Suprematizem (iz latinščine supremus - najvišji) je eno od področij abstraktnega slikarstva, ki je nastalo sredi 1910-ih. K. Malevič. Cilj suprematizma je izraziti resničnost v preprostih oblikah (ravna črta, kvadrat, trikotnik, krog), ki so osnova vseh drugih oblik fizičnega sveta. V suprematističnih slikah ni ideje o "zgoraj" in "spodaj", "levo" in "desno" - vse smeri so enake, kot v vesolju. Prostor slike ni več podvržen zemeljski gravitaciji (orientacija "gor - dol"), ni več geocentričen, torej "poseben primer" vesolja. Pojavi se neodvisen svet, zaprt vase in hkrati enakovreden univerzalni svetovni harmoniji. Malevičeva znamenita slika "Črni kvadrat" (1915) je postala slikarski manifest suprematizma. Teoretično utemeljitev metode je Malevič orisal v delu "Od kubizma in futurizma do suprematizma ... novega slikovnega realizma ..." (1916). Privrženci in učenci Maleviča so se leta 1916 združili v skupino Supremus. Suprematistična metoda...
Simbolizem (iz francoščine simbolism, iz grščine simbolon - znak, simbol) je umetniško gibanje, ki se je v Franciji pojavilo v poznih 60. in zgodnjih 70. letih. 19. stoletje (sprva v literaturi, nato pa v drugih zvrsteh umetnosti – likovni, glasbeni, gledališki) in kmalu zajela tudi druge kulturne pojave – filozofijo, religijo, mitologijo. Najljubše teme, ki so jih obravnavali simbolisti, so bile smrt, ljubezen, trpljenje, pričakovanje kakršnih koli dogodkov. Med zapleti so prevladovali prizori evangelijske zgodovine, napol mitski-pol-zgodovinski dogodki srednjega veka, antična mitologija. Temelje estetike simbolizma so postavili A. Rimbaud, S. Mallarme, P. Verlaine, K. Hamsun, M. Maeterlinck, E. Verharn, O. Wilde, G. Ibsen, R. Rilke idr.. Simbolizem je postal razširjena v številnih državah zahodne Evrope (Belgija, Nemčija, Norveška). Estetika simbolizma se nanaša na sfero duha, "notranji vid". Simbolistični koncept temelji na postulatu, da za svetom vidnih stvari obstaja pravi, resnični svet, ki ga naš svet ...
Moderna (francosko moderne - najnovejša, moderna) - umetniški slog v evropski umetnosti na prelomu XIX-XX stoletja. AT različne države prejela različna imena: v Rusiji - "moderno", v Franciji, Belgiji, Angliji - "art nouveau", v Nemčiji - "art nouveau", v Avstro-Ogrski - "odcepitev", v Italiji - "svoboda". Simbolizem je postal estetska in filozofska osnova modernosti. Kljub svoji prefinjenosti in prefinjenosti je bil Art Nouveau osredotočen na množičnega potrošnika, hkrati pa je ohranil načelo "umetnost zaradi umetnosti". Art Nouveau je premislil in stiliziral značilnosti umetnosti različnih obdobij ter razvil lastne umetniške tehnike, ki temeljijo na načelih asimetrije, ornamentalnosti in dekorativnosti. Prevladujoči motivi Art Nouveauja so makovi, perunike, lilije in druge rastline, kače, kuščarji, labodi, valovi, ples, pa tudi podoba ženske z letečimi lasmi. V barvah prevladujejo hladni toni. Za kompozicijsko strukturo je značilno obilo ukrivljenih obrisov in tekočih neenakomernih kontur. Art Nouveau je zajel vse plastične umetnosti - slikarstvo, grafiko, umetnostno obrt ...
Rajonizem je trend v ruskem avantgardnem slikarstvu, katerega ustanovitelj je bil M. Larionov. Teoretično utemeljitev svoje metode je orisal v delih "Luchism" (1913) in "Luchist painting" (1913). Larionov je verjel, da mora umetnik razkriti obliko, ki izhaja iz presečišča žarkov, upodobljenih z barvnimi črtami, ki izhajajo iz različnih predmetov. N. Gončarova je delala tudi v lučističnem slogu. Kljub dejstvu, da rajonizem ni dobil širokega razvoja, skupaj s suprematizmom K. Maleviča in vseevropskim kubizmom, je ena prvih oblik abstraktne (nepredmetne) umetnosti in ena prvih manifestacij avantgarde. v slikarstvu. Glej tudi: Manifest "Radiants and Futures" (1913). ...
Združenje kubofuturistov "Gilea" je bilo najpomembnejše od vseh futurističnih skupin, ki so obstajale v Rusiji, in najbližje samemu futurizmu. Kubo-futuristi "Gilea" (bratje D., V. in N. Burliuk, A. Kruchenykh, V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, V. Kamensky, E. Guro itd.), ki se imenujejo "futuristi" ali " budetljani«, je nasprotoval njihovim težnjam po italijanskem futurizmu in vztrajno uveljavljal izvirnost izvora ruskega futurizma. »Budetljani« so si prizadevali za avtonomijo in osvoboditev besede (hkrati sta jim zvok in oblika besede pomenila več kot vsebina), poskušali so spremeniti tradicionalni sistem literarnega besedila, od mešanja različnih žanrov. do sinteze več vrst umetnosti (opera "Zmaga nad soncem" (1913), glasba M. Matyushina, besedilo A. Kruchenykh, kulise K. Malevicha). Umetnik I. Zdanevich je to imenoval eno najpomembnejših načel kubo-futurizma "vse-ness". Kubofuturisti so pesniško besedo poistovetili s stvarjo, jo spremenili v material, ki je sposoben kakršne koli preobrazbe, pesniško besedo so pojmovali kot univerzalno "materialno" sredstvo za razumevanje osnov bivanja in reorganizacijo ...
Vanguard (iz francoske avantgarde - napredni oddelek) - posplošeno ime za različne umetniške smeri(abstrakcionizem, kubizem, nadrealizem, futurizem, dadaizem, ekspresionizem itd.) umetnost dvajsetega stoletja, za katero je značilno zavračanje ustaljenih tradicij v umetniški praksi ter želja po novih oblikah in načinih izražanja in vplivanja na gledalca. V vseh avantgardnih smereh, kljub njihovi veliki raznolikosti, je mogoče razlikovati skupne značilnosti: zavračanje norm klasične podobe, formalne novosti, deformacije oblik, izražanja in različnih preobrazb igre. Vse to vodi v brisanje meja med umetnostjo in realnostjo, ustvarjanje ideala odprte umetnine, ki neposredno vdira v okolje in je zasnovana za dialog med umetnikom in gledalcem. Oblikovanje avantgardnih gibanj je potekalo v letih 1900-1930. V Rusiji so avantgardne preobrazbe prizadele skoraj vsa področja umetnosti - slikarstvo (K. Malevič, V. Kandinski, M. Larionov, N. Gončarova, P. Filonov, V. Tatlin, N. Kulbin itd.), Glasba ( M. Matjušin, AMPAK....
Uvod
Prelom 19. in 20. stoletja. - posebno, kritično obdobje za Rusijo. Gospodarski razcvet in kriza, izgubljena svetovna vojna 1904-05. in revolucije 1905-07, prva svetovna vojna 1914-18. in posledično revoluciji februarja in oktobra 1917, ki sta zrušili monarhijo, nato pa oblast buržoazije. V družbi se je čedalje bolj krepil občutek neizogibnosti družbene krize, potrebe po spremembi vrednot. Populistična ideologija je propadla. Začelo se je iskanje novih ideoloških konceptov družbenega razvoja.
Družbena protislovja tiste dobe in protislovja ruske družbene misli so se odražala v duhovnem življenju Rusije. V družbi obstaja občutek katastrofičnosti časa, celovitosti kulture. Na tej podlagi se v literaturi in umetnosti porajajo apokaliptični motivi. Vendar je Rusija takrat doživela obdobje plodnega in dinamičnega razvoja kulture. To je bilo obdobje duhovnega preporoda, prenove. Filozof N. A. Berdjajev je to obdobje v zgodovini ruske kulture imenoval »srebrna doba«.
Za slikarje preloma stoletja so značilni drugi načini izražanja kot pri Potepuhih, druge forme umetniška ustvarjalnost-in podobe protislovne, zapletene in le posredno odsevajo sodobnost, brez ilustracije in pripovedi. Umetniki boleče iščejo harmonijo in lepoto v svetu, ki je v osnovi tuj tako harmoniji kot lepoti. Zato so mnogi svoje poslanstvo videli v negovanju čuta za lepoto. To je čas "predvečerov", čakanja na spremembe javno življenje je povzročilo številne trende, asociacije, združevanja, trk različnih svetovnih nazorov in okusov.
Srebrna doba je dobila široko razlago in se začela uporabljati za označevanje določenih kulturnih procesov, ki so se zgodili v Rusiji v navedenem obdobju. Navsezadnje so iste ideje, motivi, razpoloženja hranili ob literarni ustvarjalnosti tudi glasbeno in gledališko. umetnost, ki odmeva hkrati z iskanjem ruske religiozne in filozofske misli. Hkrati srebrna doba ni odražala le obstoječih filozofskih in umetniških sredstev. zgodovinske razmere, vendar je, ko se je oblikoval na podlagi novega pogleda na svet, sam ustvaril nov način razmišljanja in v nekem smislu novo družbenost, ki nam omogoča, da jo opredelimo kot kulturo.
Izvor in koncept simbolike
Starogrška beseda "simbol" je prvotno imenovala kovanec, razdeljen na dvoje. Dva človeka, ki sta imela vsak polovico tega kovanca, sta se lahko prepoznala, ko sta se srečala, tako da sta oba dela sestavila skupaj. Vendar se je simbol sčasoma iz preprostega identifikacijskega znaka spremenil v enega najbolj zapletenih, zmogljivih, globokih konceptov svetovne kulture umetnosti in filozofije. Teme simbolizma ni mogoče umestiti v okvir določene šole, smeri, sloga, manire … je bolj splošen diahroničen rez razvoja celotne svetovne umetniške kulture od pradavnine do danes.
