v njegovih delih tega časa vse bolj uveljavljajo poteze moderne.

Tako kot Korovin je tudi Vrubel veliko delal v gledališču. Dela, za katera je slikal kulise (Sneguročka, Sadko itd.), so omogočila "komunikacijo" z rusko folkloro, pravljicami in legendami.

Vrubelovo delo je svetlejše od drugih odražalo protislovja in boleča metanja prelomne dobe.

Neposredni predstavnik slikovne simbolike je Viktor Elpidiforovič Borisov-Musatov. Je eden prvih retrospektivnih umetnikov v likovni umetnosti obmejne Rusije. Njegova dela so elegična žalost po starih praznih »plemiških gnezdih« in propadajočih »češnjevih sadovnjakih«, po lepih ženskah, poduhovljenih, skoraj nezemeljskih, oblečenih v nekakšne brezčasne kostume, ki ne nosijo zunanjih znamenj kraja in časa.

Njegova štafelajna dela ne spominjajo niti na okrasne plošče, temveč na tapiserije. Prostor je rešen skrajno pogojno, ploskovno ("Gobelin"), figure so skoraj eterične, kot na primer dekleta na sliki "Ribnik" 1902, tempera.

Potopljen v sanjsko meditacijo, v globoko kontemplacijo. Zbledeli, bledo sivi odtenki barv povečajo splošni vtis krhke nezemeljske lepote.

Vodilni umetnik "Sveta umetnosti" je bil Konstantin Andrejevič Somov (1869-1939).

Prejel je odlično izobrazbo. Ustvarjalna zrelost je prišla do njega zgodaj, vendar je bila v njem očitna neka dvojnost - boj med močnim realističnim instinktom in bolečim čustvenim pogledom na svet. slikarska simbolika srebrna doba

Somov, kot ga poznamo, se je pojavil v portretu Martynove "Dama v modrem", 1897-1900, v portretni sliki "Odmev preteklega časa", 1903, kjer ustvarja poetično karakterizacijo krhkega, anemičnega. ženska lepota dekadentni model, ki noče posredovati resničnih vsakdanjih znakov modernosti. Modele obleče v starodavne noše, njihovemu videzu daje poteze skrivnega trpljenja, žalosti in zasanjanosti, boleče zlomljenosti.

Somov ima serijo grafičnih portretov svojih sodobnikov - intelektualne elite, v katerih uporablja eno skupno tehniko - na belem ozadju - v določeni brezčasni sferi - nariše obraz, v katerem podobnost ni dosežena z naturalizacijo, temveč s krepko posplošitve in ustrezen izbor značilnih podrobnosti. To pomanjkanje znakov časa ustvarja vtis statičnosti, togosti, hladnosti, skoraj tragične osamljenosti.

Za umetnika je značilen historizem, bil je beg od realnosti. Ne preteklost, ampak njena uprizoritev, hrepenenje po njeni nepovratnosti - to je glavni motiv. "Pismo" 1896, "Cofidencia" 1897.

Druga dela Somova so pastoralne in galantne veselice, polne jedke ironije, duhovne praznine, celo brezupnosti. Ljubezenski prizori so vedno erotični.

Somov je veliko delal po urniku. Knjige, ki jih je oblikoval, so kot en sam organizem s svojo lastno ritmično in slogovno enotnostjo.

Idejni vodja "Sveta umetnosti" je bil Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) - nenavadno vsestranski talent. Slikar, grafik in ilustrator, gledališki umetnik, režiser, avtor baletnih libretov, umetnostni teoretik in zgodovinar, glasbenik. Kot umetnika ga s Somovim povezujejo slogovne težnje in nagnjenost k preteklosti. V versajskih pokrajinah Benoisa, zgodovinski rekonstrukciji 17. stoletja in sodobnih vtisih umetnika, njegovem dojemanju francoski klasicizem, francoska gravura. Od tod jasna kompozicija, jasna prostornost, mogočnost in hladna strogost ritmov, nasprotje med mogočnostjo umetnostnih spomenikov in majhnostjo človeških figur, ki so med njimi le kadri. "Zadnji sprehodi Louisa 14" 1896 - 1898 - prva serija Versailles, v drugi seriji pa se sliši nekaj ironije, pobarvane s skoraj tragičnimi notami. "Kraljeva pot" 1906.

Naravo Benois dojema v asociativni povezavi z zgodovino. V seriji slik iz ruske preteklosti po naročilu založbe Knebel v prizorih plemiškega, veleposestniškega življenja v 18. st. Benoist je ustvaril intimno podobo te dobe, čeprav nekoliko teatralno.

"Parada pod Pavlom 1" 1907

Benois - ilustrator - je cela stran v zgodovini knjige. Ravnina stranice zanj ni sama sebi namen. Ilustracije so bile dokaj celovita samostojna dela, ne toliko »umetnost knjige« kot »umetnost v knjigi«.

Kot gledališki oblikovalec je Benois oblikoval predstave Ruskih sezon. Lik Benoisa - umetnostnega kritika in umetnostnega zgodovinarja - je cela faza v zgodovini umetnostne kritike.

Tudi v jedru "Sveta umetnosti" je bil Lev Samuilovič Bakst (1866-1924), ki je zaslovel kot gledališki umetnik. Na prvih razstavah je razstavil vrsto slikarskih in grafičnih portretov, kjer se je narava, prihajajoča v toku bivanjskih stanj, spreminjala v nekakšen idealen prikaz sodobnega človeka. To so portreti Benoisa, Belyja, Somova, Rozanova, Grippiusa, Diaghileva.

V Bakstovih grafikah ni motivov 18. stoletja. In posestne teme. Gravitira proti antiki, še več, k grški arhaiki, interpretirani simbolično. Poseben uspeh je doživela slika "Starodavna groza", tempera, 1908.

Kmalu se je Bakst popolnoma posvetil gledališkemu in scenografskemu delu, svetovno slavo pa so mu prinesli kulise in kostumi za balete antrepreze Djagiljev, izvedeni z izjemnim sijajem, virtuoznostjo, umetniško.

Še posebej lahko rečemo o Nicholasu Roerichu. Z odlično izobrazbo si je kmalu pridobil avtoriteto znanstvenika. Privlačila ga je poganska slovanska in skandinavska antika, starodavna Rusija. Opažene so bile slogovne tendence, teatralna dekorativnost. "Messenger", 1897, "The Elders Converge", 1898, "Sinister", 1901.

Roerich je bil najtesneje povezan s filozofijo in estetiko ruskega simbolizma, vendar se njegova umetnost ni ujemala z obstoječimi trendi, ker. ta je v skladu z umetnikovim svetovnim nazorom tako rekoč nagovarjala vse človeštvo s pozivom k prijateljski zvezi vseh narodov. Od tod posebna epskost njegovih slik.

Po letu 1905 je v Roerichovem delu raslo razpoloženje panteistične mistike. Zgodovinske teme dati prostor verskim legendam. "Nebeški boj", 1912.

Ruska ikona je imela velik vpliv na Roericha. "Bitka pri Kerzhentsu", 1911

Eden od nadarjenih umetnikov je bil Boris Mihajlovič Kustodijev (1878 - 1927), Repinov učenec. Ima tudi stilizacijo, a to je stilizacija ljudski tisk. Od tod svetli praznični "sejmi", "pustni dan",

»Balagany«, torej njegove slike iz meščanskega, trgovskega življenja, podane z rahlo ironijo, a brez občudovanja teh rdečeličnih, napol zaspanih lepotic za samovarjem in s krožniki v debelih prstih.

"Trgovec" 1915,

"Trgovec za čaj" 1918.

Umetnost predrevolucionarnih let v Rusiji zaznamujeta nenavadna kompleksnost in nedoslednost umetniških iskanj, zato se združevanja zamenjujejo s svojimi programskimi nastavitvami in slogovnimi simpatijami.

Sijajna priča vitalnosti narodnih tradicij je veliko starodavno rusko slikarstvo delo Kuzme Sergejeviča Petrova-Vodkina (1878-1939), umetnika misleca, ki je pozneje postal najvidnejši mojster umetnosti sovjetskega obdobja. V znameniti sliki "Kopanje rdečega konja" leta 1912 se je umetnik zatekel k figurativni metafori. Kot je bilo pravilno ugotovljeno, mladenič na svetlo rdečem konju vzbuja asociacije na priljubljeno podobo sv. Jurija Zmagovalca in posplošeno silhueto, ritmično, kompaktno kompozicijo, nasičenost kontrastnih barvnih pik, ki zvenijo v polni moči, in ploskost v interpretaciji oblik spominja na starodavno rusko ikono. Dela mojstra so osredotočena na tradicijo ruske umetnosti, vodijo mojstra do prave narodnosti.

