Franska klassiska teatern. Klassicismens normativa poetik. Fransk klassisk teater

teaterteoretiker
klassicism, typ
konst
klassicismen i allmänhet
var Nicolas Boileau
(1636-1711).
Boileau skapades
strikt teatralisk
systemet
normativ typ.
Hans åsikter han
beskrivs i
teoretisk dikt
"Poetisk
konst" (1674).

3. Efterlevnad av lagen om tre enheter.

Scen från tragedin av P. Corneille "Sid"

läroanstalt

"Vitryska statsuniversitetet

kultur och konst"

Sammanfattning om teaterkonstens historia:

Teater för fransk klassicism. Jean-Baptiste Molière Teater»

Arbete slutfört:

Govin T.V.

4:e årselev 416A FZO

1. Den franska klassicismens början

Pierre Corneille

Jean Racine

Jean Baptiste Molière. Molières teater

Skådespelare Molière

Bibliografi

1. Den franska klassicismens början

Framväxten av den franska nationalteatern sammanfaller med bildandet av den franska nationalstaten. Medeltida politisk och ekonomisk oenighet, som förhindrade enandet av det franska folket, förhindrade också skapandet av en nationell kultur och konst. Först från andra hälften av 1400-talet bröt den kungliga makten, som förlitade sig på mellanadeln och stadsbourgeoisin, feodalherrarnas motstånd och lade grunden för en enad stat. Ludvig XI, som regerade från 1461 till 1483, fullbordade Frankrikes enande, erövrade Bourgogne och Provence och berövade herrarna rätten att behålla trupper. Under hans efterträdare Karl VIII (1483-1498) fredades de sista upproriska feodalherrarna och Bretagne annekterades, och under Ludvig XII (1498-1515) gick Frankrike, redan som en enda nationalstat, in på den internationella politikens arena med anspråk på regionerna i Italien. Kungamakten stärktes slutligen och under Frans I (1515-1547) började den redan få en absolutistisk karaktär.

Efter den lojala adeln erkände alla sociala grupper monarkens prestige: bönderna och hantverkarna stödde kungarna och såg i dem skydd från feodalt godtycke; bourgeoisin kände tydligt den centraliserade maktens överlägsenhet över splittrad makt; Herrarna såg i praktiken det meningslösa i deras fiendskap med de starkaste av feodalherrarna och förvandlades från självständiga riddare till oberäkneliga hovmän. Och sedan Franciskus I slutit ett konkordat med påven Leo X, i kraft av vilket den franske kungen blev den franska kyrkans överhuvud, underkastade sig även prästerskapet kunglig auktoritet. Som hovmännen sa, "un roi, une loi et une foi" (en kung, en lag och en tro) regerade i landet.

Den absoluta monarkin, som förkroppsligar idén om nationen, tog under sitt skydd den nationella civilisationens sak. För att förstöra feodalt och kyrkligt oberoende, var kunglig makt tvungen att bekämpa sina motståndares ideologi. Feodalismens religiösa asketiska världsbild motarbetades av den livsälskande epikurismen, som samtidigt påverkade hovlivet, filosofisk forskning och konsten.

En hög nationell kultur, enligt humanister, kunde bara uppstå genom imitation av de gamla. Men antikens imitation förde inte konstnärer bort från nutiden. Efter den gamla traditionen uppskattades humanistiska poeter mycket offentlig roll konst.

Den första offentliga uppsättningen av en klassicistisk pjäs i Frankrike är från det olyckliga år då passionens brödraskap förbjöds att presentera mysterierna. År 1548, i staden Lyon, för att hedra kung Henrik II:s kröning, spelade italienska skådespelare komedin av kardinal Bibbiena "Calandro" - baserat på motivet till Plavtovs "Menechms". Och bara fyra år senare, 1552, gavs den första franska föreställningen av den nya, klassicistiska riktningen. I byggnaden av högskolan, i närvaro av kungen, spelade unga vetenskapsmän tragedin "Cleopatra", skriven av eleven vid högskolan, Etienne Jodel. Föreställningen blev en fullständig succé, salen var fullsatt. En av åskådarna skrev till sig själv i sin dagbok: "Alla fönster var prickade med otaliga ädla personer, och gården var så full av skolbarn att alla dörrar till kollegiet sprängdes ur dem." Efter presentationen av tragedin, där den unga författaren själv spelade rollen som den egyptiska drottningen, tilldelades Jodel kungligt beröm och fick en gåva på 500 guldkronor.

Skolbarn Jean Batier och Charles Tutin, som en gång deltog i Jodels Cleopatra, följde snart exemplet från sin berömda vän och skrev - den första Medea och den andra Agamemnon verk med samma namn Seneca.

Deras verksamhet var av progressiv betydelse för utvecklingen av teaterkonsten. Klassicismen befriade dramatisk konst från den religiösa världsbilden och mysteriehjältar lika mycket som från obscena intrigar och farsartade karaktärer. Mystik och fars förklarades barbariets avkomma. Endast det som motsvarade gamla förebilder erkändes som konst. Kriteriet för konstnärskap var mycket snävt: ett verks värdighet bestämdes nu inte av dess populära framgång, utan av bedömningen av vetenskapliga experter i antiken.

Klasshierarkin återspeglades också i genrernas hierarki. Enligt traditionell estetik var komedi i klassisk konst en genre av lägre ordning än tragedi. Per bild Vardagsliv och vanliga människor, hon hade ingen rätt att beröra frågor av hög ideologi och skildra höga passioner. Tragedi, å andra sidan, var inte tänkt att beröra vardagliga ämnen och släppa in människor av lågt ursprung i dess gränser, men i dess efterföljande utveckling präglades klassicismen av framväxten av high comedy, den mest demokratiska och vitalt autentiska genren av klassicism . I Molieres verk kombinerade "högkomedin" folkfarsens traditioner med linjen av humanistisk dramaturgi.

Den klassicistiska estetikens viktigaste bedrift var lagen om handlingens enhet, lånad av lärda humanister från Aristoteles Poetik. Lagen om handlingens enhet förstörde en gång för alla den meningslösa upphopningen av teman i dramatisk konst och underordnade handlingen en enda ideologisk design. Handlingen utarmades av yttre händelser, men å andra sidan fick den ett inre mönster och började utvecklas i linje med karaktärernas personliga erfarenheter.

Till den aristoteliska lagen om handlingens enhet lade humanisterna, efter italienarna, ytterligare en lag om enhetens plats och tidpunkt för handling. De la Taille skrev: "Man måste alltid presentera en berättelse eller handling på samma dag, vid samma tidpunkt och på samma plats."