Osnovna načela simbolizma so popolnoma izčrpana s pojmom "simbol". Simbol je najprej univerzalni koncept, univerzalna podoba, znak, vrsta pomenov, katerih pomenov je neskončno, kot je vesolje samo. V umetnosti je simbolika poskus človeka, da izrazi neizrekljivo, transcendentalno, z omejenimi sredstvi uma, da intuitivno začuti tisto brezno, ki je onkraj vidnega sveta. Ustvarjalci, umetniki simbolizma, veljajo za posrednike med realnim in nadčutnim, povsod znamenja svetovne harmonije, preroško ugibajo znamenja prihodnosti, tako v sodobnih pojavih kot v dogodkih daljne preteklosti. Zato je simbolno na nek način sinonim za sveto.
Kot smer se simbolizem v vizualni umetnosti razvija sočasno s simbolizmom v literaturi v 60-70-ih letih. 19. stoletje, v dobi dekadence. vendar značajske lastnosti simbolizem se pojavi veliko prej: vsa ikonografija in slikarstvo srednjega veka sta imela globoko simboličen značaj.
Glavni motivi simbolizma v likovni umetnosti so večne teme: smrt, ljubezen, trpljenje.
Ruska simbolika ima svoj poseben izvirni značaj, je edinstven mejnik v zgodovini svetovne kulture. Pojav simbolizma v Rusiji ob koncu 19. stoletja je bil povezan predvsem z dejavnostmi tako imenovanih starejših simbolističnih pesnikov in publicistov D. Merežkovskega in Z. Grippiusa; delno Valery Bryusov. Simbolika Merežkovskega in Grippija je predvsem krščanska, verska in mistična simbolika, razumevanje simbolike kot dejanja spoznanja Boga.
Najsvetlejše predhodnike ruskega simbolizma lahko upravičeno imenujemo F.M. Dostojevskega in filozofa S.M. Solovjov. Slednji je bil tudi pesnik in je s svojim pesniškim razumevanjem nauka o Sofiji, božji modrosti, določil značilnosti razvoja glavne smeri ruskega literarnega simbolizma od Grippija in Bloka. Izraz "simbolizem", za razliko od svojih predhodnikov, so mimo francoskega jezika postavili na grški vir. V žaru polemike je Blok celo pripomnil, da ima ruski simbolizem le po naključju isto grško ime kot francoski trend.
Oblikovanje umetnika srebrne dobe
V 80. letih 19. stoletja, v dobi duhovne stagnacije, se je začelo oblikovanje novega tipa umetnika. Pojavili so se dedni intelektualci, ki so izhajali iz profesorskih družin ali ustvarjalnih krogov.
Umetnika niso več dojemali kot obrtnika, postal je vladar misli. Bil je sijajno izobražen človek. znak ustvarjalni univerzalizem je postal umetnik srebrne dobe. Hrepenenje po univerzalizmu ne oživi stare romantične ideje o sintezi umetnosti. Srebrna doba je ponudila veliko možnosti za njegovo izvedbo: v sodobnosti, v dejavnostih "Sveta umetnosti" ...
Vendar pa univerzalizem ni bil le obvladovanje sorodnih specialitet. Kazalo se je v umetnikovi želji, da bi ustvarjalnost presegel ozke strokovne okvire svoje neposredne specialnosti. Prvič, predmet stalnih hobijev umetnikov srebrne dobe je bila filozofija. Pri tem ne mislimo samo na dejstvo, da ima večina modernistov umetnostno kritiko, filozofsko in estetsko oz. filozofska dela, temveč tudi filozofsko in konceptualno naravo njihove vsebine umetniška dela, posledično jih moramo pripisati filozofsko mislečim umetnikom.
Umetnik, ki "oblikuje" realnost prihajajočega stoletja, ustvarja nov mit. Odmika se od dogajalnosti in ne ustvarja ilustracije upodobljenega, temveč njegov simbolni prenos, poetični ekvivalent. Umetniška fikcija postane nekakšna legenda o življenju, način za razumevanje njegovih skritih temeljev in zakonitosti.
Tako se je v kulturo vrnil mitopoetični pogled na svet, pesniško-čustveno doživljanje sveta, ki je bolj ustrezalo duhu časa kot njegov refleksivno-diskurzivni razvoj. Mitologiziran pogled na svet in dialektično povezano mišljenje s simboli sta spodbudila zanimanje za tradicionalno ljudska umetnost brez neposredne empirične reprodukcije okoliške realnosti. Stare kulture je privlačil mitološki koncept sveta, njegovo celostno in harmonično dojemanje. Vendar pa se je novomitologizem bistveno razlikoval od mitologije kot oblike naivno-poetičnega mišljenja antike.
Tako se izkušnje arhaičnih obdobij v kulturi in za umetnika prekrivajo s poskusi sodobna umetnost prodrejo v najgloblje vdolbine notranji svet oseba. Zahvaljujoč posebnemu občutku in posebnemu zavedanju sedanjosti se je oblikoval umetnik srebrne dobe.
Obdobja zgodovine ruskega simbolizma srebrne dobe. Časovnica razvoja
Simbolizem v Rusiji se je rodil v treh časovnih obdobjih:
Prvi zajema sredino 1880-1900. - čas rojstva in razvoja simbolističnih teženj v delu kroga Abramtsevo in moskovskih umetnikov, združenje "Svet umetnosti";
Drugo obdobje je omejeno na 1900-14. - razcvet simbolističnega gibanja v literaturi, gledališču in plastičnih umetnostih, ko ustvarjajo Vrubel, Borisov-Musatov, mojstri "sveta umetnosti" in mladina "modre vrtnice", in ko so načela simbolizma edinstvena implementiran v delih zgodnje ruske avantgarde;
Tretja je povezana z obdobjem prve svetovne vojne in revolucije, ki se je začela v Rusiji (1914-1920) - integralna v svojih težavah in dosežkih.
Evangelijska platna V.G. Perova, N.N. Ge, verske in zgodovinske slike pokojnih akademikov V.P. Vereščagina, G.I. Semiradsky, P.A. Svedomsky in drugi V letih 1880-90. ta težnja po posredovanju »notranje resnice« in avtorjeve žive, čustvene izkušnje bo našla svoj razvoj v verskih delih M.A. Vrubel, V.M. Vasnetsova, I.E. Repin.
V osemdesetih letih 19. stoletja, na vrhuncu zmagoslavja Potepuhov, so se pojavila zgodnja simbolistična dela M. A. Vrubela. Dualizem je prežemal njegovo delo; hkrati je manifestirala čaščenje Goethejeve naravne filozofije in dualizma Kanta, Schopenhauerja in Nietzscheja. Skoraj istočasno je umetnik naslikal svetnike in Demona, utelešenje teomahizma. Avtor vzvišenih in abstraktnih vzorcev je bil očaran nad mikrokozmosom rastlin, ornamentom vzorcev. V 1880-ih I.I. Levitan, S.V.Malyutin, A.Ya. Golovin, V.E. Borisov-Musatov, K.A. Somov, A.N. Benois, L.S. Bakst in drugi.
Pregled ruskega simbolizma je potekal v letih 1896-97. na "Razstavi eksperimentov (skic) umetniške ustvarjalnosti", v kateri so sodelovali Repin, Vasnetsov, Polenov, Golovin, Nesterov, Somov. Za simbolizem s svojim kultom nedokončanosti je bila značilna že sama ideja takšne razstave.
Leta 1890 sanje o združitvi pisateljev in umetnikov so bile na kratko uresničene v uredništvu revije "Svet umetnosti": pesmi in proza Merežkovskega, Balmonta, Sologuba so bile natisnjene v zasnovi Benoita, Baksta, Lansereja. Številne njihove vinjete, zaključki, ohranjevalniki zaslona so priznane mojstrovine simbolistične grafike.
Uvod
Prelom 19. in 20. stoletja. - posebno, kritično obdobje za Rusijo. Gospodarski razcvet in kriza, izgubljena svetovna vojna 1904-05. in revolucije 1905-07, prva svetovna vojna 1914-18. in posledično revoluciji februarja in oktobra 1917, ki sta zrušili monarhijo, nato pa oblast buržoazije. V družbi se je čedalje bolj krepil občutek neizogibnosti družbene krize, potrebe po spremembi vrednot. Populistična ideologija je propadla. Začelo se je iskanje novih ideoloških konceptov družbenega razvoja.
Družbena protislovja tiste dobe in protislovja ruske družbene misli so se odražala v duhovnem življenju Rusije. V družbi obstaja občutek katastrofičnosti časa, celovitosti kulture. Na tej podlagi se v literaturi in umetnosti porajajo apokaliptični motivi. Vendar je Rusija takrat doživela obdobje plodnega in dinamičnega razvoja kulture. To je bilo obdobje duhovnega preporoda, prenove. Filozof N. A. Berdjajev je to obdobje v zgodovini ruske kulture imenoval »srebrna doba«.
Za slikarje preloma stoletja so značilni drugi načini izražanja kot za Potepuhe, druge oblike likovnega izražanja. ustvarjalnost v slikah protislovno, zapleteno in le posredno odraža sodobnost, brez ilustracije in pripovedi. Umetniki boleče iščejo harmonijo in lepoto v svetu, ki je v osnovi tuj tako harmoniji kot lepoti. Zato so mnogi svoje poslanstvo videli v negovanju čuta za lepoto. Ta čas "predvečerov", pričakovanja sprememb v javnem življenju, je porodil številne trende, združevanja, združevanja, trk različnih svetovnih nazorov in okusov.
