Silveråldersmålning. Silveråldern i den ryska konstnärliga kulturen. Tre områden av dåtidens intellektuella och konstnärliga kreativitet: religiös filosofi, symbolik och avantgarde var de viktigaste pelarna i silverålderns kultur

Introduktion

Sekelskiftet 1800-1900. - en speciell, kritisk period för Ryssland. Ekonomiska högkonjunkturer och kriser, det förlorade världskriget 1904-05. och revolutionerna 1905-07, första världskriget 1914-18. och som ett resultat revolutionerna i februari och oktober 1917, som störtade monarkin och sedan bourgeoisins makt. I samhället växte känslan av det oundvikliga i en social kris, behovet av att förändra värderingar, mer och mer. Den populistiska ideologin kollapsade. Sökandet efter nya ideologiska begrepp om samhällsutveckling började.

Tidens sociala motsättningar och motsättningarna i det ryska sociala tänkandet återspeglades i Rysslands andliga liv. I samhället finns det en känsla av tidkatastrof, kulturens fullständighet. På denna grund uppstår apokalyptiska motiv i litteratur och konst. Men Ryssland upplevde då en period av fruktbar och dynamisk utveckling av kulturen. Det var en period av andlig renässans, förnyelse. "Silveråldern" kallades denna period i den ryska kulturens historia av filosofen N. A. Berdyaev.

För sekelskiftets målare är andra uttryckssätt utmärkande än bland Vandrarna, andra former konstnärlig kreativitet-i bilder motsägelsefulla, komplicerade och endast indirekt speglar moderniteten, utan illustration och berättelse. Konstnärer söker smärtsamt harmoni och skönhet i en värld som i grunden är främmande för både harmoni och skönhet. Det är därför många såg sitt uppdrag i att odla en känsla av skönhet. Detta är tiden för "afton", i väntan på förändringar offentligt liv gav upphov till många trender, associationer, grupperingar, en krock av olika världsbilder och smaker.

Silveråldern fick en bred tolkning och började användas för att karakterisera vissa kulturella processer som ägde rum i Ryssland under denna period. Trots allt närde samma idéer, motiv, stämningar, tillsammans med litterär kreativitet, även musikalisk och teatralisk, bildkonst, som samtidigt ekade med sökandet efter ryskt religiöst och filosofiskt tänkande. Samtidigt speglade silveråldern inte bara de existerande historiska förhållandena med filosofiska och konstnärliga medel, utan den tog form utifrån en ny världsbild och skapade själv en ny tankestil och på sätt och vis en ny socialitet , vilket gör att vi kan definiera det som en kultur.

Ursprung och koncept för symbolism

Det antika grekiska ordet "symbol" kallades ursprungligen ett mynt delat i två. Två personer som hade hälften av detta mynt var och en kunde känna igen varandra när de träffades genom att sätta ihop båda delarna. Men med tiden har symbolen förvandlats från ett enkelt identifieringsmärke till ett av de mest komplexa, rymliga, djupa koncepten i världskulturen av konst och filosofi. Temat symbolik kan inte passas in i ramarna för en viss skola, trend, stil, sätt... det är snarare ett allmänt diakront snitt av utvecklingen av hela världens konstnärliga kultur från antiken till nutid.

Symbolismens grundläggande principer är helt uttömda av begreppet "symbol". En symbol är först och främst ett universellt begrepp, en universell bild, ett tecken, ett antal betydelser, vars betydelser är oändliga, som universum självt. I konsten är symbolism ett försök av en person att uttrycka det outsägliga, transcendentala, med sinnets begränsade medel, att intuitivt känna efter den avgrund som är bortom den synliga världen. Skapare, konstnärer av symbolism, betraktas som mellanhänder mellan det verkliga och det översinnliga, överallt tecken på världsharmoni, profetiskt gissande tecken på framtiden, både i moderna fenomen och i händelser från det avlägsna förflutna. Därför är det symboliska på sätt och vis en synonym för det heliga.

Som en riktning, symbolik in bild och form utvecklas samtidigt med symboliken i litteraturen på 60-70-talet. 1800-talet, i dekadensens tidevarv. I alla fall, karaktärsdrag symboliken uppträdde mycket tidigare: all medeltidens ikonografi och målning hade en djupt symbolisk karaktär.

Huvudmotiven för symbolism inom bildkonsten är eviga teman: död, kärlek, lidande.

Den ryska symboliken har sin egen speciella ursprungliga karaktär, är en unik milstolpe i världskulturens historia. Symbolismens uppkomst i Ryssland i slutet av 1800-talet är främst förknippad med de så kallade seniora symbolistiska poeterna och publicisterna D. Merezhkovsky och Z. Grippius verksamhet; dels Valery Bryusov. Merezhkovskys och Grippius symbolism är först och främst kristen, religiös och mystisk symbolik, förståelsen av symboliken, som en handling av kunskap om Gud.

De ljusaste föregångarna till rysk symbolism kan med rätta kallas F.M. Dostojevskij och filosofen S.M. Solovyov. Den sistnämnde var också poet, och med sin poetiska förståelse av läran om Sophia, Guds visdom, bestämde han dragen i utvecklingen av den ryska litterära symbolikens huvudriktning från Grippius och Blok. Termen "symbolism", till skillnad från sina föregångare, de, förbi det franska språket, reste till den grekiska källan. I kontroversens hetta anmärkte Blok till och med att den ryska symboliken, bara av en slump, hade samma grekiska namn som den franska trenden.

Bildandet av silverålderskonstnären

Det var på 80-talet av 1800-talet, i en tid av andlig stagnation, som bildandet av en ny typ av konstnärer började. Det dök upp ärftliga intellektuella som kom från professorsfamiljer eller kreativa kretsar.

Konstnären upphörde att uppfattas som en hantverkare, han blev tankarnas härskare. Han var en briljant utbildad man. signum kreativ universalism blev silverålderns konstnär. Suget efter universalism återupplivar inte den gamla romantiska idén om en syntes av konsten. Silveråldern erbjöd många alternativ för dess genomförande: i modernitet, i verksamheten i "World of Art" ...

Emellertid bestod universalismen inte bara i att behärska relaterade specialiteter. Det manifesterade sig i konstnärens önskan att föra kreativitet bortom den snäva professionella ramen för hans omedelbara specialitet. Först och främst var ämnet för ständiga hobbyer för konstnärerna från Silver Age filosofi. Vi har inte bara i åtanke att majoriteten av modernister har konstkritik, filosofisk och estetisk och filosofiska verk, men också den filosofiska och konceptuella karaktären av innehållet i deras konstverk, som ett resultat av vilket vi måste tillskriva dem filosofiskt tänkande konstnärer.

Konstnären, som "bildar" det kommande århundradets verklighet, skapar en ny myt. Med utgångspunkt från händelserikhet skapar han inte en illustration av det som skildras, utan dess symboliska överföring, en poetisk motsvarighet. Konstnärlig fiktion blir en slags legend om livet, ett sätt att förstå dess dolda grunder och lagar.

Därmed återvände den mytopoetiska världsbilden till kulturen, den poetisk-emotionella upplevelsen av världen, som var mer i linje med tidsandan än dess reflexivt-diskursiva bemästring. Mytologiserad världsbild och dialektiskt sammankopplat tänkande med symboler stimulerade intresset för det traditionella folkkonst fri från direkt empirisk reproduktion av den omgivande verkligheten. De gamla kulturerna attraherades av det mytologiska konceptet om världen, dess holistiska och harmoniska uppfattning. Nymytologismen skiljde sig dock i grunden från mytologin som en form av antikens naivt-poetiskt tänkande.

Således överlagras upplevelsen av arkaiska epoker i kulturen och för konstnären på försök samtida konst tränga in i de djupaste fördjupningarna inre värld person. Tack vare en speciell känsla och en speciell medvetenhet om nuet bildades silverålderns konstnär.

Perioder av historien om den ryska symboliken från silveråldern. Tidslinje för utveckling

Symbolism i Ryssland föddes under tre tidsperioder:

Den första täcker mitten av 1880-1900-talet. - tiden för födelsen och utvecklingen av symbolistiska tendenser i arbetet i Abramtsevo-cirkeln och konstnärer i Moskva, föreningen "World of Art";

Den andra perioden är begränsad till 1900-14. - den symbolistiska rörelsens storhetstid inom litteratur, teater och plastisk konst, när Vrubel, Borisov-Musatov, mästarna i konstvärlden och ungdomen i Blue Rose skapar, och när symbolismens principer är unikt implementerade i verk av det tidiga ryska avantgardet;

Den tredje är kopplad till eran av första världskriget och revolutionen som började i Ryssland (1914-1920) - integrerad i dess problem och prestationer.

Gospeldukarna av V.G. Perova, N.N. Ge, religiösa och historiska målningar av sena akademiker V.P. Vereshchagin, G.I. Semiradsky, P.A. Svedomsky m.fl.. På 1880-90-talet. denna tendens att förmedla den "inre sanningen" och författarens levande, känslomässiga erfarenhet kommer att finna sin utveckling i de religiösa verken av M.A. Vrubel, V.M. Vasnetsova, I.E. Repin.

