Suprematism (från latin supremus - den högsta) är ett av områdena för abstrakt målning, skapad i mitten av 1910-talet. K. Malevich. Suprematismens mål är att uttrycka verkligheten i enkla former (rät linje, kvadrat, triangel, cirkel) som ligger till grund för alla andra former av den fysiska världen. I suprematistiska målningar finns det ingen idé om "topp" och "botten", "vänster" och "höger" - alla riktningar är lika, som i yttre rymden. Bildens utrymme är inte längre föremål för jordens gravitation (orientering "upp - ner"), det har upphört att vara geocentriskt, det vill säga ett "speciellt fall" av universum. En oberoende värld framträder, sluten i sig själv och samtidigt korrelerad som jämlik med den universella världsharmonin. Malevichs berömda målning "The Black Square" (1915) blev Suprematismens bildmanifest. Den teoretiska motiveringen av metoden som Malevich beskrev i arbetet "Från kubism och futurism till suprematism ... Ny bildrealism ..." (1916). Anhängare och elever av Malevich 1916 förenades i Supremus-gruppen. Suprematistisk metod...
Symbolism (av fransk simbolism, från grekiska simbolon - tecken, symbol) är en konstnärlig rörelse som dök upp i Frankrike i slutet av 60-talet och början av 70-talet. 1800-talet (först i litteraturen, och sedan i andra former av konst - visuell, musikalisk, teatralisk) och omfattade snart andra kulturfenomen - filosofi, religion, mytologi. De favoritämnen som symbolisterna tog upp var död, kärlek, lidande, förväntan på händelser. Scener av evangeliets historia, halvt mytiska-hälften-historiska händelser från medeltiden, forntida mytologi rådde bland tomterna. Grunden till symbolismens estetik lades av A. Rimbaud, S. Mallarme, P. Verlaine, K. Hamsun, M. Maeterlinck, E. Verharn, O. Wilde, G. Ibsen, R. Rilke m.fl.. Symbolismen blev utbredd i många länder i Västeuropa (Belgien, Tyskland, Norge). Symbolismens estetik syftar på andens sfär, "inre syn". Det symbolistiska konceptet bygger på postulatet att det finns en sann, verklig värld bakom världen av synliga ting, som vår värld ...
Modern (fransk modern - senaste, modern) - konststil i europeisk konst vid sekelskiftet XIX-XX. PÅ olika länder fick olika namn: i Ryssland - "modernt", i Frankrike, Belgien, England - "art nouveau", i Tyskland - "art nouveau", i Österrike-Ungern - "secession", i Italien - "frihet". Symbolism blev modernitetens estetiska och filosofiska grund. Trots sin sofistikerade och sofistikerade art fokuserades jugend på masskonsumenten, samtidigt som principen om "konst för konstens skull" bibehölls. Art Nouveau omtänkte och stiliserade särdragen i konsten från olika epoker och utvecklade sina egna konstnärliga tekniker baserade på principerna om asymmetri, ornamentalitet och dekorativitet. De dominerande motiven i jugendstil är vallmo, iris, liljor och andra växter, ormar, ödlor, svanar, vågor, dans och bilden av en kvinna med flödande hår. Färgerna domineras av kalla toner. Kompositionsstrukturen kännetecknas av ett överflöd av kurvlinjära konturer och flödande ojämna konturer. Art Nouveau omfattade alla typer av plastisk konst - måleri, grafik, konst och hantverk ...
Rayonism är en trend inom rysk avantgardemålning, vars grundare var M. Larionov. Den teoretiska underbyggnaden av sin metod, skisserade han i verken "Luchism" (1913) och "Luchist painting" (1913). Larionov ansåg att konstnären skulle avslöja formen som härrör från skärningspunkten mellan strålar som avbildas av färgade linjer som utgår från olika föremål. N. Goncharova arbetade också i luchistisk stil. Trots det faktum att rayonismen inte fick bred utveckling, tillsammans med K. Malevichs suprematism och pan-europeisk kubism, är den en av de första formerna av abstrakt (icke-objektiv) konst och en av de första manifestationerna av avantgarde i målning. Se även: Manifest "Radiants and Futures" (1913). ...
Föreningen av kubo-futurister "Gilea" var den viktigaste av alla futuristiska grupper som fanns i Ryssland och närmast den egentliga futurismen. Cubo-futurister "Gilea" (bröderna D., V. och N. Burliuk, A. Kruchenykh, V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, V. Kamensky, E. Guro, etc.), som kallar sig "futurister" eller " budetlyans", motsatte sig deras strävanden till italiensk futurism och hävdade ihärdigt originaliteten i ursprunget till den ryska futurismen. "Budetlyane" strävade efter autonomi och ordets befrielse (samtidigt betydde ordets ljud och form mer för dem än innehållet), de försökte förändra det traditionella systemet för en litterär text, från att blanda olika genrer för att syntetisera flera typer av konst (operan "Seger över solen" (1913), musik av M. Matyushin, text av A. Kruchenykh, kulisser av K. Malevich). Konstnären I. Zdanevich kallade detta en av kubofuturismens viktigaste principer för "all-ness". Cubo-futurister identifierade det poetiska ordet med saken, förvandlade det till ett material som kan förvandlas, det poetiska ordet uppfattades av dem som ett universellt "materiellt" sätt att förstå grunderna för att vara och omorganisera ...
Vanguard (från franskt avantgarde - avancerad avskildhet) - ett generaliserat namn för olika konstnärliga riktningar(abstraktionism, kubism, surrealism, futurism, dadaism, expressionism, etc.) nittonhundratalets konst, som kännetecknas av förkastandet av etablerade traditioner i konstnärlig praktik och önskan om nya uttrycksformer och -metoder och påverkan på betraktaren. I alla avantgardetrender kan man, trots sin stora mångfald, urskilja gemensamma drag: förkastandet av den klassiska bildens normer, formell nyhet, deformation av former, uttryck och olika spelomvandlingar. Allt detta leder till att gränserna mellan konst och verklighet suddas ut, vilket skapar idealet om ett öppet konstverk som direkt invaderar miljön och är utformat för en dialog mellan konstnären och betraktaren. Bildandet av avantgarderörelser skedde på 1900-1930-talet. I Ryssland påverkade avantgardetransformationer nästan alla konstområden - målning (K. Malevich, V. Kandinsky, M. Larionov, N. Goncharova, P. Filonov, V. Tatlin, N. Kulbin, etc.), musik ( M. Matyushin, MEN....
Introduktion
Sekelskiftet 1800-1900. - en speciell, kritisk period för Ryssland. Ekonomiska högkonjunkturer och kriser, det förlorade världskriget 1904-05. och revolutionerna 1905-07, första världskriget 1914-18. och som ett resultat revolutionerna i februari och oktober 1917, som störtade monarkin och sedan bourgeoisins makt. I samhället växte känslan av det oundvikliga i en social kris, behovet av att förändra värderingar, mer och mer. Den populistiska ideologin kollapsade. Sökandet efter nya ideologiska begrepp om samhällsutveckling började.
Tidens sociala motsättningar och motsättningarna i det ryska sociala tänkandet återspeglades i Rysslands andliga liv. I samhället finns det en känsla av tidkatastrof, kulturens fullständighet. På denna grund uppstår apokalyptiska motiv i litteratur och konst. Men Ryssland upplevde då en period av fruktbar och dynamisk utveckling av kulturen. Det var en period av andlig renässans, förnyelse. "Silveråldern" kallades denna period i den ryska kulturens historia av filosofen N. A. Berdyaev.
För sekelskiftets målare är andra uttryckssätt utmärkande än bland Vandrarna, andra former konstnärlig kreativitet-i bilder motsägelsefulla, komplicerade och endast indirekt speglar moderniteten, utan illustration och berättelse. Konstnärer söker smärtsamt harmoni och skönhet i en värld som i grunden är främmande för både harmoni och skönhet. Det är därför många såg sitt uppdrag i att odla en känsla av skönhet. Detta är tiden för "afton", i väntan på förändringar offentligt liv gav upphov till många trender, associationer, grupperingar, en krock av olika världsbilder och smaker.
Silveråldern fick en bred tolkning och började användas för att karakterisera vissa kulturella processer som ägde rum i Ryssland under denna period. Trots allt närde samma idéer, motiv, stämningar, tillsammans med litterär kreativitet, även musikalisk och teatralisk, konst, som samtidigt ekar med sökandet efter ryskt religiöst och filosofiskt tänkande. Samtidigt speglade silveråldern inte bara de existerande filosofiska och konstnärliga medlen. historiska förhållanden, men genom att ta form utifrån en ny världsbild skapade han själv en ny tankestil, och på sätt och vis en ny socialitet, som gör att vi kan definiera den som en kultur.
Ursprung och koncept för symbolism
Det antika grekiska ordet "symbol" kallades ursprungligen ett mynt delat i två. Två personer som hade hälften av detta mynt var och en kunde känna igen varandra när de träffades genom att sätta ihop båda delarna. Men med tiden har symbolen förvandlats från ett enkelt identifieringsmärke till ett av de mest komplexa, rymliga, djupa koncepten i världskulturen av konst och filosofi. Temat symbolik kan inte passas in i ramarna för en viss skola, trend, stil, sätt... det är snarare ett allmänt diakront snitt av utvecklingen av hela världens konstnärliga kultur från antiken till nutid.