Alla tre enhetslagarna, trots sin yttre pedanteri, skapades i syfte att uppnå en absolut likhet mellan liv och konst.

Med många användbara och obestridliga bestämmelser skyddade klassicismens normativa estetik teatern från verklighetens mångfald, berövade konstnärer tron ​​på sina omedelbara känslor, jämnade ut dem och gjorde ofta kreativitet till ett pedantiskt hantverk. Som ett resultat av allt detta triumferade förnuftet, men poesin växte. Och konsten visade sig vara fristående från folket.

Detta dödfödda drama kunde förstås inte fängsla publiken. Som redan nämnts visades klassikernas verk sällan på scenen, och alltid i en smal krets av amatörer.

Ett sådant öde drabbade även de mest begåvade företrädarna för den klassicistiska teatern på 1500-talet - Garnier och Larive.

Den franska klassicismens mest kända tragiska poeter är Corneille och Racine. Det är med dessa namn som utvecklingen av genren klassisk tragedi hänger ihop. När det gäller verk av Molière, som är de mest älskade klassiska komedierna i dramatikerns hemland, har de bevarats i 300 år och finns på repertoaren på nästan alla teatrar i världen.

2. Pierre Corneille

Pierre Corneille var skaparen av en ny typ av heroisk tragedi, som mest fullständigt uttryckte århundradets humanistiska ideal och förkroppsligade de estetiska normerna för den höga genren klassicistisk dramaturgi. Corneilles tragedi The Cid, skriven 1636, markerade en viktig milstolpe i den franska teaterns historia: genren klassicistisk tragedi hittades. Klassicismen inom dramaturgi och teater håller nu på att bli den dominerande stiltrend, som kommer att underordna den franska teatern under det efterföljande 1700-talet dess inflytande. Och det kommer att påverka utvecklingen av dramatisk och scenisk kreativitet i andra europeiska länder.

Corneille föddes i Rouen i en byråkratisk familj och tog en juristexamen, men praktiserade nästan aldrig som advokat. Från ung ålder var han förtjust i poesi, 1629 skrev han en lyrisk komedi på vers, Melita, som gillade den berömda skådespelaren Mondori, som var på turné i Rouen, och sattes upp av honom på Parisscenen. Från denna betydelsefulla händelse för den unge författaren börjar hans dramatiska verksamhet.

Efter att ha flyttat till Paris, skriver Corneille komedier och tragikomedier efter varandra och introducerar livfulla bilder av vardagslivet och genuint drama. Richelieu blev själv intresserad av dramatikern och erbjuder sig att ansluta sig till den grupp av författare som hjälpte kardinalen att genomföra sina litterära planer relaterade till stärkandet av absolutismens ideologi. Men Corneilles arbete passade inte in i ramarna för politiska krav.

1634 skapade Corneille tragedin "Sid", och överförde pjäsen till sin vän Mondori för iscensättning. Vintersäsongen 1636-1637 hade teatern premiär på teatern Marais. Pjäsen blev en fenomenal succé. Mondoret skrev till sin vän: "Mängden vid dörrarna till vår teater var så stor, och dess lokaler visade sig vara så små, att scenens bakgator, som vanligtvis fungerade som nischer för sidor, verkade vara platser för ära för "blå band", och hela scenen var dekorerad med kors. Ordensriddare."

I riktning mot Richelieu övervägdes tragedin "Sid" av den franska akademin. Akademiker sa att Corneille hade brutit mot alla enhetslagar.

Fördömandet av Cid påverkade Corneilles senare arbete. Tragedin "Horace", skapad av honom 1640, skrevs redan i strikt överensstämmelse med alla klassicistiska regler, och dess idé var av en ljust patriotisk natur.

Med tiden blev Corneilles tragedier mer statiska. De förlorade sin dramatiska passion och förvandlades till moraliska avhandlingar på vers. "Theodora", "Heraclius" gick med nedlänk, vilket ledde Corneille till den ödesdigra tragedin "Pertarit", som uppenbarligen misslyckades 1652, och till ett antal efterföljande misslyckade verk.

Gamle Corneille försökte förgäves behålla sin tidigare plats i teaterlivet; hans principer var redan förfallna, men han ville inte och kunde inte lära sig nya. Han överfölls av en känsla av förvirring. Mästerskapet gick över till den unge Racine.

3. Jean Racine

Det andra steget i utvecklingen av genren av klassisk tragedi är förknippat med namnet Jean Racine, som berikade denna genre med djupa etiska frågor och den mest subtila psykologiska beskrivningen av karaktärerna. Racine kontrasterade Corneilles effektiva energi och retoriska majestät, bilden av människans inre liv. Handlingarna i tragedierna är mycket enkla och nära familje- och personliga relationer mellan människor.

Jean Racine föddes i Le Fort-Milon, son till en regional åklagare. Inte ens ett år hade gått sedan pojkens födelse, när hans mamma dog, och när han var tre år gammal, förlorade han också sin pappa. Vid tio års ålder placerades pojken på college i staden Beauvais, och vid sjutton års ålder gick han in på Jansenistskolan i Port-Royal-klostret.

En livlig, frihetsälskande natur, en tidig passion för antik poesi, redan i hans ungdom, bestämde Racines benägenhet till litterär kreativitet och kärlek till teatern.

Racine flyttar till Paris, där han studerar i klassen logik vid College d'Acourt och debuterar framgångsrikt inom poesiområdet genom att skriva oden "Nymph of the Seine" för en hovfest. Märkt med kunglig nåd, är Racine antagen till Versailles hov, som på den tiden var citadellet för den nationella konsten.

I Paris träffar Racine Boileau, Lafontaine och Molière och skriver på hans råd sin första tragedi - Thebaid, sedan Alexander den store, men tiden för lärlingsutbildning och godhjärtat var på väg mot sitt slut. Racine skriver tragedin "Andromache", som redan agerar som en oberoende artist, kapabel till en levande gestaltning av karaktärer och ett djupt avslöjande av ett socialt tema. Sedan skriver han tragedin Britannica, Bayazet, Mithridates. Racines storhet och originalitet ligger i det faktum att han lyfter familjeteman till en så tragisk höjd och integritet att de återspeglar de väsentliga aspekterna av modern offentligt liv. Ett exempel på detta är tragedin "Phaedra".

I "Phaedra" nådde Racines poetiska talang sin höjdpunkt. Men i det ögonblicket gav poetens avundsjuka människor honom ett förkrossande slag: hertiginnan av Bouillon, som förenade Racines avundsjuka folk, uppnådde Phaedras misslyckande genom att köpa upp de flesta biljetter till föreställningarna. Efter det lämnade Racine teatern länge.