På 1880-talet, på höjden av Vandrarnas triumf, dök de tidiga symbolistiska verken av M. A. Vrubel upp. Dualismen genomsyrade hans verk; den manifesterade samtidigt dyrkan av Goethes naturfilosofi och Kants, Schopenhauers och Nietzsches dualism. Nästan samtidigt målade konstnären helgon och demonen, teomachismens förkroppsligande. Författaren till sublima och abstrakta mönster, han blev förhäxad av växternas mikrokosmos, mönstrens prydnad. På 1880-talet I.I. Levitan, S.V.Malyutin, A.Ya. Golovin, V.E. Borisov-Musatov, K.A. Somov, A.N. Benois, L.S. Bakst och andra.

Översyn av rysk symbolism ägde rum 1896-97. på "Utställningen av experiment (skisser) av konstnärlig kreativitet", där Repin, Vasnetsov, Polenov, Golovin, Nesterov, Somov deltog. Symbolism, med sin kult av ofullständighet, kännetecknades av själva idén om en sådan utställning.

På 1890-talet drömmen om att förena författare och konstnärer förverkligades kort på redaktionen för tidningen Mir iskusstva: dikter och prosa av Merezhkovsky, Balmont, Sologub trycktes i designen av Benoit, Bakst, Lansere. Många av deras vinjetter, avslutningar, skärmsläckare är erkända mästerverk av symbolistisk grafik.

1890-talet gav ett brett utbud av sökningar i termer av symbolik, utvecklas, kommer att vara konstant och populär under de kommande två decennierna av utvecklingen av denna rörelse.

Den ryska symboliken inom bildkonsten, som den var i väst, gav inte ett enda stilistiskt flöde (ett litet undantag är gruppen "nabider" och deltagare i utställningen "Blue Rose").

Drag av genremåleri vid sekelskiftet 1800-1900.

Med den populistiska rörelsens kris på 90-talet. många av Wanderers upplevde en kreativ nedgång. Komplexa livsprocesser bestämde mångfalden av former av konstnärligt liv under dessa år.

Det breda fria bildsättet är resultatet av evolutionen i utvecklingen av visuella medel i alla genrer vid sekelskiftet. På jakt efter "skönhet och harmoni" prövar konstnärer på en mängd olika tekniker och konstformer - från monumentalt måleri och teatraliska kulisser till bokdesign och konsthantverk.

Vid sekelskiftet utvecklades en stil som påverkade all plastisk konst, kallad jugendstil. Detta fenomen är tvetydigt, i moderniteten finns det också dekadent pretentiöshet, pretentiöshet, designad främst för borgerlig smak, men det finns också en önskan om enhet i stilen, berömd i sig. Inom måleriet visade jugenden sig som en symbolik för bilder, en förkärlek för allegori.

På 90-talet. genremåleri utvecklas. Bondtemat avslöjas på ett nytt sätt. Splittringen i landsbygdssamhället är eftertryckligt anklagande skildrad av Sergei Alekseevich Korovin (1858-1908) i målningen "On the World" (1893).

Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930) kunde visa tillvarons hopplöshet i hårt utmattande arbete i filmen "Washerwomen" (1901). Detta uppnådde han till stor del tack vare nya bildupptäckter, till en ny förståelse för färgens och ljusets möjligheter.

Förhållsamhet, "undertext", en välfunnen uttrycksfull detalj gör bilden av Sergei Vasilyevich Ivanov (1864-1910) ännu mer tragisk

Ivanov äger ett av verken tillägnad revolutionen 1905 - "Execution".

Den impressionistiska tekniken med "partiell komposition", som om en slumpmässigt ryckt ram, finns bevarad här också. Ivanov kännetecknas av skarpa ljus- och skuggkontraster, en uttrycksfull kontur av föremål och ett välkänt bildplan. Hans tunga är lapidär.

På 90-talet. 1800-talet Konst kommer in i konstnären, som gör arbetaren till huvudpersonen i sina verk. År 1894 En bild på N.A. Kasatkina (1859-1930) "Gruvarbetare", 1895 - "Kolgruvarbetare. Förändra".

Andrej Petrovitj Rjabusjkin (1861-1904) arbetar mer i den historiska genren än i den rent historiska genren. "Ryska kvinnor från 1600-talet i kyrkan" (1899),

”Bröllopståg i Moskva. 1600-talet ”(1901) och andra är vardagliga scener från livet i Moskva på 1600-talet. Ryabushkin lockades av detta århundrade, med sin pepparkakselegans, polykrom, mönstrad. Ryabushkins stilisering återspeglas i bildens planhet, i ett speciellt system av plast och linjär rytm, i färgschemat byggt på ljusa stora färger, i den allmänna dekorativa lösningen.

Apollinary Mikhailovich Vasnetsov (1856-1933) ägnar ännu mer uppmärksamhet åt landskapet i sina historiska kompositioner.

Hans favoritämne är också 1600-talet, men inte vardagliga scener, utan Moskvas arkitektur. Moskva i slutet av 1600-talet. I gryningen vid Uppståndelsesporten "(1900).

En ny typ av målning, där folkloristiska konstnärliga traditioner behärskades på ett helt speciellt sätt och översattes till den moderna konstens språk, skapades av Philip Andreevich Malyavin (1869-1940). Hans bilder av "kvinnor" och "flickor" har en viss symbolisk betydelse - en hälsosam jordmån i Ryssland. Bilder är alltid uttrycksfulla. "Skratt" (1899), "Whirlwind" (1906)

Målningen är svepande, skissartad med ett strukturerat penseldrag. Malyavin kombinerade i sin målning uttrycksfull dekorativism med realistisk naturtrohet.

Mikhail Vasilievich Nesterov (1862-1942) tog upp temat forntida Ryssland, som ett antal mästare före honom, men bilden av Ryssland framträder i målningarna som en slags ideal, nästan förtrollad värld, i harmoni med naturen. Denna skarpa känsla för naturen, glädjen inför världen, framför varje träd och grässtrå är särskilt uttalad i en av de mest kända verk Nesterov - "Vision till ungdomen Bartholomew" (1889-1890), "Kristi brud" (1887). Nesterov gjorde mycket monumental religiös målning. Väggmålningarna är alltid ägnade åt det antika ryska temat. I väggmålningarna av Nesterov finns det många verkliga observerade tecken, särskilt i landskapet, porträttdrag - i bilden av helgon. I konstnärens strävan efter en platt tolkning av sammansättningen av elegans, ornamentalitet, raffinerad sofistikering av plastiska rytmer, manifesterade sig ett otvivelaktigt inflytande av jugend. Nesterovs landskap spelar en av huvudrollerna.

Landskapsgenren utvecklas i slutet av 1800-talet på ett nytt sätt. Ett nytt ord vid sekelskiftet skulle en rad konstnärer säga.

Redan i Konstantin Alekseevich Korovins (1861-1939) tidiga landskap löses rent bildmässiga problem - att skriva grått på vitt, svart på vitt, grått på grått. För en briljant kolorist verkar världen vara "ett upplopp av färger". Han gjorde både porträtt och stilleben, men hans favoritgenre var landskap. Han förde sina lärares starka realistiska traditioner till konsten - detta är en annan syn på världen, han sätter andra uppgifter. Han började måla en plein air tidigt. "I båten"

"Vinter i Lappland". Hans franska landskap är redan ganska impressionistiskt författarskap, med hans högsta etudekultur. "Paris. Boulevard des Capucines" (1906), "Paris på natten. Italienska boulevarden (1908). Korovin behåller samma drag av impressionistisk etydkvalitet, måleriskt mästerskap, slående konstnärskap i alla andra genrer, främst inom porträtt och stilleben, men också i dekorativa paneler, brukskonst och teaterscenerier. "Porträtt av Chaliapin" (1911), "Fisk, vin och frukt" (1916).

En av de största konstnärerna, en nyskapare av rysk måleri vid sekelskiftet, var Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911). Hans "Girl with peaches" (1887) och "Girl illuminated by the sun" (1888) är ett helt stadium i det ryska måleriet. Serov växte upp bland framstående figurer av rysk musikkultur - det var hans far berömd kompositör, och hans mor - en berömd pianist, studerade med Repin och Chistyakov, studerade de bästa museisamlingarna i Europa. Ovanstående porträtt målades i Abramtsevo och kom in i konsten med sin egen ljusa och poetiska syn på världen. Det finns principer för utomhusmålning i Serovs porträtt. Således skildrar konstnären människor i harmoni med världen, fulla av bävan och inre rörelse. Färger ges i komplex interaktion med varandra. Serov avviker från sin lärare Repins kritiska realism till "poetisk realism" (D.V. Sarabyanovs term). Till skillnad från impressionisterna löses Serov aldrig upp i detta medium så att han dematerialiseras, hans komposition förlorar aldrig stabilitet, massa och är alltid i balans.

Serov målar ofta representanter för den konstnärliga intelligentian: författare, konstnärer och konstnärer (porträtt av Korovin 1891, Levitan 1892, Orlova (1910-1911), Yermolova 1905.

Han tolkar dem alla individuellt, men de bär alla ljuset av intellektuell exklusivitet och inspirerande kreativt liv. Serov bildar en symbolisk bild som förmedlar innebörden av en hel era.

"Peter 1" (1907).

Här lyckas Serov skildra kungens snabba rörelse och hovmännen som absurt rusar efter honom. Konstnären beundrar sin hjältes originalitet.

Porträtt, landskap, stilleben, inhemsk, historisk målning: olja, gouache, tempera, kol - det är svårt att hitta målning och grafiska genrer där Serov inte skulle fungera och material som han inte skulle använda.