Symbolismens grundläggande principer är helt uttömda av begreppet "symbol". En symbol är först och främst ett universellt begrepp, en universell bild, ett tecken, ett antal betydelser, vars betydelser är oändliga, som universum självt. I konsten är symbolism ett försök av en person att uttrycka det outsägliga, transcendentala, med sinnets begränsade medel, att intuitivt känna efter den avgrund som är bortom den synliga världen. Skapare, konstnärer av symbolism, betraktas som mellanhänder mellan det verkliga och det översinnliga, överallt tecken på världsharmoni, profetiskt gissande tecken på framtiden, både i moderna fenomen och i händelser från det avlägsna förflutna. Därför är det symboliska på sätt och vis en synonym för det heliga.
Som riktning utvecklas symboliken inom bildkonsten samtidigt med symboliken i litteraturen på 60-70-talet. 1800-talet, i dekadensens tidevarv. I alla fall, karaktärsdrag symboliken uppträdde mycket tidigare: all medeltidens ikonografi och målning hade en djupt symbolisk karaktär.
Huvudmotiven för symbolik inom bildkonsten är eviga teman: död, kärlek, lidande.
Den ryska symboliken har sin egen speciella ursprungliga karaktär, är en unik milstolpe i världskulturens historia. Symbolismens uppkomst i Ryssland i slutet av 1800-talet är främst förknippad med de så kallade seniora symbolistiska poeterna och publicisterna D. Merezhkovsky och Z. Grippius verksamhet; dels Valery Bryusov. Merezhkovskys och Grippius symbolism är först och främst kristen, religiös och mystisk symbolik, förståelsen av symboliken, som en handling av kunskap om Gud.
De ljusaste föregångarna till rysk symbolism kan med rätta kallas F.M. Dostojevskij och filosofen S.M. Solovyov. Den sistnämnde var också poet, och med sin poetiska förståelse av läran om Sophia, Guds visdom, bestämde han dragen i utvecklingen av den ryska litterära symbolikens huvudriktning från Grippius och Blok. Termen "symbolism", till skillnad från sina föregångare, de, förbi det franska språket, reste till den grekiska källan. I kontroversens hetta anmärkte Blok till och med att den ryska symboliken, bara av en slump, hade samma grekiska namn som den franska trenden.
Bildandet av silverålderskonstnären
Det var på 80-talet av 1800-talet, i en tid av andlig stagnation, som bildandet av en ny typ av konstnärer började. Det dök upp ärftliga intellektuella som kom från professorsfamiljer eller kreativa kretsar.
Konstnären upphörde att uppfattas som en hantverkare, han blev tankarnas härskare. Han var en briljant utbildad man. signum kreativ universalism blev silverålderns konstnär. Suget efter universalism återupplivar inte den gamla romantiska idén om en syntes av konsten. Silveråldern erbjöd många alternativ för dess genomförande: i modernitet, i verksamheten i "World of Art" ...
Emellertid bestod universalismen inte bara i att behärska relaterade specialiteter. Det manifesterade sig i konstnärens önskan att föra kreativitet bortom den snäva professionella ramen för hans omedelbara specialitet. Först och främst var ämnet för ständiga hobbyer för konstnärerna från Silver Age filosofi. Vi har inte bara i åtanke att majoriteten av modernister har konstkritik, filosofisk och estetisk och filosofiska verk, men också den filosofiska och konceptuella karaktären av deras innehåll konstverk, som ett resultat måste vi tillskriva dem filosofiskt tänkande konstnärer.
Konstnären, som "bildar" det kommande århundradets verklighet, skapar en ny myt. Med utgångspunkt från händelserikhet skapar han inte en illustration av det som skildras, utan dess symboliska överföring, en poetisk motsvarighet. Konstnärlig fiktion blir en slags legend om livet, ett sätt att förstå dess dolda grunder och lagar.
Därmed återvände den mytopoetiska världsbilden till kulturen, den poetisk-emotionella upplevelsen av världen, som var mer i linje med tidsandan än dess reflexivt-diskursiva bemästring. Mytologiserad världsbild och dialektiskt sammankopplat tänkande med symboler stimulerade intresset för det traditionella folkkonst fri från direkt empirisk reproduktion av den omgivande verkligheten. De gamla kulturerna attraherades av det mytologiska konceptet om världen, dess holistiska och harmoniska uppfattning. Nymytologismen skiljde sig dock i grunden från mytologin som en form av antikens naivt-poetiskt tänkande.
Således överlagras upplevelsen av arkaiska epoker i kulturen och för konstnären på försök samtida konst tränga in i de djupaste fördjupningarna inre frid person. Tack vare en speciell känsla och en speciell medvetenhet om nuet bildades silverålderns konstnär.
Perioder av historien om den ryska symboliken från silveråldern. Tidslinje för utveckling
Symbolism i Ryssland föddes under tre tidsperioder:
Den första täcker mitten av 1880-1900-talet. - tiden för födelsen och utvecklingen av symbolistiska tendenser i arbetet i Abramtsevo-cirkeln och konstnärer i Moskva, föreningen "World of Art";
Den andra perioden är begränsad till 1900-14. - den symbolistiska rörelsens storhetstid inom litteratur, teater och plastisk konst, när Vrubel, Borisov-Musatov, mästarna i "Konstens värld" och ungdomen i "Blue Rose" skapar, och när symbolismens principer är unika implementerad i det tidiga ryska avantgardets verk;
Den tredje är kopplad till eran av första världskriget och revolutionen som började i Ryssland (1914-1920) - integrerad i dess problem och prestationer.
Gospeldukarna av V.G. Perova, N.N. Ge, religiösa och historiska målningar av sena akademiker V.P. Vereshchagin, G.I. Semiradsky, P.A. Svedomsky m.fl.. På 1880-90-talet. denna tendens att förmedla den "inre sanningen" och författarens levande, känslomässiga erfarenhet kommer att finna sin utveckling i de religiösa verken av M.A. Vrubel, V.M. Vasnetsova, I.E. Repin.
På 1880-talet, på höjden av Vandrarnas triumf, dök de tidiga symbolistiska verken av M. A. Vrubel upp. Dualismen genomsyrade hans verk; den manifesterade samtidigt dyrkan av Goethes naturfilosofi och Kants, Schopenhauers och Nietzsches dualism. Nästan samtidigt målade konstnären helgon och demonen, teomachismens förkroppsligande. Författaren till sublima och abstrakta mönster, han blev förhäxad av växternas mikrokosmos, mönstrens prydnad. På 1880-talet I.I. Levitan, S.V.Malyutin, A.Ya. Golovin, V.E. Borisov-Musatov, K.A. Somov, A.N. Benois, L.S. Bakst och andra.
Översyn av rysk symbolism ägde rum 1896-97. på "Utställningen av experiment (skisser) av konstnärlig kreativitet", där Repin, Vasnetsov, Polenov, Golovin, Nesterov, Somov deltog. Symbolism, med sin kult av ofullständighet, kännetecknades av själva idén om en sådan utställning.
På 1890-talet drömmen om att förena författare och konstnärer förverkligades kort på redaktionen för tidningen Mir iskusstva: dikter och prosa av Merezhkovsky, Balmont, Sologub trycktes i designen av Benoit, Bakst, Lansere. Många av deras vinjetter, avslutningar, skärmsläckare är erkända mästerverk av symbolistisk grafik.
Introduktion
Sekelskiftet 1800-1900. - en speciell, kritisk period för Ryssland. Ekonomiska högkonjunkturer och kriser, det förlorade världskriget 1904-05. och revolutionerna 1905-07, första världskriget 1914-18. och som ett resultat revolutionerna i februari och oktober 1917, som störtade monarkin och sedan bourgeoisins makt. I samhället växte känslan av det oundvikliga i en social kris, behovet av att förändra värderingar, mer och mer. Den populistiska ideologin kollapsade. Sökandet efter nya ideologiska begrepp om samhällsutveckling började.
Tidens sociala motsättningar och motsättningarna i det ryska sociala tänkandet återspeglades i Rysslands andliga liv. I samhället finns det en känsla av tidkatastrof, kulturens fullständighet. På denna grund uppstår apokalyptiska motiv i litteratur och konst. Men Ryssland upplevde då en period av fruktbar och dynamisk utveckling av kulturen. Det var en period av andlig renässans, förnyelse. "Silveråldern" kallades denna period i den ryska kulturens historia av filosofen N. A. Berdyaev.
För sekelskiftets målare är andra uttryckssätt utmärkande än bland Vandrarna, andra konstnärliga uttrycksformer. kreativitet i bilder motsägelsefulla, komplicerade och endast indirekt reflekterande modernitet, utan illustration och berättelse. Konstnärer söker smärtsamt harmoni och skönhet i en värld som i grunden är främmande för både harmoni och skönhet. Det är därför många såg sitt uppdrag i att odla en känsla av skönhet. Denna tid av "eves", förväntan på förändringar i det offentliga livet, gav upphov till många trender, associationer, grupperingar, en sammandrabbning av olika världsbilder och smaker.