Likovna društva in likovne kolonije v slikarstvu

1900-zač 1910 so bili razcvet umetniških razstav: razstave društev "Svet umetnosti", Moskovskega združenja, Zveze mladih, spomladanske razstave Akademije umetnosti; za enkratno uporabo - "Škrlatna vrtnica", "Modra vrtnica", "Stefanos", "Venec", Salonov S.K. Makorovsky, V.A. Izdebsky, Saloni "zlatega runa" so zajeli razvoj ruskega slikarstva od impresionizma in simbolizma do neoprimitivizma, kubofuturizma, abstraktnega ekspresionizma, "analitične umetnosti".

Muzej ruske antike.

Začetek stoletja v umetnosti in obrti je zaznamovala svetlo simbolična figurativna rešitev kompleksa stavb S.V. Malyutin poimenovan po M.K. Tenisheva Talashkino blizu Smolenska. Posestvo je vedno imelo veliko gostov, vključno z umetniki A.N. Benois, I.E. Repin, M.A. Vrubel, K.A. Korovin, kipar Trubetskoy in mnogi drugi Umetnik N.K. Roerich, ki je slikal v cerkvi Svetega Duha, nedaleč od posestva. Tukaj je živel umetnik S. Malyutin, ki je zasnoval in okrasil leseno hišo "Teremok". Teniševa je v spremstvu umetnikov, zgodovinarjev in arheologov potovala po ruskih mestih in vaseh ter zbirala predmete dekorativne in uporabne umetnosti: tkanine, vezene brisače, čipke, rute, oblačila, keramiko itd. To je bil začetek edinstvenega Muzeja ruske antike, ki je bil odprt v Smolensku leta 1998.

"Umetniški krog Abramcevo".

S posestvom Abramcevo je povezanih veliko zanimivih imen ruske kulture: pisatelj S.A. Aksakov, N.V. Gogol, I.S. Turgenjev. Leta 1870 je posestvo kupil S.I. Mamontov je subtilen poznavalec umetnosti. Prav on je postal ustanovitelj ustvarjalnega združenja, ki se je v zgodovino zapisalo pod imenom "Abramtsevo Artistic Circle". Mamontov je okoli sebe zbral tako izjemne umetnike, kot je I.E. Repin, V.M. Vasnetsov, V.D. Polenov, M.N. Nesterov, M.A. Vrubel, K.A. Korovin, V.A. Serov in drugi, vsak od njih je obiskal Abramcevo in prispeval k življenju »umetniške kolonije«.

Združenje "Svet umetnosti" in njegov pomen v razvoju ruske kulture.

Skupina, v kateri se je rodil močan in vpliven kulturni in estetski trend, ki se združuje okoli revije "Svet umetnosti", je nastala v Sankt Peterburgu v zgodnjih devetdesetih letih 19. stoletja. s skromnim namenom samoizobraževanja. V kratkem času se je pripravila na široko družbeno dejavnost in začela vplivati na aktualno umetniško življenje. V razvoju družbenega življenja kroga je bila vloga S.P. Djagiljev. Glavna ideja, ki ga je vodila, je izhajala iz globokega prepričanja o svetovnem pomenu ruske umetnosti. Zadal si je cilj združiti najboljše ruske umetnike, jim pomagati vstopiti v evropsko umetniško življenje in po njegovih besedah »povzdigniti Ruska umetnost na zahodu". Djagilev je tej nalogi posvetil vso svojo dejavnost. Njegova peterburška skupina, v kateri so bili Somov, Bakst, Benois in Lansere, je stopila v tesno zavezništvo z Vrubelom, Levitanom, Serovom, Korovinom, Nesterovom, Rjabušinskim in drugimi moskovskimi slikarji. To široko združenje, ki je neizmerno preraslo obseg prvotne skupine Djagiljev, je služilo kot osnova, na kateri je Djagilev lahko organiziral umetniško revijo, ki je v zgodnjih letih 20. stoletja postala ideološko središče ruske umetnosti.

Revija, imenovana "Svet umetnosti", je izhajala 6 let (1899-1904) pod urednikovanjem Diaghileva in letno organizirala umetniške razstave pod istim imenom. Glavno jedro teh razstav je vedno predstavljalo delo slikarjev in grafikov peterburške skupine Djagiljev. V njihovi sredini se je oblikovalo umetniško gibanje "Svet umetnosti".

Zgodovina "sveta umetnosti" ima dva ločena, čeprav povezana vidika:

Po eni strani je to zgodovina ustvarjalne smeri, ki se je razvila v peterburški skupini umetnikov z Benoisom in Somovom na čelu;

Po drugi strani pa je to zgodovina kompleksnega kulturnega in estetskega gibanja, ki je v svojo orbito vključilo vrsto velikih ruskih mojstrov, katerih delo se je razvijalo neodvisno od peterburške skupine, včasih pa je na svoj način daleč od nje. . ideološke vsebine in slikovni jezik.

To gibanje ni zajelo le slikarstva in grafike, temveč tudi številna sorodna področja kulture in je vplivalo na rusko arhitekturo, kiparstvo, poezijo, balet in Operno gledališče, pa tudi umetnostna kritika in znanost o umetnosti. Izobraževalno delo "Sveta umetnosti" je bilo v šestih letih njegovega obstoja usmerjeno po dveh glavnih kanalih: revija je, prvič, pokrivala trenutno stanje likovne umetnosti v Rusiji in v nekaterih državah zahodne Evrope, in, drugič, sistematično, sistematično odpira bralcem pozabljene ali nerazumljive vrednote nacionalne umetniške kulture preteklosti. Bolj kot se je razvijala dejavnost revije, pomembnejše so v njej pridobivale teme ruske antike. »Svet umetnosti« se je razvil iz secesije v retrospektivizem. Med tem razvojem so člani revije prišli do številnih pomembnih zgodovinskih in umetnostnih odkritij: Svet umetnosti je bil tisti, ki je postavil temelje za sistematično preučevanje ruske umetniške kulture 18. stoletja. , doslej napol pozabljene in celo zmotno interpretirane. Slava D.G. Levitsky in V.L. Borovikovski, pa tudi izjemni arhitekti ruskega baroka in klasicizma, so začeli z deli Djagileva, Benoisa, Grabarja in drugih.

Prvi v ruski znanosti so se obrnili na dediščino ruskih romantikov in sentimentalistov, raziskovalci pa so na novo ovrednotili delo O.A. Kiprenski, A.G. Venecianov, F. Tolstoj.

Istim kritikom pripisujejo radikalno revizijo uveljavljenih napačnih predstav o stari sanktpeterburški arhitekturi. Njo umetniška vrednost je bil popolnoma precenjen. Članki Benoisa, ki se je poklonil lepoti starega Peterburga, so bili pravo razodetje za tedanje bralce.

V združenju Svet umetnosti sta oživljali in oblikovali rusko knjižno grafiko novega časa, pa tudi rusko gledališko kulturo.

Revija je načrtno podpirala razvoj umetnostne in umetnostne obrti.

Nazadnje se je s »Svetom umetnosti« začela nova faza v zgodovini ruske umetnostne kritike in umetnostne zgodovine. Uspehi, ki jih je Svet umetnosti dosegel v organizacijskih zadevah, so ruskim umetnikom dali zagon za ustvarjanje novih razstavnih skupin in ustvarjalnih združenj.

"Modra vrtnica".

Na prelomu stoletja je umetnost vzplamtela z idejo o popolni neodvisnosti, samozadostnosti. Pobudniki boja za čistost in notranjo vrednost umetnosti so bili simbolistični pesniki in umetniki skupine Svet umetnosti. Umetnost se je vse bolj utrjevala v svoji posebnosti, opirajoč se na notranje možnosti.

Prva skupina, od katere se začne odštevanje novih trendov v ruskem slikarstvu zgodnjega 20. stoletja, je bila Modra vrtnica. Pod tem imenom so leta 1907 v Moskvi odprli razstavo, na kateri so sodelovali A. Arapov, N. Krimov, P. Kuznecov, V. in N. Milioti, N. Sapunov, M. Saryan, S. Sudeikin, P. Utkin in drugi, skupaj 16 umetnikov.