Ett speciellt tema i Serovs verk är bonden. I hans bondegenre finns en känsla av skönhet och harmoni bondelivet beundran för det ryska folkets hälsosamma skönhet. "I byn. Baba med en häst", pastell (1898)

Särskilt pittoreska är hans vinterlandskap med en silver-pärla färgskala "Vinter".

Serov letade ständigt efter nya former för konstnärligt förverkligande av verkligheten. Inspirerad av jugend, återspeglades idéer om platthet och ökad dekorativitet inte bara i historiska kompositioner, utan också i hans porträtt av dansaren Ida Rubinstein

Det är betydelsefullt att Serov i slutet av sitt liv vänder sig till den antika världen. "Europas bortförande" (1910). Konstnären är mångfacetterad i sin utveckling från den impressionistiska äktheten av porträtt och landskap på 80- och 90-talen. till jugend i historiska motiv och kompositioner från antikens mytologi.

Den kreativa vägen för Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) var mer direkt, men samtidigt ovanligt komplex. Med utgångspunkt från St. Petersburg University, där han tog examen från Juridiska fakulteten, till Konsthögskolan. Vrubel har en full av mystik och nästan demonisk skrivstil. Denna stil ska inte förväxlas med någon annan. Han skulpterar en form, som en mosaik, av skarpa "facetterade" bitar av olika färger, som om de glöder från insidan ("Girl against the backdrop of a Persian carpet" 1886, "Spåkvinna" 1895)

Färgkombinationer speglar inte färgrelationens verklighet, utan har en symbolisk betydelse. Naturen har ingen makt över Vrubel. Han känner henne, äger henne perfekt, men skapar sin egen fantasivärld, lite som verkligheten. I denna mening är Vrubel antitetisk till impressionisterna, för han strävar inte på något sätt efter att fixa ett direkt intryck av verkligheten. Han drar sig mot litterära intriger, som han tolkar abstrakt, och försöker skapa bilder av evig, enorm andlig kraft ("Tamaradans", "Gråt inte, barn, gråt inte förgäves", "Tamara i kistan", etc. .). 1890 skapade han sin "Sittande Demon" - ett verk, i själva verket tomt, men bilden är evig. Bilden av demonen är den centrala bilden av Vrubels hela verk, hans huvudtema. "Flying Demon" 1899, "Defeated Demon" 1902.

Vrubels demon är en lidande varelse. Lidande råder över ondska, och detta är det speciella med den nationella ryska tolkningen av bilden. Samtida såg i hans "Demoner" en symbol för ödet för en intellektuell - en romantiker, som försöker fly upproriskt från en verklighet som saknar harmoni i världen. verkliga världen drömmar. Denna tragedi av Vrubels attityd avgör hans porträttegenskaper: mental osämja, ett sammanbrott i hans självporträtt, vakenhet, nästan skräck, men också majestätisk styrka, monumentalitet - i porträttet av S. Mamontov (1894), förvirring och ångest - i sagans bild av Svanprinsessan ( 1900)

Vrubel formulerade själv sin uppgift - "att väcka själen med majestätiska bilder från de små sakerna i vardagen." M.A. Vrubel "Självporträtt" 1904.

Den redan nämnda Savva Mamontov spelade en mycket viktig roll i Vrubels liv. "Porträtt av Savva Mamontov" 1897

I Abramtsevo gjorde han mycket monumental och stafflimålning, han vänder sig till folklore: till en saga, ett epos, vilket resulterade i panelerna "Mikula Selyanovich", "Bogatyrs". Konstnären försöker sig på keramik, han är intresserad av det hedniska Ryssland och Grekland, Mellanöstern och Indien - alla mänsklighetens kulturer, vars konstnärliga tekniker han försöker förstå. Och varje gång intrycken han fick, förvandlades han till djupt symboliska bilder, som återspeglade all originalitet i hans världsbild.

Vrubel skapade sina mest mogna målningar och grafiska verk vid sekelskiftet - genren landskap, porträtt, bokillustration. I organisationen och den dekorativa-plana tolkningen av duken eller arket, i kombinationen av det verkliga och det fantastiska, i engagemanget för dekorativa, rytmiskt komplexa lösningar i hans verk från denna period, gör sig modernitetens drag alltmer gällande.

Liksom Korovin arbetade Vrubel mycket på teatern. Verken för vilka han målade landskap (The Snow Maiden, Sadko, etc.) gjorde det möjligt att "kommunicera" med rysk folklore, sagor och legender.

Vrubels verk ljusare än andra återspeglade milstolpsepokens motsättningar och smärtsamma kast.

En direkt talesman för bildsymbolik är Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Han är en av de första retrospektiva konstnärerna inom de sköna konsterna i gränsryssland. Hans verk är en elegisk sorg för de gamla tomma "ädla bon" och försvinnande "körsbärsträdgårdar", för vackra kvinnor, andliga, nästan ojordiska, iklädda någon slags tidlösa dräkter som inte bär yttre tecken på plats och tid.

Hans staffliverk liknar inte ens dekorativa paneler, utan gobelänger. Utrymmet löses extremt villkorligt, plant ("Gobellin"), figurerna är nästan eteriska, som till exempel flickorna i målningen "Pond" 1902, tempera.

Nedsänkt i drömmande meditation, i djup kontemplation. Blekta, blekgrå nyanser av färg förstärker helhetsintrycket av skör överjordisk skönhet.

Den ledande konstnären i "Konstens värld" var Konstantin Andreevich Somov (1869-1939).

Han fick en utmärkt utbildning. Kreativ mognad kom till honom tidigt, men en viss dubbelhet var påtaglig hos honom - en kamp mellan en kraftfull realistisk instinkt och en smärtsamt känslomässig världsbild. målning symbolik silveråldern

Somov, som vi känner honom, dök upp i porträttet av Martynova "The Lady in Blue", 1897-1900, i porträttmålningen "Echo of the Past Time", 1903, där han skapar en poetisk karaktärisering av den bräckliga, anemiska kvinnlig skönhet dekadent modell, vägrar att förmedla de verkliga vardagliga tecknen på modernitet. Han klär modellerna i antika dräkter, ger deras utseende drag av hemligt lidande, sorg och drömmande, smärtsam trasighet.

Somov äger en serie grafiska porträtt av sin samtid - den intellektuella eliten, där han använder en vanlig teknik - på en vit bakgrund - i en viss tidlös sfär - han ritar ett ansikte där likhet uppnås inte genom naturalisering, utan genom djärvhet generaliseringar och lämpligt urval av karakteristiska detaljer. Denna brist på tecken på tid skapar intrycket av statisk, stelhet, kyla, nästan tragisk ensamhet.

Konstnären präglas av historicism, han var en flykt från verkligheten. Inte det förflutna, utan dess iscensättning, längtan efter dess oåterkallelighet - det är huvudmotivet. "Brev" 1896, "Cofidencia" 1897.

Andra verk av Somov är pastorala och galanta festligheter, fulla av frätande ironi, andlig tomhet, till och med hopplöshet. Kärleksscener är alltid erotiska.

Somov arbetade mycket som ett schema. Böckerna designade av honom är som en enda organism med sin egen rytmiska och stilistiska enhet.

Den ideologiska ledaren för "Konstens värld" var Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) - en ovanligt mångsidig talang. Målare, grafiker och illustratör, teaterkonstnär, regissör, författare till balettlibretton, konstteoretiker och historiker, musikalisk figur. Som konstnär är han släkt med Somov genom stilistiska tendenser och en förkärlek för det förflutna. I Versailles-landskapen i Benois, den historiska rekonstruktionen av 1600-talet och konstnärens samtida intryck, hans uppfattning om fransk klassicism, fransk gravyr. Därav den tydliga kompositionen, den klara spatialiteten, rytmernas storhet och kyliga stränghet, motsättningen mellan konstmonumentens storslagenhet och småheten hos mänskliga gestalter, som bland dem bara är personal. "The last walks of Louis 14" 1896 - 1898 - den första Versailles-serien, och i den andra serien, några ironiska ljud, målade med nästan tragiska toner. "King's Walk" 1906.

Naturen uppfattas av Benois i ett associativt samband med historien. I en serie målningar från det ryska förflutna, beställda av förlaget Knebel, i scener av ädelt godsägarliv på 1700-talet. Benoist skapade en intim bild av denna era, om än något teatralisk.

"Parad under Paul 1" 1907

Benois – en illustratör – är en hel sida i bokens historia. Sidans plan är inget självändamål för honom. Illustrationerna var ganska kompletta självständiga verk, inte så mycket "bokens konst" som "konst i boken".

Som teaterdesigner designade Benois föreställningarna under de ryska årstiderna. Figuren Benois - konstkritiker och konsthistoriker - är ett helt stadium i konstkritikens historia.

Också i kärnan av "Konstens värld" var Lev Samuilovich Bakst (1866-1924), som blev känd som teaterkonstnär. Vid de första utställningarna ställde han ut ett antal bild- och grafiska porträtt, där naturen, som kom i en ström av levande tillstånd, förvandlades till ett slags idealrepresentation av en samtida person. Dessa är porträtt av Benois, Bely, Somov, Rozanov, Grippius, Diaghilev.

Det finns inga motiv från 1700-talet i Baksts grafik. Och fastighetsteman. Han dras mot antiken, dessutom till det grekiska arkaiska, symboliskt tolkat. Målningen "Ancient Horror", tempera, 1908 fick särskild framgång.