Silveråldern fick en bred tolkning och började användas för att karakterisera vissa kulturella processer som ägde rum i Ryssland under denna period. Trots allt närde samma idéer, motiv, stämningar, tillsammans med litterär kreativitet, även musikalisk och teatralisk, bildkonst, som samtidigt ekade med sökandet efter ryskt religiöst och filosofiskt tänkande. Samtidigt speglade silveråldern inte bara de existerande historiska förhållandena med filosofiska och konstnärliga medel, utan den tog form utifrån en ny världsbild och skapade själv en ny tankestil och på sätt och vis en ny socialitet , vilket gör att vi kan definiera det som en kultur.
Ursprung och koncept för symbolism
Det antika grekiska ordet "symbol" kallades ursprungligen ett mynt delat i två. Två personer som hade hälften av detta mynt var och en kunde känna igen varandra när de träffades genom att sätta ihop båda delarna. Men med tiden har symbolen förvandlats från ett enkelt identifieringsmärke till ett av de mest komplexa, rymliga, djupa koncepten i världskulturen av konst och filosofi. Temat symbolik kan inte passas in i ramarna för en viss skola, trend, stil, sätt... det är snarare ett allmänt diakront snitt av utvecklingen av hela världens konstnärliga kultur från antiken till nutid.
Symbolismens grundläggande principer är helt uttömda av begreppet "symbol". En symbol är först och främst ett universellt begrepp, en universell bild, ett tecken, ett antal betydelser, vars betydelser är oändliga, som universum självt. I konsten är symbolism ett försök av en person att uttrycka det outsägliga, transcendentala, med sinnets begränsade medel, att intuitivt känna efter den avgrund som är bortom den synliga världen. Skapare, konstnärer av symbolism, betraktas som mellanhänder mellan det verkliga och det översinnliga, överallt tecken på världsharmoni, profetiskt gissande tecken på framtiden, både i moderna fenomen och i händelser från det avlägsna förflutna. Därför är det symboliska på sätt och vis en synonym för det heliga.
Som riktning utvecklas symboliken inom bildkonsten samtidigt med symboliken i litteraturen på 60-70-talet. 1800-talet, i dekadensens tidevarv. Men symbolikens karaktäristiska drag uppträder mycket tidigare: all medeltidens ikonografi och målning hade en djupt symbolisk karaktär.
Huvudmotiven för symbolik inom bildkonsten är eviga teman: död, kärlek, lidande.
Den ryska symboliken har sin egen speciella ursprungliga karaktär, är en unik milstolpe i världskulturens historia. Symbolismens uppkomst i Ryssland i slutet av 1800-talet är främst förknippad med de så kallade seniora symbolistiska poeterna och publicisterna D. Merezhkovsky och Z. Grippius verksamhet; dels Valery Bryusov. Merezhkovskys och Grippius symbolism är först och främst kristen, religiös och mystisk symbolik, förståelsen av symboliken, som en handling av kunskap om Gud.
De ljusaste föregångarna till rysk symbolism kan med rätta kallas F.M. Dostojevskij och filosofen S.M. Solovyov. Den sistnämnde var också poet, och med sin poetiska förståelse av läran om Sophia, Guds visdom, bestämde han dragen i utvecklingen av den ryska litterära symbolikens huvudriktning från Grippius och Blok. Termen "symbolism", till skillnad från sina föregångare, de, förbi det franska språket, reste till den grekiska källan. I kontroversens hetta anmärkte Blok till och med att den ryska symboliken, bara av en slump, hade samma grekiska namn som den franska trenden.
Bildandet av silverålderskonstnären
Det var på 80-talet av 1800-talet, i en tid av andlig stagnation, som bildandet av en ny typ av konstnärer började. Det dök upp ärftliga intellektuella som kom från professorsfamiljer eller kreativa kretsar.
Konstnären upphörde att uppfattas som en hantverkare, han blev tankarnas härskare. Han var en briljant utbildad man. Ett utmärkande drag för silverålderskonstnären var kreativ universalism. Suget efter universalism återupplivar inte den gamla romantiska idén om en syntes av konsten. Silveråldern erbjöd många alternativ för dess genomförande: i modernitet, i verksamheten i "World of Art" ...
Emellertid bestod universalismen inte bara i att behärska relaterade specialiteter. Det manifesterade sig i konstnärens önskan att föra kreativitet bortom den snäva professionella ramen för hans omedelbara specialitet. Först och främst var ämnet för ständiga hobbyer för konstnärerna från Silver Age filosofi. Vi har inte bara i åtanke närvaron av konsthistoria, filosofiskt-estetiska och filosofiska verk bland majoriteten av modernister, utan också den filosofisk-konceptuella karaktären av innehållet i deras konstverk, som ett resultat måste vi klassificera dem som filosofiskt tänkande konstnärer.
Konstnären, som "bildar" det kommande århundradets verklighet, skapar en ny myt. Med utgångspunkt från händelserikhet skapar han inte en illustration av det som skildras, utan dess symboliska överföring, en poetisk motsvarighet. Konstnärlig fiktion blir en slags legend om livet, ett sätt att förstå dess dolda grunder och lagar.
Därmed återvände den mytopoetiska världsbilden till kulturen, den poetisk-emotionella upplevelsen av världen, som var mer i linje med tidsandan än dess reflexivt-diskursiva bemästring. Mytologiserad världsbild och tänkande dialektiskt kopplat till den genom symboler stimulerade intresset för traditionell folkkonst, fri från direkt empirisk reproduktion av den omgivande verkligheten. De gamla kulturerna attraherades av det mytologiska konceptet om världen, dess holistiska och harmoniska uppfattning. Nymytologismen skiljde sig dock i grunden från mytologin som en form av antikens naivt-poetiskt tänkande.
Således överlagras upplevelsen av arkaiska epoker i kulturen och för konstnären på den moderna konstens försök att tränga in i de djupaste fördjupningarna i människans inre värld. Tack vare en speciell känsla och en speciell medvetenhet om nuet bildades silverålderns konstnär.
Perioder av historien om den ryska symboliken från silveråldern. Tidslinje för utveckling
Symbolism i Ryssland föddes under tre tidsperioder:
Den första täcker mitten av 1880-1900-talet. - tiden för födelsen och utvecklingen av symbolistiska tendenser i arbetet i Abramtsevo-cirkeln och konstnärer i Moskva, föreningen "World of Art";
Den andra perioden är begränsad till 1900-14. - den symbolistiska rörelsens storhetstid inom litteratur, teater och plastisk konst, när Vrubel, Borisov-Musatov, mästarna i konstvärlden och ungdomen i Blue Rose skapar, och när symbolismens principer är unikt implementerade i verk av det tidiga ryska avantgardet;
Den tredje är kopplad till eran av första världskriget och revolutionen som började i Ryssland (1914-1920) - integrerad i dess problem och prestationer.
Gospeldukarna av V.G. Perova, N.N. Ge, religiösa och historiska målningar av sena akademiker V.P. Vereshchagin, G.I. Semiradsky, P.A. Svedomsky m.fl.. På 1880-90-talet. denna tendens att förmedla den "inre sanningen" och författarens levande, känslomässiga erfarenhet kommer att finna sin utveckling i de religiösa verken av M.A. Vrubel, V.M. Vasnetsova, I.E. Repin.
På 1880-talet, på höjden av Vandrarnas triumf, dök de tidiga symbolistiska verken av M. A. Vrubel upp. Dualismen genomsyrade hans verk; den manifesterade samtidigt dyrkan av Goethes naturfilosofi och Kants, Schopenhauers och Nietzsches dualism. Nästan samtidigt målade konstnären helgon och demonen, teomachismens förkroppsligande. Författaren till sublima och abstrakta mönster, han blev förhäxad av växternas mikrokosmos, mönstrens prydnad. På 1880-talet I.I. Levitan, S.V.Malyutin, A.Ya. Golovin, V.E. Borisov-Musatov, K.A. Somov, A.N. Benois, L.S. Bakst och andra.
Översyn av rysk symbolism ägde rum 1896-97. på "Utställningen av experiment (skisser) av konstnärlig kreativitet", där Repin, Vasnetsov, Polenov, Golovin, Nesterov, Somov deltog. Symbolism, med sin kult av ofullständighet, kännetecknades av själva idén om en sådan utställning.
På 1890-talet drömmen om att förena författare och konstnärer förverkligades kort på redaktionen för tidningen Mir iskusstva: dikter och prosa av Merezhkovsky, Balmont, Sologub trycktes i designen av Benoit, Bakst, Lansere. Många av deras vinjetter, avslutningar, skärmsläckare är erkända mästerverk av symbolistisk grafik.
1890-talet gav ett brett utbud av sökningar i termer av symbolik, utvecklas, kommer att vara konstant och populär under de kommande två decennierna av utvecklingen av denna rörelse.
Den ryska symboliken inom bildkonsten, som den var i väst, gav inte ett enda stilistiskt flöde (ett litet undantag är gruppen "nabider" och deltagare i utställningen "Blue Rose").