Vernisaža leta 1907 ni bila presenečenje, že na prvih razstavah Sveta umetnosti so se pojavila prva dela nekaterih bodočih Modrih nosilcev. Leta 1904 je bila v Saratovu urejena razstava "Škrlatna vrtnica", ki je neposredna predhodnica "Modre". Udeležil se ga je Saratov - povabljeni so bili V. Borisov-Musatov, P. Kuznetsov, P. Utkin, mladi umetniki izven mesta Saryan, Sapunov, Sudeikin, Arapov, Vrubel. Slednji je odigral pomembno, navdihujočo vlogo pri delu vseh Modrih medvedov. Razstava "Modra vrtnica", organizirana na račun pokrovitelja in založnika "Zlatega runa", amaterskega umetnika N. Rjabušinskega, je bila odprta 18. marca 1907 v Moskvi, v hiši proizvajalca porcelana M. Kuznetsova. Po vsej svoji strukturi se je razlikovala od običajnih razstav, predstavljala je nekakšen skrivnostni svet: »ali salon ali kapelo« z zatemnjenimi lučmi in prosojnimi zavesami. A glavno presenečenje so bila dela sama. V dvoranah, okrašenih s srebrno sivimi in bledo modrimi tkaninami, so bile slike in grafika štirinajstih umetnikov - P. Kuznecova, P. Utkina, N. Sapunova, M. Saryana, S. Sudeikina, N. Krimova, A. Arapova, A Fonvizin, N. in V. Milioti, N. Feofilaktov, V. Drittenpreis, I. Knabe in N. Rjabušinski. Tu so bila tudi kiparska dela A. Matvejeva in P. Bromirskega. Glasbo ruskih skladateljev so izvajali najboljši glasbeniki, brali so poezijo A. Belega in V. Brjusova.

Ime razstave in združenje ter slog del sodelujočih so tesno povezani z estetiko simbolizma. Modra barva - barva neba, vode, neskončnega prostora - kot da bi poosebljala poetične sanje in resničnost, melanholijo in upanje. "Modra vrtnica" je bila skupinska razstava, združena z enotnim estetskim programom. Zaradi njenega pojava so prejšnja likovna združenja, med njimi tudi Svet umetnosti, izgubila nekdanji pomen. Nadaljevanje podvigov "Sveta umetnosti" je "Modra vrtnica" hkrati nasprotovala svetu umetniške stilistike in pismenosti ter v umetniško zavest dobe vnesla bistveno novo. To je bil prvi korak ruske umetnosti izven meja 19. stoletja. Ekskluzivnost "Modre vrtnice" je bila v tem, da so njeni umetniki znali plastično izraziti nematerialne kategorije - čustva, razpoloženja, čustvena doživetja. Ker je neoprimitivizem postal sestavni del, je bila Modra vrtnica predhodnica ruske avantgarde. Njene ideje so pobrali in razvili na svoj način v delih N. Goncharova, M. Larionov, K. Malevich.

Goluborozoviti so bili povezani z moskovskimi simbolističnimi pesniki, s simbolističnima skladateljema Skrjabinom in Menterjem. Če jih primerjamo s simbolističnimi pesniki, ne moremo ugotoviti pomembne razlike. Pesniki so ustvarili svojo teorijo simbolizma, vsi pesniki, ki so pisali o simbolizmu v 1890-1900, so v svojih teorijah idejo o pomenu podobe, neustreznosti zunanjega izražanja notranjemu stanju duše, jasno je izražena neizrekljivost višje duhovnosti.

»Simbolistični slikarji niso zgradili lastne teorije. Vrubel v svojem zgodnjem simbolizmu devetdesetih let 19. stoletja. Veliko sem vzel iz romantičnega koncepta ustvarjalnosti. Borisov-Musatov je govoril in pisal bolj o muzikalnosti in harmoniji kot o simbolu. Goluborozovisti Kuznecov, Utkin, brata Milioti in drugi so brez dvoma razmišljali o simbolnem pomenu umetniška podoba vendar z redkimi izjemami svojih misli niso izrazili ustno. Vsi mojstri so bili predvsem praktični slikarji, ki so z lastno ustvarjalnostjo uspeli ustvariti določen likovni sistem.

Društvo Modra vrtnica je leta 1910 prenehalo obstajati.

Zaključek

Torej je slikanje simbolizma način prenosa kulturne izkušnje in vir razvoja ustvarjalnega mišljenja in prostorske domišljije.

Ruski simbolizem je v nasprotju z zahodnoevropskim simbolizmom, ki se je v glavnem razvijal kot literarna in umetniška šola, že od samega začetka želel preseči umetnost samo in postati široka kulturna smer, določen pogled na svet, s ciljem rešiti in preobrazba človeštva. Ruski simbolisti so verjeli, da je pravi umetnik, ki je teurg, poklican ustvarjati ne le umetniške oblike življenja. Ruska simbolika je ena tipičnih manifestacij življenjskega ustvarjanja.

Slikoviti sistemi ruskega simbolizma, zgrajeni na plastiki in literarne podlage, oblikoval izvirno narodno šolo, ki zavzema pomembno mesto v vseevropski simboliki na področju plastične umetnosti.

Teorija in praksa ruskega simbolizma temeljita na muzikalnosti, saj je glasba najpopolnejša oblika umetnosti, vključuje vse ostale oblike umetnosti in neposredno izraža transcendentni svet. Iskanje in širjenje glasbenih izraznih sredstev v slikarstvu, samo gibanje k ustvarjanju le-teh slike, so bili pozvani, da obnovijo izgubljeno celovitost, enotnost vesolja.

Tako so se v ruskem slikarstvu simbolizma uresničila glavna teoretična načela simbolizma, in sicer problem ustvarjanja življenja, teurgije, sinteze itd.

Seznam uporabljene literature

1. M.A. Voskresenskaya "Simbolizem kot pogled na svet srebrne dobe" Moskva "Logos", 2005;

2. I. Golitsyna »Zgodovina ruskega slikarstva. Prelom 19. in 20. stoletja "Moskva" Belo mesto ", 2007;

3. T.V. Ilyin, Zgodovina umetnosti. Domača umetnost "Moskva" Srednja šola«, 2000;

Periodična literatura:

4. »50 ruskih umetnikov. Mojstrovine ruskega slikarstva" Izdaja št. 5, Moskva, LLC "De Agostini", 2010;

5. »50 ruskih umetnikov. Mojstrovine ruskega slikarstva" Izdaja št. 11, Moskva, LLC "De Agostini", 2010;

6. Bibliotekar.ru

8.rutracker.org

Podobni dokumenti

Duhovni in umetniški izvori srebrne dobe. Vzpon kulture srebrne dobe. Izvirnost ruskega slikarstva poznega XIX - začetka XX stoletja. Likovna združenja in njihova vloga v razvoju slikarstva. Kultura pokrajin in manjših mest.

seminarska naloga, dodana 19.01.2007

Intenzivnost srebrna doba v ustvarjalnih vsebinah iskanje novih izraznih oblik. Glavne umetniške smeri "srebrne dobe". Pojav simbolizma, akmeizma, futurizma v literaturi, kubizma in abstrakcionizma v slikarstvu, simbolizma v glasbi.

povzetek, dodan 18.03.2010

Srebrna doba kot manifestacija duhovne in umetniške renesanse, ki je zaznamovala vzpon ruske kulture do konca 19. in 20. stoletja. Koncept besednega niza. Analiza in pomen simbolizma v literaturi, glasbi in slikarstvu. Značilnosti simbolnega gledališča.

predstavitev, dodana 27.03.2015

Silhueta srebrne dobe. Glavne značilnosti in raznolikost umetniškega življenja obdobja "srebrne dobe": simbolizem, akmeizem, futurizem. Pomen srebrne dobe za rusko kulturo. Zgodovinske značilnosti razvoja kulture v poznem XIX - začetku XX stoletja.

povzetek, dodan 25.12.2007

Pojem in posebnosti toka simbolizma na področju slikarstva. Izjemni predstavniki ruskega in tujega simbolizma, ocena njihovih ustvarjalnih dosežkov. Analiza znanih del simbolizma, njihove teme in pomen v svetovni kulturi.