Srebrna doba je dobila široko razlago in se začela uporabljati za označevanje določenih kulturnih procesov, ki so se zgodili v Rusiji v navedenem obdobju. Navsezadnje so iste ideje, motivi, razpoloženja hranili poleg literarne ustvarjalnosti tudi glasbeno in gledališko, likovno umetnost, ki je hkrati odmevala z iskanjem ruske religiozne in filozofske misli. Obenem srebrna doba ni le odražala obstoječe zgodovinske razmere s filozofskimi in umetniškimi sredstvi, ampak je, ko se je oblikovala na podlagi novega pogleda na svet, sama ustvarila nov način razmišljanja in v nekem smislu novo družbenost. , kar nam omogoča, da jo opredelimo kot kulturo.
Izvor in koncept simbolike
Starogrška beseda "simbol" je prvotno imenovala kovanec, razdeljen na dvoje. Dva človeka, ki sta imela vsak polovico tega kovanca, sta se lahko prepoznala, ko sta se srečala, tako da sta oba dela sestavila skupaj. Vendar se je simbol sčasoma iz preprostega identifikacijskega znaka spremenil v enega najbolj zapletenih, zmogljivih, globokih konceptov svetovne kulture umetnosti in filozofije. Teme simbolizma ni mogoče umestiti v okvir določene šole, smeri, sloga, manire … je bolj splošen diahroničen rez razvoja celotne svetovne umetniške kulture od pradavnine do danes.
Osnovna načela simbolizma so popolnoma izčrpana s pojmom "simbol". Simbol je najprej univerzalni koncept, univerzalna podoba, znak, vrsta pomenov, katerih pomenov je neskončno, kot je vesolje samo. V umetnosti je simbolika poskus človeka, da izrazi neizrekljivo, transcendentalno, z omejenimi sredstvi uma, da intuitivno začuti tisto brezno, ki je onkraj vidnega sveta. Ustvarjalci, umetniki simbolizma, veljajo za posrednike med realnim in nadčutnim, povsod znamenja svetovne harmonije, preroško ugibajo znamenja prihodnosti, tako v sodobnih pojavih kot v dogodkih daljne preteklosti. Zato je simbolno na nek način sinonim za sveto.
Kot smer se simbolizem v vizualni umetnosti razvija sočasno s simbolizmom v literaturi v 60-70-ih letih. 19. stoletje, v dobi dekadence. Vendar pa se značilne značilnosti simbolizma pojavijo veliko prej: vsa ikonografija in slikarstvo srednjega veka sta imela globoko simboličen značaj.
Glavni motivi simbolizma v likovni umetnosti so večne teme: smrt, ljubezen, trpljenje.
Ruska simbolika ima svoj poseben izvirni značaj, je edinstven mejnik v zgodovini svetovne kulture. Pojav simbolizma v Rusiji ob koncu 19. stoletja je bil povezan predvsem z dejavnostmi tako imenovanih starejših simbolističnih pesnikov in publicistov D. Merežkovskega in Z. Grippiusa; delno Valery Bryusov. Simbolika Merežkovskega in Grippija je predvsem krščanska, verska in mistična simbolika, razumevanje simbolike kot dejanja spoznanja Boga.
Najsvetlejše predhodnike ruskega simbolizma lahko upravičeno imenujemo F.M. Dostojevskega in filozofa S.M. Solovjov. Slednji je bil tudi pesnik in je s svojim pesniškim razumevanjem nauka o Sofiji, božji modrosti, določil značilnosti razvoja glavne smeri ruskega literarnega simbolizma od Grippija in Bloka. Izraz "simbolizem", za razliko od svojih predhodnikov, so mimo francoskega jezika postavili na grški vir. V žaru polemike je Blok celo pripomnil, da ima ruski simbolizem le po naključju isto grško ime kot francoski trend.
Oblikovanje umetnika srebrne dobe
V 80. letih 19. stoletja, v dobi duhovne stagnacije, se je začelo oblikovanje novega tipa umetnika. Pojavili so se dedni intelektualci, ki so izhajali iz profesorskih družin ali ustvarjalnih krogov.
Umetnika niso več dojemali kot obrtnika, postal je vladar misli. Bil je sijajno izobražen človek. Posebnost umetnika srebrne dobe je bil ustvarjalni univerzalizem. Hrepenenje po univerzalizmu ne oživi stare romantične ideje o sintezi umetnosti. Srebrna doba je ponudila veliko možnosti za njegovo izvedbo: v sodobnosti, v dejavnostih "Sveta umetnosti" ...
Vendar pa univerzalizem ni bil le obvladovanje sorodnih specialitet. Kazalo se je v umetnikovi želji, da bi ustvarjalnost presegel ozke strokovne okvire svoje neposredne specialnosti. Prvič, predmet stalnih hobijev umetnikov srebrne dobe je bila filozofija. Pri tem nimamo v mislih le dejstva, da ima večina modernistov umetnostnokritična, filozofska, estetska in filozofska dela, temveč tudi filozofsko in konceptualno naravo vsebine njihovih umetnin, zaradi česar jih moramo uvrstiti med filozofsko misleči umetniki.
Umetnik, ki "oblikuje" realnost prihajajočega stoletja, ustvarja nov mit. Odmika se od dogajalnosti in ne ustvarja ilustracije upodobljenega, temveč njegov simbolni prenos, poetični ekvivalent. Umetniška fikcija postane nekakšna legenda o življenju, način za razumevanje njegovih skritih temeljev in zakonitosti.
Tako se je v kulturo vrnil mitopoetični pogled na svet, pesniško-čustveno doživljanje sveta, ki je bolj ustrezalo duhu časa kot njegov refleksivno-diskurzivni razvoj. Mitologizirano dojemanje sveta in dialektično povezano mišljenje s simboli sta spodbudila zanimanje za tradicionalno ljudsko umetnost, osvobojeno neposrednega empiričnega poustvarjanja okoliške stvarnosti. Stare kulture je privlačil mitološki koncept sveta, njegovo celostno in harmonično dojemanje. Vendar pa se je novomitologizem bistveno razlikoval od mitologije kot oblike naivno-poetičnega mišljenja antike.
Tako se izkušnja arhaičnih obdobij v kulturi in za umetnika prekriva s poskusi sodobne umetnosti, da bi prodrla v najgloblje globine človekovega notranjega sveta. Zahvaljujoč posebnemu občutku in posebnemu zavedanju sedanjosti se je oblikoval umetnik srebrne dobe.
Obdobja zgodovine ruskega simbolizma srebrne dobe. Časovnica razvoja
Simbolizem v Rusiji se je rodil v treh časovnih obdobjih:
Prvi zajema sredino 1880-1900. - čas rojstva in razvoja simbolističnih teženj v delu kroga Abramtsevo in moskovskih umetnikov, združenje "Svet umetnosti";
Drugo obdobje je omejeno na 1900-14. - razcvet simbolističnega gibanja v literaturi, gledališču in plastičnih umetnostih, ko ustvarjajo Vrubel, Borisov-Musatov, mojstri Sveta umetnosti in mladina Modre vrtnice in ko se načela simbolizma edinstveno izvajajo v dela zgodnje ruske avantgarde;
Tretja je povezana z obdobjem prve svetovne vojne in revolucije, ki se je začela v Rusiji (1914-1920) - integralna v svojih težavah in dosežkih.
Evangelijska platna V.G. Perova, N.N. Ge, verske in zgodovinske slike pokojnih akademikov V.P. Vereščagina, G.I. Semiradsky, P.A. Svedomsky in drugi V letih 1880-90. ta težnja po posredovanju »notranje resnice« in avtorjeve žive, čustvene izkušnje bo našla svoj razvoj v verskih delih M.A. Vrubel, V.M. Vasnetsova, I.E. Repin.
V osemdesetih letih 19. stoletja, na vrhuncu zmagoslavja Potepuhov, so se pojavila zgodnja simbolistična dela M. A. Vrubela. Dualizem je prežemal njegovo delo; hkrati je manifestirala čaščenje Goethejeve naravne filozofije in dualizma Kanta, Schopenhauerja in Nietzscheja. Skoraj istočasno je umetnik naslikal svetnike in Demona, utelešenje teomahizma. Avtor vzvišenih in abstraktnih vzorcev je bil očaran nad mikrokozmosom rastlin, ornamentom vzorcev. V 1880-ih I.I. Levitan, S.V.Malyutin, A.Ya. Golovin, V.E. Borisov-Musatov, K.A. Somov, A.N. Benois, L.S. Bakst in drugi.
Pregled ruskega simbolizma je potekal v letih 1896-97. na "Razstavi eksperimentov (skic) umetniške ustvarjalnosti", v kateri so sodelovali Repin, Vasnetsov, Polenov, Golovin, Nesterov, Somov. Za simbolizem s svojim kultom nedokončanosti je bila značilna že sama ideja takšne razstave.
Leta 1890 sanje o združitvi pisateljev in umetnikov so bile na kratko uresničene v uredništvu revije "Svet umetnosti": pesmi in proza Merežkovskega, Balmonta, Sologuba so bile natisnjene v zasnovi Benoita, Baksta, Lansereja. Številne njihove vinjete, zaključki, ohranjevalniki zaslona so priznane mojstrovine simbolistične grafike.
1890 dal širok spekter iskanj v smislu simbolike, ki se razvija, bo stalnica in priljubljena v naslednjih dveh desetletjih razvoja tega gibanja.
Ruski simbolizem v vizualni umetnosti, kot je bil na Zahodu, ni dal enotnega slogovnega toka (majhna izjema je skupina "Nabidov" in udeleženci razstave "Modra vrtnica").
Značilnosti žanrskega slikarstva na prelomu 19. in 20. stoletja.
S krizo populističnega gibanja v 90. mnogi Potepuhi so doživeli ustvarjalni zaton. Kompleksni življenjski procesi so določali raznolikost oblik umetniškega življenja teh let.
