Från arbetslivserfarenhet. Det sociofilosofiska dramat av M. Gorky "Längst ner" översikten av en lektion i litteratur (årskurs 11) om ämnet. Karaktärer och öde för pjäsen "Längst ner" Historien om skapandet och ödet för pjäsen "Längst ner"

"Längst ner" av M. Gorkij

Pjäsens öde i livet, på scenen och i kritiken

Ivan Kuzmichev

ISBN 978-5-4485-2786-9

Skapad med det intelligenta publiceringssystemet Ridero

Den första upplagan av denna bok publicerades sommaren 1981 i staden Gorkij, i bokförlaget Volga-Vyatka med en upplaga på 10 000 exemplar, och på hösten samma år såldes den ut genom det regionala bokhandelsnätverket .1

Först och främst svarade A. N. Alekseeva, en välkänd kritiker och lärare från Nizhny Novgorod, på hennes utseende och publicerade en artikel i Gorky Pravda daterad den 28 februari 1982, en artikel "Nya tankar om gammal pjäs". "I boken," skriver Ariadna Nikolaevna, "kan du se författarens breda lärdom, fastheten i hans övertygelse. Hans mod är uppiggande - någon form av frisk, frisk luft i boken, och andningen är lätt och fri. Det finns ingen akademism, "teoretisk" koketteri, spekulation i den: fakta och deras mycket enkla, naturliga och intelligenta tolkning. ”Bokens författare”, konstaterar recensenten, ”ser inte, i motsats till många kritiker, någon hopplöshet i pjäsens fjärde akt. Pjäsen är ljus, och Satins monolog är bara en bekräftelse på Gorkijs moral: "Stöd rebellen!" och avslutningsvis kommer han att tillägga: "Detta är inte alls ödmjukhet, utan ståndaktighet!"2

Nizhny Novgorods ungdomstidning "Leninskaya Smena" (A. Pavlov, 03/27/1983) kommer också att svara på boken: i allmänhet är ett brett spektrum av läsare, som är avsett för henne, uppenbarligen, mer än en gång att locka till sig största uppmärksamhet på sig själv. Artikeln avslutas med följande ord:

"Boken vi pratar om försvann från butikernas bokhyllor omedelbart och dess upplaga är liten - 10 000 exemplar. Bokförlaget Volga-Vyatka hade redan ett fall när V. Grekhnevs vetenskapliga forskning om Pusjkins texter återutgavs. Det verkar som att boken av I. K. Kuzmichev förtjänar en andra upplaga”3.

Kanske skulle allt ha sett ut så här någon gång, men den 16 december 2010 upphörde det enhetliga företaget Volga-Vyatka Book Publishing House att existera. Ett förlag som kan producera flera miljoner exemplar av böcker per år likviderades. Nizjnij Novgorods stad och provinsmyndigheter hade varken önskan eller förmåga att rätta till situationen. Men tillbaka till bibliografin.

Efter artiklarna av A. Alekseeva och A. Pavlov bör man namnge "RJ" (Abstract Journal) - Series 7. Literary Studies, där en artikel av V. N. Sechenovich om boken publicerades, och tidningen "Volga", som innehåller en meningsfull recension ”Resultatet av kampen eller kampen om resultat? lovande och begåvad filolog från Cheboksary University V. A. Zlobin, som tyvärr dog tidigt. Särskilt bör nämnas Pan Selicki, en ryssare från Polen. Han skrev mer än en gång om författaren till dessa rader i polsk press och svarade på uppkomsten av en bok om pjäsen "Längst ner" med en artikel där han visade dess styrkor och svagheter4.

Intresset för boken försvinner inte ens senare. Många kommer att uppmärksamma det, inklusive A. I. Ovcharenko5, S. I. Sukhikh, G. S. Zaitseva, O. S. Sukhikh, T. V. Savinkova, M. P. Shustov, N. I. Khomenko , D. A. Blagov, A. B. Udodov, V. I. Samokhova. I. Kham M. I. Gromova. Listan med recensioner och svar innehåller mer än 25 titlar6.

Ledenev F.V. kommer att inkludera ett fragment från vår bok i sitt projekt att studera pjäsen "Längst ner" av skolbarn utan några kommentarer7.

L. A. Spiridonova (Evstigneev), som efter A. I. Ovcharenkos tragiska död (20 juli 1988), kommer att ta på sig många av den avlidnes plikter, inklusive den outtalade rollen som IMLI:s främste Gorkij-forskare och kurator för Gorkij. Läsningar i författarens hemland, finner det nödvändigt att ta med vår bok om pjäsen "Längst ner" i elitlistan med 5-6 titlar för hans bok "M. Gorky i liv och arbete: handledning för skolor, gymnasier och högskolor”8.

Att bemästra pjäsen "At the Bottom" av M. Gorky är inte lätt, men intressant och givande, inte bara i mellanstadiet utan också i gymnasium. Vi hoppas att bekantskap med boken som ägnas åt analysen av pjäsen "Längst ner" kommer att bidra till att utveckla intresset för Maxim Gorkys arbete bland studenter och alla som inte är likgiltiga för rysk litteratur.

Den onlineupplaga som erbjuds läsaren är identisk med den som släpptes 1981. Boken innehåller illustrationer från Litteraturmuseet A. M. Gorkij. Det fotografiska materialet överensstämmer inte helt med det som finns i den första upplagan av boken, eftersom inte alla fotografier som användes i 1981 års upplaga kunde hittas i acceptabel kvalitet.

I. K. Kuzmichev

Nizhny Novgorod, mars 2017

Introduktion. Är Gorkij modern?

För trettio eller fyrtio år sedan var frågan i sig om Gorkij är modern? - kan åtminstone verka konstigt, hädiskt. Inställningen till Gorkij var vidskeplig och hednisk. De såg på honom som en litterär gud, följde utan tvekan hans råd, imiterade honom, lärde av honom. Och idag är det redan ett problem som vi öppet och uppriktigt diskuterar9.

Litteraturvetare och kritiker har olika inställning till det problem som ställs. Vissa är allvarligt oroliga för det, medan andra tvärtom inte ser någon särskild anledning till oro. Enligt deras åsikt är Gorkij ett historiskt fenomen, och uppmärksamhet till och med den största författarenär inte en konstant, utan en variabel. Ytterligare andra tenderar att dämpa problemets svårighetsgrad och till och med ta bort det. "I senaste åren, - vi läser i ett av verken, - några kritiker utomlands och vi har skapat en legend om att intresset för Gorkijs verk nu kraftigt minskat, att han inte läses mycket - på grund av att han påstås vara "föråldrad". Fakta berättar dock en annan historia - författaren deklarerar och citerar antalet prenumeranter på den akademiska publikationen som bekräftelse konstverk en författare som har överskridit trehundratusen ...

Naturligtvis var och fortsätter Gorky att vara en av de mest populära och älskade artisterna. En hel epok i vår och världens litteratur förknippas med hans namn. Den började på tröskeln till den första ryska revolutionen och nådde sin höjdpunkt före andra världskriget. Svåra och oroliga förkrigs-, militär- och första efterkrigsår gick. Gorkij lever inte längre, men hans inflytande försvagas inte bara, utan till och med intensifieras, vilket underlättas av verk av sådana Gorky-forskare som V. A. Desnitsky, I. A. Gruzdev, N. K. Piksanov, S. D. Balukhaty. Något senare skapades kapitalstudier av S. V. Kastorsky, B. V. Mikhailovsky, A. S. Myasnikov, A. A. Volkov, K. D. Muratova, B. A. Byalik, A. I. Ovcharenko och andra. De utforskar den store konstnärens verk i olika aspekter och avslöjar hans blod och mångsidiga koppling till folket, med revolutionen. Institutet för världslitteratur vid USSR:s vetenskapsakademi skapar en "krönika" i flera volymer av författarens liv och arbete och tillsammans med State Publishing House fiktion 1949-1956 publicerade han en samling av sina verk i trettio volymer.

Det skulle vara extremt orättvist att underskatta resultaten av utvecklingen av Gorkij-tänkandet på 1940- och 1950-talen, vilket hade en gynnsam effekt inte bara på propagandan. kreativt arv Gorkij, men också på den allmänna uppkomsten av estetisk kultur. Gorky-forskare förlorar inte sina höjder ens nu, även om de kanske inte spelar den roll som de spelade förr i tiden. Nivån på deras nuvarande forskning kan ses i en akademisk publikation. Komplett samling verk av M. Gorky i 25 volymer, utförda av Institute of World Literature uppkallat efter A. M. Gorky och Nauka förlag.

Men efter att ha hyllat de nuvarande Gorkij-forskarna kan man inte annat än betona en annan sak, nämligen: förekomsten av någon oönskad diskrepans mellan ordet om Gorkij och den levande uppfattningen av Gorkijs eget ord av dagens åskådare, lyssnare eller läsare, särskilt de unga. . Det händer, och ofta, att ett ord om Gorkij, yttrat från en universitetsstol, i en skolklass, eller publicerat i pressen, utan att misstänka det, kommer mellan en författare och en läsare (eller lyssnare) och inte bara för dem närmare , men, det händer, också alienerar dem från vän.

Hur som helst, något har förändrats i relationerna mellan oss och Gorkij under de senaste decennierna. I vardagliga litterära* bekymmer har vi blivit allt mindre benägna att nämna hans namn, för att referera till honom. Denna största dramatikers pjäser visas på scenerna i våra teatrar, men med begränsad framgång och utan den tidigare omfattningen. Om premiärerna av Gorkijs pjäser i slutet av trettiotalet brukade nå nästan tvåhundra föreställningar om året, så på femtiotalet på teatrar Ryska Federationen räknades i enheter. 1968, som brukar kallas "Gorkijs år", sattes 139 föreställningar baserade på hans verk upp, men 1974 visade sig återigen bli ett repertoarfritt år för dramatikern. Situationen med studiet av Gorkij i skolan är särskilt alarmerande.

Från arbetslivserfarenhet. Socialfilosofiskt drama av M. Gorkij "Längst ner"

Mål:

ge en första uppfattning om det sociofilosofiska dramat som en genre av dramaturgi;
att bekanta sig med det ideologiska innehållet i Gorkijs pjäs "Längst ner";
utveckla förmågan att analysera dramatiskt arbete.

Uppgifter:

bestämma den filosofiska innebörden av titeln på Gorkys pjäs "Längst ner";
ta reda på författarens metoder för att förmedla atmosfären av andlig separation av människor, avslöja problemet med imaginär och verklig övervinna av en förödmjukande situation, sömn och uppvaknande av själen.

Lektionsförlopp

I. Inledande kommentarer.

1. Lärare. Gorkij blev en innovatör inte bara inom rysk romantik, utan också inom dramaturgin. Ursprungligen talade han om Tjechovs innovation, som "dödade realismen" (av traditionellt drama), vilket lyfte bilderna till "en andlig symbol". Men Gorkij själv följde efter Tjechov.

Gorkijs drama 2007 fyller 105 år (premiären ägde rum den 18 december av den gamla stilen 1902 på Moskvas konstteater); sedan dess har pjäsen satts upp, filmats i Ryssland och utomlands många gånger, dussintals kritiska, vetenskapliga verk har ägnats åt den, men knappast någon skulle våga påstå att än idag är allt känt om detta verk.

2. Enskild elevs rapport "Gorkijs pjäs scenöde" Längst ner ".

Moscow Art Theatre-arkivet innehåller ett album som innehåller över fyrtio fotografier tagna av konstnären M. Dmitriev i Nizjnij Novgorods rumshus. De fungerade som bildmaterial för skådespelare, makeupartister och kostymdesigners när de satte upp pjäsen på Moskvas konstteater av Stanislavsky.

På några av fotografierna gjordes kommentarer av Gorkys hand, av vilka det följer att många av karaktärerna i "Längst ner" hade riktiga prototyper bland Nizhny Novgorod bosyatstva. Allt detta tyder på att både författaren och regissören, för att uppnå maximal sceneffekt, först och främst strävade efter autenticitet.

Premiären av "Att botten", som ägde rum den 18 december 1902, blev en fenomenal succé. Rollerna i pjäsen spelades av: Satin - Stanislavsky, Luka - Moskvin, Baron - Kachalov, Natasha - Andreeva, Nastya - Knipper.

En sådan blomställning av kända skådespelare, plus originaliteten i författarens och regissörens beslut, gav ett oväntat resultat. Berömmelsen om "At the Bottom" i sig är ett slags kulturellt och socialt fenomen från början av 1900-talet och har ingen motsvarighet i hela världsteaterns historia.

"Första föreställningen av denna pjäs var en fullständig triumf", skrev M. F. Andreeva. – Publiken blev vild. Ringt författaren otaliga gånger. Han gjorde motstånd, ville inte gå ut, han blev bokstavligen knuffad upp på scenen.

Den 21 december skrev Gorkij till Pyatnitsky: "Pjäsens framgång är exceptionell, jag förväntade mig inte något liknande ..." Pyatnitsky skrev själv till L. Andreev: "Maximychs drama är en fröjd! Han kommer att slå som ett öronbedövande slag i pannan på alla dem som talade om nedgången av hans talang. "Längst ner" uppskattades mycket av A. Tjechov, som skrev till författaren: "Den är ny och utan tvekan bra. Andra akten är väldigt bra, den är den bästa, den starkaste, och när jag läste den, speciellt slutet, hoppade jag nästan av njutning.