På Madame de Maintenons insisterande skrev han tragedin "Esther", och sedan "Athalia". Ludvig 14 var missnöjd med "Hofalia", och snart föll poeten äntligen i unåde på grund av en anteckning han hade sammanställt om nationella katastrofer. Efter "Athalia" levde Racine i ytterligare åtta år, men han skrev inget annat.

4. Jean Baptiste Molière (Poquelin). Molières teater

I teaterns historia tilldelas Molière rollen som den stora reformatorn av komedin. Han gav genren ett djupt socialt innehåll, ett satiriskt fokus och en levande teatral form.

Jean-Baptiste Poquelin, som tog pseudonymen Molière, föddes i familjen till en kunglig tapetserare, vars position öppnade tillträde till hovet. I Clermont College fick Jean Baptiste en utmärkt utbildning, läste antika romerska författare i originalet, översatte till franska dikten av den forntida poet-tänkaren Lucretius Cara "On the Nature of Things". På faderns insisterande klarar han provet vid University of Orleans för rätten att praktisera som advokat, men hans intresse för litteratur och teater visade sig vara avgörande. I början av 1643 tar Jean Baptiste ett desperat steg: han avsäger sig officiellt den ärftliga titeln kunglig tapetserare till förmån för sin yngre bror: han "kan inte motstå det passionerade suget efter scenen", skriver konsthistorikern E.N. Shevyakova, "lämnar house, yrket som advokat, domstolstjänst, för han vet redan att teatern är "i hans blod", och för att vara lycklig måste han stå på scen. Och teatern blir hans öde. Han kommer nära familjen till komikerna Bezharov, förälskad i den vackra Madeleine Bejart, redan en välkänd skådespelerska vid den tiden, som i många år kommer att bli för honom både en älskare och en vän i vandringar, och en liknande- sinnade person, och en rådgivare, och en skådespelerska i hans trupp, vars död kommer att vara fruktansvärd, ett slag för honom, och han kommer att avlida exakt ett år efter Madeleines död, samma dag - den 17 februari ...

Men innan dess finns det fortfarande trettio år - glädje, kamp, ​​kreativitet, trettio år av att tjäna den ende Guden - TEATER. Döden är gjuten!" Efter att ha skapat vad de kallade Théâtre Brilliant, debuterade truppen, som inkluderade Jean Baptiste Poquelin, i Paris 1644 och spelade mestadels tragedier. Det var då som pseudonymen "Molière" dök upp – för att inte vanära faderns namn på scenen (vem minns nu Poquelin?). Teatern brinner dock ut och efter bara ett och ett halvt år av turnén hamnar Molière i ett gäldenärsfängelse. En del av skulden betalades av pappan, den andra delen betalades av genom att sälja kostymerna och Molières trupp åkte runt i Frankrike som gatukomiker. De var framgångsrika, och redan då stod Moliere ut med sitt spel. Här är vad som noterades i en av den tidens recensioner: "Han var en skådespelare från topp till tå. Han verkade ha flera röster. Allt talade till honom. Med ett steg, med ett leende, med en blick, med en nickning av huvudet, sa han mer än vad världens största pratare kunde säga på en timme.

Hösten 1658 gick Molière och hans skådespelare in i huvudstaden med rädsla och hopp. Förmodligen, inte utan hjälp av truppens höga beskyddare, prins Conti, lyckades Molière tala inför Ludvig XIV själv. Den 24 oktober 1658, i Louvrens vaktsal, visade ambulerande provinskomiker kungen och hovmännen Corneilles tragedi Nycomede. De flesta av publiken gillade de kvinnliga rollerna, men i allmänhet förblev salen kall. Då bad Molière kungens tillåtelse att ge ett av hans små divertissement, vilket gjorde honom en del berömmelse och förde bort provinserna. Kungen gick nådigt med och skådespelarna spelade ut farsen "Doctor in Love" med smittande glädje. Louis och hovet var helt fascinerade av provinsialernas spel, och truppens öde avgjordes: kungen försåg Moliere med den gamla Petit Bourbon-teatern, utsåg en årlig pension på 1 500 livres, och kungens bror lät truppen bär hans namn.

King's Brother-truppen började spela på Petit Bourbon tre gånger i veckan - på måndagar, onsdagar och lördagar, och italienare uppträdde på torsdag och söndag. Den första säsongen gick blekt: skådespelarna, som om de var rädda för att smutsa ner de majestätiska valven i palatshallen med sina lätta skämt och tro att provinsen var olämplig i huvudstaden, spelade envist tragedier. Moliere själv skrev ingenting, han var upptagen med att organisera teateraffärer - han besökte inflytelserika människor, gjorde nödvändiga bekantskaper och valde ut nya skådespelare. Förutom Jodle bjöds den unga Lagrange in till truppen för de första rollerna. Efter att ha avslutat med affärsproblem, tog teaterchefen äntligen upp pennan och skrev "Funny Pretenders". Hela Paris gick till komedin. Och gruppen Petit Bourbon kom omedelbart i förgrunden, och dess huvud blev berömmelse som en begåvad dramatisk författare.

Genom att förlöjliga falska människor kunde Molière naturligtvis inte undgå att nämna den falska, från hans synpunkt, teaterkonsten, förlöjliga högsamhällets seder och konst.

Allmänheten gillade också "The Imaginary Cuckold", en komedi som hölls trettiofyra gånger i rad. Teatern gick bra, men Molières fiender slumrade inte till. På deras initiativ, högst på säsongen - den 11 oktober 1668 - fördrevs Molière-truppen plötsligt från sina lokaler, under förevändning att det beslutades att riva Petit Bourbon-byggnaden, eftersom en palatskolonnad skulle installeras på denna. webbplats. Skådespelarna tvingades lämna så snabbt att de inte ens hann ta med sig sceneriet, som, inte utan inflytande från samma fiender till Molière-teatern, hänsynslöst förstördes.

Men det var inte för inte som Molière redan hade bjudits in nio gånger till kungen för att roa honom när han spelade Sganarelle. Så snart den älskade skådespelaren berättade för sin beskyddare om det problem som hade hänt, beordrade Louis att förse Molière-truppen med hallen i Palais Cardinal Palace, som Richelieu testamenterade till kungafamiljen. Det döptes redan då om till Palais Royal. Det var tillåtet att reparera teatern på kunglig bekostnad.