Široka svobodna slikovna manira je rezultat evolucije v razvoju likovnih sredstev v vseh žanrih na prelomu stoletja. V iskanju »lepote in harmonije« se umetniki preizkušajo v najrazličnejših tehnikah in umetniških oblikah – od monumentalnega slikarstva in gledališke kulise do oblikovanja knjig in umetnostne obrti.
Na prelomu stoletja se je razvil slog, ki je zajel vse plastične umetnosti, imenovan secesija. Ta pojav je dvoumen, v modernosti je prisotna tudi dekadentna pretencioznost, pretencioznost, zasnovana predvsem za meščanske okuse, obstaja pa tudi želja po enotnosti sloga, ki je sama po sebi znana. V slikarstvu se je secesija kazala kot simbolika podob, nagnjenost k alegorijam.
V 90. letih. razvija se žanrsko slikarstvo. Kmečka tematika se razkriva na nov način. Razkol v podeželski skupnosti je poudarjeno obtožujoče upodobil Sergej Aleksejevič Korovin (1858-1908) v sliki "O svetu" (1893).
Abram Efimovič Arhipov (1862-1930) je v filmu Perice (1901) uspel pokazati brezupnost obstoja v težkem, napornem delu. To mu je v veliki meri uspelo z novimi slikarskimi odkritji, z novim razumevanjem barvnih in svetlobnih možnosti.
Zamolčanost, "podtekst", dobro ugotovljena izrazna podrobnost naredijo sliko Sergeja Vasiljeviča Ivanova (1864-1910) še bolj tragično.
Ivanov ima eno od del, posvečenih revoluciji leta 1905 - "Usmrtitev".
Tudi tu je ohranjena impresionistična tehnika »delne kompozicije«, kot naključno iztrgan okvir. Za Ivanova so značilni ostri svetlobni in senčni kontrasti, ekspresivna kontura predmetov in znana slikovna ravnina. Njegov jezik je lapidaren.
V 90. letih. 19. stoletje Umetnost vstopi v umetnika, ki delavca naredi za protagonista svojih del. Leta 1894 Slika N.A. Kasatkina (1859-1930) "Rudar", leta 1895 - "Premogovniki. Spremeni".
Andrej Petrovič Rjabuškin (1861-1904) deluje bolj v zgodovinskem žanru kot v čisto zgodovinskem žanru. "Ruske ženske 17. stoletja v cerkvi" (1899),
»Poročni vlak v Moskvi. 17. stoletje ”(1901) in drugi so vsakdanji prizori iz življenja Moskve v 17. stoletju. Rjabuškina je pritegnilo to stoletje s svojo medenjakovo eleganco, polikromiranostjo, vzorci. Rjabuškinova stilizacija se odraža v ploskosti slike, v posebnem sistemu plastičnega in linearnega ritma, v barvni shemi, zgrajeni na svetlih glavnih barvah, v splošni dekorativni rešitvi.
Apolinarij Mihajlovič Vasnecov (1856-1933) v svojih zgodovinskih kompozicijah posveča še večjo pozornost krajini.
Tudi njegova najljubša tema je 17. stoletje, a ne vsakdanji prizori, temveč arhitektura Moskve. Moskva konec 17. stoletja. Ob zori pri vstajenjskih vratih "(1900).
Nov tip slikarstva, v katerem so folklorne umetniške tradicije obvladale na povsem poseben način in jih prevedle v jezik sodobne umetnosti, je ustvaril Filip Andrejevič Maljavin (1869-1940). Njegove slike "žensk" in "deklet" imajo nekaj simbolni pomen- zdrava tla Rusija. Slike so vedno ekspresivne. "Smeh" (1899), "Vihra" (1906)
Slika je obsežna, skicozna s teksturirano potezo čopiča. Malyavin je v svojem slikarstvu združil izrazni dekorativnizem z realistično zvestobo naravi.
Mihail Vasiljevič Nesterov (1862-1942) se je tako kot številni mojstri pred njim loteval teme starodavne Rusije, vendar se podoba Rusije na slikah pojavlja kot nekakšen idealen, skoraj začaran svet, v sožitju z naravo. Ta izostren čut za naravo, veselje pred svetom, pred vsakim drevesom in travko pride še posebej do izraza v enem najbolj znana dela Nesterov - "Vizija mladostniku Bartolomeju" (1889-1890), "Kristusova nevesta" (1887). Nesterov je naredil veliko monumentalnega verskega slikarstva. Freske so vedno posvečene starodavni ruski temi. Na stenskih slikah Nesterova je veliko resničnih opazovanih znakov, zlasti v pokrajini, portretnih značilnostih - v podobi svetnikov. V umetnikovi želji po ploskovni interpretaciji kompozicije elegance, ornamentalnosti, rafinirane prefinjenosti plastičnih ritmov se je pokazal nedvomen vpliv secesije. Nesterova pokrajina igra eno glavnih vlog.
Krajinski žanr se ob koncu 19. stoletja razvije na nov način. Novo besedo na prelomu stoletja so izrekli številni umetniki.
Že v zgodnjih krajinah Konstantina Aleksejeviča Korovina (1861-1939) se rešujejo povsem slikovni problemi - pisati sivo na belo, črno na belo, sivo na sivo. Za briljantnega kolorista se zdi, da je svet "izgred barv". Slikal je tako portrete kot tihožitja, a njegova najljubša zvrst je bila krajina. V umetnost je prinesel močno realistično tradicijo svojih učiteljev - to je drugačen pogled na svet, postavlja druge naloge. Pleneristično je začel slikati zgodaj. "V čolnu"
"Zima na Laponskem". Njegove francoske krajine so že precej impresionistična pisava, z njegovo najvišjo kulturo etide. "Pariz. Boulevard des Capucines" (1906), "Pariz ponoči. Italijanski bulvar (1908). Korovin ohranja enake lastnosti impresionistične etide, slikarskega mojstrstva, presenetljive umetnosti v vseh drugih žanrih, predvsem v portretu in tihožitju, pa tudi v dekorativnih ploščah, uporabni umetnosti in gledališki scenografiji. "Portret Chaliapina" (1911), "Ribe, vino in sadje" (1916).
Eden največjih umetnikov, inovator ruskega slikarstva na prelomu stoletja, je bil Valentin Aleksandrovič Serov (1865-1911). Njegovi "Dekle z breskvami" (1887) in "Dekle, osvetljeno s soncem" (1888) sta cela stopnja v ruskem slikarstvu. Serov je bil vzgojen med uglednimi osebnostmi ruske glasbene kulture - njegov oče je bil slavni skladatelj, in njegova mati - znana pianistka, študirala pri Repinu in Čistjakovu, preučevala najboljše muzejske zbirke v Evropi. Zgornji portreti so bili naslikani v Abramcevu in so vstopili v umetnost s svojim svetlim in poetičnim pogledom na svet. V portretih Serova so načela plenerističnega slikarstva. Tako umetnik upodablja ljudi v sozvočju s svetom, polne treme in notranjega gibanja. Barve so podane v kompleksni interakciji med seboj. Serov se od kritičnega realizma svojega učitelja Repina odmika k "poetičnemu realizmu" (izraz D. V. Sarabjanova). Za razliko od impresionistov se Serov v tem mediju nikoli ne raztopi, tako da se dematerializira, njegova kompozicija nikoli ne izgubi stabilnosti, mase in je vedno v ravnovesju.
Serov pogosto slika predstavnike umetniške inteligence: pisatelje, umetnike in umetnike (portret Korovin 1891, Levitan 1892, Orlova (1910-1911), Jermolova 1905.
Vse interpretira posamezno, a vse nosijo luč intelektualne ekskluzivnosti in navdihujočega ustvarjalno življenje. Serov oblikuje simbolično podobo, ki izraža pomen celotne dobe.
"Peter 1" (1907).
Tukaj Serov uspe prikazati hitro gibanje kralja in dvorjanov, ki nesmiselno hitijo za njim. Umetnik občuduje izvirnost svojega junaka.
Portret, pokrajina, tihožitje, domače, zgodovinsko slikarstvo: olje, gvaš, tempera, oglje - težko je najti slikarske in grafične žanre, v katerih Serov ne bi delal, in materiale, ki jih ne bi uporabljal.
Posebna tema v delu Serova je kmečka. V njegovem kmečkem žanru je občutek lepote in harmonije kmečkega življenja, občudovanje zdrave lepote ruskega ljudstva. "V vasi. Baba s konjem", pastel (1898)
Še posebej slikovite so njegove zimske pokrajine s srebrno-biserno paleto barv "Zima".
Serov je nenehno iskal nove oblike umetniškega uresničevanja resničnosti. Ideje o ploskosti in večji dekorativnosti, ki jih je navdihnila Art Nouveau, se niso odražale le v zgodovinskih kompozicijah, ampak tudi v njegovem portretu plesalke Ide Rubinstein.
Pomembno je, da se Serov ob koncu svojega življenja obrača na starodavni svet. "Ugrabitev Evrope" (1910). Umetnik je večplasten v svoji evoluciji od impresionistične pristnosti portretov in krajin 80. in 90. let. do secesije v zgodovinskih motivih in kompozicijah iz antične mitologije.