"At the Bottom" är M. Gorkys första verk, som gav författaren världsberömdhet. I januari 1903 hade pjäsen premiär i Berlin på Max Reinhardt-teatern i regi av regissören Richard Valletin, som spelade rollen som Satine. I Berlin gick pjäsen i 300 föreställningar i rad, och våren 1905 firades dess 500:e föreställning.

Många av samtida noterade i pjäsen funktion tidig Gorkij - elakhet.

Vissa kallade det en nackdel. Till exempel skrev A. Volynsky till Stanislavsky efter pjäsen "Längst ner": "Gorky har inte det milda, ädla hjärtat, som sjunger och gråter, som Tjechovs. Det är grovt med honom, som om det inte är mystiskt nog, inte nedsänkt i någon form av nåd.

Andra såg i detta en manifestation av en anmärkningsvärd integrerad personlighet, som kom från de lägre leden av folket och så att säga "sprängde" de traditionella idéerna om den ryske författaren.

3. Lärare. "At the Bottom" är en programmatisk pjäs för Gorkij: skapad i början av 1900-talet som precis har börjat, den uttryckte många av hans tvivel och förhoppningar i samband med människans och mänsklighetens möjligheter att förändra sig själva, förvandla livet och upptäcka källorna till kreativa krafter som är nödvändiga för detta.

Detta står i pjäsens symboliska tid, i anmärkningarna till första akten: ”Vårens början. Morgon". Samma riktning för Gorkijs tankar framgår vältaligt av hans korrespondens.

På påskafton 1898 hälsade Gorkij lovande till Tjechov: "Kristus har uppstått!", Och skrev snart till I. E. Repin: "Jag vet inget bättre, svårare, mer intressant än en person. Han är allt. Han skapade till och med Gud... Jag är säker på att människan är kapabel till oändlig förbättring, och alla hennes aktiviteter kommer också att utvecklas tillsammans med honom... från århundrade till århundrade. Jag tror på livets oändlighet, och jag förstår livet som en rörelse mot andens fulländning.

Ett år senare, i ett brev till L. N. Tolstoy, upprepade han nästan ordagrant denna grundläggande tes för sig själv i samband med litteraturen: "Även en stor bok är bara död, en svart skugga av ordet och en antydan till sanningen, och människan är den levande Gudens behållare. Jag förstår Gud som en okuvlig önskan efter perfektion, efter sanning och rättvisa. Därför är en dålig människa bättre än en bra bok.

4. Och vad är ditt intryck av Gorkijs upplästa pjäs?

II. Arbeta med ämnet för lektionen. Arbeta med texten i Gorkijs pjäs.

1. Hur förstår du namnet på pjäsen: "Längst ner"?

Lärare. Hur kopplade Gorkij tron på människan - "den levande Gudens behållare", kapabel att "oändligt förbättras", tron på livet - "rörelsen mot andens fullkomlighet" - och det vegetativa livet "På livets botten" ( detta är ett av alternativen för titeln på dramat)?

Verkar inte hans ord som ett hån mot en person i jämförelse med karaktärerna i pjäsen och hennes karaktärer mot bakgrunden av dessa ord - en karikatyr av mänskligheten?

Nej, för framför oss finns två sidor av Gorkijs enda världsbild: i bokstäver - idealiska impulser, i kreativitet - en konstnärlig studie av mänskliga förmågor.

Gudmänniskan och "botten" är kontraster, och kontrasten tvingade oss att leta efter osynliga, men existerande hemliga lagar om vara, ande, kapabla att "harmonisera nerverna", förändra en person "fysiskt", slita ur honom. botten och återför honom "till mitten av livsprocessen".

Denna filosofi förverkligas i systemet av bilder, komposition, ledmotiv, symboler, med pjäsens ord.

Botten i pjäsen är tvetydig och, som många saker i Gorkij, symbolisk. Namnet korrelerar livets omständigheter och en persons själ.

Botten - detta är livets botten, själen, den extrema graden av fall, en situation av hopplöshet, en återvändsgränd, jämförbar med den som Dostojevskijs Marmeladov bittert talade om - "när det inte finns någon annanstans att ta vägen".

"Själens botten" är det innersta, långt gömda i människor. "Det visar sig: på utsidan, oavsett hur du målar dig själv, kommer allt att raderas," sa Bubnov och påminde om sitt ljusa förflutna, målade i bokstavlig och bildlig mening, och snart, vänder sig till baronen, klargjorde han: "Vad var - var, men det som återstod är ingenting annat än ingenting ..."

2. Vad kan du säga om scenen? Vad är ditt intryck av miljön där de viktigaste händelserna äger rum?

Kostylevs doshus liknar ett fängelse, det är inte för inte som dess invånare sjunger fängelselåten "The Sun Rises and Sets". De som kom in i källaren tillhör olika samhällsskikt, men alla har samma öde, de är samhällets överlöpare, och ingen lyckas ta sig härifrån.

Viktig detalj: inne i doshuset är inte lika dystert, kallt och störande som utanför. Här följer en beskrivning av omvärlden i början av tredje akten: ”En ödemark är en innergårdsplats full av olika sopor och bevuxen med ogräs. I djupet av den finns en hög brandvägg i tegel. Det stänger himlen... Kväll, solen går ner och lyser upp brandväggen med ett rödaktigt ljus.

Det är tidig vår, snön har precis smält. "Hundens svalka ...", - säger, huttrande, Kleshch, in från korridoren. I finalen hängde skådespelaren sig själv i denna ödemark.

Det är fortfarande varmt inne och här bor folk.

- Vilka är dom?

3. Frågesport om arbetets innehåll.

A) Vilken av karaktärerna i pjäsen "Längst ner" ...

1) ...påstår att han "inte verkar ha ett humör"?(Baron.)

2) ... vill inte komma överens med livet på "botten" och förklarar:
"Jag är en arbetande person ... och jag har arbetat sedan jag var ung ... jag kommer ut ... jag ska slita av mig huden och jag kommer ut"?(Kvalster.)

3) ... drömt om ett sådant liv, "så att du kan respektera dig själv"?(Aska.)

4) ... lever i drömmar om stor, verklig mänsklig kärlek?(Nastya.)

5) ... tror att hon kommer att ha det bättre i nästa värld, men ändå vill leva åtminstone lite mer i den här världen?(Anna.)

6) ... "lägger mig mitt på gatan, spelar munspel och skriker: "Jag vill inte ha något, jag vill inte ha något"?(Skomakare Alyoshka.)

7) ... säger till mannen som erbjöd henne att gifta sig med honom: "... att gifta sig med en kvinna är detsamma som att hoppa in i ett ishål på vintern"?(Korshnya.)

8) ... gömmer sig bakom Guds tjänst, rånar människor! "...och jag ska kasta en halv rubel på dig, jag ska köpa olja i en lampa... och mitt offer kommer att brinna inför den heliga ikonen..."?(Kostylev.)

9) ... är indignerad: ”Och varför skiljer sig människor när de slåss? Låt dem slå varandra fritt ... de skulle slåss mindre, eftersom misshandeln skulle komma ihåg längre ... ”?(Polis Medvedev.)

10) ... befann sig i ett rum för att han lämnade sin fru, rädd för att döda henne, avundsjuk på en annan?(Bubnov.)

11) ... han tröstade alla med en vacker lögn, och i ett svårt ögonblick "försvann från polisen ... som rök från en eld ..."?(Vandrare Luke.)

12) ... slagen, skållad med kokande vatten, ber om att få hamna i fängelse?(Natasha.)

13) ... hävdade: "Sanning är slavars och herrars religion ... Sanningen är Gud fri man!»? (Satin.)

B) Vilka omständigheter förde var och en av dem till Kostylevs rum?

1) En före detta tjänsteman i statskammaren?(Baronen gick i fängelse för förskingring av statliga pengar och hamnade sedan i ett rumshus.)

2) Väktare vid dacha?(Rumshuset för Luka är bara en av punkterna i hans vandringar.)

3) Tidigare telegrafist?(Satin, på grund av sin syster, "dödade en skurk i humör och irritation", hamnade i fängelse, efter fängelse hamnade han i ett rumshus.)

4) En furir? (Bubnov var en gång ägare till sin egen verkstad; efter att ha lämnat sin fru förlorade han "sin etablering" och hamnade i ett rumshus.)

Lärare. Dessa människor tvingas bo i samma rum, vilket bara belastar dem: de är inte redo att hjälpa varandra på något sätt.

– Läs början av pjäsen igen (innan Luka dyker upp i rummet).

1. Gorkij förmedlade stabiliteten i människors alienation i formen polylog, sammansatt av repliker som inte passar med varandra. Alla kommentarer låter från olika vinklar - Annas döende ord växlar med ropen från rumsmännen som spelar kort (Satin och Baron) och dam (Bubnov och Medvedev):

Anna. Jag minns inte när jag var full... Hela mitt liv gick jag runt i trasor... hela mitt eländiga liv... För vad?

Luke. Åh du älskling! Trött? Ingenting!

Skådespelare (Crooked Zob). Knave go... jack, fan!

Baron. Och vi har en kung.

Kvalster. De kommer alltid att slå.

Satin. Detta är vår vana...

Medvedev. Kung!

Bubnov. Och jag har... w-tja...

Anna. Jag dör här...

2. I vissa repliker sticker ord som har ett symboliskt ljud ut. Bubnovs ord "men trådarna är ruttna" antyder bristen på band mellan skyddsrummen. Bubnov noterar om Nastyas position: "Du är överflödig överallt." Detta tyder än en gång på att invånarna i Kostylev knappast "tolererar" varandra.

3. Samhällets utstötta avvisar många allmänt accepterade sanningar. Det är till exempel värt att berätta för Kleshch att övernattningarna lever utan heder och samvete, eftersom Bubnov kommer att svara honom: ”Vad är samvetet till för? Jag är inte rik", och Vaska Pepel kommer att citera Sateens ord: "Varje person vill att hans granne ska ha ett samvete, men du förstår, det är inte lönsamt för någon att ha ett."

5. Hur skiljer sig atmosfären i 2:a och 3:e akten från 1:a?

Eleverna reflekterar över exempel från texten.

Atmosfären i 2:a och 3:e akten är annorlunda jämfört med 1:a. Situationen förändras i och med att vandraren Luke dyker upp, som med sina "sagor" återupplivar drömmar och hopp i övernattningarnas själar.

Den passlösa luffaren Luka, som "krympts ihop" mycket i livet, kom till slutsatsen att en person är värd medlidande och ger det generöst till att hyra hus. Han fungerar som en tröstare som vill uppmuntra en person eller försona honom med en dyster tillvaro.

Gubben råder den döende Anna att inte vara rädd för döden: hon bringar trots allt fred, som den evigt hungriga Anna aldrig visste. Den berusade skådespelaren Luka inger hopp om ett botemedel på en gratisklinik för alkoholister, även om han vet att det inte finns någon sådan klinik. Han pratar med Vaska Pepl om möjligheten att starta nytt liv tillsammans med Natasha i Sibirien.

Men allt detta är bara en tröstande lögn, som bara tillfälligt kan lugna en person och dämpa den svåra verkligheten.

Övernattningarna förstår detta, men lyssna på den gamle mannen med nöje: de vill tro på hans "sagor", drömmar om lycka vaknar i dem.

Bubnov. Och varför är det ... en person älskar att ljuga så mycket? Alltid – som tidigare står utredaren ... rätt!

Natasha. Det kan ses att en lögn ... är trevligare än sanningen ... jag också ...

Natasha. Jag uppfinner ... jag uppfinner och - jag väntar ...

Baron. Vad?

Natasha (ler generat).Så... Tja, jag tror att imorgon... kommer någon... någon... speciell... Eller något kommer att hända... också - utan motstycke... Jag väntar länge... alltid - jag jag väntar ... Och så ... faktiskt - vad kan du önska dig?

Det finns en vilseledande befrielse från omständigheterna i kopiorna av vandrarhemmen. Cirkeln av tillvaro verkar ha stängts: från likgiltighet till en ouppnåelig dröm, från den till verkliga omvälvningar eller döden (Anna dör, Kostylev dödas). Samtidigt är det i detta tillstånd av hjältarna som dramatikern hittar källan till deras andliga brott.

III. Sammanfattning av lektioner.

- Gör en generalisering: vilka är kännetecknen i Gorkijs drama - i handlingens utveckling, i innehållet?

Det är ett exempel sociofilosofiskt drama.Hur förstår du denna definition?

I pjäsen "Längst ner" begränsade författaren sig inte till att skildra de karakteristiska sociala aspekterna av den ryska verkligheten. Detta är inte en vardaglig, utan en sociofilosofisk pjäs, som bygger på en tvist om en person, hans position i samhället och attityd till honom. Och i denna tvist (på ett eller annat sätt) deltar nästan alla invånare i rumshuset.

Läxa.

Individuell: problem Mänsklig i Gorkijs pjäs "Att botten".

3) Lär dig Sateens berömda monologer om sanning och människa utantill (akt 4).

Studerande, förberedda för lektionen på egen hand,lyder en dikt av N. Zabolotsky "Låt inte din själ vara lat."