Drag av genremåleri vid sekelskiftet 1800-1900.
Med den populistiska rörelsens kris på 90-talet. många av Wanderers upplevde en kreativ nedgång. Komplexa livsprocesser bestämde mångfalden av former av konstnärligt liv under dessa år.
Det breda fria bildsättet är resultatet av evolutionen i utvecklingen av visuella medel i alla genrer vid sekelskiftet. På jakt efter "skönhet och harmoni" prövar konstnärer på en mängd olika tekniker och konstformer - från monumentalt måleri och teatraliska kulisser till bokdesign och konsthantverk.
Vid sekelskiftet utvecklades en stil som påverkade all plastisk konst, kallad jugendstil. Detta fenomen är tvetydigt, i moderniteten finns det också dekadent pretentiöshet, pretentiöshet, designad främst för borgerlig smak, men det finns också en önskan om enhet i stilen, berömd i sig. Inom måleriet visade jugenden sig som en symbolik för bilder, en förkärlek för allegorier.
På 90-talet. genremåleri utvecklas. Bondtemat avslöjas på ett nytt sätt. Splittringen i landsbygdssamhället är eftertryckligt anklagande skildrad av Sergei Alekseevich Korovin (1858-1908) i målningen "On the World" (1893).
Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930) kunde visa tillvarons hopplöshet i hårt utmattande arbete i filmen "Washerwomen" (1901). Detta uppnådde han till stor del tack vare nya bildupptäckter, till en ny förståelse för färgens och ljusets möjligheter.
Förhållsamhet, "undertext", en välfunnen uttrycksfull detalj gör bilden av Sergei Vasilyevich Ivanov (1864-1910) ännu mer tragisk
Ivanov äger ett av verken tillägnad revolutionen 1905 - "Execution".
Den impressionistiska tekniken med "partiell komposition", som om en slumpmässigt ryckt ram, finns bevarad här också. Ivanov kännetecknas av skarpa ljus- och skuggkontraster, en uttrycksfull kontur av föremål och ett välkänt bildplan. Hans tunga är lapidär.
På 90-talet. 1800-talet Konst kommer in i konstnären, som gör arbetaren till huvudpersonen i sina verk. År 1894 En bild på N.A. Kasatkina (1859-1930) "Gruvarbetare", 1895 - "Kolgruvarbetare. Förändra".
Andrej Petrovitj Rjabusjkin (1861-1904) arbetar mer i den historiska genren än i den rent historiska genren. "Ryska kvinnor från 1600-talet i kyrkan" (1899),
”Bröllopståg i Moskva. 1600-talet ”(1901) och andra är vardagliga scener från livet i Moskva på 1600-talet. Ryabushkin lockades av detta århundrade, med sin pepparkakselegans, polykrom, mönstrad. Ryabushkins stilisering återspeglas i bildens planhet, i ett speciellt system av plast och linjär rytm, i färgschemat byggt på ljusa stora färger, i den allmänna dekorativa lösningen.
Apollinary Mikhailovich Vasnetsov (1856-1933) ägnar ännu mer uppmärksamhet åt landskapet i sina historiska kompositioner.
Hans favoritämne är också 1600-talet, men inte vardagliga scener, utan Moskvas arkitektur. Moskva i slutet av 1600-talet. I gryningen vid Uppståndelsesporten "(1900).
En ny typ av målning, där folkloristiska konstnärliga traditioner behärskades på ett helt speciellt sätt och översattes till den moderna konstens språk, skapades av Philip Andreevich Malyavin (1869-1940). Hans bilder av "kvinnor" och "flickor" har några symbolisk betydelse- frisk jord Ryssland. Bilder är alltid uttrycksfulla. "Skratt" (1899), "Whirlwind" (1906)
Målningen är svepande, skissartad med ett strukturerat penseldrag. Malyavin kombinerade i sin målning uttrycksfull dekorativism med realistisk naturtrohet.
Mikhail Vasilievich Nesterov (1862-1942) tog upp temat forntida Ryssland, som ett antal mästare före honom, men bilden av Ryssland framträder i målningarna som en slags ideal, nästan förtrollad värld, i harmoni med naturen. Denna skarpa känsla för naturen, glädjen inför världen, framför varje träd och grässtrå är särskilt uttalad i en av de mest kända verk Nesterov - "Vision till ungdomen Bartholomew" (1889-1890), "Kristi brud" (1887). Nesterov gjorde mycket monumental religiös målning. Väggmålningarna är alltid ägnade åt det antika ryska temat. I väggmålningarna av Nesterov finns det många verkliga observerade tecken, särskilt i landskapet, porträttdrag - i bilden av helgon. I konstnärens strävan efter en platt tolkning av sammansättningen av elegans, ornamentalitet, raffinerad sofistikering av plastiska rytmer, manifesterade sig ett otvivelaktigt inflytande av jugend. Nesterovs landskap spelar en av huvudrollerna.
Landskapsgenren utvecklas i slutet av 1800-talet på ett nytt sätt. Ett nytt ord vid sekelskiftet skulle en rad konstnärer säga.
Redan i Konstantin Alekseevich Korovins (1861-1939) tidiga landskap löses rent bildmässiga problem - att skriva grått på vitt, svart på vitt, grått på grått. För en briljant kolorist verkar världen vara "ett upplopp av färger". Han gjorde både porträtt och stilleben, men hans favoritgenre var landskap. Han förde sina lärares starka realistiska traditioner till konsten - detta är en annan syn på världen, han sätter andra uppgifter. Han började måla en plein air tidigt. "I båten"
"Vinter i Lappland". Hans franska landskap är redan ganska impressionistiskt författarskap, med hans högsta etudekultur. "Paris. Boulevard des Capucines" (1906), "Paris på natten. Italienska boulevarden (1908). Korovin behåller samma drag av impressionistisk etydkvalitet, måleriskt mästerskap, slående konstnärskap i alla andra genrer, främst inom porträtt och stilleben, men också i dekorativa paneler, brukskonst och teaterscenerier. "Porträtt av Chaliapin" (1911), "Fisk, vin och frukt" (1916).
En av de största konstnärerna, en nyskapare av rysk måleri vid sekelskiftet, var Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911). Hans "Girl with peaches" (1887) och "Girl illuminated by the sun" (1888) är ett helt stadium i det ryska måleriet. Serov växte upp bland framstående figurer av rysk musikkultur - det var hans far berömd kompositör, och hans mor - en berömd pianist, studerade med Repin och Chistyakov, studerade de bästa museisamlingarna i Europa. Ovanstående porträtt målades i Abramtsevo och kom in i konsten med sin egen ljusa och poetiska syn på världen. Det finns principer för utomhusmålning i Serovs porträtt. Således skildrar konstnären människor i harmoni med världen, fulla av bävan och inre rörelse. Färger ges i komplex interaktion med varandra. Serov avviker från sin lärare Repins kritiska realism till "poetisk realism" (D.V. Sarabyanovs term). Till skillnad från impressionisterna löses Serov aldrig upp i detta medium så att han dematerialiseras, hans komposition förlorar aldrig stabilitet, massa och är alltid i balans.
Serov målar ofta representanter för den konstnärliga intelligentian: författare, konstnärer och konstnärer (porträtt av Korovin 1891, Levitan 1892, Orlova (1910-1911), Yermolova 1905.
Han tolkar dem alla individuellt, men de bär alla ljuset av intellektuell exklusivitet och inspirerande kreativt liv. Serov bildar en symbolisk bild som förmedlar innebörden av en hel era.
"Peter 1" (1907).
Här lyckas Serov skildra kungens snabba rörelse och hovmännen som absurt rusar efter honom. Konstnären beundrar sin hjältes originalitet.
Porträtt, landskap, stilleben, inhemsk, historisk målning: olja, gouache, tempera, kol - det är svårt att hitta målning och grafiska genrer där Serov inte skulle fungera och material som han inte skulle använda.
Ett speciellt tema i Serovs verk är bonden. I hans bondegenre finns en känsla av bondelivets skönhet och harmoni, beundran för det ryska folkets hälsosamma skönhet. "I byn. Baba med en häst", pastell (1898)
Särskilt pittoreska är hans vinterlandskap med en silver-pärla färgskala "Vinter".
Serov letade ständigt efter nya former för konstnärligt förverkligande av verkligheten. Inspirerad av jugend, återspeglades idéer om platthet och ökad dekorativitet inte bara i historiska kompositioner, utan också i hans porträtt av dansaren Ida Rubinstein
Det är betydelsefullt att Serov i slutet av sitt liv vänder sig till den antika världen. "Europas bortförande" (1910). Konstnären är mångfacetterad i sin utveckling från den impressionistiska äktheten av porträtt och landskap på 80- och 90-talen. till jugend i historiska motiv och kompositioner från antikens mytologi.