Ustvarjalna pot Mihaila Aleksandroviča Vrubela (1856-1910) je bila bolj neposredna, a hkrati nenavadno zapletena. Od univerze v Sankt Peterburgu, kjer je diplomiral na pravni fakulteti, do akademije umetnosti. Vrubel ima poln skrivnosti in skoraj demonski slog pisanja. Tega sloga ne smete zamenjati z nobenim drugim. Iz ostrih "fasetiranih" kosov različnih barv, kot da bi žareli od znotraj, oblikuje obliko, kot mozaik ("Dekle na ozadju perzijske preproge" 1886, "Vedeževalka" 1895)
Barvne kombinacije ne odražajo realnosti barvnega razmerja, ampak imajo simbolni pomen. Narava nima moči nad Vrubelom. Pozna jo, popolnoma jo poseduje, vendar ustvarja svoj domišljijski svet, malo podoben resničnosti. V tem smislu je Vrubel antiteza impresionistom, saj nikakor ne teži k fiksiranju neposrednega vtisa realnosti. Nagiba se k literarnim zapletom, ki jih interpretira abstraktno in skuša ustvariti podobe večne, ogromne duhovne moči (»Tamarin ples«, »Ne joči, otrok, ne joči zaman«, »Tamara v krsti« itd.). .). Leta 1890 je ustvaril svojega "Sedečega demona" - delo, pravzaprav brez zapletov, a podoba je večna. Podoba demona je osrednja podoba celotnega Vrubelovega dela, njegova glavna tema. "Leteči demon" 1899, "Poraženi demon" 1902.
Vrubelov demon je trpeče bitje. Trpljenje prevlada nad zlom in to je posebnost nacionalne ruske interpretacije podobe. Sodobniki so v njegovih "Demonih" videli simbol usode intelektualca - romantika, ki poskuša uporniško pobegniti iz resničnosti brez harmonije v svetu. resnični svet sanje. Ta tragedija Vrubelovega odnosa določa njegovo značilnosti portreta: duševni nesklad, zlom v njegovih avtoportretih, budnost, skoraj prestrašenost, a tudi veličastna moč, monumentalnost - v portretu S. Mamontova (1894), zmeda in tesnoba - v pravljični podobi princese labodov ( 1900)
Vrubel je sam oblikoval svojo nalogo - "prebuditi dušo z veličastnimi podobami iz majhnih stvari vsakdanjega življenja." M.A. Vrubel "Avtoportret" 1904.
Zelo pomembno vlogo v Vrubelovem življenju je imel že omenjeni Savva Mamontov. "Portret Save Mamontova" 1897
V Abramcevu je naredil veliko monumentalnega in štafelajnega slikarstva, obrača se k folklori: k pravljici, epu, kar je privedlo do plošč "Mikula Selyanovich", "Bogatyrs". Umetnik se preizkuša v keramiki, zanimata ga poganska Rusija in Grčija, Bližnji vzhod in Indija – vse kulture človeštva, katerih umetniške tehnike želi doumeti. In vsakič, ko je narisal vtise, se je globoko sprevrgel v simbolične slike, ki odraža vso izvirnost njegovega pogleda na svet.
Svoja najbolj zrela slikarska in grafična dela je Vrubel ustvaril na prelomu stoletja - žanr krajine, portreta, knjižne ilustracije. V organizaciji in dekorativno-ploskovni interpretaciji platna ali lista, v kombinaciji realnega in fantastičnega, v zavezanosti ornamentalnim, ritmično zapletenim rešitvam se v njegovih delih tega časa vse bolj uveljavljajo poteze moderne.
Tako kot Korovin je tudi Vrubel veliko delal v gledališču. Dela, za katera je slikal kulise (Sneguročka, Sadko itd.), so omogočila "komunikacijo" z rusko folkloro, pravljicami in legendami.
Vrubelovo delo je svetlejše od drugih odražalo protislovja in boleča metanja prelomne dobe.
Neposredni predstavnik slikovne simbolike je Viktor Elpidiforovič Borisov-Musatov. Je eden prvih retrospektivnih umetnikov v likovni umetnosti obmejne Rusije. Njegova dela so elegična žalost po starih praznih »plemiških gnezdih« in propadajočih »češnjevih sadovnjakih«, po lepih ženskah, navdahnjenih, skoraj nezemeljskih, oblečenih v nekakšne brezčasne kostume, ki ne nosijo zunanjih znamenj kraja in časa.
Njegova štafelajna dela ne spominjajo niti na okrasne plošče, temveč na tapiserije. Prostor je rešen skrajno pogojno, ploskovno ("Gobelin"), figure so skoraj eterične, kot na primer dekleta na sliki "Ribnik" 1902, tempera.
Potopljen v sanjsko meditacijo, v globoko kontemplacijo. Zbledeli, bledo sivi odtenki barv povečajo splošni vtis krhke nezemeljske lepote.
Vodilni umetnik "Sveta umetnosti" je bil Konstantin Andrejevič Somov (1869-1939).
Prejel je odlično izobrazbo. Ustvarjalna zrelost je prišla do njega zgodaj, vendar je bila v njem očitna neka dvojnost - boj med močnim realističnim instinktom in bolečim čustvenim pogledom na svet. slikarska simbolika srebrna doba
Somov, kot ga poznamo, se je pojavil v portretu Martynove "Dama v modrem", 1897-1900, v portretni sliki "Odmev preteklega časa", 1903, kjer ustvarja poetično karakterizacijo krhkega, anemičnega. ženska lepota dekadentni model, ki noče posredovati resničnih vsakdanjih znakov modernosti. Modele obleče v starodavne noše, njihovemu videzu daje poteze skrivnega trpljenja, žalosti in zasanjanosti, boleče zlomljenosti.
Somov ima serijo grafičnih portretov svojih sodobnikov - intelektualne elite, v katerih uporablja eno skupno tehniko - na belem ozadju - v določeni brezčasni sferi - nariše obraz, v katerem podobnost ni dosežena z naturalizacijo, temveč s krepko posplošitve in ustrezen izbor značilnih podrobnosti. To pomanjkanje znakov časa ustvarja vtis statičnosti, togosti, hladnosti, skoraj tragične osamljenosti.
Za umetnika je značilen historizem, bil je beg od realnosti. Ne preteklost, ampak njena uprizoritev, hrepenenje po njeni nepovratnosti - to je glavni motiv. "Pismo" 1896, "Cofidencia" 1897.
Druga dela Somova so pastoralne in galantne veselice, polne jedke ironije, duhovne praznine, celo brezupnosti. Ljubezenski prizori so vedno erotični.
Somov je veliko delal po urniku. Knjige, ki jih je oblikoval, so kot en sam organizem s svojo lastno ritmično in slogovno enotnostjo.
Idejni vodja "Sveta umetnosti" je bil Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) - nenavadno vsestranski talent. Slikar, štafelajni grafik in ilustrator, gledališki oblikovalec, režiser, avtor baletnih libretov, umetnostni teoretik in zgodovinar, glasbenik. Kot umetnika ga s Somovim povezujejo slogovne težnje in nagnjenost k preteklosti. V versajskih pokrajinah Benoisa, zgodovinski rekonstrukciji 17. stoletja in sodobnih vtisih umetnika, njegovem dojemanju francoski klasicizem, francoska gravura. Od tod jasna sestava, jasna prostornost, veličina in hladna strogost ritmov, ki nasprotujejo veličini umetnostnih spomenikov in majhnosti človeških figur, ki so med njimi le osebje. "Zadnji sprehodi Louisa 14" 1896 - 1898 - prva serija Versailles, v drugi seriji pa se sliši nekaj ironije, pobarvane s skoraj tragičnimi notami. "Kraljeva pot" 1906.
Naravo Benois dojema v asociativni povezavi z zgodovino. V seriji slik iz ruske preteklosti po naročilu založbe Knebel v prizorih plemiškega, veleposestniškega življenja v 18. st. Benoist je ustvaril intimno podobo te dobe, čeprav nekoliko teatralno.
"Parada pod Pavlom 1" 1907
Benois - ilustrator - je cela stran v zgodovini knjige. Ravnina stranice zanj ni sama sebi namen. Ilustracije so bile dokaj celovita samostojna dela, ne toliko »umetnost knjige« kot »umetnost v knjigi«.
Kot gledališki oblikovalec je Benois oblikoval predstave Ruskih sezon. Lik Benoisa - umetnostnega kritika in umetnostnega zgodovinarja - je cela faza v zgodovini umetnostne kritike.
Tudi v jedru "Sveta umetnosti" je bil Lev Samuilovič Bakst (1866-1924), ki je zaslovel kot gledališki umetnik. Na prvih razstavah je razstavil vrsto slikarskih in grafičnih portretov, kjer se je narava, prihajajoča v toku bivanjskih stanj, spreminjala v nekakšen idealen prikaz sodobnega človeka. To so portreti Benoisa, Belyja, Somova, Rozanova, Grippiusa, Diaghileva.
V Bakstovih grafikah ni motivov 18. stoletja. In posestne teme. Gravitira proti antiki, še več, k grški arhaiki, interpretirani simbolično. Poseben uspeh je doživela slika "Starodavna groza", tempera, 1908.
Kmalu se je Bakst popolnoma posvetil gledališkemu in scenografskemu delu, svetovno slavo pa so mu prinesli kulise in kostumi za balete antrepreze Djagiljev, izvedeni z izjemnim sijajem, virtuoznostjo, umetniškostjo.
Še posebej lahko rečemo o Nicholasu Roerichu. Z odlično izobrazbo si je kmalu pridobil avtoriteto znanstvenika. Privlačila ga je poganska slovanska in skandinavska antika, Starodavna Rusija. Opažene so bile slogovne tendence, teatralna dekorativnost. "Messenger", 1897, "The Elders Converge", 1898, "Sinister", 1901.
Roerich je bil najtesneje povezan s filozofijo in estetiko ruskega simbolizma, vendar se njegova umetnost ni ujemala z obstoječimi trendi, ker. ta je v skladu z umetnikovim svetovnim nazorom tako rekoč nagovarjala vse človeštvo s pozivom k prijateljski zvezi vseh narodov. Od tod posebna epskost njegovih slik.
Po letu 1905 je v Roerichovem delu raslo razpoloženje panteistične mistike. Zgodovinske teme dati prostor verskim legendam. "Nebeški boj", 1912.