predstavitev, dodana 28.02.2017

Prelomnica v zgodovini ruske umetnosti na začetku 18. stoletja. Uspehi v portretnem žanru. Slike, ki so jih ustvarili Rokotov, Nikitin, Levitsky, Borovikovsky in drugi avtorji tistega časa. Zanimanje za vsakdanji žanr in pokrajino. Značilnosti ruskega slikarstva XIX stoletja.

predstavitev, dodana 29.11.2011

Študij ustvarjalne dediščine umetnika Andreja Rubleva. Analiza prispevka ikonopisca Dionizija k razvoju ruskega slikarstva. Preučevanje njegove umetniške metode. Pojav slikarske šole Stroganov. Mesto posvetnega slikarstva v ruskem slikarstvu 16. stoletja.

predstavitev, dodana 18.09.2014

Ustvarjalnost učencev Venetsianova v zgodovini ruske umetnosti. Romantika v ruskem slikarstvu. Razvoj portretnega slikarstva v drugi polovici 19. stoletja. M. Vorobyov in njegova šola. Ivanova dela akademskega obdobja. Razširjena ilustracija.

povzetek, dodan 28.07.2009

Trendi v razvoju ruskega slikarstva, obvladovanje linearne perspektive umetnikov. Širjenje tehnik oljnega slikanja, nastanek novih žanrov. Posebno mesto za portret, razvoj realističnega trenda v ruskem slikarstvu 18. stoletja.

predstavitev, dodana 30.11.2011

Zgodovina ruskega krajinskega slikarstva. Življenje in delo V. Polenova. Poezija patriarhalne Moskve v umetnikovih slikah. Realizem in duh družbenokritične ironije, psihološka drama v zgodovinskem slikarstvu I. Repina. Portretna slika umetnika.

Uvod

Za slikarje preloma stoletja so od potepuških značilni drugi načini izražanja, druge oblike likovne ustvarjalnosti - v podobah, ki so protislovne, zapletene in le posredno odsevajo sodobnost, brez ilustrativnosti in narativnosti. Umetniki boleče iščejo harmonijo in lepoto v svetu, ki je v osnovi tuj tako harmoniji kot lepoti. Zato so mnogi svoje poslanstvo videli v negovanju čuta za lepoto. Ta čas "predvečerov", pričakovanja sprememb v javnem življenju, je porodil številne trende, združevanja, združevanja, trk različnih svetovnih nazorov in okusov.

Izvor in koncept simbolike

Kot smer se simbolizem v vizualni umetnosti razvija sočasno s simbolizmom v literaturi v 60-70-ih letih. 19. stoletje, v dobi dekadence. Vendar pa se značilne značilnosti simbolizma pojavijo veliko prej: vsa ikonografija in slikarstvo srednjega veka sta imela globoko simboličen značaj.

Glavni motivi simbolizma v likovni umetnosti so večne teme: smrt, ljubezen, trpljenje.

Oblikovanje umetnika srebrne dobe

Umetnika niso več dojemali kot obrtnika, postal je vladar misli. Bil je sijajno izobražen človek. Posebnost umetnika srebrne dobe je bil ustvarjalni univerzalizem. Hrepenenje po univerzalizmu ne oživi stare romantične ideje o sintezi umetnosti. Srebrna doba je ponudila veliko možnosti za njegovo izvedbo: v sodobnosti, v dejavnostih "Sveta umetnosti" ...

Vendar pa univerzalizem ni bil le obvladovanje sorodnih specialitet. Kazalo se je v umetnikovi želji, da bi ustvarjalnost presegel ozke strokovne okvire svoje neposredne specialnosti. Prvič, predmet stalnih hobijev umetnikov srebrne dobe je bila filozofija. Pri tem ne mislimo le na prisotnost umetnostnozgodovinskih, filozofsko-estetskih in filozofskih del pri večini modernistov, temveč tudi na filozofsko-konceptualno naravo vsebine njihovih umetnin, posledično jih moramo uvrstiti med filozofske. misleči umetniki.

Tako se je v kulturo vrnil mitopoetski pogled na svet, pesniško-čustveno doživljanje sveta, ki je bolj ustrezalo duhu časa kot njegovo refleksivno-diskurzivno obvladovanje. Mitologiziran pogled na svet in z njim dialektično povezano mišljenje s simboli je spodbudilo zanimanje za tradicionalno ljudsko umetnost, osvobojeno neposredne empirične reprodukcije okoliške stvarnosti. Stare kulture je privlačil mitološki koncept sveta, njegovo celostno in harmonično dojemanje. Vendar pa se je novomitologizem bistveno razlikoval od mitologije kot oblike naivno-poetičnega mišljenja antike.

Tako se izkušnje arhaičnih obdobij v kulturi in za umetnika prekrivajo s poskusi sodobne umetnosti, da bi prodrla v najgloblje globine človekovega notranjega sveta. Zahvaljujoč posebnemu občutku in posebnemu zavedanju sedanjosti se je oblikoval umetnik srebrne dobe.

Obdobja zgodovine ruskega simbolizma srebrne dobe. Časovnica razvoja

Simbolizem v Rusiji se je rodil v treh časovnih obdobjih:

Prvi zajema sredino 1880-1900. - čas rojstva in razvoja simbolističnih teženj v delu kroga Abramtsevo in moskovskih umetnikov, združenje "Svet umetnosti";

Drugo obdobje je omejeno na 1900-14. - razcvet simbolističnega gibanja v literaturi, gledališču in plastičnih umetnostih, ko ustvarjajo Vrubel, Borisov-Musatov, mojstri "sveta umetnosti" in mladina "modre vrtnice", in ko so načela simbolizma edinstvena implementiran v delih zgodnje ruske avantgarde;

Tretja je povezana z obdobjem prve svetovne vojne in revolucije, ki se je začela v Rusiji (1914-1920) - integralna v svojih težavah in dosežkih.

Tema: "Srebrna doba" v ruski umetnosti.

Uvod

1. Nov umetniški koncept

2. Umetniška gibanja in predstavniki tokov

Zaključek

Literatura

Uvod

V Rusiji je v prvi tretjini prejšnjega stoletja prišlo do močnega duhovnega izbruha, ki je v zakladnico svetovne kulture vrgel številne pomembne ideje in dela na področju religiozne in filozofske misli, vseh vrst umetnosti. Na vzpon ustvarjalne dejavnosti srebrne dobe je vplivalo vse močnejše občutenje najobčutljivejših mislecev in umetnikov naraščajoče, globalne krize vsega, kar se v zgodovini človeštva še ni zgodilo: kulture, umetnosti, religije, duhovnosti, državnosti, človeka samega in človeštva, in hkrati - napeto pričakovanje nekega brez primere vzpon duhovnosti, kulture, samega obstoja osebe do nečesa bistveno novega, neustavljivo privlačnega, velikega, do "svetovnega razcveta" , - po P. Filonovu. Apokaliptična čustva absolutnega konca so se spopadla z nič manj močnimi težnjami po bistveno novih revolucionarnih preobrazbah.

Tri smeri intelektualne in umetniške ustvarjalnosti tistega časa: religiozna filozofija, simbolizem in avantgarda so bili glavni stebri kulture srebrne dobe.

Po mogočnem vzponu ruske kulture, ki je v znanosti označena kot "srebrna doba", je pomembno, da poskušamo razjasniti njene glavne parametre in značilnosti, s stališča sodobne vizije tega pojava, da bi razumeli težave, ki so skrbele ustvarjalce in mislecev tistega osupljivega, duhovno in umetniško prenasičenega časa, prepoznati probleme, ki so jih ustvarile njihove vrednote.

V tej smeri se že veliko dela, predvsem na področju študija literature, umetnosti in religiozne filozofije. Zato je ideja dela povzeti najdragocenejše podatke in zaključke sodobnih raziskovalcev ter se hkrati čim bolj obrniti na izvirne mojstrovine srebrne dobe. In če povzamemo analizo gradiva tega obdobja, orišite glavne obrise nastajajoče slike intelektualne in umetniške ustvarjalnosti.

Namen dela: razkriti glavne dosežke v ruski umetnosti obdobja "srebrne dobe".

1. Nov umetniški koncept

Nov slog v ruski umetnosti se je pojavil v 80. letih. 19. stoletje pod močnim vplivom francoskega impresionizma. Njegov razcvet je zaznamoval prelom iz 19. v 20. stoletje.