16. Maxim Gorkij. "På botten". Dramatikern Gorkys innovation. Scen öde pjäsen. Litteraturteori. Sociofilosofisk dramatik som genre av dramaturgi (initialföreställningar). "Ny realism". Heroisk personlighet koncept.

TKR nr 2. Litteratur från tidigt 1900-tal. Realistiska författare från början av 1900-talet.

Planen

A) Dramatikern Gorkys innovation

Gorkijs dramatiska innovation hänger samman med begreppet personlighet i hans verk. Skapande av en ny typ av sociofilosofiskt drama, där konflikten inte uttrycks i den yttre och komplexa intrigen, utan i pjäsens inre rörelse, i idékrockar. Författaren ägnar den största uppmärksamheten åt karaktärernas självmedvetenhet och avslöjar deras sociala och filosofiska åsikter. Som regel visas en person genom prismat av uppfattning om andra människor. Författarens hjälte är en aktiv kreativ person som förverkligar sig själv på den offentliga arenan (Danko är en av de första hjältarna av denna typ). Hjälten – bäraren av författarens ideal – måste övervinna och besegra makten i det samhälle han tillhör.

Konceptet med en socialt och andligt aktiv person härrörde från Gorkijs synssystem, från hans världsåskådning. Författaren var övertygad om det mänskliga sinnets allmakt, kunskapens kraft, livserfarenheten.

Efter att ha reflekterat över sin erfarenhet av dramaturgi skrev Gorkij: "Speldramat, komedi är den svåraste formen av litteratur, svår eftersom den kräver att varje enhet som agerar i den karakteriseras både i ord och handling på egen hand, utan att man uppmanar från författare."

I pjäsen "Sommarboende" fördömer skribenten den filistiska intelligentian - lugn och belåten, främmande för farhågor om folkets välfärd.

Pjäsen var en anklagelse mot de människor som kom ut ur allmogen, de "tusentals som svek sina eder", som glömde sin heliga plikt att tjäna folket, gled in i det trångsynta, blev hycklande, likgiltiga, benägna att posera människor.

Med yttersta cynisk uppriktighet uttrycks "sommarbornas" övertygelser i slutet av pjäsen av ingenjör Suslov: "Vi blev upphetsade och hungriga i vår ungdom; det är naturligt att vi i vuxen ålder vill äta och dricka mycket och gott, vi vill koppla av ... i allmänhet belöna oss själva i överflöd för unga dagars rastlösa, hungriga liv ... Vi vill äta och koppla av i vuxen ålder - detta är vår psykologi ... jag är en lekman - och inget mer, sir! .. Jag gillar att vara en lekman ... "

Samtidigt visar "Summer Residents" splittringen av intelligentsian, separationen av de som inte vill vara "sommarboende", de som förstår att det "inte är bra" att leva som de lever nu. "Intelligentian är inte vi! Vi är något annat ... Vi är sommarboende i vårt land ... några på besök. "Vi bråkar, letar efter bekväma platser i livet ... vi gör ingenting och pratar äckligt mycket ..." - säger den omtänksamma, allvarliga, strikta Varvara Mikhailovna, som "kvävs av vulgaritet". Marya Lvovna, Vlas, Sonya, Varvara Mikhailovna förstår hur svårt det är att leva bland människor som "alla bara stönar, alla skriker om sig själva, mättar livet med klagomål och ingenting, inget annat bidrar till det ..."

Vid premiären av "Sommarboende" den 10 november 1904 försökte den estetiska borgerliga allmänheten, med stöd av utklädda spioner, göra en skandal, väckte väsen och visselpipa, men den huvudsakliga - demokratiska - delen av publiken hälsade Gorkij som gick in. scenen med en storm av applåder och tvingade bråkarna att lämna salen. Författaren kallade premiärdagen för "Summer Residents" för den bästa dagen i sitt liv: "en enorm, brinnande glädje brann i mig ... De fräste när jag var borta, och ingen vågade fräsa när jag kom - de är fegisar och slavar!”

B) Dramatikern Gorkys innovation i pjäsen "Längst ner"

Dramat inleds med en utläggning där huvudpersonerna redan presenteras, huvudteman formuleras och många problem ställs. Lukas utseende i rumshuset är handlingen i pjäsen. Från detta ögonblick börjar testandet av olika livsfilosofier och ambitioner. Lukas berättelser om det "rättfärdiga landets" klimax, och början på upplösningen är mordet på Kostylev. Kompositionen av pjäsen är strikt underordnad dess ideologiska och tematiska innehåll. Grunden för plotrörelsen är verifieringen av tröstfilosofin genom livspraktik, exponeringen av dess illusoriska natur och skadlighet. Det är detta som ligger till grund för kompositionen av pjäsen "Längst ner". Dramaturgisk skicklighet Gorkij kännetecknas av stor originalitet. Författarens uppmärksamhet är inriktad på att visa sociala typer och fenomen, och själva verklighetsskildringen präglas av djup generalisering. Pjäsen har flera ideologiska och tematiska planer, som mer eller mindre hänger ihop med huvudtanken. Ett viktigt inslag i Gorkijs drama är frånvaron av en central karaktär i det och separationen av karaktärer mellan positiva och negativa. Författaren ägnar den största uppmärksamheten åt karaktärernas självmedvetenhet och avslöjar deras sociala och filosofiska åsikter. Själva principerna för att avbilda en person i en pjäs är också säregna. Som regel visas en person genom prismat av uppfattning om andra människor. Till exempel presenteras Luka i pjäsen: i Kostylevs ögon är han en skadlig bråkmakare, för Anna och Nastya är han en vänlig tröstare, för Baron och Bubnov är han en lögnare och en charlatan. Den här bildens fullständighet och fullständighet ges av skådespelarens, Ash, Ticks förändrade attityder till honom. I pjäsen "Längst ner" intar monologer en obetydlig plats. Den ledande principen för att avslöja karaktärernas och deras karaktärers självmedvetenhet är dialog. Ett viktigt medel för att uppnå typiska och individualisering av bilder är talkaraktäristik tecken. Bevisa detta på exemplet med bilderna av Luke, skådespelaren, baronen. Avslöja den ideologiska funktionen av citatet från Berenger, liknelsen om det rättfärdiga landet och sången som sjungs av sängkamrarna. Pjäsen "Längst ner" var av stor social och politisk betydelse. Genom att avslöja den falska tröstfilosofin kämpade Gorkij på så sätt mot den reaktionära ideologin, som representanterna för de härskande klasserna villigt förlitade sig på. Under den period då det politiska uppsvinget började var tröst, som krävde ödmjukhet och passivitet, djupt fientligt inställd till den revolutionära arbetarklassen, som reste sig i en avgörande kamp. I denna situation spelade pjäsen en stor revolutionär roll. Hon visade att Gorkij löste problemet med fåfänga från förgrunden. Om författaren i sina tidiga verk inte berörde orsakerna som gav upphov till detta fenomen, så uttalades i pjäsen "Längst ner" en allvarlig dom över det sociala systemet, som var ansvarigt för människors lidande. Med allt sitt innehåll uppmanade pjäsen till kampen för den revolutionära omvandlingen av verkligheten.

C) "Scenödet för Gorkys pjäs" Längst ner ".

Många av hans samtida noterade i pjäsen ett karakteristiskt drag hos den tidiga Gorkij - elakhet.

"At the Bottom" är en programmatisk pjäs för Gorkij: skapad i början av 1900-talet som precis har börjat, den uttryckte många av hans tvivel och förhoppningar i samband med människans och mänsklighetens möjligheter att förändra sig själva, förvandla livet och upptäcka källorna till kreativa krafter som är nödvändiga för detta.

Detta står i pjäsens symboliska tid, i anmärkningarna till första akten: ”Vårens början. Morgon". Samma riktning för Gorkijs tankar framgår vältaligt av hans korrespondens.

På påskafton 1898 hälsade Gorkij lovande till Tjechov: "Kristus har uppstått!", och skrev snart till I. E. Repin: "Jag vet inget bättre, mer komplicerat, mer intressant än en person. Han är allt. Han skapade till och med Gud... Jag är säker på att människan är kapabel till oändlig förbättring, och alla hennes aktiviteter kommer också att utvecklas tillsammans med honom... från århundrade till århundrade. Jag tror på livets oändlighet, och jag förstår livet som en rörelse mot andens fulländning.

D) Konceptet med en person i tidigt arbete M. Gorkij

Klyftan mellan det heroiska förflutna och det eländiga, färglösa livet i nuet, mellan det "riktiga" och det "existerande", mellan den stora "drömmen" och den "grå eran" var den mark på vilken romantiken från den tidiga Gorkij låg född.

Tidiga berättelser Gorky är revolutionerande och romantisk till sin natur. I dessa berättelser kontrasteras den grå vardagen med den ljusa, exotiska, heroiska. Kontrasten är förknippad med en individs motstånd mot mängden – livet som en bedrift och livet som godtycke.

För Gorkij är en person en stolt och fri härskare över jorden. "I livet finns det alltid en plats för en bedrift", säger Gorkij genom hjältinnans läppar romantisk berättelse"Gamle Isergil".

Med sina tidiga romantiska verk med ljusa, passionerade, frihetsälskande hjältar, försökte Gorkij väcka "de levande dödas själar". Han kontrasterar verkliga världen osjälvisk romantiska hjältar: Danko, zigenare frimän, stolta naturer av frihetsälskande människor som föredrar döden framför underkastelse även till en älskad. Den vågade Loiko och den vackra Radda går under och vägrar kärlek, lycka, om det för detta är nödvändigt att offra friheten, och genom sin död bekräftar de en annan - högre - lycka: frihetens ovärderliga välsignelse. Gorkij uttryckte denna tanke genom Makar Chudras läppar, som föregår sin berättelse om Loiko och Rudd med följande ord: "Nå, falk, vill du att jag ska berätta en sann historia för dig? Och du minns henne och, som du minns, kommer du att vara en fri fågel för ditt liv.

Bland dessa stolta och frihetsälskande Gorkij-hjältar uttrycker den vise gamle Izergil med tillförsikt Gorkijs idé om ansvar för sig själv, sina handlingar och handlingar. Under hela sitt liv bar Izergil på en känsla av människovärde; varken ödets växlingar, dödsfaran eller rädslan för att förlora en älskad, för att förlora kärleken kunde knäcka honom. Berättelsen om hennes liv är apoteosen av frihet, skönhet, höga moraliska värden hos en person. Därför är hennes berättelse om Dankos osjälviska, heroiska bedrift så övertygande, som om detta inte är en poetisk legend, men Verklig händelse som hon själv bevittnat.

Izergil hävdar skönheten och storheten i en bedrift i människors namn, och motsätter sig människor som har förlorat sina ideal. Och vilka är de för vilka altruisten Danko offrade sitt liv, som han förde ut ur skogens mörker och stanken, träskmarker in i ljus och frihet och lyser upp vägen för dem med sitt brinnande hjärta? "De var glada, starka och modiga människor", men sedan kom den "svåra tiden" och de tappade tron på kampen, eftersom de trodde att deras tidigare erfarenhet av kampen bara leder till död och förstörelse, och "de kunde inte dö ”, för tillsammans med dem skulle också ”förbund” försvinna från livet.

För att rädda människor ger Danko bort det mest värdefulla och det enda han har - sitt hjärta - "fackla stor kärlek till människor". En bedrift i människolivets namn, frihet kommer att ligga till grund för berättelsen. Gorkij uppmanade till självuppoffring i människors namn. Huvudtanken som kan spåras i berättelsen är att en person som är stark, vacker, kapabel till en bedrift är en riktig person.

Den gamla kvinnan Izergil är, förutom att förmedla författarens åsikt, också en länk. Berättelsen om hennes liv placeras mitt i berättelsen. Hon levde bland människor, men för sig själv. Den första från Izergil hör vi legenden om den stolte, frihetsälskande Larr, son till en kvinna och en örn, som levde för sig själv, och den sista handlar om Danko, som levde bland människor och för människor.

I "Falkens sång", som till sin form - en berättelse i en berättelse - liknar de två tidigare verken, finns också problemet med livets mening. Gorkij bygger berättelsen på kontrasten – människor-falkar och människor-ormar. Författaren ritar två specifika typer av människor: vissa, som liknar stolta, fria fåglar, andra - med ormar, dömda att "krypa" hela livet. Gorkij, på tal om det senare: "Den som föddes att krypa kan inte flyga," berömmer människor som falken: "Vi sjunger en sång till de modigas galenskap!" Den huvudsakliga naturliga symbolen, både i Falkens sång och i andra verk av Gorkij, är havet. Havet, som förmedlar tillståndet hos en döende fågel, - "vågor med ett sorgligt vrål slår mot en sten ..."; "I deras lejons vrål dånade en sång om en stolt fågel, klipporna darrade av sina slag, himlen darrade av en formidabel sång"; "De modigas galenskap är livsvisdom!" Huvudtemat för den självbiografiska historien "The Birth of a Man" kan bestämmas redan av själva titeln - födelsen av en ny person. Enligt Gorkij är födelsen av ett barn en fortsättning på livet. Och under vilka omständigheter en person än kommer till denna fortfarande okända värld, måste allt möjligt göras för att fortsätta sitt liv.