Snart ägnade sig Bakst helt åt teater- och scenarbeten, och hans kulisser och kostymer för Diaghilev-företagets baletter, framförda med extraordinär briljans, virtuos, konstnärligt, gav honom världsberömdhet.

Man kan särskilt säga om Nicholas Roerich. Med en utmärkt utbildning fick han snart auktoriteten som en vetenskapsman. Han lockades av den hedniska slaviska och skandinaviska antiken, Forntida Ryssland. Stylingtendenser, teatralisk dekorativitet observerades. "Messenger", 1897, "The Elders Converge", 1898, "Sinister", 1901.

Roerich var närmast förknippad med den ryska symbolismens filosofi och estetik, men hans konst passade inte in i de befintliga trenderna, eftersom. den, i enlighet med konstnärens världsbild, vädjade så att säga till hela mänskligheten med en vädjan om en vänskaplig förening av alla folk. Därav den speciella episka karaktären hos hans målningar.

Efter 1905 växte stämningen av panteistisk mystik i Roerichs verk. Historiska teman ge vika för religiösa legender. "Sky fight", 1912.

Den ryska ikonen hade ett enormt inflytande på Roerich. "Slaget vid Kerzhents", 1911

En av de begåvade konstnärerna var Boris Mikhailovich Kustodiev (1878 - 1927), en elev till Repin. Han har också en stilisering, men det här är en stilisering folktryck. Därav de ljusa festliga "mässorna", "fastelavnen",

"Balagany", därav hans målningar från det borgerliga köpmanslivet, förmedlade med lätt ironi, men utan att beundra dessa rödkindade, halvsovande skönheter bakom en samovar och med fat i fylliga fingrar.

"Köpman" 1915,

"Köpman för te" 1918.

Konsten under de förrevolutionära åren i Ryssland präglas av den ovanliga komplexiteten och inkonsekvensen i konstnärliga sökningar, därav att grupperna ersätter varandra med sina egna programinställningar och stilistiska sympatier.

Ett lysande vittne om de nationella traditionernas vitalitet, den stora antika ryska målningen är verk av Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1878-1939), en konstnär-tänkare som senare blev den mest framstående konstmästaren under den sovjetiska perioden. I den berömda målningen "Bathing the Red Horse" 1912 tillgrep konstnären en figurativ metafor. Som det korrekt noterades framkallar den unge mannen på en klarröd häst associationer till den populära bilden av St. George the Victorious, och den generaliserade silhuetten, rytmiska, kompakta kompositionen, mättnaden av kontrasterande färgfläckar som låter i full kraft, och plattheten i tolkningen av former för tankarna till den gamla ryska ikonen. Mästarens verk är fokuserade på traditionerna för rysk konst, de leder mästaren till en sann nationalitet.

Konstföreningar och konstnärliga kolonier i måleriet

1900-början 1910-talet var konstutställningarnas storhetstid: utställningar av sällskapen "Konstens värld", Moskvaföreningen, Ungdomsförbundet, Konstakademins vårutställningar; engångs - "Scarlet Rose", "Blue Rose", "Stefanos", "Wreath", Salonov S.K. Makorovsky, V.A. Izdebsky, Salons of the "Golden Fleece" fångade utvecklingen av ryskt måleri från impressionism och symbolism till nyprimitivism, kubofuturism, abstrakt expressionism, "analytisk konst".

Museum för den ryska antiken.

Början av århundradet inom konst och hantverk präglades av en ljust symbolisk figurativ lösning av byggnadskomplexet av S.V. Malyutin uppkallad efter M.K. Tenisheva Talashkino nära Smolensk. Gården har alltid haft många gäster, inklusive konstnärerna A.N. Benois, I.E. Repin, M.A. Vrubel, K.A. Korovin, skulptör Trubetskoy och många andra. Konstnären N.K. Roerich, som målade i den helige Andes kyrka, inte långt från godset. Här bodde konstnären S. Malyutin, som ritade och inredde trähuset "Teremok". Tillsammans med konstnärer, historiker och arkeologer reste Tenisheva runt i ryska städer och byar och samlade föremål av dekorativ och brukskonst: tyger, broderade handdukar, spetsar, halsdukar, kläder, keramik, etc. Detta var början på det unika museet för rysk antikvitet, som öppnade i Smolensk 1998.

"Abramtsevo Art Circle".

Många intressanta namn på rysk kultur är förknippade med Abramtsevo-godset: författaren S.A. Aksakov, N.V. Gogol, I.S. Turgenev. År 1870 köptes godset av S.I. Mamontov är en subtil konstkännare. Det var han som blev grundaren av den kreativa föreningen, som gick till historien under namnet "Abramtsevo Artistic Circle". Mamontov samlade omkring sig sådana enastående artister som I.E. Repin, V.M. Vasnetsov, V.D. Polenov, M.N. Nesterov, M.A. Vrubel, K.A. Korovin, V.A. Serov och andra, var och en av dem kom för att besöka Abramtsevo och bidrog till livet för den "konstnärliga kolonin".

Association "World of Art" och dess betydelse för utvecklingen av rysk kultur.

En grupp där en stark och inflytelserik kulturell och estetisk trend föddes, förenad kring tidskriften "World of Art", uppstod i S:t Petersburg i början av 1890-talet. med det blygsamma syftet att utbilda sig. På kort tid förberedde hon sig för en bred social verksamhet och började påverka det nuvarande konstnärslivet. I utvecklingen av kretsens sociala liv har rollen som S.P. Diaghilev. Huvudidén som vägledde honom växte ur hans djupa övertygelse om den globala betydelsen av rysk konst. Han satte upp som mål att förena de bästa ryska konstnärerna, hjälpa dem att komma in i det europeiska konstnärliga livet och, med hans ord, "upphöja rysk konst i väst". Diaghilev ägnade all sin aktivitet åt denna uppgift. Hans Petersburg-grupp, som inkluderade Somov, Bakst, Benois och Lansere, ingick en nära allians med Vrubel, Levitan, Serov, Korovin, Nesterov, Ryabushinsky och andra Moskvamålare. Denna breda förening, som omätligt växte ur omfattningen av den ursprungliga Diaghilev-gruppen, fungerade som grunden på vilken Diaghilev kunde organisera en konsttidning, som blev det ideologiska centrumet för rysk konst under de första åren av 1900-talet.

Tidningen, kallad "Konstens värld", gavs ut i 6 år (1899-1904) under redaktion av Diaghilev, och arrangerade årligen konstutställningar under samma namn. Huvudkärnan i dessa utställningar har alltid varit verk av målare och grafiker från St. Petersburg Diaghilev-gruppen. Det var mitt ibland dem som den konstnärliga rörelsen "World of Art" bildades.

Historien om "Konstens värld" har två separata, om än relaterade, aspekter:

Å ena sidan är detta historien om den kreativa riktning som har utvecklats i St. Petersburgs konstnärsgrupp med Benois och Somov i spetsen;

Å andra sidan är detta historien om en komplex kulturell och estetisk rörelse, som involverade i sin omloppsbana ett antal stora ryska mästare, vars arbete utvecklades oberoende av St. Petersburg-gruppen, det är ibland långt ifrån det på sitt eget sätt . ideologiskt innehåll och bildspråk.

Denna rörelse fångade inte bara måleri och grafik, utan också ett antal närliggande kulturområden och påverkade rysk arkitektur, skulptur, poesi, balett och Opera teater, samt konstkritik och konstvetenskapen. Utbildningsarbetet för "Konstens värld" under de sex åren av dess existens riktades längs två huvudkanaler: tidskriften täckte för det första det nuvarande tillståndet för konst i Ryssland och i vissa länder i Västeuropa, och för det andra, systematiskt, systematiskt öppnat för läsare bortglömda eller obegripliga värderingar av den nationella konstnärliga kulturen från det förflutna. Ju längre tidskriftens verksamhet utvecklades, desto viktigare fick den ryska antikens teman. "Konstens värld" har utvecklats från jugend till retrospektivism. Under loppet av denna utveckling gjorde tidskriftens medlemmar ett antal viktiga historiska och konstnärliga upptäckter: det var konstens värld som lade grunden för en systematisk studie av den ryska konstnärliga kulturen på 1700-talet. , hittills halvt bortglömd och till och med felaktigt tolkad. Ära till D.G. Levitsky och V.L. Borovikovsky, såväl som anmärkningsvärda arkitekter av rysk barock och klassicism, började med verk av Diaghilev, Benois, Grabar och andra.

De var de första inom rysk vetenskap att vända sig till arvet från ryska romantiker och sentimentalister, och forskare omvärderade O.A.s arbete. Kiprensky, A.G. Venetsianov, F. Tolstoj.

Samma kritiker tillskrivs en radikal revidering av de etablerade falska idéerna om den gamla S:t Petersburg-arkitekturen. Henne konstnärligt värde var helt överskattad. Artiklar av Benois, som bugade sig för det gamla Petersburgs skönhet, var en verklig uppenbarelse för de dåvarande läsarna.

I World of Art-föreningen återupplivades och formades rysk bokgrafik från den nya tiden, liksom rysk teaterkultur.

Tidskriften stödde systematiskt utvecklingen av konsthantverk och konsthantverk.