Den kreativa vägen för Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) var mer direkt, men samtidigt ovanligt komplex. Med utgångspunkt från St. Petersburg University, där han tog examen från Juridiska fakulteten, till Konsthögskolan. Vrubel har en full av mystik och nästan demonisk skrivstil. Denna stil ska inte förväxlas med någon annan. Han skulpterar en form, som en mosaik, av skarpa "facetterade" bitar av olika färger, som om de glöder från insidan ("Girl against the backdrop of a Persian carpet" 1886, "Spåkvinna" 1895)
Färgkombinationer speglar inte färgrelationens verklighet, utan har en symbolisk betydelse. Naturen har ingen makt över Vrubel. Han känner henne, äger henne perfekt, men skapar sin egen fantasivärld, lite som verkligheten. I denna mening är Vrubel antitetisk till impressionisterna, för han strävar inte på något sätt efter att fixa ett direkt intryck av verkligheten. Han dras mot litterära intriger, som han tolkar abstrakt, och försöker skapa bilder av evig, enorm andlig kraft ("Tamaras dans", "Gråt inte, barn, gråt inte förgäves", "Tamara i kistan", etc. .). 1890 skapade han sin "Sittande Demon" - ett verk, i själva verket tomt, men bilden är evig. Bilden av demonen är den centrala bilden av Vrubels hela verk, hans huvudtema. "Flying Demon" 1899, "Defeated Demon" 1902.
Vrubels demon är en lidande varelse. Lidande råder över ondska, och detta är det speciella med den nationella ryska tolkningen av bilden. Samtida såg i hans "Demoner" en symbol för ödet för en intellektuell - en romantiker, som försöker fly upproriskt från en verklighet som saknar harmoni i världen. verkliga världen drömmar. Denna tragedi av Vrubels attityd avgör hans porträttegenskaper: mental osämja, ett sammanbrott i hans självporträtt, vakenhet, nästan skräck, men också majestätisk styrka, monumentalitet - i porträttet av S. Mamontov (1894), förvirring och ångest - i sagans bild av Svanprinsessan ( 1900)
Vrubel formulerade själv sin uppgift - "att väcka själen med majestätiska bilder från de små sakerna i vardagen." M.A. Vrubel "Självporträtt" 1904.
Den redan nämnda Savva Mamontov spelade en mycket viktig roll i Vrubels liv. "Porträtt av Savva Mamontov" 1897
I Abramtsevo gjorde han mycket monumental och stafflimålning, han vänder sig till folklore: till en saga, ett epos, vilket resulterade i panelerna "Mikula Selyanovich", "Bogatyrs". Konstnären försöker sig på keramik, han är intresserad av det hedniska Ryssland och Grekland, Mellanöstern och Indien - alla mänsklighetens kulturer, vars konstnärliga tekniker han försöker förstå. Och varje gång han gjorde intryck blev han djupt symboliska bilder, vilket återspeglar all originalitet i hans världsbild.
Vrubel skapade sina mest mogna målningar och grafiska verk vid sekelskiftet - genren landskap, porträtt, bokillustration. I organisationen och den dekorativa-plana tolkningen av duken eller arket, i kombinationen av det verkliga och det fantastiska, i engagemanget för dekorativa, rytmiskt komplexa lösningar i hans verk från denna period, gör sig modernitetens drag alltmer gällande.
Liksom Korovin arbetade Vrubel mycket på teatern. Verken för vilka han målade landskap (The Snow Maiden, Sadko, etc.) gjorde det möjligt att "kommunicera" med rysk folklore, sagor och legender.
Vrubels verk ljusare än andra återspeglade milstolpsepokens motsättningar och smärtsamma kast.
En direkt talesman för bildsymbolik är Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Han är en av de första retrospektiva konstnärerna inom de sköna konsterna i gränsryssland. Hans verk är en elegisk sorg för de gamla tomma "ädla bon" och försvinnande "körsbärsträdgårdar", för vackra kvinnor, andliga, nästan ojordiska, iklädda någon slags tidlösa dräkter som inte bär yttre tecken på plats och tid.
Hans staffliverk liknar inte ens dekorativa paneler, utan gobelänger. Utrymmet löses extremt villkorligt, plant ("Gobellin"), figurerna är nästan eteriska, som till exempel flickorna i målningen "Pond" 1902, tempera.
Nedsänkt i drömmande meditation, i djup kontemplation. Blekta, blekgrå nyanser av färg förstärker helhetsintrycket av skör överjordisk skönhet.
Den ledande konstnären i "Konstens värld" var Konstantin Andreevich Somov (1869-1939).
Han fick en utmärkt utbildning. Kreativ mognad kom till honom tidigt, men en viss dubbelhet var påtaglig hos honom - en kamp mellan en kraftfull realistisk instinkt och en smärtsamt känslomässig världsbild. målarsymbolik silveråldern
Somov, som vi känner honom, dök upp i porträttet av Martynova "The Lady in Blue", 1897-1900, i porträttmålningen "Echo of the Past Time", 1903, där han skapar en poetisk karaktärisering av den bräckliga, anemiska kvinnlig skönhet dekadent modell, vägrar att förmedla de verkliga vardagliga tecknen på modernitet. Han klär modellerna i antika dräkter, ger deras utseende drag av hemligt lidande, sorg och drömmande, smärtsam trasighet.
Somov äger en serie grafiska porträtt av sin samtid - den intellektuella eliten, där han använder en vanlig teknik - på en vit bakgrund - i en viss tidlös sfär - han ritar ett ansikte där likhet uppnås inte genom naturalisering, utan genom djärvhet generaliseringar och lämpligt urval av karakteristiska detaljer. Denna brist på tecken på tid skapar intrycket av statisk, stelhet, kyla, nästan tragisk ensamhet.
Konstnären präglas av historicism, han var en flykt från verkligheten. Inte det förflutna, utan dess iscensättning, längtan efter dess oåterkallelighet - det är huvudmotivet. "Brev" 1896, "Cofidencia" 1897.
Andra verk av Somov är pastorala och galanta festligheter, fulla av frätande ironi, andlig tomhet, till och med hopplöshet. Kärleksscener är alltid erotiska.
Somov arbetade mycket som ett schema. Böckerna designade av honom är som en enda organism med sin egen rytmiska och stilistiska enhet.
Den ideologiska ledaren för "Konstens värld" var Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) - en ovanligt mångsidig talang. Målare, staffligrafiker och illustratör, teaterdesigner, regissör, författare till balettlibretton, konstteoretiker och historiker, musikalisk figur. Som konstnär är han släkt med Somov genom stilistiska tendenser och en förkärlek för det förflutna. I Versailles-landskapen i Benois, den historiska rekonstruktionen av 1600-talet och konstnärens samtida intryck, hans uppfattning om fransk klassicism, fransk gravyr. Härifrån tydlig komposition, tydlig rumslighet, storhet och kall stränghet hos rytmer, som kontrasterar storheten hos konstmonument och småheten hos mänskliga figurer, som bland dem bara är personal. "The last walks of Louis 14" 1896 - 1898 - den första Versailles-serien, och i den andra serien, några ironiska ljud, målade med nästan tragiska toner. "King's Walk" 1906.
Naturen uppfattas av Benois i ett associativt samband med historien. I en serie målningar från det ryska förflutna, beställda av förlaget Knebel, i scener av ädelt godsägarliv på 1700-talet. Benoist skapade en intim bild av denna era, om än något teatralisk.
"Parad under Paul 1" 1907
Benois – en illustratör – är en hel sida i bokens historia. Sidans plan är inget självändamål för honom. Illustrationerna var ganska kompletta självständiga verk, inte så mycket "bokens konst" som "konst i boken".
Som teaterdesigner designade Benois föreställningarna under de ryska årstiderna. Figuren Benois - konstkritiker och konsthistoriker - är ett helt stadium i konstkritikens historia.
Också i kärnan av "Konstens värld" var Lev Samuilovich Bakst (1866-1924), som blev känd som teaterkonstnär. Vid de första utställningarna ställde han ut ett antal bild- och grafiska porträtt, där naturen, som kom i en ström av levande tillstånd, förvandlades till ett slags idealrepresentation av en samtida person. Dessa är porträtt av Benois, Bely, Somov, Rozanov, Grippius, Diaghilev.
Det finns inga motiv från 1700-talet i Baksts grafik. Och fastighetsteman. Han dras mot antiken, dessutom till det grekiska arkaiska, symboliskt tolkat. Målningen "Ancient Horror", tempera, 1908 fick särskild framgång.
Snart ägnade sig Bakst helt åt teater- och scenarbeten, och hans kulisser och kostymer för Diaghilev-företagets baletter, framförda med extraordinär briljans, virtuos, konstnärligt, gav honom världsberömdhet.
Man kan särskilt säga om Nicholas Roerich. Med en utmärkt utbildning fick han snart auktoriteten som en vetenskapsman. Han lockades av den hedniska slaviska och skandinaviska antiken, Forntida Ryssland. Stylingtendenser, teatralisk dekorativitet observerades. "Messenger", 1897, "The Elders Converge", 1898, "Sinister", 1901.
Roerich var närmast förknippad med den ryska symbolismens filosofi och estetik, men hans konst passade inte in i de befintliga trenderna, eftersom. den, i enlighet med konstnärens världsbild, vädjade så att säga till hela mänskligheten med en vädjan om en vänskaplig förening av alla folk. Därav den speciella episka karaktären hos hans målningar.
Efter 1905 växte stämningen av panteistisk mystik i Roerichs verk. Historiska teman ge vika för religiösa legender. "Sky fight", 1912.