Nekaj desetletij po zatonu (že konec 10. let 20. stoletja je stil secesije v ruski umetnosti, s katerim je povezana srebrna doba, izgubljal prevladujočo vlogo zaradi novih trendov) je umetnost srebra Starost je bila dojeta kot dekadenca in slab okus.

Toda proti koncu drugega tisočletja so se ocene začele spreminjati. Dejstvo je, da obstajata dve vrsti razcveta duhovne kulture. Za prvo so značilne močne inovacije in veliki dosežki. Živahni primeri tega so grški klasiki 5.-4. stoletja. pr. n. št. predvsem pa evropska renesansa.

Tudi v sredi devetnajstega v. predstavniki romantike so sanjali o ustvarjanju enotnega sloga, ki bi lahko človeka obdal z lepoto in s tem preoblikoval življenje. Preoblikovati svet z umetnostjo - takšno nalogo so ustvarjalcem lepega postavili Richard Wagner in prerafaeliti. In že ob koncu XIX. Oscar Wilde je rekel, da "življenje posnema umetnost in ne umetnost življenja." Prišlo je do jasne teatralizacije vedenja in življenja, igra je začela določati ne le naravo umetniške kulture, ampak tudi življenjski slog njenih ustvarjalcev.

Srebrna doba v ruski kulturi ni le sodobna umetnost in arhitektura, ne le simbolistično gledališče, ki je utelešalo idejo o sintezi umetnosti, ko so umetniki in skladatelji delali na uprizoritvi predstave skupaj z režiserji in igralci, je simbolistična literatura. , predvsem pa poezija, ki se je v zgodovini svetovne književnosti imenovala »poezija srebrne dobe«. To je slog dobe, način življenja.

Iz svojega življenja narediti pesem je najpomembnejša naloga, ki so si jo zadali junaki srebrne dobe. Tako simbolisti najprej niso želeli ločiti pisatelja od osebe, literarna biografija iz osebnega. Simbolizem ni želel biti le literarna smer, ampak je skušal postati življenjsko ustvarjalna metoda. Šlo je za serijo poskusov iskanja neoporečno resničnega spoja življenja in ustvarjalnosti, nekakšnega filozofskega kamna umetnosti.

V tem iskanju so bile tudi temne strani. Pretirano maniren govor in kretnje, šokanten kostum, droge, spiritualizem - na robu stoletij je vse to imelo znake izbranosti in je povzročilo nekakšen snobizem.

Literarna in umetniška boemija, ki se je ostro postavila proti množicam, je iskala novost, nenavadnost, ostrino doživetij. Magija, spiritualizem in teozofija so neoromantične simboliste pritegnili ne le kot barvita snov za umetniška dela, ampak tudi kot resnični načini za širjenje lastnih duhovnih obzorij.

V Rusiji se je pojavila nova generacija literarne in umetniške inteligence; od generacije »šestdesetih« se je izrazito razlikovala ne le po ustvarjalnih interesih; tudi zunanje razlike so bile izrazite.

En sam slog, ki izvira iz Rusije in je postal sinonim za koncept srebrne dobe, je bil torej resnično univerzalen, saj je – čeprav za kratek čas – zajel ne le vsa področja ustvarjalnosti, ampak tudi neposredno življenje ljudi s plavuti. de siecle doba. Tak je vsak velik stil.

Roerich (1874 –1947)

Nicholas Roerich ni bil samo umetnik, ampak tudi zgodovinar. Znano je tudi njegovo zanimanje za arheologijo. To se odraža v njegovi umetnosti. Umetnika sta posebej zanimala slovanska poganska antika in zgodnje krščanstvo. Roerich je blizu duhovnemu svetu ljudi daljne preteklosti in njihovi sposobnosti, da se navidezno raztopijo v naravnem svetu. Odločilno vlogo na sliki imajo konturne črte in lokalne barvne lise.

Bakst (1866–1924)

Lev Bakst se je bolj kot drugi poznavalci sveta umetnosti približal evropski različici secesije. Prožna kontura, posplošena interpretacija oblike, jedrnatost barve in ploskost podobe pričajo o vplivu zahodnih umetnikov, kot so Edvard Munch, Andres Zorn in drugi, na Baksta.

Model za damo, ki jo je upodobil Bakst, je bila žena Aleksandra Benoisa - Anna Karlovna. »Elegantna dekadentka ... črno-bela, kot hermelin, s skrivnostnim nasmehom a la Gioconda,« je o junakinji zapisal pisatelj in filozof Vasilij Rozanov.

Somov (1869 -1939)

Konstantin Somov je eden najsvetlejših umetnikov peterburškega združenja "Svet umetnosti". Bil je mojster izvrstnega barvanja in prefinjene grafike.

Sliko "Harlekin in dama" je umetnik izdelal v več različicah. V delih 1910-ih. Somov pogosto ponavlja iste kompozicijske tehnike in svetlobne učinke. Navdušen je nad umetnostjo 18. stoletja – »galantne dobe«. Njegove slike pogosto prikazujejo like iz italijanske komedije mask. In tu je: drevesni oder v ospredju, ob figurah glavnih likov, obsijanih z ognjemetom, nato vrzel v globino, kjer se vrvejo majhne silhuete kostumiranih gospodov in dam. Graciozno umetniško gledališče za umetnost.

Borisov-Musatov (1870-1905)

V vseh slikah Borisova-Musatova se izrazijo romantične sanje o čudoviti harmoniji, popolnoma tuje njegovemu sodobnemu svetu. Bil je pravi lirik, ki je pretanjeno čutil naravo, čutil zlitost človeka z naravo.

"Ribnik", morda najbolj popolno delo umetnika. Tu so prisotni vsi glavni motivi njegovega dela: stari park, "Turgenjevljeva dekleta", splošna statična kompozicija, umirjena barva, povečan dekorativni učinek "tapiserije" ... Podobe junakinj "Rezervoarja" prikazujejo umetnikova sestra in žena.

Borisov-Musatov je v svoji mojstrovini uspel upodobiti brezčasno stanje. Posplošeno nevtralno ime »Ribnik« vzbudi podobo univerzalne harmonične naravne in človeške enotnosti – nerazdružljivosti, sama podoba pa se spremeni v znak, ki zahteva tiho kontemplacijo.

3. Literatura, glasba, gledališče, kombinacija umetnosti

V literaturi se je pojavila najbolj razkrita podoba "srebrne dobe". Po eni strani so se v delih pisateljev ohranile stabilne tradicije kritičnega realizma. Tolstoj v svoji zadnji umetniška dela postavil problem osebnega odpora do togih življenjskih norm ("Živo truplo", "Oče Sergij", "Po žogi"). Glavna ideja Tolstojevega novinarstva je nezmožnost odprave zla z nasiljem.

A. P. Čehov je v teh letih ustvaril predstave "Tri sestre" in " Češnjev vrt ki so odražale pomembne spremembe, ki se dogajajo v družbi.

Socialno ostre zgodbe so bile v časti tudi med mladimi pisci. I. A. Bunin je raziskoval ne le zunanjo plat procesov, ki so se odvijali na podeželju (razslojevanje kmečkega ljudstva, postopno izumiranje plemstva), ampak tudi psihološke posledice teh pojavov, kako so vplivali na duše ruskih ljudi. ("Vas", "Sukhodol", cikel "kmečkih" zgodb). A. I. Kuprin je pokazal neprivlačno stran vojaškega življenja: brezpravnost vojakov, praznino in brezduhovnost »gospodje častnikov« (»Dvoboj«). Eden od novih pojavov v literaturi je bil odsev življenja in boja proletariata. Pobudnik te teme je bil A. M. Gorky ("Sovražniki", "Mati").

V prvem desetletju XX. v rusko poezijo je prišla cela galaksija nadarjenih "kmečkih" pesnikov - S. A. Jesenin, N. A. Kljuev, S. A. Klyčkov.

Hkrati se je začel oglašati glas, ki je predstavil svoj račun predstavnikom realizma nove generacije, ki so protestirali proti glavnemu načelu realistične umetnosti - neposredni upodobitvi okoliškega sveta. Po mnenju ideologov te generacije je umetnost, ki je sinteza dveh nasprotnih principov - materije in duha, sposobna ne le "prikazati", ampak tudi "preoblikovati" obstoječi svet, ustvariti novo realnost.