Slutligen var det med "Konstens värld" som en ny fas började i den ryska konstkritikens och konsthistoriens historia. De framgångar som World of Art uppnådde i organisatoriska frågor gav ryska konstnärer en impuls att skapa nya utställningsgrupper och kreativa föreningar.

"Blå ros".

Vid sekelskiftet blossade konsten upp med idén om fullständig självständighet, självförsörjning. Initiativtagarna till kampen för konstens renhet och inneboende värde var symbolistiska poeter och konstnärer från World of Art-gruppen. Konsten blev mer och mer stärkt i sin särart och förlitade sig på interna möjligheter.

Den första grupperingen, från vilken nedräkningen av nya trender i rysk måleri från början av 1900-talet börjar, var den blå rosen. Under detta namn öppnades 1907 en utställning i Moskva, där A. Arapov, N. Krymov, P. Kuznetsov, V. och N. Milioti, N. Sapunov, M. Saryan, S. Sudeikin, P. Utkin och andra, totalt 16 artister.

Vernissagen 1907 var ingen överraskning. Redan vid de första utställningarna av World of Art dök de första verken av några framtida blåbärare upp. 1904 arrangerades utställningen "Scarlet Rose" i Saratov, som är den direkta föregångaren till "Blue". Den deltog av Saratov - V. Borisov-Musatov, P. Kuznetsov, P. Utkin, unga konstnärer utanför staden Saryan, Sapunov, Sudeikin, Arapov, Vrubel var inbjudna. Den senare spelade en betydande, inspirerande roll i alla blåbjörnarnas arbete. Utställningen "Blue Rose", organiserad på bekostnad av beskyddaren och utgivaren av "Golden Fleece", amatörkonstnären N. Ryabushinsky, öppnade den 18 mars 1907 i Moskva, i huset till porslinstillverkaren M. Kuznetsov. I all sin struktur skilde den sig från vanliga utställningar, som representerade en slags mystisk värld: "antingen en salong eller ett kapell" med dämpade ljus och genomskinliga gardiner. Men den största överraskningen var själva verken. Salarna, dekorerade med silvergrå och ljusblå tyger, inhyste målningar och grafiska verk av fjorton konstnärer - P. Kuznetsov, P. Utkin, N. Sapunov, M. Saryan, S. Sudeikin, N. Krymov, A. Arapov, A Fonvizin, N. och V. Milioti, N. Feofilaktov, V. Drittenpreis, I. Knabe och N. Ryabushinsky. Här fanns också de skulpturala verken av A. Matveev och P. Bromirsky. Ryska kompositörers musik framfördes av de bästa musikerna, poesi av A. Bely och V. Bryusov lästes.

Namnet på utställningen och föreningen, liksom stilen på deltagarnas verk, är nära besläktade med symbolismens estetik. Blå färg - färgen på himlen, vattnet, oändliga rymden - som om personifierade en poetisk dröm och verklighet, melankoli och hopp. "Blue Rose" var en grupputställning, förenad av ett enda estetiskt program. Tack vare dess utseende förlorade tidigare konstföreningar, inklusive Konstens värld, sin tidigare betydelse. Att fortsätta med "Konstens värld", "Blue Rose", på samma gång, motsatte sig världen av konststilistik och läskunnighet och introducerade ett fundamentalt nytt i erans konstnärliga medvetande. Det var det första steget av rysk konst bortom 1800-talets gränser. Exklusiviteten för "Blue Rose" var att dess artister kunde plastiskt uttrycka immateriella kategorier - känslor, stämningar, känslomässiga upplevelser. Efter att ha gjort nyprimitivismen till sin integrerade del var den blå rosen föregångaren till det ryska avantgardet. Hennes idéer plockades upp och utvecklades på sitt eget sätt i verk av N. Goncharova, M. Larionov, K. Malevich.

Goluborozoviterna förknippades med symbolistpoeterna i Moskva, med symbolistkompositörerna Skrjabin och Menter. Jämför man dem med de symbolistiska poeterna kan man inte annat än konstatera en betydande skillnad. Poeterna skapade sin egen teori om symbolism, alla poeter som skrev om symbolism på 1890-1900-talet, i sina teorier, idén om bildens betydelse, otillräckligheten hos yttre uttryck för själens inre tillstånd, den högre andlighetens outsäglighet är tydligt uttryckt.

”De symbolistiska målarna byggde inte sin egen teori. Vrubel i sin tidiga symbolik på 1890-talet. Jag tog mycket från det romantiska konceptet kreativitet. Borisov-Musatov talade och skrev mer om musikalitet och harmoni än om en symbol. Goluborozovisterna Kuznetsov, Utkin, bröderna Milioti och andra, tänkte utan tvekan på den symboliska innebörden konstnärlig bild men med sällsynta undantag uttryckte de inte sina tankar verbalt. Alla mästarna var först och främst praktiska målare, som lyckades skapa ett visst konstnärligt system med sin egen kreativitet.

Blue Rose Association upphörde att existera 1910.

Slutsats

Så, symbolism målning är ett sätt att överföra kulturell erfarenhet och en källa till utveckling av kreativt tänkande och rumslig fantasi.

Den ryska symboliken, i motsats till den västeuropeiska symboliken, som huvudsakligen utvecklades som en litterär och konstnärlig skola, redan från början, försökte gå bortom konsten själv och bli en bred kulturell trend, en viss världsbild, med målet att rädda och förvandla mänskligheten. Ryska symbolister trodde att en sann konstnär, som är en teurg, var kallad att skapa inte bara konstnärliga livsformer. Rysk symbolik är en av de typiska manifestationerna av livsskapande.

De pittoreska systemen av rysk symbolism, byggda på plast och litterära grunder, bildade en ursprunglig nationell skola, som intar en viktig plats i den paneuropeiska symboliken inom området för plastisk konst.

Teorin och praktiken av rysk symbolism är i grunden baserad på musikalitet, för musik är den mest perfekta formen av konst, inkluderar alla andra former av konst och uttrycker direkt den transcendenta världen. Sökandet och expansionen av musikaliska uttrycksmedel i måleriet, själva rörelsen mot skapandet av sådana målningar, uppmanades att återställa den förlorade integriteten, universums enhet.

Sålunda förverkligades i den ryska symbolismens målning de huvudsakliga teoretiska principerna för symbolism, nämligen problemet med livsskapande, teurgi, syntes, etc..

Lista över begagnad litteratur

1. M.A. Voskresenskaya "Symbolism som silverålderns världsbild" Moskva "Logos", 2005;

2. I. Golitsyna ”Rysk målnings historia. 1800- och 1900-talsskiftet "Moskva" White City ", 2007;

3. T.V. Ilyin, konsthistoria. Inhemsk konst "Moskva" ta studenten", 2000;

Periodisk litteratur:

4. ”50 ryska artister. Masterpieces of Russian Painting" nummer 5, Moskva, LLC "De Agostini", 2010;

5. ”50 ryska artister. Mästerverk av ryskt måleri" nummer 11, Moskva, LLC "De Agostini", 2010;

6. Bibliotekar.ru

8.rutracker.org

Liknande dokument

Silverålderns andliga och konstnärliga ursprung. Silverålderskulturens framväxt. Originaliteten av rysk målning i slutet av XIX - början av XX-talet. Konstföreningar och deras roll i måleriets utveckling. Kulturen i provinserna och småstäderna.

terminsuppsats, tillagd 2007-01-19

Intensitet silveråldern i kreativt innehåll, sökandet efter nya uttrycksformer. De viktigaste konstnärliga trenderna i "Silveråldern". Framväxten av symbolism, acmeism, futurism i litteraturen, kubism och abstraktionism i måleri, symbolism i musik.

abstrakt, tillagt 2010-03-18

Silveråldern som en manifestation av den andliga och konstnärliga renässansen, som markerar uppkomsten av rysk kultur i slutet av 1800- och 1900-talen. Begreppet en ordrad. Analys och betydelse av symbolik i litteratur, musik och måleri. Funktioner av den symboliska teatern.

presentation, tillagd 2015-03-27

Silver Age siluett. Huvuddragen och mångfalden i det konstnärliga livet under perioden av "Silveråldern": symbolism, acmeism, futurism. Silverålderns betydelse för den ryska kulturen. Historiska drag av kulturutvecklingen i slutet av XIX - början av XX-talet.

abstrakt, tillagt 2007-12-25

Konceptet och särdragen för symbolismens flöde inom måleriet. Enastående representanter för rysk och utländsk symbolik, utvärdering av deras kreativa prestationer. Analys av välkända symboliska verk, deras teman och betydelse i världskulturen.

presentation, tillagd 2017-02-28

En vändpunkt i den ryska konstens historia i början av 1700-talet. Framgångar inom porträttgenren. Bilder skapade av Rokotov, Nikitin, Levitsky, Borovikovsky och andra författare från den tiden. Intresse för vardagsgenre och landskap. Funktioner av rysk målning av XIX-talet.

presentation, tillagd 2011-11-29

Studie av konstnären Andrei Rublevs kreativa arv. Analys av ikonmålaren Dionysius bidrag till utvecklingen av det ryska måleriet. Studerar hans konstnärliga metod. Framväxten av Stroganovs målarskola. Platsen för sekulär målning i rysk målning på 1500-talet.

presentation, tillagd 2014-09-18

Kreativitet hos Venetsianovs elever i rysk konsts historia. Romantik i rysk målning. Utveckling inom porträttmåleriet under andra hälften av 1800-talet. M. Vorobyov och hans skola. Ivanovs verk från den akademiska perioden. Utbredd illustration.

abstrakt, tillagt 2009-07-28

Trender i utvecklingen av rysk målning, bemästra linjärt perspektiv av konstnärer. Spridningen av oljemålningstekniker, uppkomsten av nya genrer. En speciell plats för porträtt, utvecklingen av en realistisk trend i rysk målning på 1700-talet.

presentation, tillagd 2011-11-30

Historien om rysk landskapsmålning. V. Polenovs liv och arbete. Poesi av det patriarkala Moskva i konstnärens målningar. Realism och andan av sociokritisk ironi, psykologiskt drama i historisk måleri av I. Repin. Porträttmålning av konstnären.