Barnet, som kommer till världen, tillkännager sig själv med ett våldsamt rop. Vid hans födelse ler mamman, "de blommar fantastiskt, hennes bottenlösa ögon brinner av blå eld." Och när du läser dessa rader glömmer du det fruktansvärda, omänskliga ansiktet, med vilda, blodsprängda ögon, som en kvinna hade under förlossningen. Det efterlängtade barnet föddes i omänsklig plåga, vilket betyder att den stora bedrift som en kvinna är kapabel till har uppnåtts.

Och till och med naturen, som känner andras humör, förmedlar tillståndet hos en glad kvinna: "Någonstans långt borta mumlar en bäck - det är som att en tjej berättar för sin vän om sin älskade." ”Havet plaskade och prasslade, allt i vita spetsspån; buskarna viskade, solen sken.

Tjechov, som kom till litteraturen på 1980-talet, kände akut undergången för de gamla livsformerna och oundvikligheten av att nya uppträdde. Detta väckte både hopp och oro. Sådana känslor återspeglas i dramatikerns sista pjäs Körsbärsträdgården". En fransk regissör sa att detta verk ger "en fysisk känsla av tidens flytande". Tre scentimmar absorberar fem månader av karaktärernas liv. Karaktärerna i pjäsen är alltid rädda för att förlora tid, missa tåget, inte få pengar från Yaroslavl-farmodern.

Verket korsar dåtid, nutid och framtid. Innan läsaren dyker upp människor av olika generationer. Anya är 17 år gammal, Gaev är 51 år och Firs är 87 år gammal. Minnet av det förflutna bevaras av "tysta vittnen": "ett länge övergivet kapell", en hundraårig garderob, "ett gammalt liv av granar". Till skillnad från andra verk av ryska klassiker finns det ingen generationskonflikt i pjäsen. Handlingen i komedin bestäms av körsbärsträdgårdens öde. Vi ser dock ingen kamp om det mellan skådespelarna. Lopakhin försöker hjälpa Ranevskaya och Gaev att rädda godset, men ägarna själva kan inte fatta ett beslut. Ranevskaya ser ingen fiende i Lopakhin ens efter att han köpt en körsbärsträdgård på auktion. Det finns inga öppna sammandrabbningar mellan den unga och gamla generationen. Anya älskar uppriktigt sin mamma, Petya är också knuten till Ranevskaya. Utan att bråka sinsemellan hamnar karaktärerna omedvetet i konflikt med själva körsbärsträdgården.

Denna symbol har många betydelser i pjäsen. Körsbärsträdgården är en underbar skapelse av natur och mänskliga händer. Det personifierar skönhet, andlighet, traditioner. Trädgården lever i flera tidsdimensioner. För Ranevskaya och Gaev bevarar han minnet av barndomen, av oåterkallelig förlorad ungdom och renhet, av tiden då alla var lyckliga. Trädgården inspirerar dem, inger hopp, renar dem från världslig smuts. När Ranevskaja tittar ut genom fönstret börjar han tala nästan på vers, till och med Gaev glömmer biljardtermerna när han ser "hela den vita trädgården". Men varken bror eller syster gör något för att rädda godset. Gaev skyddar sig från livet och gömmer sig i sitt löjliga ord "vem", som uttalas på rätt sätt och malplacerat. Ranevskaya fortsätter att leda en slösaktig livsstil. Trots sina tårar är hon likgiltig inför trädgårdens öde och sina döttrars öde, som hon lämnar utan försörjning.

Den nya ägaren Lopakhin, även om han förstår att han köpte godset, "det finns inget vackrare i världen", kommer att hugga ner trädgården och hyra ut marken till sommarboende. Peter

Trofimov förklarar stolt att "Hela Ryssland är vår trädgård", men har inget intresse av en viss egendom. Körsbärsträdgården är i fara och ingen kan ta bort den. Trädgården håller på att dö. I fjärde akten hörs ljudet av yxor som förstör träd. Körsbärsträdgården, som en person, upplever välstånd, förfall och död. Det är dock något ondskefullt i det faktum att ett vackert hörn av naturen har utplånats från jordens yta. Kanske är det därför ödet för alla hjältar verkar sorgligt. Inte bara de tidigare ägarna av trädgården känner sig olyckliga. Lopakhin, i ögonblicket för sin triumf, insåg plötsligt att han var omgiven av "ett besvärligt, olyckligt liv." Petya Trofimov, som drömde om en stor framtid, ser olycklig och hjälplös ut. Och till och med Anya är glad bara för att hon fortfarande har en dålig uppfattning om vilka prövningar som väntar henne.

Med granars lätta hand får många hjältar smeknamnet "klutz". Detta gäller inte bara Epikhodov. Skuggan av hans misslyckande ligger på alla hjältar. Detta manifesteras både i små saker (spridda hårnålar, vidrörda kandelabrar, fall ner för trappan) och i stora saker. Hjältar lider av medvetandet om den skoningslöst förbigående tiden. De förlorar mer än de vinner. Var och en av dem är ensamma på sitt sätt. Trädgården som brukade förena hjältar runt sig finns inte längre. Tillsammans med skönhet förlorar pjäsens karaktärer ömsesidig förståelse och känslighet. Glömd och övergiven i ett låst hus gamla granar. Detta hände inte bara på grund av brådskan vid avresan, utan också på grund av viss andlig dövhet.

Den första dramatiska föreställningen av The Snow Maiden ägde rum den 11 maj 1873 på Maly Theatre i Moskva. Musiken till pjäsen beställdes av P.I. Tjajkovskij Ostrovskij i färd med att arbeta med pjäsen i delar skickade sin text till Tjajkovskij. "Tjajkovskijs musik till The Snow Maiden är charmig", skrev dramatikern. ""Snö mö"<...>skrevs på order av teatrarnas direktorat och på begäran av Ostrovsky 1873, på våren, och samtidigt gavs den, erinrade sig senare, 1879, Tjajkovskij. – Det här är en av mina favoritskapelser. Våren var underbar, min själ var god, som alltid när sommaren och tre månaders frihet närmade sig.

Jag gillade Ostrovskys pjäs och på tre veckor skrev jag musiken utan ansträngning. Det förefaller mig som om det i denna musik borde finnas en märkbar glädjefylld vårstämning, som jag sedan genomsyrades av.

Alla tre trupperna i den dåvarande Imperial Theatre var involverade i föreställningen: drama, opera och balett.

"Jag sätter upp pjäsen själv, som en fullständig mästare," rapporterade Ostrovsky med glädje, "här förstår de mycket väl att endast under detta villkor kommer det att gå bra och bli framgångsrikt. Imorgon läser jag Snöjungfrun för artisterna för tredje gången, sedan ska jag gå igenom rollerna med var och en för sig. Scenen för smältningen av Snow Maiden diskuterades länge. Biträdande sceningenjör K.F. Waltz påminde: "Det beslutades att omge Snow Maiden med flera rader av mycket små hål i golvet på scenen, från vilka vattenströmmar skulle stiga, som, förtjockning, skulle dölja artistens gestalt, omärkligt nedåtgående in i luckan under rampljuset."

I samband med renoveringen av Maly Theatre "Snegurochka"s lokaler beslutades det att spela i Bolshoi. För dramatiska skådespelare Bolsjojteatern visade sig vara obekvämt. Den var för stor och akustiskt olämplig för en naturlig, vardagsljudande röst. Detta hindrade i hög grad framgången för pjäsen. Skådespelaren P.M. Sadovsky skrev till Ostrovsky, som inte var närvarande vid premiären: "Publiken lyssnade på pjäsen med stor uppmärksamhet, men hörde inte mycket alls, så scenen för Kupava med tsaren, trots alla ansträngningar från Nikulina att tala högt och uppenbarligen bara var hälften hörbar." Nästa dag efter föreställningen, dramatikern V.I. Rodislavsky skickade en detaljerad "rapport" till Ostrovsky, där han rapporterade om samma brister i föreställningen: "... många underbara, förstklassiga poetiska skönheter, så generöst spridda av dig i pjäsen, gick under och kan bara återuppstå i tryck ... Men jag ska berätta i ordning . Leshys charmiga monolog försvann helt. Vårens flygning var ganska lyckad, men hennes poetiska monolog verkade lång. Den kvicka folkvisan om fåglar försvann, eftersom musiken inte tillät att höra orden, så skarp att censorerna tänkte på dem. Fåglarnas dans applåderades. Frosts underbara berättelse om hans nöjen gick förlorad, eftersom den startade inte av en berättelse, utan av sång med musik som överröstade orden. Maslyanitsas monolog misslyckades, eftersom Milensky talade den bakom gardinerna, och inte gömd i en halmbild... I första akten upprepades Lels charmiga sång... Framträdandet av Snow Maidens skugga var misslyckade... Min favorit berättelsen om blommornas kraft ... märktes inte, processionen försvann, Snöjungfruns försvinnande var inte särskilt skickligt ... Teatern var helt full, det fanns inte en enda tom plats ... Skrået från liguster var mycket framgångsrik.

Recensenten skrev om allmänhetens inställning till The Snow Maiden: "... vissa vände sig omedelbart bort från henne, eftersom hon var bortom deras förstånd, och uppgav att pjäsen var dålig, att den misslyckades, etc. Andra, till sina surprise, märkte att när de såg den för andra gången började de gilla den ... Musiken ... är både originell och väldigt bra, huvudsaken är att den ligger helt i hela pjäsens natur.

Under Ostrovskys liv spelades "The Snow Maiden" på Moscow Maly Theatre 9 gånger. Den sista föreställningen ägde rum den 25 augusti 1874.

År 1880 N.A. Rimsky-Korsakov bad Ostrovsky om tillåtelse att använda texten till The Snow Maiden för att skapa en opera. Kompositören komponerade själv librettot efter att ha koordinerat det med författaren. Därefter påminde Rimsky-Korsakov: "Första gången jag läste The Snow Maiden var omkring 1874, då den precis hade dykt upp i tryck. Jag gillade det inte mycket att läsa då; Berendeys rike tycktes mig konstigt. Varför? Levde 60-talets idéer fortfarande i mig, eller höll kraven från så kallade livsberättelser, som var aktuella på 70-talet, mig i bojor?<...>Med ett ord, Ostrovskys underbara, poetiska berättelse imponerade inte på mig. Vintern 1879-1880 läste jag återigen Snöjungfrun och såg så att säga hennes häpnadsväckande skönhet. Jag ville genast skriva en opera baserad på den här historien.”

Den första föreställningen av Rimsky-Korsakovs opera ägde rum i Sankt Petersburg, på Mariinskijteatern, den 29 januari 1882.

Vintern 1882/83 framfördes Snöjungfrun i en dramatisk produktion av amatörer i mamontovernas hus. Framstående representanter för den konstnärliga intelligentian var involverade i det. Föreställningen markerade ett försök till en ny läsning av pjäsen. Den konstnärliga delen av produktionen sköttes av V.M. Vasnetsov. Konstnärens talang manifesterade sig i detta arbete med största kraft: han lyckades inte bara genomsyra poesin i Ostrovskys fantastiska saga, att återge dess speciella atmosfär, dess ryska anda, utan också att fängsla andra deltagare i föreställningen. Dessutom spelade han perfekt rollen som jultomten.

Föreställningen i mamontovs hus var en prolog till produktionen av The Snow Maiden av N.A. Rimsky-Korsakov på scenen av Private Russian Opera S.I. Mamontov i Moskva den 8 oktober 1885. Dekoration utförs av V.M. Vasnetsov, I.I. Levitan och K.A. Korovin. I konstnärernas verk uttrycktes först och främst den nya uppfattningen om Ostrovskys saga och Rimsky-Korsakovs opera, vilket bidrog till att återuppliva allmänhetens intresse för dessa verk. Efter premiären krävde ett antal tidningar starkt att operan The Snow Maiden skulle ingå i Bolsjojteaterns repertoar. Men på scenen på Bolshoi-teatern framfördes "The Snow Maiden" först den 26 januari 1893.

År 1900 visades The Snow Maiden på två teatrar i Moskva - Novy Theatre och Moscow Art Theatre. En underbar rysk skådespelare och regissör V.E. Meyerhold skrev om föreställningen Konstteater: ”Pjäsen är fantastiskt iscensatt. Så många färger att de verkar räcka till tio pjäser. Det bör noteras att föreställningens briljans byggde på studiet av pjäsens etnografiska innehåll; det återspeglade ett försök att förmedla det antika livets sanna pittoreska och närma sig denna uppgift på allvar, att om möjligt studera de verkliga formerna av folkkonst: kostym, situationen för böndernas liv.

"Små tragedier" sattes upp separat. Mest "tur" var "Mozart och Salieri" och "Stengästen", mindre - "The Miserly Knight" och väldigt lite - "Feast in Time of Plague".

Stengästen sattes upp första gången 1847 i St. Petersburg. V. Karatygin agerade Don Juan, V. Samoilov som Dona Anna.

Den snåla riddaren sattes också upp för första gången i St. Petersburg 1852 med V. Karatygin i titelrollen. Och i Moskva, på Maly-teatern 1853, spelar M. Shchepkin baronen.

1899, med anledning av 100-årsminnet av Pushkins födelse, sattes "En fest under pesten" upp för första gången.

Den långsamma penetrationen av Pushkins drama på scenen förklarades inte bara av censurförbud. Teatern var ännu inte redo att ta emot dramaturgins nyhet, som bestod i ett annat system av bilder, i den psykologiska gestaltningen av karaktärer, i frihet från de klassiska "enheterna" av plats och tid, i villkorligheten i hjältens beteende av omständigheterna.