Ruska ikona je imela velik vpliv na Roericha. "Bitka pri Kerzhentsu", 1911
Eden od nadarjenih umetnikov je bil Boris Mihajlovič Kustodijev (1878 - 1927), Repinov učenec. Ima tudi stilizacijo, a to je stilizacija ljudski tisk. Od tod svetli praznični "sejmi", "pustni dan",
»Balagany«, torej njegove slike iz meščanskega, trgovskega življenja, podane z rahlo ironijo, a brez občudovanja teh rdečeličnih, napol zaspanih lepotic za samovarjem in s krožniki v debelih prstih.
"Trgovec" 1915,
"Trgovec za čaj" 1918.
Umetnost predrevolucionarnih let v Rusiji zaznamujeta nenavadna kompleksnost in nedoslednost umetniških iskanj, od tod zaporedna združevanja z lastnimi programskimi nastavitvami in slogovnimi simpatijami.
Sijajna priča vitalnosti narodnih tradicij je veliko starodavno rusko slikarstvo delo Kuzme Sergejeviča Petrova-Vodkina (1878-1939), umetnika misleca, ki je pozneje postal najvidnejši mojster umetnosti sovjetskega obdobja. V znameniti sliki "Kopanje rdečega konja" leta 1912 se je umetnik zatekel k figurativni metafori. Kot je bilo pravilno ugotovljeno, mladenič na svetlo rdečem konju vzbuja asociacije na priljubljeno podobo sv. Jurija Zmagovalca in posplošeno silhueto, ritmično, kompaktno kompozicijo, nasičenost kontrastnih barvnih pik, ki zvenijo v polni moči, in ploskost v interpretaciji oblik spominja na starodavno rusko ikono. Dela mojstra so osredotočena na tradicijo ruske umetnosti, vodijo mojstra do prave narodnosti.
Likovna društva in likovne kolonije v slikarstvu
1900-zač 1910 so bili razcvet umetniških razstav: razstave društev "Svet umetnosti", Moskovskega združenja, Zveze mladih, spomladanske razstave Akademije umetnosti; za enkratno uporabo - "Škrlatna vrtnica", "Modra vrtnica", "Stefanos", "Venec", Salonov S.K. Makorovsky, V.A. Izdebsky, Saloni "zlatega runa" so zajeli razvoj ruskega slikarstva od impresionizma in simbolizma do neoprimitivizma, kubofuturizma, abstraktnega ekspresionizma, "analitične umetnosti".
Muzej ruske antike.
Začetek stoletja v umetnosti in obrti je zaznamovala svetlo simbolična figurativna rešitev kompleksa stavb S.V. Malyutin poimenovan po M.K. Tenisheva Talashkino blizu Smolenska. Posestvo je vedno imelo veliko gostov, vključno z umetniki A.N. Benois, I.E. Repin, M.A. Vrubel, K.A. Korovin, kipar Trubetskoy in mnogi drugi Umetnik N.K. Roerich, ki je slikal v cerkvi Svetega Duha, nedaleč od posestva. Tukaj je živel umetnik S. Malyutin, ki je zasnoval in okrasil leseno hišo "Teremok". Teniševa je v spremstvu umetnikov, zgodovinarjev, arheologov potovala po ruskih mestih in vaseh ter zbirala predmete dekorativne in uporabne umetnosti: tkanine, vezene brisače, čipke, rute, oblačila, keramiko itd. To je bil začetek edinstvenega Muzeja ruske antike, ki je bil odprt v Smolensku leta 1998.
"Umetniški krog Abramcevo".
S posestvom Abramcevo je povezanih veliko zanimivih imen ruske kulture: pisatelj S.A. Aksakov, N.V. Gogol, I.S. Turgenjev. Leta 1870 je posestvo kupil S.I. Mamontov je subtilen poznavalec umetnosti. Prav on je postal ustanovitelj ustvarjalnega združenja, ki se je v zgodovino zapisalo pod imenom "Abramtsevo Artistic Circle". Mamontov je okoli sebe zbral tako izjemne umetnike, kot je I.E. Repin, V.M. Vasnetsov, V.D. Polenov, M.N. Nesterov, M.A. Vrubel, K.A. Korovin, V.A. Serov in drugi, vsak od njih je obiskal Abramcevo in prispeval k življenju »umetniške kolonije«.
Združenje "Svet umetnosti" in njegov pomen v razvoju ruske kulture.
Skupina, v kateri se je rodil močan in vpliven kulturni in estetski trend, ki se združuje okoli revije "Svet umetnosti", je nastala v Sankt Peterburgu v zgodnjih devetdesetih letih 19. stoletja. s skromnim namenom samoizobraževanja. V kratkem času se je pripravila na široko javno dejavnost in začela vplivati na aktualno umetniško življenje. V razvoju družbenega življenja kroga je bila pomembna vloga S.P. Djagiljev. Glavna ideja, ki ga je vodila, je izhajala iz globokega prepričanja o svetovnem pomenu ruske umetnosti. Zadal si je cilj združiti najboljše ruske umetnike, jim pomagati vstopiti v evropsko umetniško življenje in po njegovih besedah »povzdigniti Ruska umetnost na zahodu". Djagilev je tej nalogi posvetil vso svojo dejavnost. Njegova peterburška skupina, v kateri so bili Somov, Bakst, Benois in Lansere, je stopila v tesno zavezništvo z Vrubelom, Levitanom, Serovom, Korovinom, Nesterovom, Rjabušinskim in drugimi moskovskimi slikarji. To široko združenje, ki je neizmerno preraslo obseg prvotne skupine Djagiljev, je služilo kot osnova, na kateri je Djagilev lahko organiziral umetniško revijo, ki je v zgodnjih letih 20. stoletja postala ideološko središče ruske umetnosti.
Revija, imenovana "Svet umetnosti", je izhajala 6 let (1899-1904) pod urednikovanjem Diaghileva in letno organizirala umetniške razstave pod istim imenom. Glavno jedro teh razstav je vedno predstavljalo delo slikarjev in grafikov peterburške skupine Djagiljev. V njihovi sredini se je oblikovalo umetniško gibanje "Svet umetnosti".
Zgodovina "sveta umetnosti" ima dva ločena, čeprav povezana vidika:
Po eni strani je to zgodovina ustvarjalne smeri, ki se je razvila v peterburški skupini umetnikov z Benoisom in Somovom na čelu;
Po drugi strani pa je to zgodba o kompleksnem kulturno-estetskem gibanju, ki je v svojo orbito potegnilo vrsto velikih ruskih mojstrov, katerih delo se je razvijalo neodvisno od peterburške skupine, včasih je po svoje daleč od nje. ideološke vsebine in slikovni jezik.
To gibanje ni zajelo samo slikarstva in grafike, temveč tudi številna sorodna področja kulture in je vplivalo na rusko arhitekturo, kiparstvo, poezijo, balet in Operno gledališče, pa tudi umetnostna kritika in znanost o umetnosti. Izobraževalno delo "Sveta umetnosti" je bilo v šestih letih njegovega obstoja usmerjeno po dveh glavnih kanalih: revija je, prvič, pokrivala trenutno stanje likovne umetnosti v Rusiji in v nekaterih državah zahodne Evrope, in, drugič, sistematično, sistematično odpiral bralcem pozabljene ali nerazumljive vrednote nacionalne umetniške kulture preteklosti. Bolj kot se je razvijala dejavnost revije, pomembnejše so v njej pridobivale teme ruske antike. »Svet umetnosti« se je razvil iz secesije v retrospektivizem. Med tem razvojem so člani revije prišli do številnih pomembnih zgodovinskih in umetnostnih odkritij: Svet umetnosti je bil tisti, ki je postavil temelje za sistematično preučevanje ruske umetniške kulture 18. stoletja. , doslej napol pozabljene in celo zmotno interpretirane. Slava D.G. Levitsky in V.L. Borovikovski, pa tudi izjemni arhitekti ruskega baroka in klasicizma, so začeli z deli Djagiljeva, Benoisa, Grabarja in drugih.
Prvi v ruski znanosti so se obrnili na dediščino ruskih romantikov in sentimentalistov, raziskovalci so na novo ovrednotili tudi delo O.A. Kiprenski, A.G. Venecianov, F. Tolstoj.
Istim kritikom pripisujejo radikalno revizijo uveljavljenih napačnih predstav o stari sanktpeterburški arhitekturi. Njena umetniška vrednost je popolnoma precenjena. Članki Benoisa, ki se je poklonil lepoti starega Sankt Peterburga, so bili pravo razodetje za tedanje bralce.
V združenju Svet umetnosti sta oživljali in oblikovali rusko knjižno grafiko novega časa, pa tudi rusko gledališko kulturo.
Revija je načrtno podpirala razvoj umetnostne in umetnostne obrti.
Nazadnje se je s »Svetom umetnosti« začela nova faza v zgodovini ruske umetnostne kritike in umetnostne zgodovine. Uspehi, ki jih je Svet umetnosti dosegel v organizacijskih zadevah, so ruskim umetnikom dali zagon za ustvarjanje novih razstavnih skupin in ustvarjalnih združenj.
"Modra vrtnica".
Na prelomu stoletja je umetnost vzplamtela z idejo o popolni neodvisnosti, samozadostnosti. Pobudniki boja za čistost in notranjo vrednost umetnosti so bili simbolistični pesniki in umetniki skupine Svet umetnosti. Umetnost se je vse bolj utrjevala v svoji posebnosti, opirajoč se na notranje možnosti.
Prva skupina, od katere se začne odštevanje novih trendov v ruskem slikarstvu zgodnjega 20. stoletja, je bila Modra vrtnica. Pod tem imenom so leta 1907 v Moskvi odprli razstavo, na kateri so sodelovali A. Arapov, N. Krimov, P. Kuznecov, V. in N. Milioti, N. Sapunov, M. Saryan, S. Sudeikin, P. Utkin in drugi, skupaj 16 umetnikov.