Introduktion

För sekelskiftets målare är andra uttryckssätt utmärkande än Vandrarnas, andra former av konstnärlig kreativitet – i bilder som är motsägelsefulla, komplicerade och endast indirekt speglar moderniteten, utan illustrativitet och berättande. Konstnärer söker smärtsamt harmoni och skönhet i en värld som i grunden är främmande för både harmoni och skönhet. Det är därför många såg sitt uppdrag i att odla en känsla av skönhet. Denna tid av "eves", förväntan på förändringar i det offentliga livet, gav upphov till många trender, associationer, grupperingar, en sammandrabbning av olika världsbilder och smaker.

Ursprung och koncept för symbolism

Som riktning utvecklas symboliken inom bildkonsten samtidigt med symboliken i litteraturen på 60-70-talet. 1800-talet, i dekadensens tidevarv. Men symbolikens karaktäristiska drag uppträder mycket tidigare: all medeltidens ikonografi och målning hade en djupt symbolisk karaktär.

Huvudmotiven för symbolik inom bildkonsten är eviga teman: död, kärlek, lidande.

Bildandet av silverålderskonstnären

Konstnären upphörde att uppfattas som en hantverkare, han blev tankarnas härskare. Han var en briljant utbildad man. Ett utmärkande drag för silverålderskonstnären var kreativ universalism. Suget efter universalism återupplivar inte den gamla romantiska idén om en syntes av konsten. Silveråldern erbjöd många alternativ för dess genomförande: i modernitet, i verksamheten i "World of Art" ...

Emellertid bestod universalismen inte bara i att behärska relaterade specialiteter. Det manifesterade sig i konstnärens önskan att föra kreativitet bortom den snäva professionella ramen för hans omedelbara specialitet. Först och främst var ämnet för ständiga hobbyer för konstnärerna från Silver Age filosofi. Vi har inte bara i åtanke närvaron av konsthistoria, filosofiskt-estetiska och filosofiska verk bland majoriteten av modernister, utan också den filosofisk-konceptuella karaktären av innehållet i deras konstverk, som ett resultat måste vi klassificera dem som filosofiskt tänkande konstnärer.

Därmed återvände den mytopoetiska världsbilden till kulturen, den poetisk-emotionella upplevelsen av världen, som var mer i linje med tidsandan än dess reflexivt-diskursiva bemästring. Mytologiserad världsbild och tänkande dialektiskt kopplat till den genom symboler stimulerade intresset för traditionell folkkonst, fri från direkt empirisk reproduktion av den omgivande verkligheten. De gamla kulturerna attraherades av det mytologiska konceptet om världen, dess holistiska och harmoniska uppfattning. Nymytologismen skiljde sig dock i grunden från mytologin som en form av antikens naivt-poetiskt tänkande.

Således överlagras upplevelsen av arkaiska epoker i kulturen och för konstnären på den moderna konstens försök att tränga in i de djupaste fördjupningarna i människans inre värld. Tack vare en speciell känsla och en speciell medvetenhet om nuet bildades silverålderns konstnär.

Perioder av historien om den ryska symboliken från silveråldern. Tidslinje för utveckling

Symbolism i Ryssland föddes under tre tidsperioder:

Den första täcker mitten av 1880-1900-talet. - tiden för födelsen och utvecklingen av symbolistiska tendenser i arbetet i Abramtsevo-cirkeln och konstnärer i Moskva, föreningen "World of Art";

Den andra perioden är begränsad till 1900-14. - den symbolistiska rörelsens storhetstid inom litteratur, teater och plastisk konst, när Vrubel, Borisov-Musatov, mästarna i "Konstens värld" och ungdomen i "Blue Rose" skapar, och när symbolismens principer är unika implementerad i det tidiga ryska avantgardets verk;

Den tredje är kopplad till eran av första världskriget och revolutionen som började i Ryssland (1914-1920) - integrerad i dess problem och prestationer.

Tema: "Silveråldern" i rysk konst.

Introduktion

1. Nytt konstkoncept

2. Konstnärliga rörelser och företrädare för strömningar

Slutsats

Litteratur

Introduktion

I Ryssland under den första tredjedelen av förra seklet inträffade ett kraftfullt andligt utbrott, som kastade in i världskulturens skattkammare många betydelsefulla idéer och verk inom områdena religiös och filosofisk tanke, alla typer av konst. Uppkomsten av silverålderns kreativa verksamhet påverkades av den ständigt stärkande känslan hos de mest känsliga tänkarna och konstnärerna av den växande, globala krisen av allt som aldrig tidigare hade hänt i mänsklighetens historia: kultur, konst, religion, andlighet, tillstånd, människan själv och mänskligheten, och samtidigt - den spända förväntan på ett visst en aldrig tidigare skådad skyhöghet av andlighet, kultur, själva existensen av en person till något i grunden nytt, oemotståndligt attraherande, stort, till "världsblomstring" , - enligt P. Filonov. De apokalyptiska känslorna av ett absolut slut krockade med inte mindre starka strävanden efter fundamentalt nya revolutionära omvandlingar.

Tre riktningar av den tidens intellektuella och konstnärliga kreativitet: religiös filosofi, symbolik och avantgarde var de viktigaste pelarna i silverålderns kultur.

Efter den mäktiga uppgången av den ryska kulturen, betecknad i vetenskapen som "Silveråldern", är det viktigt att försöka klargöra dess huvudparametrar och egenskaper, utifrån den moderna visionen av detta fenomen, för att förstå de problem som oroade skaparna och tänkare av denna fantastiska, andligt och konstnärligt mättade tid, för att identifiera de problem som skapas av deras värden.

Mycket görs redan i denna riktning, särskilt när det gäller studier av litteratur, konst och religiös filosofi. Därför är idén med arbetet att sammanfatta de mest värdefulla uppgifterna och slutsatserna från moderna forskare, och samtidigt vända sig till de ursprungliga mästerverken från Silver Age så mycket som möjligt. Och, sammanfatta analysen av materialet från denna period, skissera huvudlinjerna i den framväxande bilden av intellektuell och konstnärlig kreativitet.

Syftet med arbetet: att avslöja de viktigaste prestationerna i rysk konst under perioden av "Silveråldern".

1. Nytt konstkoncept

En ny stil inom rysk konst uppstod på 80-talet. 1800-talet starkt influerad av fransk impressionism. Dess storhetstid präglades av 1800- och 1900-talsskiftet.

Under flera decennier efter dess nedgång (redan i slutet av 10-talet av 1900-talet förlorade jugendstilen i rysk konst, som silveråldern förknippas med, sin dominerande roll till nya trender), silvrets konst. Ålder uppfattades som dekadens och dålig smak.

Men mot slutet av det andra årtusendet började beräkningarna förändras. Faktum är att det finns två typer av blomning av andlig kultur. Den första kännetecknas av kraftfulla innovationer och stora prestationer. Livliga exempel på detta är de grekiska klassikerna från 400- och 400-talen. FÖRE KRISTUS. och särskilt den europeiska renässansen.

Också i mitten av nittonde i. representanter för romantiken drömde om att skapa en enda stil som kunde omge en person med skönhet och därigenom förändra livet. Att förvandla världen med hjälp av konst - en sådan uppgift ställdes inför skaparna av det vackra av Richard Wagner och prerafaeliterna. Och redan i slutet av XIX-talet. Oscar Wilde sa att "livet imiterar konst snarare än livets konst." Det fanns en tydlig teatralisering av beteende och liv, spelet började bestämma inte bara arten av konstnärlig kultur, utan också livsstilen för dess skapare.

Silveråldern i rysk kultur är inte bara modern konst och arkitektur, inte bara en symbolistisk teater som förkroppsligade idén om en syntes av konst, när konstnärer och kompositörer arbetade med att iscensätta en föreställning tillsammans med regissörer och skådespelare, det är symbolistisk litteratur , och särskilt poesin, som i historiens världslitteratur kom under namnet "silverålderns poesi". Detta är stilen på eran, livsstilen.

Att göra en dikt av ditt liv är den viktigaste uppgiften som silverålderns hjältar ställde till sig. Således ville symbolisterna för det första inte skilja författaren från personen, litterär biografi från personligt. Symbolismen ville inte bara vara en litterär trend, utan försökte bli en livsviktigt kreativ metod. Det var en serie försök att hitta en obestridligt sann sammansmältning av liv och kreativitet, en sorts filosofens sten av konst.

Det fanns också mörka sidor av detta uppdrag. Överdrivet sätt och gester, en chockerande kostym, droger, spiritualism - på gränsen till århundraden bar allt detta tecken på att vara utvalt och gav upphov till ett slags snobbi.