Alla "små tragedier" dök först upp på bio: på 1970- och 80-talen. en film regisserad av Schweitzer dök upp, i vilken hela tetralogin fann sin tolkning. Kritiker berömde filmen som ett värdigt försök att penetrera kärnan i Pushkins avsikt.

Före uppkomsten av denna film (i början av 60-talet) skapades en tv-version av Mozart och Salieri, där Nikolai Simonov, en underbar tragisk skådespelare i vår tid, spelade Salieri och unga Innokenty Smoktunovsky spelade Mozart. Det var det mest intressanta arbetet av stora skådespelare. I Schweitzers film har Smoktunovsky redan spelat Salieri, inte mindre begåvad än Mozart en gång. Mozart spelades av Valery Zolotukhin i filmen. Han visade sig vara svagare än Salieri-Smoktunovsky. Och tanken att "genialitet och skurk är oförenliga" på något sätt lät inte.

Värdet av Pushkins dramaturgi i utvecklingen av den ryska teatern.

Pushkins dramer reformerade den ryska teatern. Reformens teoretiska manifest uttrycks i artiklar, anteckningar och brev.

Enligt Pushkin måste dramatikern ha oräddhet, uppfinningsrikedom, livlig fantasi, men viktigast av allt måste han vara en filosof, han måste ha en historikers statstankar och frihet.

"Sanningen om passioner, rimligheten av känslor under de antagna omständigheterna ...", det vill säga villkoren för hjältens beteende av omständigheterna - denna formel av Pushkin är faktiskt en lag inom dramaturgi. Pushkin är övertygad om att en persons själ alltid är intressant att titta på.

Målet med tragedin, enligt Pusjkin, är en person och ett folk, ett människoöde, ett folks öde. Klassicistisk tragedi kunde inte förmedla folkets öde. För att etablera en verkligt nationell tragedi måste man "störta seder, seder och begrepp från hela århundraden" (A.S. Pushkin).

Pushkins dramaturgi var före sin tid och gav grund för att reformera teatern. Det kunde dock inte bli en skarp övergång till en ny dramatisk teknik. Teatern anpassade sig gradvis till den nya dramaturgin: nya generationer av skådespelare, uppfostrade med den nya dramaturgin, fick växa upp.

N.V. Gogol och teater

Nikolai Vasilyevich Gogol (1809-1852) - en av de svåraste ryska författarna, motsägelsefull, på många sätt förvirrande (bredvid honom kan du bara sätta Dostojevskij och Tolstoj).

I Gogol, som i Pushkin, bor konstnär Och tänkare. Men som konstnär är Gogol ojämförligt starkare än tänkaren Gogol. Det finns en motsättning mellan hans världsbild och kreativitet, vilket ibland förklarades av hans sjukdom. Men detta är bara delvis sant. Enligt sin övertygelse var Gogol en monarkist, han ansåg att det existerande statssystemet var rättvist; var övertygad om att han med sitt arbete tjänar till att stärka staten. Men lagarna används dåligt, eftersom det finns försumliga tjänstemän-byråkrater som förvränger lagarna och själva statssystemet. Och med sitt arbete kritiserade Gogol dessa tjänstemän i hopp om att han på detta sätt skulle stärka staten.

Vad förklarar sådana motsättningar mellan världsbild och kreativitet?

Sann kreativitet är alltid sanningsenlig. Konstnärens hjärta förstår alltid mer än huvudet. När en konstnär helt ägnar sig åt kreativitet kan han inte analysera den samtidigt, eftersom kreativitet är en undermedveten process. Den kreativa processen fångar konstnären helt och hållet, och han, mot sin vilja, återspeglar livets sanning (såvida han naturligtvis inte är en stor konstnär).

Gogol fäste stor vikt vid teater och drama. Hans tankar om teater och drama är utspridda i hans brev (till skådespelaren i Maly Theatre M.S. Shchepkin, till hans samtida-författare, såväl som i artikeln "Theatrical Departure", några andra och i "Förord till "Inspektören" Allmän"). Dessa tankar kan sammanfattas så här:

"Drama och teater är själ och kropp, de kan inte skiljas åt."

Och det fanns en åsikt att teatern skulle klara sig utan drama, precis som drama utan teater.

Gogol såg teaterns höga syfte i folkets utbildning och fostran, fäste han därtill templets betydelse.

"Teatern är på intet sätt en bagatell och inte alls en tom sak, om man tar hänsyn till det faktum att en skara på fem, sex tusen människor plötsligt får plats i den, och att hela denna skara, som inte på något sätt är liknar varandra, sorterar det efter enheter, kan plötsligt skakas av en chock. Att gråta av tårar ensam och skratta med ett universellt skratt. Det här är en sådan predikstol från vilken du kan säga mycket gott till världen ... "

"Teatern är en fantastisk skola, dess syfte är djupt: den läser en livlig och användbar lektion för en hel skara, ett helt tusental människor åt gången ..."

Därför lade Gogol stor vikt vid teatrarnas repertoar. Den tidens teaterrepertoar bestod till stor del av översatt västeuropeiskt drama, ofta i förvrängd form, med stora nedskärningar, ibland inte översatta, utan "återberättade". Det fanns också ryska pjäser på teatrar, men de var av obetydligt innehåll.

Gogol ansåg att teaterrepertoaren borde innehålla gamla klassiska pjäser, men de "Du måste se med dina egna ögon." Detta innebar att klassikerna borde förstås i linje med samtida problem för att avslöja dess relevans.

”... Det är nödvändigt att i all sin prakt föra fram alla de mest perfekta dramatiska verken av alla åldrar och folk. Du måste ge dem oftare, så ofta som möjligt ... Du kan göra alla bitar igen fräscha, nya, nyfikna för alla, unga som gamla, om du bara kan sätta dem på scenen ordentligt. Allmänheten har ingen egen nyckfullhet; hon ska gå dit hon leds."

Gogol skrev mycket levande om allmänheten och dess domstol i sitt arbete "Teatralisk turné efter presentationen av en ny komedi" , där han i form av dialoger av olika åskådare präglade deras smaker och seder i förhållande till teatern.

Intresserad av Gogol och skådespelarkonstfrågor. Det klassicistiska sättet att utföra rollen tillfredsställde honom inte, det var långt ifrån den realistiska existensen av en skådespelare på scenen. Gogol sa att en skådespelare inte borde representera på scenen, utan förmedla till tittaren de tankar som är inneboende i pjäsen, och för detta är det nödvändigt att helt läka hjältens tankar. "Konstnären måste förmedla själen, inte visa klänningen."

Spela, enligt Gogol, ska vara en konstnärlig helhet. Det innebar att skådespelarna var tvungna att spela i ensemblen. Och för detta kan skådespelare inte memorera texten ensam; alla behöver repetera improvisationsmässigt. Gogol talar om detta, särskilt i "En varning för dem som vill spela The Inspector General ordentligt. Dessa hans repliker ses som början på regi och den metod för repetitionsarbete, som senare kommer att kallas metoden för effektiv analys av pjäsen och rollen.

Gogols vänskap med den stora ryska skådespelaren Shchepkin påverkade hans syn på teaterkonsten och skådespeleriet. Genom att ge The Inspector General till Shchepkin, trodde han att Shchepkin skulle regissera produktionen. Det var i reglerna som den första skådespelaren i truppen regisserade produktionen. I sina förvarningar noterade Gogol det viktigaste i varje karaktär, vad Stanislavskij senare skulle kalla "frö" till rollen. Det är ingen slump att Stanislavsky genomförde den första repetitionen för skådespelarens utbildningssystem som han skapade på basis av Generalinspektören.

I Gogols verk finns inslag av fantasi, ibland till och med mystik. (Det är känt att Gogol var religiös, och under de sista åren av sitt liv föll han in i mystik; han har artiklar från denna period.)

Konstnärlig fiktion, fantasi, fantasy är de nödvändiga delarna av kreativitet. Och sanningshalten hos konstnären är inte att han beskriver vad det händer ofta, men också i vad kan vara.

Gogols konst hyperbolisk. Det här är hans konststil. Konst börjar med valprocess livsfenomen i sin sekvens. Detta är början på den kreativa processen. Fantastiska inslag i Gogols verk, hans grotesk förminska inte, utan betona det realism.(Realism är inte naturalism).

Gogol var medveten om behovet av att skriva en offentlig komedi. Han skrev komedin "Vladimir III grad", men den var besvärlig, och Gogol insåg att den inte var lämplig för teatern. Dessutom noterar författaren själv: "Fjädern tränger in på platser ... som inte kan missas på scenen ... Men vad är komedi utan sanning och illvilja?"

Gogols tankar är nyfikna om komiken : ”Det roliga avslöjas av sig självt just i det allvar med vilket var och en av de skådespelare besvärlig, kinkig, till och med passionerad för sitt arbete, som om hans livs viktigaste uppgift. Betraktaren kan bara se bagatellen av sin omsorg utifrån.

År 1833 skrev Gogol komedin "Grooms", där situationen är som följer: bruden vill inte missa någon av friarna och förlorar tydligen dem alla. Podkolesin och Kochkarev var inte med i den. Och 1835 avslutades komedin, där Podkolesin och Kochkarev redan dök upp. Samtidigt etablerades ett nytt namn - "Äktenskap". På hösten samma år förberedde Gogol texten till komedin för att ge den till teatern, men efter att ha tagit upp Generalinspektören i oktober - december 1835 sköt han upp sin avsikt.

Äktenskapet dök upp i tryck 1842 i Gogols Samlade verk (vol. 4). Den sattes upp i St. Petersburg i december 1842 för Sosnitskys förmånsföreställning och i Moskva i februari 1843 för Shchepkins förmånsföreställning.

I S:t Petersburg hade pjäsen ingen framgång, skådespelarna spelade, enligt Belinsky, ”avskyvärt och vidrigt. Sosnitsky (han spelade Kochkarev) visste inte ens rollen..." Belinsky var inte heller nöjd med Moskva-produktionen, även om "även här var utövarna av de centrala rollerna Shchepkin (Podkolesin) och Zhivokini (Kochkarev) svaga.

Anledningen till scenmisslyckandet i "The Marriage" var pjäsens ovanliga form (brist på yttre intriger, långsam utveckling av handlingen, infogade episoder, köpmanshushållsmaterial, etc.).

Men allt detta hände efter att Generalinspektören skrevs.

Teatern ska vara en spegel anses Gogol. Kom ihåg epigrafen till "inspektören": "Det finns inget att skylla på spegeln, om ansiktet är snett." Men hans komedi blev också ett "förstoringsglas" (som Majakovskij skulle säga om teatern).

"Revisorn skrevs av Gogol på två månader (i oktober 1835 föreslog Pushkin handlingen för honom, och i början av december var pjäsen klar). Det spelar ingen roll om tomten var föreslagen eller lånad, Viktig,Vad kommer författaren att säga med denna handling.

I åtta år putsar Gogol ordet, formen, bilderna, betonar medvetet vissa aspekter av komedi (meningsfulla namn på karaktärer, till exempel). Hela bildsystemet bär på en djup tanke. Konstnärligt förhållningssätt - grotesk- en stark överdrift. Till skillnad från en tecknad serie är den fylld med djupt innehåll. Gogol använder sig i stor utsträckning av det groteska.

Men den externa komikens metoder är inte det groteskens väg. De leder till en förfining av verket, till en vaudeville-start.

Dagarna av romantik för komedi är förbi.

Gogol baserar handlingen på naturliga mänskliga ambitioner - en tjänstekarriär, önskan att få ett arv genom ett framgångsrikt äktenskap, etc.

Gogols samtida förstod inte, lyssnade inte på författarens kommentarer. Gogol ansåg Khlestakov vara huvudpersonen i hans komedi. Men vad har hänt Khlestakov? Khlestakov - ingenting. Detta "ingenting" väldigt svårt att spela. Han är inte en äventyrare, inte en bedragare, inte en rutinerad rackare. Det här är en person som för ett ögonblick, för ett ögonblick, för ett ögonblick vill bli något. Och detta är kärnan i bilden, så den är modern i alla tider. Gogol kämpade mot vulgariteten hos en vulgär person, fördömde mänsklig tomhet. Därför har begreppet "Khlestakovism" blivit generaliserande. Den slutliga upplagan av "Inspektören" - 1842

Men de första premiärerna skedde redan innan slutupplagan.

Den 19 april 1836 spelades "Inspector" för första gången på scenen i Alexandrinsky-teatern. Gogol var missnöjd med denna produktion, särskilt med skådespelaren Dur i rollen som Khlestakov, som, som vaudeville-skådespelare, spelade Khlestakov i vaudeville-stil. Bilderna av Dobchinsky och Bobchinsky var perfekta karikatyrer. Endast Sosnitsky i rollen som borgmästare tillfredsställde författaren. Han spelade Gorodnichiy som en stor byråkrat med gott uppförande.

Den sista - tysta scenen - fungerade inte heller: skådespelarna lyssnade inte på författarens röst, och han varnade för karikatyrer.

Senare spelades Gorodnichiy av V.N. Davydov, Osip - Vasiliev, sedan K. A. Varlamov.

Satir kanske inte orsakar skratt i salen, utan ilska, indignation.