Och tre månader senare, runt om i staden, bredvid de röda affischerna på Burgundy Hotel, klistrades återigen gröna Molière-affischer, som rapporterade att den 20 januari 1661, med pjäserna Kärleksförargelse och Den imaginära hanen, återupptas kungens brorsteater. sin säsong i Palais Royal-byggnaden.

Efter att ha erövrat de envisa parisarna, bestämde sig Moliere igen, som i sin ungdom, för att försöka sig på en seriös genre. Han skrev tragikomedien "Don Garcia av Navarra, eller den svartsjuke prinsen" och åtog sig att utföra det heroiska ledande roll. Resultatet av detta experiment var ett misslyckande, från vilket dramatikern drog den enda korrekta slutsatsen: han förstod behovet av att överföra moraliska problem från sfären av abstrakta teatraliska karaktärer till vanliga människors värld.

Molières komedier fick mer och mer offentlig genklang. Sinnena var särskilt upphetsade den 26 december 1662, dagen för premiären av The School for Wives. Teatern var full. Komedin gladde stånden och väckte indignation bland besökarna i boxarna. Den officiella moralen kränktes i komedin på det mest monstruösa sätt - förräderi upphöjdes till en dygd. Molière skrev om intrycket av hans nya komedi på det sekulära samhället: ”Folk fördömde först denna nya komedi; men på föreställningen skrattade alla, och hur illa de än säger om henne, så har hon fortfarande en sådan framgång som gör mig helt nöjd.

På hotellet i Bourgogne, i litterära salonger, i aristokratiska församlingar, bland de ärevördiga fäderna i staden och prästerskapet, fördömdes Moliere överallt och överallt, kallade honom en moralisk korrumperare och en man med dålig smak, men kriteriet för konstnärlig sanning för Moliere var konstens motsvarighet inte till pedantiska regler, utan till verkligheten. Molière såg syftet med sina komedier i sanningsenlig skildring och satirisk bevakning. modernt liv. För dramatikern var det obestridligt att ett verks förtjänster inte skulle bedömas efter dess överensstämmelse med teorins föreskrifter, utan efter publikens direkta intryck och av sunt förnufts bedömningar.

Molières prestige vid hovet steg varje år. Kyrkorna har ännu inte slutat att förbanna Molière för hans "Tartuffe", och den lysande satirikern under fastan 1664 visade redan parisarna en ny "djävulens varelse" - den gudlösa komedin "Don Juan, eller sten gäst».

Moliere ägnade hela sitt arbete åt att avslöja det onaturliga i den sociala ordningen, baserad på makten hos klassmakt och privat egendom. I var och en av hans komedier visade han vissa deformiteter som uppstår av en av dessa anledningar. Moliere, som analyserade det moderna livet och sedvänjorna, bedömde dem kritiskt ur naturens synvinkel, som han representerade, liksom alla stora humanister, i form av en konsonant kombination av personliga passioner och offentlig moral.

Kyrkan förbjöd begravningen av författaren till "Tartuffe": på sin dödsbädd avsade han sig inte sin övertygelse och avstod inte från sitt hantverk. Efter ihärdiga ansträngningar tillät kungen begravningen av sitt husdjur på kyrkogården, men i hemlighet och utan procession. På natten, i det dunkla ljuset av facklor, bar skådespelarna ut lärarens kropp ur huset, och en tusentals skara människor, som i hemlighet samlades framför huset på Rue de Richelieu, vajade i mörkret och blottade deras huvuden...

Efter teaterchefens död försämrades truppens angelägenheter till en början kraftigt. Molières bästa elev, baronen, flyttade tillsammans med Beauvals till Burgundy Hotel, och den smarta kompositören Lully övertalade, efter många års intriger, slutligen Ludvig XIV att ge honom Petit Bourbon-teatern för operaföreställningar.

Molières skådespelare lyckades knappast bosätta sig i den nya teaterbyggnaden på Rue Genego. Efter en tid överförde kungen även skådespelare från Marais-teatern hit. Lagrange, som blev chef för den nya truppen, ledde verksamheten energiskt. Genego-teatern hade utmärkt maskineri, och här började de visa förtrollande föreställningar som T. Corneilles Circe. Teaterkampen återupptogs igen. Som ett svar på baronens lockelse lockade Lagrange skådespelerskan Chanmelé ut från Burgundy Hotel.

Men kungen såg inte längre behovet av att det fanns två teatrar som liknade varandra, och den 18 augusti 1680 utfärdade han ett dekret om sammanslagning av Burgundy-hotellet och teatern på Rue Genego till en enda kunglig trupp, som , för att undvika all konkurrens, fick monopolprivilegier för att sätta upp föreställningar i Paris.

Så här skapades Com-teatern. edie Francaise ( fransk komedi)

5. Skådespelare Molière

"Den här mannen hade turen att känna sin ålder och sina skådespelare"

Skådespelare för Moliere var den levande förkroppsligandet av hans litterära idéer, och därför måste de vara hans sanna likasinnade. Om Moliere själv såg huvudkällan till kreativitet i observationer av den vardagliga verkligheten, krävde han också detsamma från skådespelaren. I den redan nämnda satirkomedin de Vise berättades om Molières vana att hålla ett öga på omgivningen. En av samtalspartnerna sa att han såg Elomire (dvs. Moliere) i en tillverkningsbutik när han tittade på ädla köpare. "Utifrån hans ögons uttryck", säger ett ögonvittne, "kan man bestämma sig för att han försökte tränga in i djupet av deras själar." Genast gissningar gjordes att författaren hade en anteckningsbok gömd i sin regnrock, i vilken han skrev in karaktäristiska uttryck och till och med "skissade grimaser för att skildra dem i deras naturliga form i sin teater". Men om boken inte fanns, var samtalspartnerna säkra på att Molière "fångar allt som ses i hans fantasi", och kom till slutsatsen att denna komiker är en farlig person: "Det finns människor som skickligt arbetar med sina händer, men en kan säga om honom att han skickligt arbetar med ögon och öron. Ett sådant erkännande av fiender för Molière var en stor komplimang. Han gjorde verkligen ett utmärkt jobb med "ögon och öron" och lärde outtröttligt ut denna komplexa konst till sina skådespelare.

Molière var sträng och krävande mot sina skådespelare, han hävdade ett i grunden nytt system för scenspel och var tvungen att ihärdigt söka tillgodogöra sig dessa nya idéer. Molieres styrka låg förstås inte i hårda tillrop, utan i den uppriktiga kärlek som truppen hade till sin regissör. "Alla skådespelare," skrev Lagrange, "älskade sin ledare, som med extraordinära dygder och förmågor kombinerade ärlighet och attraktiv behandling."