Den litterära och konstnärliga bohemen, som ställde sig skarpt mot massorna, letade efter nyhet, ovanlighet, skärpa av upplevelser. Magi, spiritualism och teosofi lockade nyromantiska symbolister inte bara som färgstarkt material för konstverk, utan också som verkliga sätt att vidga sina egna andliga horisonter.

En ny generation av litterär och konstnärlig intelligentsia har dykt upp i Ryssland; den skilde sig markant från generationen av "sextiotalet" inte bara i kreativa intressen; yttre skillnader var också slående.

Så en enda stil som har sitt ursprung i Ryssland och blev synonym med begreppet silveråldern var verkligen universell, eftersom den - om än för en kort tid - täckte inte bara alla områden av kreativitet, utan också direkt livet för människor i fenan. de siecle eran. Sådan är varje bra stil.

Roerich (1874–1947)

Nicholas Roerich var inte bara en konstnär, utan också en historiker. Hans intresse för arkeologi är också känt. Detta återspeglas i hans konst. Konstnären var särskilt intresserad av den slaviska hedniska antiken och den tidiga kristendomen. Roerich är nära den andliga världen hos människor från det avlägsna förflutna, och deras förmåga att verka upplösas i den naturliga världen. Den avgörande rollen i bilden spelas av konturlinjer och lokala färgfläckar.

Bakst (1866–1924)

Lev Bakst, mer än andra World of Art-forskare, kom närmare den europeiska versionen av jugend. Den flexibla konturen, den generaliserade tolkningen av formen, färgens koncisthet och bildens platthet vittnar om inflytandet på Bakst av sådana västerländska konstnärer som Edvard Munch, Andres Zorn och andra.

Modellen för damen avbildad av Bakst var fru till Alexander Benois - Anna Karlovna. "En stilig dekadent ... svart och vitt, som en hermelin, med ett mystiskt leende a la Gioconda," skrev författaren och filosofen Vasily Rozanov om hjältinnan.

Somov (1869 -1939)

Konstantin Somov är en av de ljusaste konstnärerna i St. Petersburg-föreningen "World of Art". Han var en mästare på utsökt färgsättning och sofistikerad grafik.

Målningen "Harlequin and the Lady" gjordes av konstnären i flera versioner. I verk av 1910-talet. Somov upprepar ofta samma kompositionstekniker och ljuseffekter. Han brinner för 1700-talets konst - "den galanta tidsåldern". Hans målningar har ofta karaktärer från den italienska komedin av masker. Och här är den: en trädscen i förgrunden, bredvid huvudkaraktärernas gestalter upplysta av fyrverkerier, sedan en lucka ner i djupet, där små silhuetter av kostymklädda herrar och damer bråkar. Graciös konstteater för konst.

Borisov-Musatov (1870-1905)

I alla Borisov-Musatovs målningar kommer en romantisk dröm om vacker harmoni, helt främmande för hans samtida värld, till uttryck. Han var en sann lyriker, som subtilt kände naturen, kände sammansmältningen av människan med naturen.

"Pond", kanske konstnärens mest perfekta verk. Alla huvudmotiven i hans arbete finns här: en gammal park, "Turgenevs flickor", en allmän statisk komposition, en lugn färg, en ökad dekorativ effekt på "gobeläng" ... Bilderna av hjältinnorna i "Reservoaren" skildrar konstnärens syster och hustru.

I sitt mästerverk lyckades Borisov-Musatov skildra ett tidlöst tillstånd. Det generaliserade neutrala namnet "Pond" framkallar bilden av en universell harmonisk naturlig och mänsklig enhet - oskiljaktighet, och själva bilden förvandlas till ett tecken som kräver tyst kontemplation.

3. Litteratur, musik, teater, kombination av konster

Den mest avslöjande bilden av "Silveråldern" dök upp i litteraturen. Å ena sidan, i författares verk, bevarades stabila traditioner av kritisk realism. Tolstoj i sin sista konstverk tog upp problemet med personligt motstånd mot livets stela normer ("The Living Corpse", "Father Sergius", "After the Ball"). Huvudtanken med Tolstoys journalistik är omöjligheten att eliminera ondska med våld.

A.P. Chekhov skapade under dessa år pjäserna "Tre systrar" och " Körsbärsträdgården som återspeglade de viktiga förändringar som sker i samhället.

Socialt spetsiga intriger var också i ära bland unga författare. I. A. Bunin undersökte inte bara den yttre sidan av de processer som ägde rum på landsbygden (stratifieringen av bönderna, den gradvisa borttynnande av adeln), utan också de psykologiska konsekvenserna av dessa fenomen, hur de påverkade det ryska folkets själar ("Village", "Sukhodol", cykel av "bonde" berättelser). A. I. Kuprin visade den oattraktiva sidan av armélivet: soldaternas frihetsberömmelse, tomheten och bristen på andlighet hos "officerarnas herrar" ("Duell"). Ett av de nya fenomenen i litteraturen var reflektionen i den av proletariatets liv och kamp. Initiativtagaren till detta tema var A. M. Gorky ("Fiender", "Moder").

Under det första decenniet av XX-talet. en hel galax av begåvade "bonde" poeter kom till rysk poesi - S. A. Yesenin, N. A. Klyuev, S. A. Klychkov.

Samtidigt började en röst ljuda som presenterade sin redogörelse för den nya generationens representanter för realismen, som protesterade mot huvudprincipen för realistisk konst - den direkta skildringen av omvärlden. Enligt den här generationens ideologer är konst, som är en syntes av två motsatta principer - materia och ande, kapabel att inte bara "visa" utan också "omvandla" den existerande världen, skapa en ny verklighet.

Grundarna av en ny riktning inom konsten, symbolistiska poeter, förklarade krig mot den materialistiska världsbilden och hävdade att tro, religion är hörnstenen i mänsklig existens och konst. De trodde att poeter var utrustade med förmågan att ansluta sig till den andra världsliga världen genom konstnärliga symboler. Symbolism tog till en början formen av dekadens. Denna term antydde en stämning av dekadens, melankoli och hopplöshet, en uttalad individualism. Dessa drag var karakteristiska för den tidiga poesin av K. D. Balmont, A. A. Blok, V. Ya. Bryusov. Efter 1909 börjar ett nytt skede i symbolismens utveckling. Den är målad i slavofila toner, visar förakt för det "rationalistiska" västerlandet och förebådar den västerländska civilisationens död, representerad bland annat av det officiella Ryssland. Samtidigt övergår han till det naturliga folkliga krafter, till den slaviska hedendomen, försöker tränga in i den ryska själens djup och ser i det ryska folklivet rötterna till landets "andra födelse". Dessa motiv lät särskilt ljust i verk av Blok (de poetiska cyklerna "På Kulikovofältet", "Moderlandet") och A. Bely ("Silverduvan", "Petersburg"). Den ryska symboliken har blivit ett globalt fenomen. Det är med honom som, först och främst, begreppet "Silveråldern" hänger ihop.

Motståndarna till symbolisterna var acmeisterna (från grekiskan "acme" - den högsta graden av något, blommande kraft). De förnekade symbolisternas mystiska strävanden, proklamerade det inneboende värdet verkliga livet, uppmanas att återgå till ordens ursprungliga betydelse och befria dem från symboliska tolkningar. Huvudkriteriet för att utvärdera kreativitet för akmeister (N. S. Gumilyov, A. A. Akhmatova, O. E. Mandelstam) var den oklanderliga estetiska smaken, skönheten och förfining av det konstnärliga ordet. Och formalisterna förklarade tydligt och tydligt att deras morfologiska metod för att analysera studiekonst uppstod för att studera konst. av konstens konstnärskap, dvs. för dess estetiska egenskaper. De var övertygade om att "litterär", "poesi", d.v.s. ett konstverks konstnärliga väsen kan endast avslöjas genom en morfologisk analys av själva konstverket, och inte av vad det är en "reflektion" av, vem som skapat det och under vilka förutsättningar, hur det påverkar mottagaren, vad den har sociala, kulturella osv. menande. Huvudtermerna i deras kategoriska apparat var termerna material (det innefattade allt som konstnären gör ett verk av: ordet, språket i sig i dess vardagliga användning, tankar, känslor, händelser etc.) och form (vad konstnären ger till materialet i kreativ process). Själva verket kallades en sak, eftersom det i formalisternas förståelse inte skapades eller skapades, som den klassiska estetiken trodde, utan gjordes med hjälp av ett system av tekniker.

Rysk konstnärlig kultur i början av XX-talet. upplevde också inflytandet från det avantgarde som har sitt ursprung i västerlandet och omfamnat alla typer av konst. Denna ström har absorberat olika konstnärliga riktningar, som tillkännagav sitt brott med traditionella kulturella värderingar och proklamerade idén om att skapa en "ny konst". Futurister (från latinets "futurum" - framtiden) var framstående representanter för det ryska avantgardet. Deras poesi kännetecknades av ökad uppmärksamhet inte på innehållet, utan på formen av poetisk konstruktion. Futuristernas mjukvaruinstallationer var orienterade mot trotsig antiesteticism. I sina verk använde de vulgärt ordförråd, professionell jargong, dokumentspråket, affischer och affischer. Futuristernas diktsamlingar bar karaktäristiska titlar: "En smäll i ansiktet av offentlig smak", "Död måne" m.fl.. Den ryska futurismen representerades av flera poetiska grupperingar. De ljusaste namnen samlades in av St. Petersburg-gruppen "Gileya" - V. Khlebnikov, D. D. Burlyuk, V. V. Mayakovsky, A. E. Kruchenykh, V. V. Kamensky. Samlingar av dikter och offentliga tal av I. Severyanin var en fantastisk framgång.