När han överförde pjäsen till Maly Theatre hoppades Gogol att Shchepkin skulle regissera produktionen och ta hänsyn till allt som störde författaren.

Moskvapremiären ägde rum samma 1836 (den var planerad för scenen i Bolsjojteatern, men spelades i Maly: det finns ett mindre auditorium). Allmänhetens reaktion var inte lika högljudd som i St. Petersburg. Gogol var inte heller riktigt nöjd med denna produktion, även om vissa misstag undveks här. Men publikens reaktion, ganska återhållsam, avskräckt. Det är sant att vännerna efter föreställningen förklarade vad som var grejen: hälften av salen är de som ger mutor och den andra hälften är de som tar emot dem. Det är anledningen till att publiken inte skrattade.

I Maly Theatre spelade Khlestakov Lensky (och även vaudeville), senare - Shumsky (hans föreställning uppfyllde redan författarens krav), även senare spelades denna roll av M.P. Sadovsky. Borgmästaren spelades av Shchepkin (senare Samarin, Maksheev, Rybakov). FRÖKEN. Shchepkin, som spelade guvernören, skapade bilden av en krokig skurk som är bekant med sina underordnade; med dem fixar han all skam. Osip spelades av Prov Sadovsky. Anna Andreevna spelade - N.A. Nikulin, senare - A.A. Yablochkina, E.D. Turchaninov, V.N. Pashennaya.

Regeringsinspektörens scenhistoria är rik. Men det satiriska innehållet riktat till nutiden avslöjades inte alltid i produktionerna. Ibland sattes komedin upp som en pjäs om det förflutna.

År 1908, på Moskvas konstteater, arrangerades generalinspektören som ett galleri med ljusa karaktärer, föreställningen innehöll många detaljer i vardagen, det vill säga det var en vardaglig komedi (regisserad av Stanislavsky och Moskvin). Men det är sant, det bör noteras att denna föreställning var experimentell i den meningen att Stanislavskij testade sitt "system" i denna produktion; det var därför uppmärksamhet ägnades åt karaktärerna och vardagliga detaljer.

Och säsongen 1921/22 på Moskvas konstteater - en ny scenlösning för generalinspektören. I denna föreställning fanns inga naturalistiska detaljer om livet. Regi gick i linje med att söka efter det groteska. Khlestakov spelades av Mikhail Chekhov - en ljus, skarp, grotesk skådespelare. Hans prestation av denna roll gick till teaterns historia som ett levande exempel på det groteska i skådespeleriet.

1938 spelade I. Ilyinsky Khlestakov på Maly Theatre.

I mitten av 1950-talet dök en filmatisering av Generalinspektören upp, där skådespelarna från Moskvas konstteater huvudsakligen spelade, och Khlestakova var student vid historieavdelningen vid Leningrads universitet I. Gorbatjov, som senare blev skådespelare, konstnärlig chef för Alexandrinsky-teatern.

Den mest intressanta produktionen i mitten av vårt århundrade kan kanske betraktas som framförandet av BDT, iscensatt 1972 av G.A. Tovstonogov. Borgmästaren spelades av K. Lavrov, Khlestakov O. Basilashvili, Osip - S. Yursky.

I den här föreställningen var en viktig karaktär rädsla - rädslan för vedergällning för det som hade gjorts. Detta förkroppsligades i form av en svart vagn, som vanligtvis bär revisorn. Denna vagn hängde som ett Damoklesvärd över scenbrädet under hela föreställningen. Det stod: alla tjänstemän under Damokles svärd. Rädsla, till och med skräck, ingav ibland guvernören så att han inte kunde kontrollera sig själv. I den första scenen beordrar han på ett mycket affärsmässigt sätt tjänstemännen att ställa i ordning så att det "sveper". Men när rädslan når honom kan han inte kontrollera sig själv.

Ungefär samtidigt dök generalinspektören upp på Moskvas satirteater. Den sattes upp av V. Pluchek, chefschefen för denna teater. De mest kända skådespelarna spelade i den: Gorodnichiy - Papanov, Khlestakov - A. Mironov, andra roller spelades av inte mindre populära artister som dök upp varje vecka i serie-tv-showen "Zucchini 13 Chairs". Föreställningen bar inte bara ingen satir, utan bara skratt, orsakat av att deltagarna i föreställningen uppfattades genom "krogens" karaktärer och inte Gogols pjäs. Förmodligen var det så här de första produktionerna av denna komedi spelades i huvudstäderna, som Gogol var missnöjd med.

N.V. Gogol förde inte bara officiella brott till offentligt förlöjligande, utan visade också processen att förvandla en person till en medveten muttagare. . Allt detta gör komedin "The Inspector General" till ett verk med stor anklagande kraft.

Gogol lade en solid grund för skapandet av rysk nationell dramaturgi. Före Generalinspektören kan endast Fonvizins Undervegetation och Griboyedovs Ve från Wit nämnas - pjäser där våra landsmän konstnärligt fullt ut avbildades.

"Revisorn" har förvärvat kraften i ett dokument som avslöjar det befintliga systemet. Han påverkade utvecklingen av socialt medvetande hos Gogols samtida, såväl som på efterföljande generationer.

Komedin Regeringsinspektören bidrog till att våra ryska skådespelarkunskaper kunde ta sig bort från de speltekniker som lånats från utländska skådespelare, som dominerat scenen sedan 1700-talet, och behärska den realistiska metoden.

1842 dök en enaktskomedi upp "Spelare". När det gäller skärpan i realistiska färger, styrkan i den satiriska orienteringen och perfektionen av konstnärlig skicklighet, kan den placeras bredvid Gogols berömda komedier.

Den tragikomiska historien om den erfarne fuskaren Ikharev, kvickt och genialiskt lurad och rånad av ännu smartare bedragare, får en bred, generaliserad innebörd. Ikharev, efter att ha slagit provinsen med markerade kort, förväntar sig att "uppfylla en upplyst persons plikt": "klä sig enligt huvudstadens modell", gå i St. Petersburg "längs Aglitskaya-vallen", äta middag i Moskva på "Yar" ". All "visdom" i hans liv är att "bedra alla och inte bli lurad själv." Men han blev själv lurad av ännu skickligare rovdjur. Ikharev är indignerad. Han uppmanar lagen att straffa bedragarna. Till vilket Glov påpekar att han inte har rätt att överklaga till lagen, eftersom han själv handlat olagligt. Men det verkar för Ikharev att han har helt rätt, eftersom han litade på bedragarna, och de rånade honom.

The Players är Gogols lilla mästerverk. Här uppnås handlingens idealiska målmedvetenhet, handlingens fullständighet, som i slutet av pjäsen avslöjar all elakhet i samhället.

Det intensiva intresset för handlingen kombineras med avslöjandet av karaktärer. Med all lakonism av händelser manifesterar komedins karaktärer sig med uttömmande fullständighet. Själva intrigen i komedin verkar ryckas ur livet av en vanlig vardagshändelse, men tack vare Gogols talang får detta "case" en vidsträckt avslöjande karaktär.

Betydelsen av Gogol för utvecklingen av den ryska teatern är svår att överskatta.

Gogol fungerar som en anmärkningsvärd innovatör, kastar bort konventionella former och tekniker som redan har blivit föråldrade och skapar nya principer för dramaturgi. Gogols dramatiska principer och hans teatraliska estetik markerade realismens seger. Författarens största innovativa förtjänst var skapandet av teatern för livets sanning, den där effektiva realismen, den socialt orienterade dramaturgin, som banade vägen för den fortsatta utvecklingen av den ryska dramatiska konsten.

Turgenev skrev 1846 om Gogol att "han pekade ut den väg längs vilken vår dramatiska litteratur så småningom kommer att gå." Dessa tydliga ord av Turgenev var fullt berättigade. Hela utvecklingen av det ryska dramat under 1800-talet, fram till Tjechov och Gorkij, är skyldig Gogol mycket. I Gogols dramaturgi återspeglades komedins sociala betydelse särskilt fullt ut.

Komedin "Own People - Let's Settle" har en egen väldefinierad komposition. I början av komedin ser vi inte expositionen: författaren berättar inte för oss en kort bakgrund om vad som kommer att diskuteras i arbetet.

Komedikomposition

Den omedelbara början av komedin är handlingen: läsaren ser en ung flicka Lipochka, som galet vill bli en gift kvinna, och, inte utan protest, går med på den kandidat som föreslagits av hennes far - kontoristen Podkhalyuzin. I varje komedi finns en så kallad drivkraft, ofta är det det huvudkaraktär, som ofta tar en motposition till de flesta karaktärerna, eller genom sitt aktiva deltagande bidrar till den skarpa utvecklingen av handlingen.

I pjäsen "Our People - Let's Settle" tillhör en sådan status köpmannen Bolshov, som med stöd av sina släktingar kom på ett ekonomiskt äventyr och satte det i verket. Den viktigaste delen av kompositionen är kulmen i komedi - den delen av verket där karaktärerna upplever den maximala intensiteten av känslor.

Denna pjäs kulminerar i ett avsnitt där Lipochka öppet tar sin mans parti och säger till sin far att de inte kommer att betala ett öre för hans lån. Klimaxet följs av en denouement - ett logiskt utfall av händelser. I denouementet sammanfattar författarna hela komedin, avslöjar hela dess väsen.

Upplösningen av "Vårt folk - vi kommer att lösa" är Podkhalyuzins försök att förhandla med borgenärerna till sin hustrus far. Vissa författare, för att uppnå det maximala dramatiska ögonblicket, introducerar medvetet en tyst slutscen i komedin, som slutligen avslutar handlingen.

Men Alexander Ostrovsky använder ett annat knep - Podkhalyuzin förblir trogen sina principer om det sistnämnda, och lovar istället för en fordringsägarerabatt, att inte byta ut honom i sin framtida egen butik.

Scen öde pjäsen

Alla vet att pjäser, till skillnad från andra litteraturgenrer, förvandlas till en annan, inte mindre viktig form av konst - teater. Alla pjäser har dock inte ett scenöde. Det finns många faktorer som uppmuntrar eller hindrar produktionen av pjäser på scen. Det huvudsakliga kriteriet som bestämmer livskraften för en pjäs i framtiden är dess relevans för de ämnen som behandlas av författaren.

Pjäsen "Vårt folk - låt oss bosätta sig" skapades 1849. Men under en lång elva år gav den tsaristiska censuren inte tillstånd för dess produktion på teatern. För första gången sattes "Egna människor - Låt oss bosätta sig" av skådespelarna i Voronezh-teatern 1860. 1961 gjorde den statliga censuren sina egna ändringar i pjäsen och lät den sättas upp på imperiets teatrar i en redigerad version.

Denna upplaga bevarades till slutet av 1881. Det bör noteras att när den berömda regissören A. F. Fedotov 1872 tillät sig att vara djärv och satte upp pjäsen i sin ursprungliga form i sin Folkteater, stängdes denna teater för alltid genom dekret från kejsaren några dagar senare.

Pjäsen "At the Bottom" skrevs av M. Gorkij 1902. Gorkij var alltid orolig för frågor om en person, om kärlek, om medkänsla. Alla dessa frågor utgör humanismens problem, som genomsyrar många av hans verk. En av få författare visade han all livets fattigdom, dess "botten". I pjäsen "Längst ner" skriver han om de människor som inte har meningen med livet. De lever inte, utan finns. Ämnet luffare ligger mycket nära Gorkij, eftersom det fanns en tid då han var tvungen att vandra med en ryggsäck på ryggen. Gorky skriver en pjäs, inte en roman, inte en dikt, eftersom han vill att alla ska förstå innebörden av detta verk, inklusive vanliga analfabeter. Med sitt pjäs ville han uppmärksamma människorna på de lägre samhällsskikten. Pjäsen "Längst ner" skrevs för Moskvas konstteater. Censuren förbjöd först uppsättningen av denna pjäs, men sedan, efter revidering, tillät den det ändå. Hon var säker på att pjäsen misslyckades fullständigt. Men pjäsen gjorde ett enormt intryck på publiken, orsakade en storm av applåder. Tittaren var så starkt påverkad av att det för första gången visas luffare på scenen, de visas med sin smuts, moraliska orenhet. Den här pjäsen är djupt realistisk. Det unika med dramat ligger i det faktum att de mest komplexa filosofiska problemen diskuteras i det inte av mästare i filosofiska dispyter, utan av "folk på gatan", outbildade eller degraderade, tunga eller oförmögna att hitta det "nödvändiga" ord. Samtalet förs på vardagskommunikationens språk, och ibland på språket med småtjafsar, "köksmisshandel", berusade skärmytslingar.

Enligt den litterära genren är pjäsen "Längst ner" ett drama. Drama präglas av handling och konflikthandling. Enligt min mening visar arbetet tydligt två dramatiska början: social och filosofisk.