Men denne vise och känsliga man förlorade all självbehärskning och blev helt galen när han såg förvrängningen av sina konstnärliga principer.

En gång, vid en föreställning av Tartuffe, skrek Moliere, som pratade med skådespelaren Chanmelé i hans omklädningsrum, bredvid scenen, plötsligt: ​​”Hund! Bödel!" Chanmele trodde att han var galen och tittade på honom, förvånad. Moliere märkte detta och bad om ursäkt och sa: "Var inte förvånad över min häftighet, jag hörde en av skådespelarna recitera fyra verser från min pjäs på ett patetiskt och bedrägligt sätt, och jag kan inte stå ut med det när mina barn behandlas illa utan att lida, som från järntortyr.

Att studera människotyper, hitta dem svagheter- detta är hemligheten med att skapa sanningsenliga satiriska bilder. I motsats till tragiska skådespelares abstrakta karaktärer och commedia dell "arte-skådespelares monotona psykologiska scheman, hävdade Molière principen att gestalta typiska vardagliga karaktärer. Han krävde att skådespelarna inte skulle följa scenens kanoniska regler, utan tränga in i själen. Molière sa till skådespelarna: "Gräv ner i essensen av dina roller och föreställ dig att du är samma person som du föreställer dig." Regissören förklarade mest resolut för skådespelarna innebörden av rollerna de spelade.

Men Moliere begränsade sig inte till några preliminära förklaringar, han slutade inte instruera sina skådespelare, och under allt vidare arbete med rollen. Han stoppade repetitioner, förklarade karaktärer, situationer och individuella detaljer gång på gång, krävde en förändring i ton eller gång, parodierade misstag, skällde ut de försumliga och slutade med att klättra upp på scenen och visa sig. Vid repetitioner arbetade regissören outtröttligt, eftersom han visste att allt dramatikerns arbete skulle bära frukt först när ridån gick upp och publiken såg föreställningen.

Molière-truppen var det första enade konstnärliga organet i den franska teaterns historia. Den uppstod från amatörernas kreativa gemenskap och varade i tjugonio år och upprätthöll de konstnärliga åskådningarnas enhet. Snäv specialisering i vissa roller ersattes av en mer flexibel konst av scenisk reinkarnation.

Molière skapade en helt ny typ av skådespelare och var själv det mest framstående exemplet på denna nya typ.

Molières ord:

Man bör resonera om sakers väsen, och inte om ord; tvister orsakas mest av ömsesidigt missförstånd, av att samma ord betyder motsatta begrepp.

De mest briljanta avhandlingarna om moral har ofta mycket mindre genomslagskraft än satir ... Genom att utsätta laster för universellt förlöjligande utsätter vi dem för ett förkrossande slag.

För dem som följer himlens föreskrifter har andra skäl liten vikt.

molière teaterklassicism

Bibliografi

1. Utländsk teaters historia. Del 1. Västeuropas teater från antiken till upplysningen: Handledning för kult - röjning. och teater. Skolor och kulturinstitut / Ed. G.N. Boyadzhieva, A.G. Exemplariskt - 2:a uppl. , reviderad och ytterligare - M.; Upplysningen, 1981.-336s., ill.

1. Franska klassicismens teater. Generella egenskaper.

2. Kreativiteten hos Corneille, Racine, Molière.

3. Upplysningens teater. Generella egenskaper.

4. Engelsk teater av XVII-talet.

5. Franska upplysningsteatern. Beaumarchais.

6. Italiensk teater. Gozzi och Goldoni.

7. Tyska upplysningens teater. Lessing, Goethe, Schiller.

INTRODUKTION

TEATER FÖR FRANSK KLASSICISM TILL ANDRA HALVAN AV 1600-TALET tog en ledande plats inom den europeiska teaterkonsten. Påståendet om klassicism är förknippat med skapandet av tragedierna av Corneille och Racine och "högkomedin" av Molière, och sammanföll i tiden med krisen, och sedan den fullständiga nedgången av renässansrealismens teater.

Den feodala katolska reaktionen i Italien och Spanien berövade teaterkonsten i dessa länder dess tidigare betydelse, och den puritanska revolutionen i England förbjöd genom en särskild lag alla typer av teaterföreställningar.

Stabiliseringen av det sociala livet i samband med upprättandet av ett system av absolutism börjar i Frankrike från Henrik IV:s tid och får sin slutgiltiga, stabila form under åren av Ludvig XIII:s regering (1610-1643; makten vid den tiden var i händerna på kardinal Richelieu) och Ludvig XIV (1643-1715).

Klassicismens estetik baserades på principen om "förädlad natur" och återspeglade önskan om idealisering av verkligheten, vägran att reproducera flerfärgad verkliga livet. Den viktigaste länken som förband klassicismen med den mogna renässansens konst var återkomsten av en stark, aktiv hjälte till den moderna scenen. Denna hjälte hade ett bestämt livsmål: han var tvungen att, uppfylla sin plikt mot staten, underordna sina personliga passioner förnuftet, vilket styrde hans vilja att iaktta moral. Kämpar för sitt mål, tjänar hjälten en gemensam idé, skapar en viss moralisk kod, som ligger till grund för den klassicistiska tragedin. Kampen för personlig värdighet, för sin heder i vid mening sammanfaller med kampen för nationens värdighet, för dess frihet. Den klassiska konstens humanistiska grund förknippades med ett socialt system som objektivt bidrog till att återupprätta och utveckla den sociala etiken, uppfattad i bred, nationell bemärkelse.

Således införde den klassicistiska tragedin i det allmänna medvetandet både tro på idealet och oro för det. Men detta ideals abstrakta natur gjorde det möjligt att anpassa klassicismen till en absolutistisk stats ideologiska krav. Som ett resultat förlorade klassicismen sin demokrati och aristokratiska drag dök upp i dess stil.

Sublimt, poetiskt tal av en viss poetisk storlek (det sk Alexandrisk vers). Tragedins hjältar var kejsare, generaler, framstående politiska figurer, bärare av statsidéer, talesmän för höga passioner och tankar.

Enligt traditionell estetik var komedi i klassisk konst en genre av lägre ordning än tragedi. Designad för att skildra vardagslivet och vanliga människor, hade hon ingen rätt att beröra frågor av hög ideologi och skildra höga passioner. Tragedin var inte tänkt att beröra vardagliga ämnen och låta människor av låg börd komma in i sina gränser. Klasshierarkin återspeglades alltså i genrernas hierarki.