Vernisaža leta 1907 ni bila presenečenje, že na prvih razstavah Sveta umetnosti so se pojavila prva dela nekaterih bodočih Modrih nosilcev. Leta 1904 je bila v Saratovu urejena razstava "Škrlatna vrtnica", ki je neposredna predhodnica "Modre". Udeležil se ga je Saratov - povabljeni so bili V. Borisov-Musatov, P. Kuznetsov, P. Utkin, mladi umetniki izven mesta Saryan, Sapunov, Sudeikin, Arapov, Vrubel. Slednji je odigral pomembno, navdihujočo vlogo pri delu vseh Modrih medvedov. Razstava "Modra vrtnica", organizirana na račun pokrovitelja in založnika "Zlatega runa", amaterskega umetnika N. Rjabušinskega, je bila odprta 18. marca 1907 v Moskvi, v hiši proizvajalca porcelana M. Kuznetsova. Po vsej svoji strukturi se je razlikovala od običajnih razstav, predstavljala je nekakšen skrivnostni svet: »ali salon ali kapelo« z zatemnjenimi lučmi in prosojnimi zavesami. A glavno presenečenje so bila dela sama. Dvorane, okrašene s srebrno sivimi in bledo modrimi tkaninami, so hranile slike in grafike štirinajstih umetnikov - P. Kuznecova, P. Utkina, N. Sapunova, M. Saryana, S. Sudeikina, N. Krimova, A. Arapova, A Fonvizin, N. in V. Milioti, N. Feofilaktov, V. Drittenpreis, I. Knabe in N. Rjabušinski. Tu so bila tudi kiparska dela A. Matvejeva in P. Bromirskega. Glasbo ruskih skladateljev so izvajali najboljši glasbeniki, brali so poezijo A. Belega in V. Brjusova.
Ime razstave in združenje ter slog del sodelujočih so tesno povezani z estetiko simbolizma. Modra barva - barva neba, vode, neskončnega prostora - kot da bi poosebljala poetične sanje in resničnost, melanholijo in upanje. "Modra vrtnica" je bila skupinska razstava, združena z enotnim estetskim programom. Zaradi njenega pojava so prejšnja likovna združenja, med njimi tudi Svet umetnosti, izgubila nekdanji pomen. Nadaljevanje podvigov "Sveta umetnosti" je "Modra vrtnica" hkrati nasprotovala svetu umetniške stilistike in literature ter vnesla bistveno novo v umetniško zavest dobe. To je bil prvi korak ruske umetnosti izven meja 19. stoletja. Ekskluzivnost "Modre vrtnice" je bila v tem, da so njeni umetniki znali plastično izraziti nematerialne kategorije - čustva, razpoloženja, čustvena doživetja. Ker je neoprimitivizem postal sestavni del, je bila Modra vrtnica predhodnica ruske avantgarde. Njene ideje so pobrali in razvili na svoj način v delih N. Goncharova, M. Larionov, K. Malevich.
Goluborozoviti so bili povezani z moskovskimi simbolističnimi pesniki, s simbolističnima skladateljema Skrjabinom in Menterjem. Če jih primerjamo s simbolističnimi pesniki, ne moremo ugotoviti pomembne razlike. Pesniki so ustvarili svojo teorijo simbolizma, vsi pesniki, ki so pisali o simbolizmu v letih 1890-1900, so v svojih teorijah idejo o pomenu podobe, neustreznosti zunanjega izraza notranjemu stanju duše , se jasno pokaže neizrekljivost višje duhovnosti.
»Simbolistični slikarji niso zgradili lastne teorije. Vrubel v svojem zgodnjem simbolizmu devetdesetih let 19. stoletja. Veliko sem vzel iz romantičnega koncepta ustvarjalnosti. Borisov-Musatov je govoril in pisal bolj o muzikalnosti in harmoniji kot o simbolu. Goluborozovisti Kuznecov, Utkin, brata Milioti in drugi so brez dvoma razmišljali o simbolnem pomenu umetniška podoba vendar z redkimi izjemami svojih misli niso izrazili ustno. Vsi mojstri so bili predvsem praktični slikarji, ki so z lastno ustvarjalnostjo uspeli ustvariti določen likovni sistem.
Društvo Modra vrtnica je leta 1910 prenehalo obstajati.
Zaključek
Torej je slikanje simbolizma način prenosa kulturne izkušnje in vir razvoja ustvarjalnega mišljenja in prostorske domišljije.
Ruski simbolizem je v nasprotju z zahodnoevropskim simbolizmom, ki se je v glavnem razvijal kot literarna in umetniška šola, že od samega začetka želel preseči umetnost samo in postati široka kulturna smer, določen pogled na svet, s ciljem rešiti in preobrazba človeštva. Ruski simbolisti so verjeli, da je pravi umetnik, ki je teurg, poklican ustvarjati ne le umetniške oblike življenja. Ruska simbolika je ena tipičnih manifestacij življenjskega ustvarjanja.
Slikoviti sistemi ruskega simbolizma, zgrajeni na plastiki in literarne podlage, oblikoval izvirno narodno šolo, ki zavzema pomembno mesto v vseevropski simboliki na področju plastične umetnosti.
Teorija in praksa ruskega simbolizma temeljita na muzikalnosti, saj je glasba najpopolnejša oblika umetnosti, ki vključuje vse druge oblike umetnosti in neposredno izraža transcendentni svet. Iskanje in širjenje glasbenih izraznih sredstev v slikarstvu, samo gibanje k ustvarjanju le-teh slike, so bili pozvani, da obnovijo izgubljeno celovitost, enotnost vesolja.
Tako so se v ruskem slikarstvu simbolizma uresničila glavna teoretična načela simbolizma, in sicer problem ustvarjanja življenja, teurgije, sinteze itd.
Seznam uporabljene literature
1. M.A. Voskresenskaya "Simbolizem kot pogled na svet srebrne dobe" Moskva "Logos", 2005;
2. I. Golitsyna »Zgodovina ruskega slikarstva. Prelom 19. in 20. stoletja "Moskva" Belo mesto ", 2007;
3. T.V. Ilyin, Zgodovina umetnosti. Domača umetnost, Moskovska višja šola, 2000;
Periodična literatura:
4. »50 ruskih umetnikov. Mojstrovine ruskega slikarstva" Izdaja št. 5, Moskva, LLC "De Agostini", 2010;
5. »50 ruskih umetnikov. Mojstrovine ruskega slikarstva" Izdaja št. 11, Moskva, LLC "De Agostini", 2010;
6. Bibliotekar.ru
8.rutracker.org
Podobni dokumenti
Duhovni in umetniški izvori srebrne dobe. Vzpon kulture srebrne dobe. Izvirnost ruskega slikarstva konec XIX- začetek XX stoletja. Likovna združenja in njihova vloga v razvoju slikarstva. Kultura pokrajin in manjših mest.
seminarska naloga, dodana 19.01.2007
Intenzivnost srebrne dobe v ustvarjalnih vsebinah, iskanje novih izraznih oblik. Glavne umetniške smeri "srebrne dobe". Pojav simbolizma, akmeizma, futurizma v literaturi, kubizma in abstrakcionizma v slikarstvu, simbolizma v glasbi.
povzetek, dodan 18.03.2010
Srebrna doba kot manifestacija duhovne in umetniške renesanse, ki je zaznamovala vzpon ruske kulture do konca 19. in 20. stoletja. Koncept besedne vrstice. Analiza in pomen simbolizma v literaturi, glasbi in slikarstvu. Značilnosti simbolnega gledališča.
predstavitev, dodana 27.03.2015
Silhueta srebrne dobe. Glavne značilnosti in raznolikost umetniškega življenja obdobja "srebrne dobe": simbolizem, akmeizem, futurizem. Pomen srebrne dobe za rusko kulturo. Zgodovinske značilnosti razvoja kulture v poznem XIX - začetku XX stoletja.
povzetek, dodan 25.12.2007
Pojem in posebnosti toka simbolizma na področju slikarstva. Izjemni predstavniki ruskega in tujega simbolizma, ocena njihovih ustvarjalnih dosežkov. Analiza znanih del simbolizma, njihove teme in pomen v svetovni kulturi.
predstavitev, dodana 28.02.2017
Prelomnica v zgodovini ruske umetnosti na začetku 18. stoletja. Uspehi v portretnem žanru. Slike, ki so jih ustvarili Rokotov, Nikitin, Levitsky, Borovikovsky in drugi avtorji tistega časa. Zanimanje za vsakdanji žanr in pokrajino. Značilnosti ruskega slikarstva XIX stoletja.
predstavitev, dodana 29.11.2011
Študij ustvarjalna dediščina umetnik Andrej Rublev. Analiza prispevka ikonopisca Dionizija k razvoju ruskega slikarstva. Preučevanje njegove umetniške metode. Pojav slikarske šole Stroganov. Mesto posvetnega slikarstva v ruskem slikarstvu 16. stoletja.
predstavitev, dodana 18.09.2014
Ustvarjalnost učencev Venetsianova v zgodovini ruske umetnosti. Romantika v ruskem slikarstvu. Razvoj portretnega slikarstva v drugi polovici 19. stoletja. M. Vorobyov in njegova šola. Ivanova dela akademskega obdobja. Razširjena ilustracija.
povzetek, dodan 28.07.2009
Trendi v razvoju ruskega slikarstva, asimilacija umetnikov linearna perspektiva. Širjenje tehnik oljnega slikanja, nastanek novih žanrov. Posebno mesto za portret, razvoj realističnega trenda v ruskem slikarstvu 18. stoletja.
predstavitev, dodana 30.11.2011
Zgodovina ruskega krajinskega slikarstva. Življenje in delo V. Polenova. Poezija patriarhalne Moskve v umetnikovih slikah. Realizem in duh družbenokritične ironije, psihološka drama v zgodovinskem slikarstvu I. Repina. Portretna slika umetnika.
diapozitiv 2
"Srebrna doba" je stičišče dveh stoletij v zgodovini Rusije: XIX in XX. V tem času so se pojavile naslednje umetniške smeri: realizem; Modernizem
diapozitiv 3
Realizem. V.M. Vasnecov
Viktor Mihajlovič Vasnecov 1848-1926 - ruski slikar in arhitekt, mojster zgodovinskega in folklornega slikarstva. Gamayoun 1897
diapozitiv 4
Bogatirji 1898
diapozitiv 5
Modernizem
Glavno načelo modernizma: ideja o nezmožnosti umetnosti prejšnjih obdobij, da bi se borila proti pomanjkanju svobode in nečlovečnosti, nezmožnost ujeti vse to. Glavna značilnost modernizma: umetnik usmerja svojo voljo in ustvarjalnost v boj proti kruti realnosti, briše meje nekdanjih idealov.
diapozitiv 6
Modernizem v vizualni umetnosti je kulturna plast, ki zajema številne koncepte: impresionizem, ekspresionizem, kubizem, simbolizem, futurizem.