Om förekomsten av social konflikt i pjäsen säger till och med dess namn - "Längst ner." Anmärkningen i början av första akten skapar en tråkig bild av ett rumshus. ”En källare som ser ut som en grotta. Taket är tungt, stenvalv, sotat, med sönderfallande puts ... Överallt längs väggarna finns våningssängar.” Bilden är inte trevlig - mörk, smutsig, kall. Följande är beskrivningar av de boende i hyreshuset, eller snarare beskrivningar av deras yrken. Vad håller de på med? Nastya läser, Bubnov och Kleshch är upptagna med sitt arbete. Det verkar som att de jobbar motvilligt, av tristess, utan entusiasm. De är alla tiggare, eländiga, eländiga varelser som lever i ett smutsigt hål. Det finns också en annan typ av människor i pjäsen: Kostylev, ägaren till rumshuset, hans fru Vasilisa. Enligt min mening ligger den sociala konflikten i pjäsen i att invånarna i hyreshuset känner att de bor ”på botten”, att de är avskurna från världen, att de bara existerar. De har alla ett omhuldat mål (till exempel vill skådespelaren återvända till scenen), de har sin egen dröm. De söker styrkan inom sig själva att konfrontera denna fula verklighet. Och för Gorkij är själva önskan efter det bästa, efter det vackra, underbart.

Alla dessa människor är placerade under fruktansvärda förhållanden. De är sjuka, dåligt klädda, ofta hungriga. När de har pengar ordnas semester omedelbart i hyreshuset. Så de försöker dränka smärtan i sig själva, att glömma, att inte komma ihåg sin tiggande position som "tidigare människor".

Det är intressant hur författaren beskriver sina karaktärers aktiviteter i början av pjäsen. Kvashnya fortsätter att argumentera med Kleshch, baronen hånar Nastya för vane, Anna stönar "varje jävla dag...". Allt går vidare, allt detta har pågått i mer än ett dygn. Och folk slutar gradvis att lägga märke till varandra. Förresten, avsaknaden av en narrativ början är kännetecken drama. Om man lyssnar på dessa personers uttalanden är det slående att alla praktiskt taget inte reagerar på andras kommentarer, de talar alla samtidigt. De är separerade under ett tak. Invånarna i rumshuset är enligt min mening trötta, trötta på verkligheten som omger dem. Det är inte för inte som Bubnov säger: "Men trådarna är ruttna ...".

Under sådana sociala förhållanden som dessa människor är placerade i exponeras en persons väsen. Bubnov säger: "Utanför, oavsett hur du målar dig själv, kommer allt att raderas." Invånarna i doshuset blir, som författaren tror, "oavsiktligt filosofer". Livet får dem att tänka på de universella begreppen samvete, arbete, sanning.

Två filosofier är tydligast motsatta i pjäsen.: Luke och Satin. Satin säger: "Vad är sanning?.. Människan är sanningen!.. Sanningen är en fri människas gud!" För vandraren Luke är en sådan "sanning" oacceptabel. Han tror att en person borde höra något som det blir lättare och lugnare för honom, att det för en persons bästa är möjligt att ljuga. Intressanta synpunkter och andra invånare. Till exempel tänker Kleshch: "... Du kan inte leva ... Här är den, sanningen! .. Fy fan!"

Lukas och Satins bedömningar av verkligheten skiljer sig kraftigt åt. Luke tar med en ny ande in i husets liv - hoppets ande. Med hans utseende vaknar något till liv – och folk börjar prata oftare om sina drömmar och planer. Skådespelaren lyser upp med tanken att hitta ett sjukhus och återhämta sig från alkoholism, Vaska Pepel ska åka till Sibirien med Natasha. Luke är alltid redo att trösta och ge hopp. Främlingen ansåg att man borde komma överens med verkligheten och se på vad som händer runt omkring i lugn och ro. Luke predikar möjligheten att "anpassa sig" till livet, att inte lägga märke till dess sanna svårigheter och sina egna misstag: "Det är sant att det inte alltid är en människas sjukdom ... du kan inte alltid bota själen med sanning ..."

Satin har en helt annan filosofi. Han är redo att fördöma den omgivande verklighetens laster. I sin monolog säger Satin: ”Man! Det är toppen! Det låter... stolt! Mänsklig! Man måste respektera personen! Tycka inte synd om... Förödmjuka honom inte med medlidande... du måste respektera honom!" Men respekt är enligt mig nödvändigt för en person som jobbar. Och invånarna i hyreshuset verkar känna att de inte har någon chans att ta sig ur denna fattigdom. Därför dras de så till den tillgivna Lukas. Främlingen söker förvånansvärt noggrant upp något som är gömt i dessa människors sinnen och målar dessa tankar och förhoppningar i ljusa regnbågsfärger.

Tyvärr, under de förhållanden som Satin, Kleshch och andra invånare i "botten" lever under, har en sådan kontrast mellan illusioner och verklighet ett sorgligt resultat. Frågan vaknar hos människor: hur och vad ska man leva på? Och i det ögonblicket försvinner Luka ... Han är inte redo och vill inte svara på denna fråga.

Förståelse av sanningen fascinerar invånarna i rumshuset. Satin kännetecknas av den största mognad av bedömningar. Utan att förlåta "lögnen av medlidande", stiger Satin för första gången till insikten om behovet av att förbättra världen.

Inkompatibiliteten mellan illusioner och verklighet är mycket smärtsam för dessa människor. Skådespelaren avslutar sitt liv, tataren vägrar att be till Gud... Avvikelsen från skådespelarens liv är steget för en person som har misslyckats med att inse den sanna sanningen.

I fjärde akten bestäms dramats rörelse: livet vaknar i "sovrummets sömniga själ". Människor kan känna, höra varandra, känna empati.

Troligtvis kan åsiktskonflikten mellan Sateen och Luke inte kallas en konflikt. De går parallellt. Enligt min åsikt, om vi kombinerar den anklagande karaktären av Sateen och synd om Lukas folk, då skulle vi få samma en idealisk person kapabel att återuppliva livet i ett rumshus.

Men det finns ingen sådan person - och livet i ett rumshus förblir detsamma. Tidigare utåt. Någon slags vändpunkt sker inombords – folk börjar tänka mer på meningen och meningen med livet.

Pjäsen ”Längst ner” som ett dramatiskt verk präglas av konflikter som speglar universella motsättningar: motsättningar i livsåskådning, i livsstil.

drama som litterär genre skildrar en person i akut konflikt, men inte hopplösa situationer. Pjäsens konflikter är verkligen inte hopplösa - trots allt (enligt författarens avsikt) vinner fortfarande den aktiva principen, inställningen till världen.

M. Gorky, en författare med fantastisk talang, förkroppsligade i pjäsen "Längst ner" konflikten mellan olika åsikter om vara och medvetande. Därför kan denna pjäs kallas ett sociofilosofiskt drama.

I sina verk avslöjade M. Gorkij ofta inte bara människors vardag utan också de psykologiska processer som äger rum i deras sinnen. I pjäsen "At the Bottom" visade författaren att grannskapet av människor som väckts till liv i fattigdom med en predikant om tålmodiga förväntan på en "bättre person" nödvändigtvis leder till en vändpunkt i människors medvetande. I rumshusen fångade M. Gorkij det första, skygga uppvaknandet av den mänskliga själen - det vackraste för en författare.

Pjäsen "på botten" manifesterade den dramatiska innovationen av Maxim Gorky. Genom att använda traditionerna från det klassiska dramaturgiska arvet, främst Tjechovs, skapar författaren en genre av sociofilosofisk dramatik, och utvecklar sin egen dramatiska stil med dess uttalade karaktäristiska drag.

Det specifika med Gorkijs dramatiska stil är förknippat med författarens övervägande uppmärksamhet på den ideologiska sidan av mänskligt liv. Varje handling av en person, vart och ett av hans ord återspeglar särdragen i hans medvetande, vilket bestämmer den aforistiska dialogen som är karakteristisk för Gorkys pjäser, som alltid är fylld med filosofisk mening, och originaliteten i den övergripande strukturen i hans pjäser.

Gorkij skapade en ny typ av dramatiskt verk. Det speciella med pjäsen är att den dramatiska handlingens drivkraft är idékampen. De yttre händelserna i pjäsen bestäms av karaktärernas inställning till huvudfrågan om personen, frågan kring vilken det finns en tvist, en konflikt mellan positioner. Därför förblir handlingens centrum i pjäsen inte konstant, det skiftar hela tiden. Dramats så kallade "hjältelösa" komposition växte fram. Pjäsen är en cykel av små dramer, som är sammanlänkade av en enda vägledande kamp - inställningen till idén om tröst. I sin sammanvävning skapar dessa privata dramer som utspelar sig inför tittaren en exceptionell actionspänning. Det strukturella draget i Gorkijs drama är tyngdpunktsförskjutningen från händelserna i yttre handlingar till förståelsen av det inre innehållet i den ideologiska kampen. Därför inträffar inte handlingens avveckling i den sista, fjärde akten, utan i den tredje. Från den sista akten tar författaren bort många människor, inklusive Luka, även om det är med honom som huvudlinjen i utvecklingen av handlingen är ansluten. Den sista akten visade sig sakna yttre händelser. Men det var han som blev den mest betydande till innehållet, inte sämre än de tre första i spänning, för här sammanfattades resultaten av den filosofiska huvudtvisten.

Den dramatiska konflikten i pjäsen "på botten"

De flesta kritiker betraktade "At the Bottom" som en statisk pjäs, som en serie skisser av vardagslivet, inre orelaterade scener, som en naturalistisk pjäs, utan handling, utveckling dramatiska konflikter. Faktum är att i pjäsen "Längst ner" finns det en djup inre dynamik, utveckling ... Kopplingen av repliker, handlingar, scener av pjäsen bestäms inte av vardagliga eller plottande motiv, utan av användningen av sociofilosofiska problem, ämnens rörelse, deras kamp. Den undertexten, den där underströmmen, som V. Nemirovich-Danchenko och K. Stanislavsky upptäckte i Tjechovs pjäser, får en avgörande betydelse i Gorkijs "Att botten". "Gorky skildrar medvetandet hos folket på "botten". Handlingen utspelar sig inte så mycket i yttre handling som i karaktärernas dialoger. Det är övernattningarnas samtal som avgör utvecklingen av den dramatiska konflikten.

Det är häpnadsväckande: ju mer de sängsökande vill dölja det verkliga tillståndet för sig själva, desto mer njuter de av att döma andra för lögner. De har särskilt nöje av att tortera sina kamrater i olycka, försöka ta ifrån dem det sista de har - en illusion

Vad ser vi? Det visar sig att det inte finns någon enskild sanning. Och det finns åtminstone två sanningar - sanningen om "botten" och sanningen om det bästa i människan. Vilken sanning vinner i Gorkijs pjäs? Vid första anblicken - sanningen om "botten". Det finns ingen väg ut ur denna "återvändsgränd" för någon av övernattningarna. Ingen av karaktärerna i pjäsen blir bättre – bara sämre. Anna dör, Kleshch "faller" till slut och ger upp hoppet om att fly från rumshuset, tataren tappar sin arm, vilket innebär att han också blir arbetslös, Natasha dör moraliskt och kanske fysiskt, Vaska Pepel går i fängelse, till och med fogden Medvedev blir en av rumarna. Nochlezhka accepterar alla och släpper inte ut någon, förutom en person - vandraren Luke, som underhöll de olyckliga berättelserna och försvann. Kulmen på allmän besvikelse är skådespelarens död, som det var Luka som inspirerade förgäves hopp om återhämtning och ett normalt liv.

"Trösten i den här serien är de mest intelligenta, kunniga och vältaliga. Det är därför de är mest skadliga. Luka borde vara just en sådan tröstare i pjäsen "The Lower Depths", men uppenbarligen misslyckades jag med att göra honom till det. "At the Bottom" är en föråldrad pjäs och kanske till och med skadlig i våra dagar" (Gorky, 1930-talet).