Men i dess efterföljande utveckling präglades klassicismen av uppkomsten hög komedi - Klassicismens mest demokratiska och vitalt autentiska genre.

I Molieres verk kombinerade "högkomedin" folkfarsens traditioner med linjen av humanistisk dramaturgi. Kraften i Molieres komedi låg i en direkt vädjan till samtiden, i den skoningslösa avslöjandet av dess sociala missbildningar, i det djupa avslöjandet av tidens huvudsakliga motsättningar, i skapandet av livfulla satirtyper som förkroppsligar den samtida dramatikerns laster. av det ädla-borgerliga samhället.

Genom komedi, sunt förnuft, moralisk hälsa, outtömlig kraft - dessa eviga krafter hos de demokratiska massorna - gick de in i en aktiv social kamp.

Klassicismen fick sin mest fullständiga estetiska motivering i en poetisk avhandling Nicolas Boileau "Poetisk konst" (1674).

Klassicistisk estetik, som mycket tack vare Aristoteles och Horaces teoretiska åsikter, var av normativ karaktär: den höll sig strikt till uppdelningen i genrer (de huvudsakliga var tragedi och komedi), och krävde att lagen om "tre enheter" skulle observerade. Lagen om handlingens enhet förbjöd den minsta avvikelse av handlingen från huvudhändelsens linje; enligt lagen om tidens enhet och platsens enhet måste allt som händer i pjäsen passa in i en dag och utspela sig på samma plats. Förutsättningarna för den klassicistiska tragedins och komedins konstnärliga fulländning ansågs vara en holistisk komposition och soliditet i karaktäriseringen av karaktärerna – talesmännen för en viss och uttalad passion.

Bakom den franska klassicismens tragiska poeter Corneille och Racine fram till våra dagar har den mest hedervärda platsen på nationalteaterns scen fixats. När det gäller skapelser Molière sedan, eftersom de är de mest älskade klassiska komedierna i dramatikerns hemland, har de bevarats i trehundra år och på repertoaren på nästan alla teatrar i världen.

Inom teaterkonsten bidrog klassicismen till ett djupare avslöjande av idén dramatiskt arbete , att övervinna överdriften i skildringen av känslor, karakteristisk för den medeltida teatern. Förmågan att utföra den klassicistiska tragedin, höjd till höjden av genuin konst, lydde de estetiska principer som följde av den klassicistiska estetiken hos N. Boileau. Den rationalistiska metoden, medvetet arbete med rollen blir huvudvillkoret för skådespelarnas kreativitet. Skådespelaren i tragedin var tvungen att känslomässigt uttrycksfullt recitera poesi, utan att försöka skapa illusionen av hjältens sanna upplevelser. Men i skådespelarkonsten manifesterades en motsättning som är karakteristisk för klassicismen - principen om att vända sig till naturen, förnuftet, sanningen begränsades av domstolens normer, aristokratisk smak. Den klassicistiska föreställningen som helhet kännetecknades av pompa, statisk, skådespelarna agerade mot bakgrund av landskap utan historisk och vardaglig konkretitet (till exempel ett palats efter behag). Påståendet om klassicismen i skådespelarkonsten är förknippat med de franska skådespelarna Mondori, Floridor, T. Duparc och M. Chanmelet. På 1700-talet Upplysningsklassicismen uttrycktes i verk av A. Leken, I. Cleron, M. Dumesnil. Deras etiska och medborgerliga patos övervann hovklassicismens salongsförfining. Klassicismens demokratiska tendenser manifesterades tydligast i Molières scenpraktik. Under den franska revolutionen gav progressiva teatergestalter, främst F. J. Talma, klassicismen ett nytt revolutionärt-heroiskt ljud. Fransk klassicism 17-18 århundraden. påverkade teatern i andra europeiska länder; dess största representanter är Neuber i Tyskland, T. Betterton, J. Kemble i England. En levande manifestation av klassicismen i Frankrikes teater är E. Rachels verk. På 1800-talet Klassicismens estetiska normer återspeglades i föreställningarna av teatern Comedie Francaise och i föreställningarna av J. Mounet-Sully, Sarah Bernhardt och andra skådespelare. På 1600-talet, när kungamakten stärktes i en rad europeiska länder, klassicismen blev den ledande trenden inom konsten. Denna riktning manifesterades tydligast i genren tragedi, vars främsta skapare var de franska författarna Corneille (1606-1684) och Racine (1639-1690). I klassicismens tragedi observerades "tre enheter": handlingens enhet, plats och tid. Under hela föreställningen förändrades inte sceneriet och handlingen utspelade sig på en dag. När Corneille i tragedin "The Sid" försökte förlänga handlingen till 36 timmar, fördömdes han av akademin för detta. I Paris hölls föreställningar i kungens palats och i danssalen på Burgundy Hotel. Föreställningar för folket på den tiden hölls på stadens torg och mässmarknader. Framträdandet i det kungliga palatset var särskilt pompöst. Kungen själv ockuperade tronen framför scenen. Lämpliga personer satt i närheten, och ambassadörer bakom. Nästa var hovmännen och den inbjudna adeln. På stadsteatrarna stod publiken i stånden, och adeln var placerad på sidorna av själva scenen, där bänkar placerades för den. Detta hämmade skådespelarna, begränsade deras rörelser på scenen. Handlingen spelades framför scenen, mot bakgrund av landskapet, vanligtvis föreställande ett palats. Teaterkostymer gjordes enligt modellen av "romerska kläder". Klassicismens tragedi var den första dramatiska formen som bekräftade idén om en persons plikt mot samhället och staten. Även kungen själv i dessa tragedier var skyldig att lyda lagen, tjäna statens och folkets intressen och inte tillgodose hans nycker. Föreställningarna kännetecknades av pompös upprymdhet. Skådespelarna skanderade sina roller. Allt detta gav upphov till ett motsvarande rationellt, utan varje vardagligt färgande sätt att agera. Men klassicismens teater präglades inte bara av negativa aspekter. I tragedierna väcktes viktiga moraliska frågor, starka framstående karaktärer visades. Den nya skolan för tragiskt skådespeleri, som först dök upp i Frankrike, påverkade teatrarna i andra europeiska länder. Det fanns mer vitalitet i komedin från denna era, traditionerna från renässansteatern bevarades. Därför spelade skådespelarna med Molieres komedier med mycket större sanningsenlighet. I början av 1700-talet intensifierades kampen för "det tredje ståndet", som den förstärkta borgerliga klassen då kallades, mot de feodaltrogna ordnarna och deras försvarare - kyrkan. Genom att tala mot grunderna för feodalism och religiösa fördomar, lade borgerliga ideologer fram idén om att upplysa sina folk i en anda av deras förståelse av medborgerlig plikt. För detta började de kallas upplysningsmän, och århundradet för deras verksamhet, som slutade med den stora franska revolutionen, kallades upplysningen. Publiken av teatrar på 1700-talet blev mycket mer demokratisk. I parterren installerades enkla bänkar för stadsborna. Raek var fylld av tjänare, studenter och små hantverkare. Under föreställningarna var publiken mycket aktiv och reagerade livligt på det som visades på scenen. Upplysningsfilosofer på 1700-talet försökte göra teatern till ett instrument för politiskt och estetiskt inflytande på folket, till en skola för deras kärlek till frihet. De försökte ingjuta i publiken en känsla av medborgarskap, intolerans mot feodala seder och ordnar. En enastående roll i skapandet av upplysningarnas teater spelades av författare, dramatiker och teaterteoretiker - Voltaire och Diderot. Genom att skapa en ny repertoar och innovativa principer för scenkonst, kontrasterade de dem med klassicismens högsamhällesteater, avskuren från folket. Tack vare Frankrikes upplysare utvecklades en ny borgerligt-demokratisk teater. Hans kännetecken det fanns en skarp formulering av sociala frågor, kritik av den förlegade feodala regimen. I Frankrike fortsatte filosof-pedagogen Voltaire, som i sin dramaturgi tog upp brinnande sociala frågor och fördömde despotism, att utveckla genren tragedi. Samtidigt upprätthölls den komedi-satiriska traditionen på den franska scenen. Så, Lesage (1668-1747) i komedin "Turcare" kritiserade inte bara den förfallande adeln, utan också den ockerrika bourgeoisin. Han strävade efter att skapa komedier för massfolkteatern. En annan pedagog och dramatiker, Denis Diderot (1713-1784), försvarade sanning och naturlighet på scenen. Förutom ett antal pjäser ("Dålig son", "Familjens fader", etc.), skrev Diderot en avhandling "The Paradox of the Actor", där han utvecklade teorin om skådespeleri. I komedin Barberaren från Sevilla tog Beaumarchais för första gången fram bilden av den fyndiga plebejeren Figaro, en enkel tjänare, en outtröttlig avslöjare av det feodala systemet. I sin andra komedi, Figaros bröllop, i en konflikt med en adelsman går den smarte Figaro ut som segrare. Aldrig tidigare hade så oförskämda tal om den existerande sociala regimen hörts från den franska scenen. Stora förändringar observerades vid den tiden i de bästa franska skådespelarnas spel: Michel Baron (1653-1729) och hans anhängare Adrienne Lecouvreur (1692-1730). De försökte övervinna klassicismens deklamatoriska stil och närma sig det naturliga sättet att tala även i klassisk tragedi. I iscensättningen av Voltaires upplysande tragedier kom skådespelare av en ny typ i förgrunden, kapabla att uttrycka det medborgerliga patoset av heroiska och anklagande teman. En stor plats i utvecklingen av upplysningsteatern i Frankrike ockuperades av nöjesfält och boulevardteatrar. De använde sig i stor utsträckning av parodi och satir. Den demokratiska karaktären hos denna konst framkallade attacker mot den av privilegierade teatrar. Det var dock nöjesfältet och boulevardscenerna som förberedde ett antal nya genrer, som sedan bidrog till teaterns utveckling under den franska revolutionens era 1789-1793.