Utemeljitelji nove smeri v umetnosti, simbolistični pesniki, so napovedali vojno materialističnemu svetovnemu nazoru in trdili, da je vera, religija temelj človekovega obstoja in umetnosti. Verjeli so, da so pesniki obdarjeni s sposobnostjo, da se z umetniškimi simboli pridružijo onostranskemu svetu. Simbolizem je sprva dobil obliko dekadence. Ta izraz je impliciral razpoloženje dekadence, melanholije in brezupnosti, izrazit individualizem. Te značilnosti so bile značilne za zgodnjo poezijo K. D. Balmonta, A. A. Bloka, V. Ya. Bryusova. Po letu 1909 se začne nova stopnja v razvoju simbolike. Naslikan je v slovanofilskih tonih, izkazuje prezir do »racionalističnega« Zahoda in napoveduje smrt zahodne civilizacije, ki jo med drugim predstavlja uradna Rusija. Hkrati se obrača k naravnemu ljudske sile, slovanskemu poganstvu, poskuša prodreti v globino ruske duše in v ruskem ljudskem življenju vidi korenine »drugega rojstva« države. Ti motivi so zveneli še posebej svetlo v delih Bloka (pesniški cikli "Na Kulikovem polju", "Matična domovina") in A. Bely ("Srebrni golob", "Petersburg"). Ruski simbolizem je postal svetovni fenomen. Z njim je najprej povezan koncept "srebrne dobe".

Nasprotniki simbolistov so bili akmeisti (iz grškega "acme" - najvišja stopnja nečesa, cvetoča moč). Zanikali so mistična stremljenja simbolistov, oznanjali notranjo vrednost resnično življenje, pozval, naj besedam vrne njihov prvotni pomen in jih osvobodi simboličnih razlag. Glavno merilo za ocenjevanje ustvarjalnosti za akmeiste (N. S. Gumilyov, A. A. Akhmatova, O. E. Mandelstam) je bil brezhiben estetski okus, lepota in prefinjenost umetniške besede.In formalisti so jasno in jasno povedali, da je njihova morfološka metoda analize umetnosti nastala za študij. umetnosti umetnosti, tj. zaradi svojih estetskih lastnosti. Prepričani so bili, da »literarna«, »poezija«, tj. umetniško bistvo umetniškega dela je mogoče razkriti le z morfološko analizo umetnine same, ne pa tega, česa je »odsev«, kdo jo je ustvaril in pod kakšnimi pogoji, kako deluje na recipienta, kaj ima socialne, kulturne itd. pomen. Glavna pojma v njihovem kategoričnem aparatu sta bila pojma material (vključevalo je vse, iz česar umetnik naredi delo: besedo, sam jezik v vsakdanji rabi, misli, občutke, dogodke ipd.) in obliko (kar umetnik daje). do materiala v ustvarjalnem procesu). Samo delo so poimenovali stvar, ker v razumevanju formalistov ni bilo ustvarjeno ali ustvarjeno, kot je verjela klasična estetika, ampak je bilo narejeno s pomočjo sistema tehnik.

Ruska umetniška kultura zgodnjega XX stoletja. doživela tudi vpliv avantgarde, ki je izvirala iz Zahoda in je zajela vse zvrsti umetnosti. Ta tok je absorbiral različne umetniške smeri, ki sta napovedala prelom s tradicionalnimi kulturnimi vrednotami in oznanjala idejo o ustvarjanju »nove umetnosti«. Futuristi (iz latinskega "futurum" - prihodnost) so bili vidni predstavniki ruske avantgarde. Njihovo poezijo je odlikovala večja pozornost ne do vsebine, temveč do oblike pesniške konstrukcije. Programske instalacije futuristov so bile usmerjene v kljubovalni antiestetizem. V svojih delih so uporabljali vulgarno besedišče, strokovni žargon, jezik dokumentov, plakatov in plakatov. Zbirke pesmi futuristov so nosile značilne naslove: "Klofuta javnemu okusu", "Mrtva luna" itd. Ruski futurizem je predstavljalo več pesniških skupin. Najsvetlejša imena je zbrala peterburška skupina "Gileya" - V. Khlebnikov, D. D. Burlyuk, V. V. Mayakovsky, A. E. Kruchenykh, V. V. Kamensky. Zbirke pesmi in javnih govorov I. Severyanina so bile osupljiv uspeh.

Začetek 20. stoletja - to je čas ustvarjalnega vzleta velikih ruskih skladateljev-inovatorjev A. N. Skrjabina, I. F. Stravinskega, S. I. Tanejeva, S. V. Rahmaninova. Pri svojem delu so poskušali preseči tradicionalnost klasična glasba, ustvarjajo nove glasbene oblike in podobe.

Mlada režiserja A. A. Gorsky in M. I. Fokin sta v nasprotju z estetiko akademizma postavila načelo slikovitosti, po katerem ne le koreograf in skladatelj, temveč tudi umetnik postanejo polnopravni avtorji predstave. Balete Gorskega in Fokina so v kulisah postavili K. A. Korovin, A. N. Benois, L. S. Bakst, N. K. Roerich. Ruska baletna šola "srebrne dobe" je svetu dala galaksijo briljantnih plesalcev - A. T. Pavlova, T. T. Karsavina, V. F. Nijinskega in druge.

Pomembna značilnost kulture zgodnjega XX. so bila dela izjemnih gledaliških režiserjev. K. S. Stanislavsky, utemeljitelj psihološke igralske šole, je verjel, da je prihodnost gledališča v globokem psihološkem realizmu, v reševanju najpomembnejših nalog igralske preobrazbe. V. E. Meyerhold je iskal na področju gledališke konvencionalnosti, posploševanja, uporabe elementov ljudske predstave in gledališča mask. E. B. Vakhtangov je dal prednost ekspresivnim, spektakularnim, veselim nastopom.

Na začetku XX stoletja. vse bolj očitno se je pojavljala težnja po združevanju različnih vrst ustvarjalna dejavnost. Na čelu tega procesa je bil "Svet umetnosti", ki je v svojih vrstah združeval ne le umetnike, ampak tudi pesnike, filozofe, glasbenike. V letih 1908-1913. S. P. Diaghilev je v Parizu, Londonu, Rimu in drugih prestolnicah zahodne Evrope organiziral "Ruske sezone", predstavljene z baletnimi in opernimi predstavami, gledališkim slikarstvom, glasbo itd.

Zaključek

Umetnost v kontekstu »srebrne dobe« razumemo kot rezultat božansko navdihnjene ustvarjalnosti, umetnika pa kot od boga izbranega prevodnika duhovnih podob, izraženih izključno v umetniški obliki, katerega delovanje vodijo božanske sile. Umetniška ustvarjalnost se je v skladu s to estetiko zdela idealen temelj, na katerem je treba graditi ne le človeško življenje in kulturo prihodnosti, temveč tudi proces ustvarjanja sveta s prizadevanji umetnikov-ustvarjalcev-teugov. . Tu je bila umetnost v bistvu inovativen razvoj tradicionalnih krščanskih estetskih vrednot v smislu približevanja realnosti. moderno življenje in s poudarkom na duhovnih, znanstvenih, umetniških iskanjih in stremljenjih človeka 20. stoletja.

Ruski simbolisti so imeli pomembno vlogo pri razvoju estetike srebrne dobe. Simbolizem je pridobil močno nacionalno obarvanost med največjimi mladimi simbolisti Andrejem Belim, Vjačeslavom Ivanovim, Aleksandrom Blokom, Ellisom in drugimi.Vjačeslav Ivanov je bil prepričan, da se bliža bistveno nova stopnja umetniške ustvarjalnosti, ko bodo vse umetnosti združene v nekakšno umetniški in religiozni misterij - nekakšno sintetično sakralno dejanje, v katerem bodo aktivno sodelovali tako izurjeni igralci kot vsi gledalci. Pravi simbolistični umetnik prihodnosti mora po Ivanovu ustvarjalno uresničiti v sebi povezavo "z božansko popolno enotnostjo", doživeti mit kot dogodek. Osebna izkušnja in jo nato izrazim v svoji mistični ustvarjalnosti. Za Andreja Belega sta bila bistvo in pomen umetnosti teozofsko-religiozna obarvanost, v teurgiji kot glavnem cilju simbolizma pa je videl vrnitev umetnosti v sfero religioznega delovanja za preoblikovanje življenja.