Den ryska ikonen hade ett enormt inflytande på Roerich. "Slaget vid Kerzhents", 1911
En av de begåvade konstnärerna var Boris Mikhailovich Kustodiev (1878 - 1927), en elev till Repin. Han har också en stilisering, men det här är en stilisering folktryck. Därav de ljusa festliga "mässorna", "fastelavnen",
"Balagany", därav hans målningar från det borgerliga köpmanslivet, förmedlade med lätt ironi, men utan att beundra dessa rödkindade, halvsovande skönheter bakom en samovar och med fat i fylliga fingrar.
"Köpman" 1915,
"Köpman för te" 1918.
Konsten under de förrevolutionära åren i Ryssland präglas av den ovanliga komplexiteten och inkonsekvensen i konstnärliga sökningar, därav att grupperna ersätter varandra med sina egna programinställningar och stilistiska sympatier.
Ett lysande vittne om de nationella traditionernas vitalitet, den stora antika ryska målningen är verk av Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1878-1939), en konstnär-tänkare som senare blev den mest framstående konstmästaren under den sovjetiska perioden. I den berömda målningen "Bathing the Red Horse" 1912 tillgrep konstnären en figurativ metafor. Som det korrekt noterades framkallar den unge mannen på en klarröd häst associationer till den populära bilden av St. George the Victorious, och den generaliserade silhuetten, rytmiska, kompakta kompositionen, mättnaden av kontrasterande färgfläckar som låter i full kraft, och plattheten i tolkningen av former för tankarna till den gamla ryska ikonen. Mästarens verk är fokuserade på traditionerna för rysk konst, de leder mästaren till en sann nationalitet.
Konstföreningar och konstnärliga kolonier i måleriet
1900-början 1910-talet var konstutställningarnas storhetstid: utställningar av sällskapen "Konstens värld", Moskvaföreningen, Ungdomsförbundet, Konstakademins vårutställningar; engångs - "Scarlet Rose", "Blue Rose", "Stefanos", "Wreath", Salonov S.K. Makorovsky, V.A. Izdebsky, Salons of the "Golden Fleece" fångade utvecklingen av ryskt måleri från impressionism och symbolism till nyprimitivism, kubofuturism, abstrakt expressionism, "analytisk konst".
Museum för den ryska antiken.
Början av århundradet inom konst och hantverk präglades av en ljust symbolisk figurativ lösning av byggnadskomplexet av S.V. Malyutin uppkallad efter M.K. Tenisheva Talashkino nära Smolensk. Gården har alltid haft många gäster, inklusive konstnärerna A.N. Benois, I.E. Repin, M.A. Vrubel, K.A. Korovin, skulptör Trubetskoy och många andra. Konstnären N.K. Roerich, som målade i den helige Andes kyrka, inte långt från godset. Här bodde konstnären S. Malyutin, som ritade och inredde trähuset "Teremok". Tillsammans med konstnärer, historiker och arkeologer reste Tenisheva runt i ryska städer och byar och samlade föremål av dekorativ och brukskonst: tyger, broderade handdukar, spetsar, halsdukar, kläder, keramik, etc. Detta var början på det unika museet för rysk antikvitet, som öppnade i Smolensk 1998.
"Abramtsevo Art Circle".
Många intressanta namn på rysk kultur är förknippade med Abramtsevo-godset: författaren S.A. Aksakov, N.V. Gogol, I.S. Turgenev. År 1870 köptes godset av S.I. Mamontov är en subtil konstkännare. Det var han som blev grundaren av den kreativa föreningen, som gick till historien under namnet "Abramtsevo Artistic Circle". Mamontov samlade omkring sig sådana enastående artister som I.E. Repin, V.M. Vasnetsov, V.D. Polenov, M.N. Nesterov, M.A. Vrubel, K.A. Korovin, V.A. Serov och andra, var och en av dem kom för att besöka Abramtsevo och bidrog till livet för den "konstnärliga kolonin".
Association "World of Art" och dess betydelse för utvecklingen av rysk kultur.
En grupp där en stark och inflytelserik kulturell och estetisk trend föddes, förenad kring tidskriften "World of Art", uppstod i S:t Petersburg i början av 1890-talet. med det blygsamma syftet att utbilda sig. På kort tid förberedde hon sig för en bred social verksamhet och började påverka det nuvarande konstnärslivet. I utvecklingen av kretsens sociala liv har rollen som S.P. Diaghilev. Huvudidén som vägledde honom växte ur hans djupa övertygelse om den globala betydelsen av rysk konst. Han satte upp som mål att förena de bästa ryska konstnärerna, hjälpa dem att komma in i det europeiska konstnärliga livet och, med hans ord, "upphöja rysk konst i väst". Diaghilev ägnade all sin aktivitet åt denna uppgift. Hans Petersburg-grupp, som inkluderade Somov, Bakst, Benois och Lansere, ingick en nära allians med Vrubel, Levitan, Serov, Korovin, Nesterov, Ryabushinsky och andra Moskvamålare. Denna breda förening, som omätligt växte ur omfattningen av den ursprungliga Diaghilev-gruppen, fungerade som grunden på vilken Diaghilev kunde organisera en konsttidning, som blev det ideologiska centrumet för rysk konst under de första åren av 1900-talet.
Tidningen, kallad "Konstens värld", gavs ut i 6 år (1899-1904) under redaktion av Diaghilev, och arrangerade årligen konstutställningar under samma namn. Huvudkärnan i dessa utställningar har alltid varit verk av målare och grafiker från St. Petersburg Diaghilev-gruppen. Det var mitt ibland dem som den konstnärliga rörelsen "World of Art" bildades.
Historien om "Konstens värld" har två separata, om än relaterade, aspekter:
Å ena sidan är detta historien om den kreativa riktning som har utvecklats i St. Petersburgs konstnärsgrupp med Benois och Somov i spetsen;
Å andra sidan är detta historien om en komplex kulturell och estetisk rörelse, som involverade i sin omloppsbana ett antal stora ryska mästare, vars arbete utvecklades oberoende av St. Petersburg-gruppen, det är ibland långt ifrån det på sitt eget sätt . ideologiskt innehåll och bildspråk.
Denna rörelse fångade inte bara måleri och grafik, utan också ett antal närliggande kulturområden och påverkade rysk arkitektur, skulptur, poesi, balett och Opera teater, samt konstkritik och konstvetenskapen. Utbildningsarbetet för "Konstens värld" under de sex åren av dess existens riktades längs två huvudkanaler: tidskriften täckte för det första det nuvarande tillståndet för konst i Ryssland och i vissa länder i Västeuropa, och för det andra, systematiskt, systematiskt öppnat för läsare bortglömda eller obegripliga värderingar av den nationella konstnärliga kulturen från det förflutna. Ju längre tidskriftens verksamhet utvecklades, desto viktigare fick den ryska antikens teman. "Konstens värld" har utvecklats från jugend till retrospektivism. Under loppet av denna utveckling gjorde tidskriftens medlemmar ett antal viktiga historiska och konstnärliga upptäckter: det var konstens värld som lade grunden för en systematisk studie av den ryska konstnärliga kulturen på 1700-talet. , hittills halvt bortglömd och till och med felaktigt tolkad. Ära till D.G. Levitsky och V.L. Borovikovsky, såväl som anmärkningsvärda arkitekter av rysk barock och klassicism, började med verk av Diaghilev, Benois, Grabar och andra.
De var de första inom rysk vetenskap att vända sig till arvet från ryska romantiker och sentimentalister, och forskare omvärderade O.A.s arbete. Kiprensky, A.G. Venetsianov, F. Tolstoj.
Samma kritiker tillskrivs en radikal revidering av de etablerade falska idéerna om den gamla S:t Petersburg-arkitekturen. Dess konstnärliga värde har blivit helt överskattat. Artiklar av Benois, som bugade sig för det gamla Petersburgs skönhet, var en verklig uppenbarelse för de dåvarande läsarna.
I World of Art-föreningen återupplivades och formades rysk bokgrafik från den nya tiden, liksom rysk teaterkultur.
Tidskriften stödde systematiskt utvecklingen av konsthantverk och konsthantverk.
Slutligen var det med "Konstens värld" som en ny fas började i den ryska konstkritikens och konsthistoriens historia. De framgångar som World of Art uppnådde i organisatoriska frågor gav ryska konstnärer en impuls att skapa nya utställningsgrupper och kreativa föreningar.
"Blå ros".
Vid sekelskiftet blossade konsten upp med idén om fullständig självständighet, självförsörjning. Initiativtagarna till kampen för konstens renhet och inneboende värde var symbolistiska poeter och konstnärer från World of Art-gruppen. Konsten blev mer och mer stärkt i sin särart och förlitade sig på interna möjligheter.
Den första grupperingen, från vilken nedräkningen av nya trender i rysk måleri från början av 1900-talet börjar, var den blå rosen. Under detta namn öppnades 1907 en utställning i Moskva, där A. Arapov, N. Krymov, P. Kuznetsov, V. och N. Milioti, N. Sapunov, M. Saryan, S. Sudeikin, P. Utkin och andra, totalt 16 artister.