Diapozitiv 7
Impresionizem
Impresionizem (iz vtisa - vtis) - smer v umetnosti konca XIX-zač XX stoletja. Pojavil se je v Franciji. Predstavniki so skušali na najbolj naraven in nepristranski način ujeti realni svet v njegovi mobilnosti in spremenljivosti, posredovati svoje bežne vtise.
Diapozitiv 8
V.A. Serov
Valentin Aleksandrovič Serov (1865-1911) - ruski slikar in grafik, mojster portretov.
Diapozitiv 9
Umetnikovi bratranci
Diapozitiv 10
Ekspresionizem
Ekspresionizem (iz expressio, »izraz«) je smer v modernizmu, ki se je najbolj razvila v prvih desetletjih 20. stoletja, predvsem v Nemčiji in Avstriji. Ekspresionizem ne želi toliko reproducirati resničnosti, kot izraziti čustveno stanje avtorja.
diapozitiv 11
"Krik" norveškega umetnika Edvarda Muncha (1893) - nekakšna izložba ekspresionistične umetnosti
diapozitiv 12
Marc Chagall grafik, gledališki umetnik, ilustrator
Nevesta s pahljačo 1911 Jaz in vas 1911
diapozitiv 13
kubizem
Kubizem (fr. Cubisme) je modernistična smer v vizualni umetnosti, predvsem v slikarstvu, ki je nastala v začetku 20. stoletja in je značilna uporaba poudarjeno geometriziranih pogojnih oblik, želja po »razcepu« realnih predmetov na stereometrične. primitivci. Lentulov. Bazilija Blaženega. zvonjenje
Diapozitiv 14
Ljubov Sergejevna Popova
Portret filozofa, 1915
diapozitiv 15
Simbolizem
Simbolizem (fr. Symbolisme) je ena največjih smeri v umetnosti, ki je nastala v Franciji in dosegla največji razvoj na prelomu 19. in 20. stoletja, najprej v Franciji, Belgiji in Rusiji. Simbolisti so korenito spremenili ne le različne vrste umetnosti, ampak tudi sam odnos do nje. Simbolisti so uporabljali simboliko, podcenjevanje, namige, skrivnost, skrivnost.
diapozitiv 16
M.I. Vrubel
Mihail Aleksandrovič Vrubel (5. marec 1856 - 1. april 1910) - ruski umetnik preloma XIX-XX stoletja, ki je proslavil svoje ime v skoraj vseh vrstah in žanrih likovne umetnosti.
Imeli so priložnost ustvarjati v dobi srebrne dobe in ne biti omejeni na običajne oblike likovne umetnosti. Vsak od teh umetnikov je bil nadarjen in izviren na svoj način, priložnost, da se preizkusi v novi vlogi, se je zdela zelo privlačna. Morda so zato gledališki kostumi in kulise tistega časa napolnjeni z neverjetno atmosfero in neko posebno magijo.
Mstislav Dobužinski
Mstislav Dobuzhinsky je svoja prva gledališka naročila prejel od Moskovskega umetniškega gledališča, začetek njegovega delovanja na tem področju pa je bil tesno povezan s Konstantinom Stanislavskim. Veliki režiser ni samo razglasil svoje ideje, ampak je mlademu umetniku dal navodila in mu poskušal prenesti svojo vizijo oblikovanja te ali one predstave.
V Moskovskem umetniškem gledališču je Mstislav Dobužinski oblikoval "Mesec dni na deželi", "Zastonjkar", "Kje tanko zalomi" in "Provincialka" po Turgenjevu, "Nikolaj Stavrogin" in "Vas Stepančikovo" po Turgenjevu. do Dostojevskega. AT Bolšoj teater vodil je umetniški del, po emigraciji pa je v Kaunasu zasnoval operne predstave, med njimi Don Juan, Boris Godunov, Pagliacci in Pikova dama. Kasneje je sodeloval pri snovanju predstav v Londonu, Parizu in v ZDA, kamor se je preselil Zadnja letaživljenje.
Konstantin Korovin
Svojo gledališko kariero je začel v operi Save Mamontova, kjer je delal 15 let, uspel je oblikovati več kot deset predstav in pridobiti slavo kot nadarjen scenograf.
"The Merry Wives of Windsor", "Aida", "Lakme" - umetnikovo delo v teh produkcijah je zaslužilo najvišje pohvale kritikov. Kasneje je Konstantin Korovin oblikoval zasnovo za Bolšoj teater in Mariinsky, v Parizu pa je znal presenetiti tudi najbolj razvajene gledališčnike z neverjetno zasnovo predstave "Knez Igor" v Ruski operi.
Aleksander Golovin
Umetnik je služil v Bolšoj teatru, delal je za Ruske sezone Djagiljeva, v Mariinskem gledališču in v Moskovskem umetniškem gledališču. Hkrati je delal v svojem slogu, nikoli ni začel razvijati kulise od prvega prizora, raje je najprej risal finale ali sredino. Poleg tega umetnik ni vedel, kako delati s pomočniki, ampak je vse naredil sam.
Vasilij Polenov
Predstave je zasnoval izjemen ruski umetnik in pedagog Vasilij Polenov. Večinoma je delal za zasebno opero Save Mamontova, nato pa je organiziral lastno gledališče. Zanj ni oblikoval le scenografije in kostumov, temveč je z otroki uprizarjal predstave in občudoval nadarjene fante iz kmečkih družin.
Lev Bakst
Večinoma slavni umetnik oblikoval predstave v Sankt Peterburgu in Parizu, delal za gledališči Aleksandrinski in Ermitaž, ustvarjal kostume in scenografijo za Ruske sezone Djagiljeva, še posebej oboževal proces dela na kostumih. On je, če lahko tako rečem, čutil barvo. Zanj je bil vsak odtenek žalosten ali čeden, poln obupa, zmagoslavja ali ponosa. Ni zaman, da so se pozneje številne njegove odrske obleke odražale v modi tistega časa.
Nikolaj Roerich
Umetnik je začel svojo gledališko kariero že leta 1907 z igro "Trije modreci" za peterburško "Staro gledališče". Kljub neuspehu same uprizoritve je kritika pozitivno sprejela scenografijo za predstavo. Kasneje je Nicholas Roerich razvil zasnovo za Ruske sezone Djagiljeva, ki je umetnika zelo cenil, pariški kritiki pa so pozneje navdušeno govorili o Roerichovih kulisah in ugotavljali njihovo zgodovinsko pristnost ob popolni odsotnosti floskul.
Viktor Vasnecov
Viktor Mihajlovič praktično ni delal za gledališče, ampak le njegove skice za Sneguročko Ostrovskega so bile nekakšna revolucija v scenografiji tistega časa. Hkrati je umetnik sam igral Božička v tej predstavi v Abramcevu, z njim pa sta se na odru pojavila Ilja Repin v podobi bojarja Bermjate in Savva Mamontov v podobi Berendeja.
Kasneje je umetnik reproduciral isto kuliso in kostume, vendar že v Moskovski operi Savve Mamontova. Nato so kritiki opazili izvirnost starodavnih ruskih oblik in okraskov, ki jih je poustvaril umetnik.
Ivan Bilibin
Ivan Bilibin je bil večinoma knjižni ilustrator, medtem ko se je specializiral za ruske epe in pravljice. Oblikovanje baletne suite "Ruski plesi" je bil tako navdušen, da je rezultat njegovega dela navdušil umetnika. Vendar pa je vsako njegovo gledališko delo, bodisi "Fuente Ovehunu" za antično gledališče ali "Boris Godunov" za gledališče Champs Elysees, odlikovalo izvirnost, pogum in nekakšna nedotaknjena lepota.
Aleksander Benois
Začel je delati v gledališču Ermitaž, nato je oblikoval produkcije za Mariinsky Theatre, v Evropi pa je postal znan po zasnovi produkcij za Ruske sezone Djagiljeva. Hkrati so mnogi sodobniki ugotavljali: edina strast umetnika je umetnost, ki se ji je pripravljen predati z vsem žarom svoje narave. Verjetno so se kulise in kostumi, ki jih je ustvaril, iz tega razloga izkazali za žive in čutne.
Sergej Sudejkin
Sergey Sudeikin je svojo gledališko dejavnost začel s sodelovanjem s Savvo Mamontovom. Alexander Blok je po ogledu okrašene "Sestre Beatrice" po Maeterlincku pisal o vplivu kulise in kostumov na gledalca. Prizor je dobesedno zacvetel s čudežem in v celoti prenesel občutke in čustva avtorja. Vendar je bila vsaka predstava, pri ustvarjanju katere je umetnik sodeloval, polna prav tega čudeža.
Savva Mamontov je za mnoge umetnike postal oseba, ki jim je odprla vrata Čarobni svet gledališče. In na splošno je bil ena najvidnejših osebnosti poznega XIX. stoletja.