Predstavnike "sveta umetnosti" sta združili dve glavni ideji, dve estetski smeri: 1) želja po vrnitvi ruske umetnosti, ki je bila glavna stvar, vendar je bila v 19. stoletju popolnoma pozabljena. kakovostno - umetniško, jo osvoboditi vsakršne tendencioznosti (socialne, verske, politične itd.) in usmeriti v čisto estetsko smer. Od tod slogan l "art pour l" art, priljubljen v svetu umetnosti, iskanje lepote v vsem, zavračanje ideologije in umetniške prakse akademizma in potepanja, zanimanje za romantične in simbolistične smeri v umetnosti. 2) Romantizacija, poetizacija, estetizacija ruščine narodna dediščina, zanimanje za ljudsko umetnost, za kar so se glavni člani društva v umetniških krogih prijeli vzdevek "retrospektivni sanjači". S tem se je posebej odlikoval K.A. Somov in A.N. Benoisa, ki je v umetnosti skušal obuditi in ovekovečiti življenje preteklih stoletij v njegovem bistvu – lepoti in »čudoviti skrivnosti«. In Roerich je, ne brez vpliva evropske ezoterike, ki je bila takrat priljubljena v Rusiji, usmeril svoj duhovni pogled na Vzhod in v njegovi skrivnostni starodavni modrosti našel nekaj, česar ni našel na evropskih tleh. Roerichovi so v svojih besedilih posebno pozornost namenili Lepoti, Umetnosti, Kulturi kot najpomembnejšim in potrebnim pojavom na poti duhovnega razvoja.

Miriskusniki so ustvarili trdno rusko različico tistega estetsko izostrenega gibanja preloma stoletja, ki je gojilo visok umetniški okus, gravitiralo k poetiki neoromantizma oziroma simbolizma, k dekorativnosti in estetski spevnosti linije, v Rusiji pa imenovan "moderni" slog. Udeleženci gibanja sami (Benois, Somov, Dobužinski, Bakst, Lansere, Ostroumova-Lebedeva, Golovin, Bilibin) niso bili veliki umetniki, niso ustvarili umetniških mojstrovin ali izjemnih del, so pa zapisali več pomembnih estetskih strani v zgodovini ruskega jezika. umetnost, ki pravzaprav svetu kaže, da naši umetnosti ni tuj duh narodno usmerjenega estetizma.

Literatura

1. Arnoldov A.I. Civilizacija prihajajočega stoletja - M .: "Gral", 2007. - 328 str.

2. Akhiezer A.S. Socio-kulturna dinamika umetnosti v Rusiji // Polis. - 2001. - št. 5. 27-32s.

3. Gromov M.N. Večne vrednote ruske kulture // Vprašanja filozofije - 2004. - št. 41-53s.

4. Gurevich P.S. Kulturologija. – M.: Gardariki, 2000. – 280 str.

5. Emelyanov B.V., Novikov A.I. Ruska filozofija srebrne dobe: Tečaj predavanj. - Jekaterinburg, 2005. - 320 str.

6. Ionin L.G. Sociologija kulture: pot v novo tisočletje. - M .: "Logos", 2000. - 432 str.

7. Kondakov I.V. Ruska kultura: kratek oris zgodovine in teorije: učbenik za študente. - M .: Knjižna hiša "Univerza", 2005. – 360 str.

8. Kononenko B.I., Boldyreva M.G. Kulturologija: Učbenik. - M .: "Shield-M", 2006. - 292 str.

9. Krichevskaya Yu.R. Modernizem v ruski književnosti: doba srebrne dobe ( vadnica). - M .: LLP "IntelTech", 2004. - 398 str.

10. Mamontov S.P. Osnove kulturnih študij. – M.: Olimp, 2001.– 436 str.

11. Morozov N.A. Poti Rusije: modernizacija neevropskih kultur. – M.: Varna, 2001. .– 328 str.

12. Rapatskaya L.A. Umetnost srebrne dobe. - M .: ZAO Založba EKSMO-Press, 2003. – 912 str.

13. Sarychev V.A. Estetika ruskega modernizma. - Voronež, 1991. -244 str.

Rapatskaya L.A. Umetnost srebrne dobe. - M .: ZAO Založba EKSMO-Press, 2003. – 638 str.

Sarychev V.A. Estetika ruskega modernizma. - Voronež, 1991. -189p.

Sarychev V.A. Estetika ruskega modernizma. - Voronež, 1991. -172 str.

"Srebrna doba" ruske poezije. //Comp. V. Dorozhkina, T. Kurnosova. - Tambov: Založba INTS, 2004. -75 str.

diapozitiv 2

"Srebrna doba" je stičišče dveh stoletij v zgodovini Rusije: XIX in XX. V tem času so se pojavile naslednje umetniške smeri: realizem; Modernizem

diapozitiv 3

Realizem. V.M. Vasnecov

Viktor Mihajlovič Vasnecov 1848-1926 - ruski slikar in arhitekt, mojster zgodovinskega in folklornega slikarstva. Gamayoun 1897

diapozitiv 4

Bogatirji 1898

diapozitiv 5

Modernizem

Glavno načelo modernizma: ideja o nezmožnosti umetnosti prejšnjih obdobij, da bi se borila proti pomanjkanju svobode in nečlovečnosti, nezmožnost ujeti vse to. Glavna značilnost modernizma: umetnik usmerja svojo voljo in ustvarjalnost v boj proti kruti realnosti, briše meje nekdanjih idealov.

diapozitiv 6

Modernizem v vizualni umetnosti je kulturna plast, ki zajema številne koncepte: impresionizem, ekspresionizem, kubizem, simbolizem, futurizem.

Diapozitiv 7

Impresionizem

Impresionizem (od vtisa - vtis) - trend v umetnosti poznega XIX - zgodnjega XX stoletja. Pojavil se je v Franciji. Predstavniki so skušali na najbolj naraven in nepristranski način ujeti realni svet v njegovi mobilnosti in spremenljivosti, posredovati svoje bežne vtise.

Diapozitiv 8

V.A. Serov

Valentin Aleksandrovič Serov (1865-1911) - ruski slikar in grafik, mojster portretov.

Diapozitiv 9

Umetnikovi bratranci

Diapozitiv 10

Ekspresionizem

Ekspresionizem (iz expressio, »izraz«) je smer v modernizmu, ki se je najbolj razvila v prvih desetletjih 20. stoletja, predvsem v Nemčiji in Avstriji. Ekspresionizem ne želi toliko reproducirati resničnosti, kot izraziti čustveno stanje avtorja.

diapozitiv 11

"Krik" norveškega umetnika Edvarda Muncha (1893) - nekakšna izložba ekspresionistične umetnosti

diapozitiv 12

Marc Chagall grafik, gledališki umetnik, ilustrator

Nevesta s pahljačo 1911 Jaz in vas 1911

diapozitiv 13

kubizem

Kubizem (fr. Cubisme) je modernistična smer v vizualni umetnosti, predvsem v slikarstvu, ki izvira iz začetka 20. stoletja in je značilna uporaba poudarjeno geometriziranih pogojnih oblik, želja po »razcepu« realnih predmetov na stereometrične. primitivci. Lentulov. Bazilija Blaženega. zvonjenje

Diapozitiv 14

Ljubov Sergejevna Popova

Portret filozofa, 1915

diapozitiv 15

Simbolizem

Simbolizem (fr. Symbolisme) je ena največjih smeri v umetnosti, ki je nastala v Franciji in dosegla največji razvoj na prelomu 19. in 20. stoletja, predvsem v Franciji, Belgiji in Rusiji. Simbolisti so korenito spremenili ne le različne vrste umetnosti, ampak tudi sam odnos do nje. Simbolisti so uporabljali simboliko, podcenjevanje, namige, skrivnost, skrivnost.

diapozitiv 16

M.I. Vrubel

Mihail Aleksandrovič Vrubel (5. marec 1856 - 1. april 1910) - ruski umetnik preloma XIX-XX stoletja, ki je proslavil svoje ime v skoraj vseh vrstah in žanrih likovne umetnosti.