Bilder av Satin, Baron, Bubnov i pjäsen "Längst ner"

Gorkys pjäs "Att botten" skrevs 1902 för truppen på Moskvas offentliga konstteater. Gorky kunde under lång tid inte hitta den exakta titeln på pjäsen. Från början hette det "Nochlezhka", sedan "Utan solen" och slutligen "Längst ner". Namnet i sig har mycket betydelse. Människor som har fallit till botten kommer aldrig att stiga till ljuset, till ett nytt liv. Temat för förödmjukade och kränkta är inte nytt i rysk litteratur. Låt oss minnas Dostojevskijs hjältar, som inte heller "har någon annanstans att ta vägen". Många liknande egenskaper kan hittas hos Dostojevskijs och Gorkijs hjältar: detta är samma värld av fyllare, tjuvar, prostituerade och hallickar. Bara han visas ännu mer fruktansvärt och realistiskt av Gorkij. I Gorkijs pjäs såg publiken för första gången de utstöttas obekanta värld. En sådan hård, skoningslös sanning om de sociala lägre klassernas liv, om deras hopplösa öde har världsdramaturgin ännu inte känt till. Under valven i Kostylevo-rumshuset fanns människor av de mest olika karaktär och social status. Var och en av dem har sina egna individuella egenskaper. Här är den arbetande Kleshch, som drömmer om ärligt arbete, och Ash, som längtar efter det rätta livet, och skådespelaren, alla absorberade i minnen av sin forna glans, och Nastya, passionerat rusar till stora, äkta kärlek. Alla förtjänar ett bättre öde. Desto mer tragisk är deras situation nu. Människorna som bor i denna grottliknande källare är tragiska offer för en ful och grym ordning där en person upphör att vara en person och är dömd att dra ut på en eländig tillvaro. Gorkij ger inte en detaljerad redogörelse för biografierna om pjäsens hjältar, men även de få funktioner som han återger avslöjar perfekt författarens avsikt. Tragiskt tecknas med några få ord livsöde Anna. "Jag kommer inte ihåg när jag var full", säger hon. hela mitt eländiga liv..." Arbetaren Kleshch talar om sin hopplösa lott: "Det finns inget arbete... det finns ingen styrka... Det är sanningen! Invånarna i "botten" kastas ut ur livet på grund av de förhållanden som råder i samhället. Människan lämnas åt sig själv. Om han snubblar, kommer ur hjulspåret, hotas han av "botten", den oundvikliga moralen och ofta fysisk död. Anna dör, skådespelaren begår självmord, och resten är utmattade, vanställda av livet till sista graden. Och även här, i detta skrämmande värld utstötta, "bottens" varglagar fortsätter att fungera. Figuren av ägaren av rumshuset Kostylev, en av "livets mästare", som är redo att till och med pressa den sista kronan ur sina olyckliga och missgynnade gäster, är äcklig. Lika äcklig är hans fru Vasilisa med sin omoral. Det fruktansvärda ödet för invånarna i rumshuset blir särskilt uppenbart om vi jämför det med vad en person är kallad till. Under doshusets mörka och dystra valv, bland de eländiga och förlamade, olyckliga och hemlösa lösdrivarna, klingar orden om människan, om hennes kallelse, om hennes styrka och skönhet som en högtidlig psalm: ”Människan är sanningen! Allting är i en person, allt är för en person! Det finns bara människan, allt annat är hans händers och hjärnas verk! Människan! Det här är magnifikt! Det låter stolt!" Stolta ord om vad en person borde vara och vad en person kan vara, sätter ännu skarpare upp bilden av den verkliga situationen för en person som författaren målar. Och denna kontrast får en speciell innebörd... Sateens brinnande monolog om en man låter något onaturlig i en atmosfär av ogenomträngligt mörker, särskilt efter att Luka lämnat, hängde skådespelaren sig själv och Vaska Pepel fängslades. Författaren kände själv detta och förklarade detta med att pjäsen borde ha ett resonemang (uttryckare av författarens tankar), men karaktärerna som Gorkij porträtterar kan knappast kallas talesmän för någons idéer i allmänhet. Därför lägger Gorkij sina tankar i munnen på Satin, den mest frihetsälskande och rättvisa karaktären.

Författaren började skriva pjäsen i Nizjnij Novgorod, där det, enligt Gorkijs samtida Rozov, fanns den bästa och mest bekväma platsen för alla slags rabblar att samlas... Detta förklarar karaktärernas realism, deras fullständiga likhet med original. Alexei Maksimovich Gorkij utforskar luffarnas själ och karaktärer från olika positioner, i olika livssituationer, försöker förstå vilka de är, vad som förde så olika människor till livets botten. Författaren försöker bevisa att övernattningar är vanliga människor, de drömmer om lycka, de vet hur man älskar, medkänsla, och viktigast av allt, de tänker.

Efter genre kan pjäsen På botten klassas som filosofisk, eftersom vi från karaktärernas läppar hör intressanta slutsatser, ibland hela samhällsteorier. Baronen tröstar sig till exempel med att det inte finns något att förvänta sig... Jag förväntar mig ingenting! Allt redan ... var! Det är över!.. Eller Bubnov Så jag drack och jag är glad!

Men den sanna talangen för att filosofera manifesteras i Satin, en före detta telegrafanställd. Han talar om gott och ont, om samvete, om människans öde. Ibland känner vi att han är författarens språkrör, det finns ingen annan i pjäsen som kan säga det så smidigt och smart. Hans fras Man det låter stolt! blev bevingad.

Men Satin motiverar sin ståndpunkt med dessa argument. Han är ett slags bottenideolog, som motiverar dess existens. Satin predikar förakt för moraliska värderingar Och var är de ära, samvete På dina fötter, istället för stövlar kan du inte ta på dig varken heder eller samvete ... Publiken häpnar över spelare och fuskare som talar om sanningen, om rättvisa, om världens ofullkomlighet , där han själv är utstött.

Men alla dessa filosofiska sökningar av hjälten är bara en verbal duell med hans antipod i termer av världsbild, med Luke. nykter ibland brutal realism Satina ställs inför vandrarens mjuka och tillmötesgående tal. Luke fyller rumshusen med drömmar, kallar dem till tålamod. I detta avseende är han en verkligt rysk person, redo för medkänsla och ödmjukhet. Denna typ är djupt älskad av Gorkij själv. Luke får ingen nytta av det som ger människor hopp, det finns inget egenintresse i detta. Detta är hans själs behov. Forskaren av Maxim Gorkys verk, I. Novich, talade om Luke på detta sätt ... han tröstar inte från kärlek till detta liv och tro på att det är gott, utan från kapitulation till ondska, försoning med det. Till exempel försäkrar Luke Anna att en kvinna måste utstå sin mans misshandel. Ha tålamod lite till! Alla, kära, uthärda.

Efter att ha dykt upp plötsligt, lika plötsligt, försvinner Luka och avslöjar sina möjligheter i varje invånare i rummet. Hjältarna tänkte på livet, orättvisan, sitt hopplösa öde.

Endast Bubnov och Satin försonade sig med sin position som övernattningar. Bubnov skiljer sig från Sateen genom att han anser att en person är en värdelös varelse, och därför värd ett smutsigt liv.Alla människor lever ... som chips som flyter nerför floden ... bygger ett hus ... markerar bort ...

Gorkij visar att i en förbittrad och grym värld endast människor som står stadigt på fötterna, som är medvetna om sin position, som inte föraktar någonting, kan överleva. Det försvarslösa rummet inhyser Baron, som lever i det förflutna, Nastya, som ersätter livet med fantasier, går under i denna värld. Anna dör, skådespelaren lägger händerna på sig själv. Han inser plötsligt att hans dröm inte uppfylldes, det overkliga i dess genomförande. Vaska Pepel, drömmer om ett ljust liv, hamnar i fängelse.

Luka, oavsett sin vilja, blir boven i döden av dessa inte alls dåliga människor, invånarna i rumshuset behöver inte löften, men. specifika handlingar som Luke inte är kapabel till. Han försvinner, snarare flyr, vilket bevisar inkonsekvensen i hans teori, förnuftets seger över drömmen.Taco, syndare försvinner från de rättfärdigas ansikte!

Men Satin, som Luke, är inte mindre ansvarig för skådespelarens död. När allt kommer omkring, bryta drömmen om ett sjukhus för alkoholister, river Satin de sista trådarna av hopp om skådespelaren och förbinder honom med livet.

Gorkij vill visa att, bara förlita sig på sin egen styrka, kan en person komma ur botten. En person kan göra vad som helst ... om han bara vill. Men det finns inga så starka karaktärer som strävar efter frihet i pjäsen.

I verket ser vi individers tragedi, deras fysiska och andliga död. I botten förlorar människor sin människovärde tillsammans med sina efternamn och förnamn. Många rumshus har smeknamn Krivoy Zob, Tatar, Actor.

Hur förhåller sig humanisten Gorkij till verkets huvudproblem? Inser han verkligen obetydligheten hos en person, elakheten i hans intressen? Nej, författaren tror på människor inte bara starka, utan också ärliga, hårt arbetande, flitiga. En sådan person i pjäsen är låssmeden Kleshch. Han är den enda invånaren i botten som har en verklig chans till återfödelse. Kleshch är stolt över sin arbetsplats och föraktar resten av rummet. Men gradvis, under påverkan av Sateens tal om arbetets värdelöshet, tappar han självförtroendet och sänker händerna inför ödet. I det här fallet inte längre listig Luke, men frestaren Satin krossade hoppet hos en person. Det visar sig att Satin och Luka, med olika syn på livspositioner, lika driver människor till döds.

Gorky skapar realistiska karaktärer och betonar vardagliga detaljer och agerar som en lysande konstnär. En dyster, oförskämd och primitiv tillvaro fyller pjäsen med något olycksbådande, förtryckande, som förstärker känslan av overklighet av det som händer. Nosshuset, beläget under marknivå, utan solljus, påminner på något sätt betraktaren om ett helvete där människor dör.

Skräck orsakas av scenen när den döende Anna pratar med Luka. Hennes sista samtal är så att säga en bekännelse. Men samtalet avbryts av skriken från berusade spelare, en dyster fängelselåt. Det blir märkligt att inse det mänskliga livets bräcklighet, försumma det, för inte ens i dödsstunden får Anna frid.

Författarens kommentarer hjälper oss att bättre föreställa oss pjäsens hjältar. Kort och tydligt, de innehåller en beskrivning av karaktärerna, hjälper oss att avslöja några aspekter av deras karaktärer. Dessutom gissar man på en ny, dold mening i fängelselåten som introduceras i berättelsens duk. Linjerna jag vill ska vara fri, ja, va! .. Jag kan inte bryta kedjan ... de visar att bottnen ihärdigt håller sina invånare, och skyddsrummen kan inte fly från dess famn, hur mycket de än försöker.

Pjäsen är över, men Gorky ger inte ett entydigt svar på huvudfrågorna: vad är sanningen i livet och vad ska en person sträva efter, och lämnar det till oss att bestämma. Avslutningsfras Satina Eh... förstörde låten... dåren är tvetydig och får dig att tänka. Vem är dåren? Den hängda skådespelaren eller baronen som kom med nyheterna om det? Tiden går, människor förändras, men tyvärr är bottentemat fortfarande relevant idag. På grund av ekonomiska och politiska omvälvningar lämnar fler och fler människor livets botten. Varje dag fylls deras led på. Tro inte att de är förlorare. Nej, många smarta, anständiga, ärliga människor går till botten. De strävar efter att snabbt lämna detta mörkers rike, att agera för att kunna leva ett fullt liv igen. Men fattigdomen dikterar dess villkor för dem. Och gradvis förlorar en person allt sitt bästa moraliska egenskaper föredrar att lämna det åt slumpen.

Gorkij ville med pjäsen På botten bevisa att livets väsen bara är i kamp. När en person tappar hoppet, slutar drömma, tappar han tron på framtiden.

Liknande information.

Varje dramatiker drömmer om att skapa en pjäs som inte bara skulle gillas av hans samtid, utan också av kommande generationer. Endast ett verk som har någon mening, lär ut något, avslöjar samhällets obehagliga sidor och beslutar kan förbli aktuellt i många decennier.Pjäsen "Längst ner" hör till sådana verk.

Drama skriver historia

Verket av Maxim Gorky "Längst ner" publicerades 1902. Den skrevs speciellt för truppen i Moskvas offentliga konstteater. Denna pjäs har ett mycket svårt öde: hon har överlevt förbud och censur, i så många år, tvister om henne ideologiskt innehåll, konstnärlig originalitet. Dramat hyllades och kritiserades, men ingen var likgiltig för det. Skapandet av pjäsen "Längst ner" var mödosam, författaren började arbeta med den 1900 och avslutade den bara två år senare.

Gorkij uppmärksammade dramatiken i början av 1900-talet. Det var då han delade med Stanislavsky sin idé att skapa ett luffarspel, där det skulle finnas omkring två dussin karaktärer. Författaren själv visste inte vad som skulle komma ur det, han räknade inte med någon dundersuccé, han karakteriserade sitt arbete som misslyckat, med en svag intrig, förlegat.

Drama huvudkaraktärer

Historien om skapandet av pjäsen "Längst ner" är ganska prosaisk. Maxim Gorkij ville i den berätta om sina observationer av de lägre klassernas värld. TILL " tidigare människor"Författaren tillskrev inte bara invånarna i härbärgen, proletärer och vandrare, utan också representanter för intelligentian, som var besvikna på livet, som misslyckades. Det fanns också riktiga prototyper av huvudkaraktärerna.

Så berättelsen om skapandet av pjäsen "Längst ner" berättar att författaren skapade bilden av Bubnov genom att kombinera karaktärerna från en välbekant luffare och hans intellektuella lärare. kopierad från konstnären Kolosovsky-Sokolovsky, och bilden av Nastya lånades från berättelserna om Claudia Gross.

Kämpa mot censur

Mycket tid fick läggas på att få tillstånd att sätta upp pjäsen. Författaren försvarade varje replik av karaktärerna, varje rad i hans skapelse. Så småningom gavs tillstånd, men bara för Konstteatern. Historien om skapandet av pjäsen "Längst ner" var inte lätt, Gorky själv trodde inte på hans framgång, och myndigheterna tillät produktionen i hopp om ett rungande misslyckande. Men allt visade sig precis tvärtom: pjäsen var en rungande framgång, ett stort antal publikationer i tidningar ägnades åt det, författaren kallades upprepade gånger till scenen och applåderade honom stående.

Historien om skapandet av pjäsen "Längst ner" är anmärkningsvärd för det faktum att Gorky inte omedelbart beslutade om sin titel. Dramat var redan skrivet, men författaren bestämde sig inte för vad han skulle kalla det. Bland de välkända alternativen fanns följande: "Utan solen", "I doshuset", "Längst ner i livet", "Bunkhouse", "Bottom". Först på 90-talet av 1900-talet i en av teatrarna i Moskva sattes en pjäs kallad "Längst ner" upp. Hur som helst, dramat togs väl emot av publiken inte bara i Ryssland utan även utomlands. 1903 ägde premiären av pjäsen rum i Berlin. Dramat spelades 300 gånger i rad, och det tyder på en oöverträffad framgång.