Vernissagen 1907 var ingen överraskning. Redan vid de första utställningarna av World of Art dök de första verken av några framtida blåbärare upp. 1904 arrangerades utställningen "Scarlet Rose" i Saratov, som är den direkta föregångaren till "Blue". Den deltog av Saratov - V. Borisov-Musatov, P. Kuznetsov, P. Utkin, unga konstnärer utanför staden Saryan, Sapunov, Sudeikin, Arapov, Vrubel var inbjudna. Den senare spelade en betydande, inspirerande roll i alla blåbjörnarnas arbete. Utställningen "Blue Rose", organiserad på bekostnad av beskyddaren och utgivaren av "Golden Fleece", amatörkonstnären N. Ryabushinsky, öppnade den 18 mars 1907 i Moskva, i huset till porslinstillverkaren M. Kuznetsov. I all sin struktur skilde den sig från vanliga utställningar, som representerade en slags mystisk värld: "antingen en salong eller ett kapell" med dämpade ljus och genomskinliga gardiner. Men den största överraskningen var själva verken. Salarna, dekorerade med silvergrå och ljusblå tyger, inhyste målningar och grafiska verk av fjorton konstnärer - P. Kuznetsov, P. Utkin, N. Sapunov, M. Saryan, S. Sudeikin, N. Krymov, A. Arapov, A Fonvizin, N. och V. Milioti, N. Feofilaktov, V. Drittenpreis, I. Knabe och N. Ryabushinsky. Här fanns också de skulpturala verken av A. Matveev och P. Bromirsky. Ryska kompositörers musik framfördes av de bästa musikerna, poesi av A. Bely och V. Bryusov lästes.
Namnet på utställningen och föreningen, liksom stilen på deltagarnas verk, är nära besläktade med symbolismens estetik. Blå färg - färgen på himlen, vattnet, oändliga rymden - som om personifierade en poetisk dröm och verklighet, melankoli och hopp. "Blue Rose" var en grupputställning, förenad av ett enda estetiskt program. Tack vare dess utseende förlorade tidigare konstföreningar, inklusive Konstens värld, sin tidigare betydelse. Att fortsätta med "Konstens värld", "Blue Rose", på samma gång, motsatte sig världen av konststilistik och läskunnighet och introducerade ett fundamentalt nytt i erans konstnärliga medvetande. Det var det första steget av rysk konst bortom 1800-talets gränser. Exklusiviteten för "Blue Rose" var att dess artister kunde plastiskt uttrycka immateriella kategorier - känslor, stämningar, känslomässiga upplevelser. Efter att ha gjort nyprimitivismen till sin integrerade del var den blå rosen föregångaren till det ryska avantgardet. Hennes idéer plockades upp och utvecklades på sitt eget sätt i verk av N. Goncharova, M. Larionov, K. Malevich.
Goluborozoviterna förknippades med symbolistpoeterna i Moskva, med symbolistkompositörerna Skrjabin och Menter. Jämför man dem med de symbolistiska poeterna kan man inte annat än konstatera en betydande skillnad. Poeterna skapade sin egen teori om symbolism, alla poeter som skrev om symbolism på 1890-1900-talet, i sina teorier, idén om bildens betydelse, otillräckligheten hos yttre uttryck för själens inre tillstånd, den högre andlighetens outsäglighet är tydligt uttryckt.
”De symbolistiska målarna byggde inte sin egen teori. Vrubel i sin tidiga symbolik på 1890-talet. Jag tog mycket från det romantiska konceptet kreativitet. Borisov-Musatov talade och skrev mer om musikalitet och harmoni än om en symbol. Goluborozovisterna Kuznetsov, Utkin, bröderna Milioti och andra, tänkte utan tvekan på den symboliska innebörden konstnärlig bild men med sällsynta undantag uttryckte de inte sina tankar verbalt. Alla mästarna var först och främst praktiska målare, som lyckades skapa ett visst konstnärligt system med sin egen kreativitet.
Blue Rose Association upphörde att existera 1910.
Slutsats
Så, symbolism målning är ett sätt att överföra kulturell erfarenhet och en källa till utveckling av kreativt tänkande och rumslig fantasi.
Den ryska symboliken, i motsats till den västeuropeiska symboliken, som huvudsakligen utvecklades som en litterär och konstnärlig skola, redan från början, försökte gå bortom konsten själv och bli en bred kulturell trend, en viss världsbild, med målet att rädda och förvandla mänskligheten. Ryska symbolister trodde att en sann konstnär, som är en teurg, var kallad att skapa inte bara konstnärliga livsformer. Rysk symbolik är en av de typiska manifestationerna av livsskapande.
De pittoreska systemen av rysk symbolism, byggda på plast och litterära grunder, bildade en ursprunglig nationell skola, som intar en viktig plats i den paneuropeiska symboliken inom området för plastisk konst.
Teorin och praktiken av rysk symbolism är i grunden baserad på musikalitet, för musik är den mest perfekta formen av konst, inkluderar alla andra former av konst och uttrycker direkt den transcendenta världen. Sökandet och expansionen av musikaliska uttrycksmedel i måleriet, själva rörelsen mot skapandet av sådana målningar, uppmanades att återställa den förlorade integriteten, universums enhet.
Sålunda förverkligades i den ryska symbolismens målning de huvudsakliga teoretiska principerna för symbolism, nämligen problemet med livsskapande, teurgi, syntes, etc..
Lista över begagnad litteratur
1. M.A. Voskresenskaya "Symbolism som silverålderns världsbild" Moskva "Logos", 2005;
2. I. Golitsyna ”Rysk målnings historia. 1800- och 1900-talsskiftet "Moskva" White City ", 2007;
3. T.V. Ilyin, konsthistoria. Domestic Art, Moscow Higher School, 2000;
Periodisk litteratur:
4. ”50 ryska artister. Masterpieces of Russian Painting" nummer 5, Moskva, LLC "De Agostini", 2010;
5. ”50 ryska artister. Mästerverk av ryskt måleri" nummer 11, Moskva, LLC "De Agostini", 2010;
6. Bibliotekar.ru
8.rutracker.org
Liknande dokument
Silverålderns andliga och konstnärliga ursprung. Silverålderskulturens framväxt. Originaliteten av rysk målning sent XIX- början av XX-talet. Konstföreningar och deras roll i måleriets utveckling. Kulturen i provinserna och småstäderna.
terminsuppsats, tillagd 2007-01-19
Silverålderns intensitet i kreativt innehåll, sökandet efter nya uttrycksformer. De viktigaste konstnärliga trenderna i "Silveråldern". Framväxten av symbolism, acmeism, futurism i litteraturen, kubism och abstraktionism i måleri, symbolism i musik.
abstrakt, tillagt 2010-03-18
Silveråldern som en manifestation av den andliga och konstnärliga renässansen, som markerar uppkomsten av rysk kultur i slutet av 1800- och 1900-talen. Begreppet en ordserie. Analys och betydelse av symbolik i litteratur, musik och måleri. Funktioner av den symboliska teatern.
presentation, tillagd 2015-03-27
Silver Age siluett. Huvuddragen och mångfalden i det konstnärliga livet under perioden av "Silveråldern": symbolism, acmeism, futurism. Silverålderns betydelse för den ryska kulturen. Historiska drag av kulturutvecklingen i slutet av XIX - början av XX-talet.
abstrakt, tillagt 2007-12-25
Konceptet och särdragen för symbolismens flöde inom måleriet. Enastående representanter för rysk och utländsk symbolik, utvärdering av deras kreativa prestationer. Analys av välkända symboliska verk, deras teman och betydelse i världskulturen.
presentation, tillagd 2017-02-28
En vändpunkt i den ryska konstens historia i början av 1700-talet. Framgångar inom porträttgenren. Bilder skapade av Rokotov, Nikitin, Levitsky, Borovikovsky och andra författare från den tiden. Intresse för vardagsgenre och landskap. Funktioner av rysk målning av XIX-talet.
presentation, tillagd 2011-11-29
Studie kreativt arv konstnären Andrey Rublev. Analys av ikonmålaren Dionysius bidrag till utvecklingen av det ryska måleriet. Studerar hans konstnärliga metod. Framväxten av Stroganovs målarskola. Platsen för sekulär målning i rysk målning på 1500-talet.
presentation, tillagd 2014-09-18
Kreativitet hos Venetsianovs elever i rysk konsts historia. Romantik i rysk målning. Utveckling inom porträttmåleriet under andra hälften av 1800-talet. M. Vorobyov och hans skola. Ivanovs verk från den akademiska perioden. Utbredd illustration.
abstrakt, tillagt 2009-07-28
Trender i utvecklingen av rysk målning, assimilering av konstnärer linjärt perspektiv. Spridningen av oljemålningstekniker, uppkomsten av nya genrer. En speciell plats för porträtt, utvecklingen av en realistisk trend i rysk målning på 1700-talet.
presentation, tillagd 2011-11-30
Historien om rysk landskapsmålning. V. Polenovs liv och arbete. Poesi av det patriarkala Moskva i konstnärens målningar. Realism och andan av sociokritisk ironi, psykologiskt drama i historisk måleri av I. Repin. Porträttmålning av konstnären.
glida 2
"Silveråldern" är korsningen mellan två århundraden i Rysslands historia: XIX och XX. Vid denna tid dök följande konstnärliga riktningar upp: Realism; Modernism
glida 3
Realism. V.M. Vasnetsov
Viktor Mikhailovich Vasnetsov 1848-1926 - Rysk målare och arkitekt, mästare i historisk och folkloristisk målning. Gamayoun 1897
glida 4
Bogatyrs 1898
glida 5
Modernism
Modernismens huvudprincip: idén om oförmågan hos konsten från tidigare epoker att bekämpa brist på frihet och omänsklighet, oförmågan att fånga allt detta. Modernismens huvuddrag: konstnären riktar sin vilja och kreativitet för att slåss mot den grymma verkligheten, raderar gränserna för tidigare ideal.
glida 6
Modernism inom bildkonsten är ett kulturellt lager som omfattar många begrepp: impressionism, expressionism, kubism, symbolism, futurism.