Delo večine ruskih umetnikov tega obdobja je težko pripisati kateremu koli slogu. Vsi so v svojih delih združevali značilnosti različnih trendov in stilov - od realizma in impresionizma do simbolizma in modernosti. Torej, Mihail Vasiljevič Nesterov(1862-1942) je začel pisati v realistični maniri Potepuhov, vendar ga je duhovna kriza, ki jo je doživljal, prisilila, da se je obrnil k podobam svetih asketov preteklosti. Tako se je pojavilo eno najbolj znanih del Nesterova - "Vizija mladostniku Bartolomeju" (1889-1890), napisano na podlagi epizode iz življenja Sergija Radoneškega. Velika obremenitev na tej sliki je pokrajina, ki ustvarja razpoloženje razmišljanja in miru. Ta slika je bila začetek "Sergijevega cikla" (1892-1899), ki je vključeval številna dela, posvečena sv. Sergiju. Hkrati se je pojavilo veliko del, katerih junaki so bili menihi, puščavniki, puščavniki, napisani tudi na ozadju diskretne ruske pokrajine (»Pod Blagovestom«, »Velika tonzura« itd.).

M.V. Sveta Rusija Nesterova

Mejnik za umetnikovo delo sta bili sliki "Sveta Rusija", ki prikazuje Kristusa, obkroženega z ruskimi svetniki in ljudmi, in "V Rusiji", ki prikazuje procesijo. V njih je Nesterov uspel ustvariti posplošeno podobo ruskega ljudstva.

Zelo pomemben del umetnikove ustvarjalne dediščine je bil portretni žanr. Posebej zanimivi so portreti uglednih ruskih filozofov in verskih osebnosti - P.A. Florenski in S.N. Bulgakova, ki so ga napisali tisti, ki se sprehajajo v bližini Trojice-Sergijeve lavre, pa tudi portret I.A. Iljin. Veliko število portretov moskovskih znanstvenikov in umetnikov je Nesterov ustvaril v času Sovjetske zveze (po revoluciji ni slikal ničesar drugega).

Za ustvarjalnost Konstantin Aleksejevič Korovin(1861 - 1939) Velik vpliv je imel impresionizem. V njegovih slikah je prisotna subtilna igra svetlobe in sence ter sposobnost podajanja bežnih vtisov in občutkov. To ustvarja vzdušje veselja in polnosti življenja, ki je lastno Korovinovim slikam. Imel je čisto impresionistično brezbrižnost do zapleta in vsebine ter večjo pozornost do oblike, željo po reševanju čisto slikovnih nalog (»Portret zborovke«, pokrajine »Pariz. Kapucinski bulvar«, »Pozimi«, tihožitja »Ribe« , vino in sadje«).

Najbolj znan del ustvarjalne dediščine Valentin Aleksandrovič Serov(1865-1911) - portreti. Med njimi je znamenita "Deklica z breskvami", portret hčerke S.I. Mamontov, v katerem je v celoti uspel prenesti občutek svežine, mladosti in čistosti. Umetnik je svoje modele spretno umestil v njihovo znano okolje, kar je poudarilo natančne psihološke podobe, ki jih je umetnik ustvaril. Zato, čeprav so mnogi želeli naročiti portret pri modnem in slavnem umetniku, so se hkrati bali njegovega neusmiljenega pogleda in lastnosti, ki jih je dal svojim likom. Torej je ironija umetnika jasno vidna na portretih S.M. Botkina, Z.N. Yusupova, veliki knez Pavel Aleksandrovič. Predvsem pa je Serov rad slikal umetnike, pisatelje, umetnike (v devetdesetih letih 19. stoletja je naslikal portrete K. A. Korovina, N. S. Leskova, I. I. Levitana, N. A. Rimskega-Korsakova in v letih 1905-1911 - M. N. Ermolova, F. I. Chaliapin, O. K. Orlova, M. A. Morozov, V. I. Kačalov, T. P. Karsavina).

Nič manj zanimive so Serovljeve krajine, naslikane v impresionistični maniri. Odlično mu je uspelo prenesti diskretno lepoto ruske pokrajine (»Zima v Abramcevu. Cerkev«, »Zaraščen ribnik«, »Oktober. Domotkanovo« itd.). S sodelovanjem na razstavah združenja "Svet umetnosti" se je Serov začel zanimati za zgodovinske teme. Tako je nastal cikel risb s svinčnikom, gvašev, akvarelov, temper in oljnih slik. Majhne kompozicije se zdijo nenavadno vitalne, kot da so napisane iz življenja ("Peter II in Elizabeta Petrovna na lovu", "Peter I"). Zelo zanimive so slike Serova, ki jih je naslikal po potovanju v Grčijo leta 1907. Med njimi je znamenito delo "Ugrabitev Evrope", napisano v slogu Art Nouveau, z značilnimi čistimi, svetlimi barvami, subtilno kombinacijo konvencionalnosti in realnosti. .

V svojem delu je združil poteze impresionizma z lastnim opazovanjem narave. Viktor Elpidiforovič Borisov-Musatov(1870-1905). Ni ga zanimala toliko ploskev kot tehnika slikanja. Poskušal je ujeti igro zraka in barv. Do konca devetdesetih let 19. stoletja je bil določen obseg tem, ki so zanimale umetnika - idealizirani svet starih "plemiških gnezd", v katerih je skrival pretrese modernosti. Slike Borisova-Musatova so naslikane v tehniki pastela in tempere, ki dajejo nežne, utišane tone - "Avtoportret s sestro", "Jesenski motiv", "Harmonija", "Sprehod", "Tapiserija". V kasnejših umetnikovih delih je razpoloženje bolečega hrepenenja po preteklosti postopoma preraslo v tesnobo, melanholijo in obup - "Ribnik", "Smaragdna ogrlica", "Duhovi", "Requiem".

V.A. Serov

Portret Ide Rubinstein

Portret odraža temo »življenja za predstavo«, ki je očarala umetnika. Ida Rubinstein je znana plesalka in igralka, katere življenje je minilo pod drobnogledom javnosti.

V.E. Borisov-Musatov. Avtoportret s sestro

V svojih platnih je umetnik, tako kot impresionisti, poskušal ujeti igro zraka in barve.

K.S. Petrov-Vodkin. Sanje

Slika je rešena v duhu simbolike. Prebujenje spečega čaka, kot dve usodi, dve deklici

M. Vrubel. Pan

Tišina in skrivnost sta polnopravni liki v Vrubelovih platnih

Vse življenje sem iskal svojo pot v slikarstvu Mihail Aleksandrovič Vrubel(1856-1910), ki je veliko delal tudi kot dekorater, mojster majolik in notranji oblikovalec. Njegov slikarski način drobljenja oblik v robove, od znotraj poslikan s svetlobo in barvami, je bil blizu simbolizmu. Vrubelova muza je bila pevka Nadežda Zabela, ki je kasneje postala njegova žena. Njegove značilnosti najdemo v številnih znanih delih umetnika - "The Swan Princess", "Lilac". Zelo pogosto se je Vrubel obračal na folkloro, mitologijo, srednjeveške motive (Pariška sodba, skladbe Faust, Margarita in Mefistofel, Mikula Seljaninovič, Princesa sanj). Pomembno mesto v Vrubelovem delu zavzema podoba Demona, v kateri je umetnik poskušal utelešiti idejo izzivanja sveta, impulz posameznika do svobode. Umetnik se je znova in znova vračal k Demonu in ga risal na različne načine (»Demon poražen«, »Demon sedi«). Vrubel je bil tudi odličen portretist, ki je zlahka prenašal podobo in značajske lastnosti osebe. Leta 1902 je Vrubel resno zbolel in preostanek življenja preživel v bolnišnicah ter uničil skoraj vse svoje risbe in skice.

Dosleden simbolist je bil Kuzma Sergejevič Petrov-Vodkin(1878-1939). Serov, Vrubel, Gauguin, Chavannes, nabisti so imeli resen vpliv na njegov ustvarjalni slog, vendar postopoma postaja tradicija starodavne ruske umetnosti zanj glavna stvar. zrel mojster je postal v 1910-ih. Nato so se pojavila tako znana njegova dela, kot so "Sanje", "Fantje". Program v umetnikovem delu je bila slika "Kopanje rdečega konja", ki uteleša sanje o lepoti, o pripravljenosti na prihodnje preizkušnje. Barve igrajo posebno vlogo v slikah Petrov-Vodkina, barva postane osnova simbola, izraz umetnikovega posebnega mitološkega razmišljanja. Kasneje so se pojavila še druga dela umetnika, v katerih je razvil ista načela - "Mati", "Dekleta na Volgi", "Jutro". Kopalci", "1918 v Petrogradu", "Smrt komisarja". Umetnik je ostal zvest svojemu ustvarjalnemu slogu tudi v sovjetski dobi.