Efter den borgerliga revolutionen inom konsten i Frankrike och andra europeiska länder dök tre huvudtrender upp: klassisk, romantisk och realistisk. Under åren av revolutionen och den jakobinska diktaturen satte den franska teatern upp de revolutionära klassicistiska tragedier av Marie Joseph Chenier (1764-1811): Charles IX, Caius Gracchus, Fénelon. På 1920-talet började en romantisk regi ta form i den franska teatern. Victor Hugo blev den progressiva romantikens ledande dramatiker. Hans förord ​​till dramat "Cromwell" var ett manifest för romantiken och riktade sig mot klassicismens poetik. Uppsättningen av Hugos drama "Ernani" 1830 etablerade äntligen romantiken på scenen. Både dessa och andra pjäser av Hugo (Marion Delorme, Ruy Blas, Kungen roar själv) utmärkte sig genom sitt höga ideologiska innehåll, demokrati och humanism, och de som skrevs före julirevolutionen 1830 – och revolutionära anda. När den borgerliga ideologin efter 1830 stärktes inom teatern, var dramatikern E. Scribe dess nitiska tjänare. Den ledande aktören under den borgerliga revolutionens era i Frankrike var François Joseph Talma (1763-1826). Han skapade en avslöjande bild av en tyrannmonark, försökte avslöja de inre motsägelserna hos karaktärerna han skapade. Talma gjorde många förändringar av skådespelarnas kostym, ansiktsuttryck, gester och recitation. Stor berömmelse föll till skådespelerskan Rachel (1821-1858), som återupplivade klassicismens heroiska patos i sitt arbete. Hon var särskilt känd för sitt framförande av Marseillaise under revolutionen 1848.

Efter renässansens kris började en era av hopp och illusioner. En av de riktningar som denna idé uttrycktes var klassicismen.

Klassicism (fr. classicisme, av lat. classicus - exemplarisk) - konststil och den estetiska trenden inom europeisk konst under 1600- och 1800-talen, förmågan att fungera som standarder för perfektion. Verk av antika författare tas som standard.

Klassicismens utveckling konstnärlig riktning bestäms av monarkin. I centrum för uppmärksamheten flyttas till teatern, och de viktigaste formerna av påverkan på konstnärlig kultur bli normativ estetik och kungligt beskydd.

Klassicismen bygger på rationalismens idéer, som skapades samtidigt med samma idéer i Descartes filosofi. Konstverk, från klassicismens synvinkel, bör byggas på grundval av strikta kanoner, och därigenom avslöja harmonin och logiken i själva universum. Intresset för klassicismen är bara evigt, oföränderligt - i varje fenomen försöker han bara känna igen väsentliga, typologiska drag och förkastar slumpmässiga individuella tecken.

Som en viss riktning bildades klassicismen i Frankrike på 1600-talet. Fransk klassicism bekräftade en persons personlighet som det högsta värdet av att vara, och befriade honom från religiöst och kyrkligt inflytande.

Den första att formulera de grundläggande principerna för den nya stilen Francois d'Aubignac(1604-1676) i boken "Teaterns praktik". Baserat på Aristoteles och Horaces syn på drama, beskrev d "Aubignac kraven för en exemplarisk teatraliskt framförande. Verket måste följa lagen om tre enheter - annars kommer publiken inte att uppfatta scenframträdandet, kommer inte att "mätta" sina sinnen och kommer inte att få någon lektion.