Bild 7
Impressionism
Impressionism (från intryck - intryck) - en riktning i slutets konst XIX-början XX århundraden. Dök upp i Frankrike. Representanter försökte fånga den verkliga världen i dess rörlighet och variation på det mest naturliga och opartiska sättet, för att förmedla sina flyktiga intryck.
Bild 8
V.A. Serov
Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911) - Rysk målare och grafiker, porträttmästare.
Bild 9
Konstnärens kusiner
Bild 10
Expressionism
Expressionism (av expressio, "expression") är en trend inom modernismen som utvecklades mest under de första decennierna av 1900-talet, främst i Tyskland och Österrike. Expressionismen strävar inte så mycket efter att reproducera verkligheten som att uttrycka författarens känslomässiga tillstånd.
glida 11
"Scream" av den norske konstnären Edvard Munch (1893) - ett slags skyltfönster för expressionistisk konst
glida 12
Marc Chagall grafiker, teaterkonstnär, illustratör
Brud med fläkt 1911 Jag och byn 1911
glida 13
Kubism
Kubism (fr. Cubisme) är en modernistisk trend inom bildkonsten, främst inom måleriet, som har sitt ursprung i början av 1900-talet och kännetecknas av användningen av eftertryckligt geometriserade villkorsformer, önskan att "dela upp" verkliga föremål till stereometriska primitiver. Lentulov. Basilika den välsignade. ringande
Bild 14
Lyubov Sergeevna Popova
Porträtt av en filosof, 1915
glida 15
Symbolism
Symbolism (fr. Symbolisme) är en av de största trenderna inom konsten som uppstod i Frankrike och nådde sin största utveckling vid 1800- och 1900-talets skift, främst i Frankrike, Belgien och Ryssland. Symbolisterna förändrade radikalt inte bara olika typer av konst, utan också själva inställningen till den. Symbolister använde symbolik, underdrift, tips, mysterium, mysterium.
glida 16
MI. Vrubel
Mikhail Alexandrovich Vrubel (5 mars 1856 - 1 april 1910) - Rysk konstnär från början av XIX-XX-talet, som förhärligade sitt namn i nästan alla typer och genrer av konst.
De hade en chans att skapa i silverålderns era och inte begränsas till de vanliga formerna av konst. Var och en av dessa artister var begåvade och originella på sitt eget sätt, och möjligheten att prova sig själv i en ny egenskap verkade mycket attraktiv. Kanske är det därför som dåtidens teaterkostymer och scenerier är fyllda med otrolig atmosfär och lite speciell magi.
Mstislav Dobuzhinsky
Mstislav Dobuzhinsky fick sina första teatraliska order från Moskvas konstteater, och början av hans verksamhet på detta område var nära förknippad med Konstantin Stanislavsky. Den stora regissören förklarade inte bara sin idé, utan instruerade den unga konstnären och försökte förmedla till honom sin vision om utformningen av den här eller den föreställningen.
På Moskvas konstteater designade Mstislav Dobuzhinsky A Month in the Village, Freeloader, Where It Breaks Subtly och Provincial Girl av Turgenev, Nikolai Stavrogin och The Village of Stepanchikovo av Dostojevskij. PÅ Bolsjojteatern han var ansvarig för den konstnärliga delen, och efter emigrationen designade han operaföreställningar i Kaunas, inklusive Don Juan, Boris Godunov, Pagliacci och The Queen of Spades. Senare deltog han i designen av föreställningar i London, Paris och i USA, dit han flyttade till senaste åren liv.
Konstantin Korovin
Han började sin teaterkarriär på Savva Mamontovs opera, där han arbetade i 15 år, efter att ha satt upp mer än tio föreställningar och blivit berömmelse som en begåvad scendesigner.
"The Merry Wives of Windsor", "Aida", "Lakme" - konstnärens arbete i dessa produktioner förtjänade det högsta beröm från kritiker. Senare skapade Konstantin Korovin designen för Bolsjojteatern och Mariinskij, och i Paris kunde han överraska även de mest bortskämda teaterbesökarna med den otroliga designen av pjäsen "Prins Igor" på Ryska operan.
Alexander Golovin
Konstnären tjänstgjorde på Bolsjojteatern, arbetade för Diaghilevs ryska årstider, vid Mariinsky-teatern och på Moskvas konstteater. Samtidigt arbetade han i sin egen stil, och började aldrig utveckla sceneriet från första scenen, utan föredrar att rita finalen eller mitten först. Dessutom visste konstnären inte hur man arbetar med assistenter, utan gjorde allt på egen hand.
Vasilij Polenov
Föreställningarna designades av den enastående ryske konstnären och pedagogen Vasily Polenov. För det mesta arbetade han för Savva Mamontovs privata opera, och efter det organiserade han sin egen teater. För honom designade han inte bara kulisser och kostymer, utan arrangerade föreställningar med barnen och beundrade de begåvade killarna som kom från bondefamiljer.
Lev Bakst
Till största del känd konstnär designade föreställningar i St. Petersburg och Paris, arbetade för teatrarna Alexandrinsky och Hermitage, skapade kostymer och kulisser för Diaghilevs Ryska årstider, älskade särskilt processen att arbeta med kostymer. Han, om jag får säga så, kände på färgen. För honom var varje nyans sorglig eller kysk, full av förtvivlan, triumf eller stolthet. Det är inte för inte som senare många av hans scenkläder återspeglades i den tidens mode.
Nicholas Roerich
Konstnären började sin teaterkarriär redan 1907 med pjäsen "Tre vise män" för S:t Petersburgs "Gamla teatern". Trots misslyckandet med själva produktionen mottogs sceneriet för pjäsen positivt av kritiker. Senare utvecklade Nicholas Roerich designen för Diaghilevs Ryska årstider, som uppskattade konstnären mycket, och parisiska kritiker talade därefter entusiastiskt om Roerichs landskap och noterade deras historiska äkthet i fullständig frånvaro av plattityder.
Viktor Vasnetsov
Viktor Mikhailovich arbetade praktiskt taget inte för teatern, men bara hans skisser för Ostrovskys The Snow Maiden var en slags revolution i den tidens scendesign. Samtidigt spelade konstnären själv jultomten i denna föreställning i Abramtsevo, och med honom dök Ilya Repin upp på scenen i bilden av boyaren Bermyata och Savva Mamontov i bilden av Berendey.
Därefter reproducerade konstnären samma landskap och kostymer, men redan i Moskva Opera Savva Mamontov. Sedan noterade kritikerna originaliteten hos de gamla ryska formerna och ornamenten som återskapats av konstnären.
Ivan Bilibin
För det mesta var Ivan Bilibin bokillustratör, medan han specialiserade sig på ryska epos och sagor. Han designade balettsviten "Russian Dances" och blev så medtagen att resultatet av hans eget arbete gladde konstnären. Men vart och ett av hans teaterverk, oavsett om det var "Fuente Ovehunu" för den antika teatern eller "Boris Godunov" för Champs-Elysees-teatern, kännetecknades av originalitet, mod och någon form av orörd skönhet.
Alexander Benois
Han började arbeta på Eremitageteatern, designade sedan produktioner för Mariinskijteatern och blev känd i Europa tack vare designen av produktioner för Diaghilevs Ryska årstider. Samtidigt noterade många samtida: konstnärens enda passion är konst, till vilken han är redo att överlämna sig med all iver av sin natur. Förmodligen visade sig landskapet och kostymerna skapade av honom, just av denna anledning, vara levande och sensuella.
Sergej Sudeikin
Sergey Sudeikin började sin teaterverksamhet med samarbete med Savva Mamontov. Alexander Blok, efter att ha sett den dekorerade "Syster Beatrice" enligt Maeterlinck, skrev om hur kulisserna och kostymerna påverkade tittaren. Scenen blomstrade bokstavligen med ett mirakel och förmedlade till fullo författarens känslor och känslor. Men varje föreställning, i skapandet av vilken konstnären deltog, var fylld av just detta mirakel.
Savva Mamontov blev för många konstnärer den person som öppnade dörren för dem magisk värld teater. Och i allmänhet var han en av de mest framstående figurerna i slutet av XIX-talet.