Det första kravet är enhet på plats: händelserna i pjäsen måste utspela sig i samma utrymme, ingen förändring av sceneri var tillåten. Skådeplatsen för tragedin blev ofta palatsets hall; komedi - stadens torg eller rum.

Det andra kravet är tidens enhet, d.v.s. ett ungefärligt sammanträffande (det var inte möjligt att uppnå en fullständig sådan) av föreställningens varaktighet och den period under vilken pjäsens händelser utspelar sig. Handlingen bör inte gå längre än dagen.

Det sista kravet är handlingsenhet. Pjäsen måste innehålla en story, inte belastad av sidoepisoder; det måste spelas ut sekventiellt, från handlingen till upplösningen.

Klassicismen utspelar sig strikt hierarki av genrer, som är uppdelade i hög (ode, tragedi, epos) - förkroppsligade historiska händelser och berättade om stora personligheter och deras bedrifter; låg (komedi, satir, fabel) - berättade om vanliga människors liv. Varje genre har strikt definierade egenskaper, vars blandning inte är tillåten.

Alla teaterverk bestod av fem akter och skrevs i poetisk form.

Om klassicismens teori i Frankrike på 1600-talet. behandlas med fullt allvar. Nya dramatiska regler utvecklades av den franska akademin (inrättad 1635). Teaterkonst given speciell betydelse. Skådespelare och dramatiker uppmanades att tjäna skapandet av en enda stark stat, för att visa betraktaren ett exempel på en idealisk medborgare.

De mest framstående representanterna för den franska klassicismens teater:

Pierre Corneille (fr. Pierre Corneille, uttalas som rötter; 6 juni 1606, Rouen - 1 oktober 1684, Paris) - fransk poet och dramatiker, fader till fransk tragedi; ledamot av Franska Akademien (1647).

Jean Racine

Phaedra. Men allt var förgäves - både rökelse och blod:

Obotlig kärlek kom till mig!

Jag ber till gudinnan Afrodite,

Var nedsänkt i drömmar om Hippolyta,

Och inte hon - åh nej! - förgudar honom

Hon bar sina gåvor till foten av altaret.

Theseus. Min son! Min efterträdare!

Han är förstörd av mig!

Hur fruktansvärd är gudarnas vrede, hur outgrundlig!

Jean Racine. "Phaedra"

Mes. Så vad, olycksbringande Titus? För Berenice väntar.

Kom du på ett tydligt, hänsynslöst svar?

Att stå i kampen

Kan du hitta tillräckligt med grymhet i dig själv?

Det är för lite för att vara både ihärdig och hård -

Från och med nu, var redo för blindt barbari!

Jean Racine. "Berenice"

Moliere - fransk poet och skådespelare; grundare av klassisk komedi. Molière är en pseudonym riktiga namn— Poquelin. Skådespelaren och dramatikern bytte namn för att inte vanära sin far, en ärevördig kunglig möbelmakare och tapetserare. Skådespelarens yrke på 1600-talet. anses syndig. I slutet av sina liv tvingades skådespelarna, efter att ha ångrat sig, att avstå från sitt hantverk. I övrigt tillät kyrkan inte att de begravdes på kyrkogården, och den avlidne fann sin sista tillflykt bakom kyrkstaketet.
Molière skaffade sig scenerfarenhet i provinserna. Under inflytande av den italienska teatern skrev han farsartade scener. Hösten 1658 anlände Molière-truppen till Paris och uppträdde framför Ludvig XIV i en av Louvrens salar. Molieres skådespelare var en stor framgång, "hela Paris" ville se den nya truppens föreställningar. Till en början utvecklades förhållandet mellan dramatikern och kungen bra, men gradvis mörknade de. Sex år efter att ha flyttat till Paris, 1664, spelade truppen en ny komedi inför kungen - Tartuffe, eller bedragaren. Huvudkaraktär- en svindlare och en bedragare, en hycklare och en voluptuary - bar en kassock, och makthavarna beslutade att pjäsen kränkte både kyrkan själv och den inflytelserika organisationen "Society of Holy Gifts".

Pjäsen förbjöds och Molière ägnade fem år åt att försöka få den uppsatt på sin egen teater. Till slut fick man tillstånd och föreställningen blev en stor succé. Författaren själv spelade den godtrogne Orgon, offer för bedragaren Tartuffes trick och intriger. Endast kungens ingripande (en sådan intrigsväng var i 1600-talets anda, i klassicismens anda) räddade familjen till den olyckliga Orgon från ruin och fängelse.

Molières erfarenhet som dramatiker är oskiljaktig från Molières erfarenhet som skådespelare. Synen på scenens konst, på skillnaden i spelet mellan tragiska och komiska skådespelare, förkroppsligades briljant av Molière i sin egen teaterpraktik.
Efter Tartuffe skrev och satte Molière två komedier som blev odödliga. I pjäsen "Don Juan eller stengästen" (1665) bearbetade dramatikern den välkända berättelsen om det turbulenta livet för en kratta av en aristokrat och om det rättvisa vedergällningen som intar honom för synder och hädelse. Molières hjälte är en fritänkare och en skeptiker, en man från 1600-talet.

På ett annat sätt än i Don Juan tolkades motivet fritänkande och fri vilja i Misantropen (1666). Dramatiska, till och med tragiska motiv har redan ljudit här. Molières skratt blev "skratt genom tårar" - trots allt, Huvudidén Pjäsen reducerades till det faktum att det är omöjligt att leva bland människor och bevara själens adel.

Molière i sina pjäser förkastade den klassiska teorin om de tre enheterna, som han ständigt kritiserades för, bröt mot strikta regler. Molière dog på scenen. PÅ senaste åren livet, han höll på att kvävas, det blev svårt för honom att uttala poesi, så dramatikern skrev roller i prosa för sig själv. På order av ärkebiskopen av Paris begravdes Moliere på samma sätt som självmord begravs – bakom kyrkstaketet. Långt senare gav Frankrike heder åt hennes geni, som han aldrig fick under sin livstid.

Klassicismens historia slutar inte på 1600-talet. Under nästa århundrade försökte några av dess principer återuppliva dramatikern och filosofen Voltaire, skådespelarna Leken och Clairon, poeter och musiker. Men på XVIII-talet. Klassicismen uppfattades redan som en förlegad stil – och för att övervinna klassicistiska normer föddes upplysningstidens konst.