Början av 1900-talet - det här är tiden för de stora ryska kompositörerna-innovatörerna A. N. Scriabin, I. F. Stravinsky, S. I. Taneyev, S. V. Rachmaninovs kreativa start. I sitt arbete försökte de gå utöver det traditionella klassisk musik, skapa nya musikaliska former och bilder.

De unga regissörerna A. A. Gorsky och M. I. Fokin lade, i motsats till akademismens estetik, fram principen om pittoreska, enligt vilken inte bara koreografen och kompositören utan också konstnären blev fullvärdiga författare till föreställningen. Baletterna av Gorsky och Fokine sattes upp i kulisserna av K. A. Korovin, A. N. Benois, L. S. Bakst, N. K. Roerich. Den ryska balettskolan i "Silveråldern" gav världen en galax av lysande dansare - A. T. Pavlov, T. T. Karsavin, V. F. Nijinsky och andra.

Ett anmärkningsvärt inslag i kulturen i början av XX-talet. var verk av framstående teaterregissörer. K. S. Stanislavsky, grundaren av den psykologiska skådespelarskolan, trodde att teaterns framtid låg i djup psykologisk realism, i att lösa de viktigaste uppgifterna för skådespelartransformation. V. E. Meyerhold sökte inom området teatralisk konventionalitet, generalisering, användning av element i en folkshow och maskteater. E. B. Vakhtangov föredrog uttrycksfulla, spektakulära, glada föreställningar.

I början av XX-talet. allt tydligare fanns en tendens att kombinera olika typer av kreativ aktivitet. I spetsen för denna process stod "Konstens värld", som i sina led förenade inte bara konstnärer utan också poeter, filosofer, musiker. Åren 1908-1913. S. P. Diaghilev organiserade i Paris, London, Rom och andra huvudstäder i Västeuropa "Russian Seasons", presenterad av balett- och operaföreställningar, teatermålning, musik, etc.

Slutsats

Konst i sammanhanget "Silveråldern" förstås som resultatet av gudomligt inspirerad kreativitet, och konstnären som en av Gud utvald ledare av andliga bilder, uttryckta uteslutande i konstnärlig form, vars handlingar styrs av gudomliga krafter. I linje med denna estetik verkade konstnärlig kreativitet vara en idealisk grund på vilken inte bara mänskligt liv och framtidens kultur skulle byggas, utan också processen att skapa världen skulle fullbordas med ansträngningar från konstnär-skapare-theurges. . I huvudsak var konsten här en innovativ utveckling av traditionella kristna estetiska värden i aspekten att föra dem närmare verkligheten. modernt liv och med fokus på en man från 1900-talets andliga, vetenskapliga, konstnärliga sökande och strävanden.

De ryska symbolisterna spelade en viktig roll i utvecklingen av silverålderns estetik. Symbolismen fick en stark nationell färg bland de största unga symbolisterna Andrei Bely, Vyacheslav Ivanov, Alexander Blok, Ellis m.fl.Vyacheslav Ivanov var övertygad om att ett fundamentalt nytt stadium av konstnärlig kreativitet närmade sig, då all konst skulle kombineras till ett slags konstnärligt och religiöst mysterium - en sorts syntetisk helig handling där både utbildade skådespelare och alla åskådare kommer att delta aktivt. En sann symbolistisk framtidskonstnär måste enligt Ivanov kreativt inse sambandet "med den gudomliga totala enheten", uppleva myten som en händelse personlig erfarenhet och sedan uttrycka det i min mystiska kreativitet. För Andrei Bely hade konstens väsen och innebörd en teosofisk-religiös färgning, och i teurgin som symbolismens huvudmål såg han konstens återkomst till religiös verksamhets sfär för livets omvandling.

Representanter för "Konstens värld" förenades av två huvudidéer, två estetiska trender: 1) Önskan att återvända till rysk konst som sin huvudsakliga sak, men helt bortglömd på 1800-talet. kvalitet - konstnärskap, befria den från all tendensiöshet (social, religiös, politisk, etc.) och rikta den in i en rent estetisk riktning. Därav sloganen l "art pour l" art, populär bland konstvärlden, sökandet efter skönhet i allt, förkastandet av ideologin och den konstnärliga praktiken av akademiism och vandring, intresse för romantiska och symbolistiska trender inom konsten. 2) Romantisering, poetisering, estetisering av ryska nationellt arv, intresse för folkkonst, för vilket föreningens huvudmedlemmar fick smeknamnet "tillbakablickande drömmare" i konstnärliga kretsar. Särskilt utmärkte sig K.A. Somov och A.N. Benois, som försökte återuppliva och föreviga i konsten de gångna århundradenas liv i dess väsen - skönhet och "underbart mysterium". Och Roerich, inte utan inflytande från den europeiska esoterismen, som var populär på den tiden i Ryssland, riktade sin andliga blick mot öster och fann i sin mystiska uråldriga visdom något som han inte hittade på europeisk mark. Roerichs ägnade i sina texter särskild uppmärksamhet åt Skönhet, Konst, Kultur som de viktigaste och mest nödvändiga fenomenen på den andliga utvecklingens väg.

Miriskusniki skapade en gedigen rysk version av den estetiskt skärpta rörelsen från sekelskiftet, som odlade en hög konstnärlig smak, drogs mot nyromantikens eller symbolismens poetik, mot linjens dekorativitet och estetiska melodiöshet, och i Ryssland var kallas den "moderna" stilen. Deltagarna i rörelsen själva (Benois, Somov, Dobuzhinsky, Bakst, Lansere, Ostroumova-Lebedeva, Golovin, Bilibin) var inte stora konstnärer, skapade inte konstnärliga mästerverk eller enastående verk, men skrev flera anmärkningsvärda estetiska sidor i Rysslands historia konst, som faktiskt visar världen att vår konst inte är främmande för andan av nationellt orienterad estetik.

Litteratur

1. Arnoldov A.I. Det kommande århundradets civilisation. - M .: "Graal", 2007. - 328 s.

2. Akhiezer A.S. Konstens sociokulturella dynamik i Ryssland // Polis. - 2001. - Nr 5. 27-32s.

3. Gromov M.N. Den ryska kulturens eviga värden // Filosofifrågor. - 2004. - Nr 1. 41-53s.

4. Gurevich P.S. Kulturologi. – M.: Gardariki, 2000. – 280 sid.

5. Emelyanov B.V., Novikov A.I. Silverålderns ryska filosofi: En kurs med föreläsningar. - Jekaterinburg, 2005. - 320 sid.

6. Ionin L.G. Kultursociologi: vägen till det nya millenniet. - M .: "Logos", 2000. - 432 sid.

7. Kondakov I.V. Rysk kultur: en kort beskrivning av historia och teori: Lärobok för universitetsstudenter. - M .: Bokhuset "Universitetet", 2005. – 360 sid.

8. Kononenko B.I., Boldyreva M.G. Kulturologi: Lärobok. - M .: "Shield-M", 2006. - 292 sid.

9. Krichevskaya Yu.R. Modernism in Russian Literature: The Epoch of the Silver Age ( handledning). - M .: LLP "IntelTech", 2004. - 398 sid.

10. Mamontov S.P. Grunderna i kulturstudier. – M.: Olimp, 2001.– 436 sid.

11. Morozov N.A. Ways of Russia: moderniseringen av icke-europeiska kulturer. – M.: Varna, 2001. .– 328 sid.

12. Rapatskaya L.A. Silverålderns konst. - M .: ZAO Publishing House EKSMO-Press, 2003. – 912 sid.

13. Sarychev V.A. Ryska modernismens estetik. - Voronezh, 1991. -244s.

Rapatskaya L.A. Silverålderns konst. - M .: ZAO Publishing House EKSMO-Press, 2003. – 638 sid.

Sarychev V.A. Ryska modernismens estetik. - Voronezh, 1991. -189s.

Sarychev V.A. Ryska modernismens estetik. - Voronezh, 1991. -172s.

"Silveråldern" av rysk poesi. //Komp. V. Dorozhkina, T. Kurnosova. - Tambov: Publishing House of INTS, 2004. -75s.

glida 2

"Silveråldern" är korsningen mellan två århundraden i Rysslands historia: XIX och XX. Vid denna tid dök följande konstnärliga riktningar upp: Realism; Modernism

glida 3

Realism. V.M. Vasnetsov

Viktor Mikhailovich Vasnetsov 1848-1926 - Rysk målare och arkitekt, mästare i historisk och folkloristisk målning. Gamayoun 1897

glida 4

Bogatyrs 1898

glida 5

Modernism

Modernismens huvudprincip: idén om oförmågan hos konsten från tidigare epoker att bekämpa brist på frihet och omänsklighet, oförmågan att fånga allt detta. Modernismens huvuddrag: konstnären riktar sin vilja och kreativitet för att slåss mot den grymma verkligheten, raderar gränserna för tidigare ideal.

glida 6

Modernism inom bildkonsten är ett kulturellt lager som omfattar många begrepp: impressionism, expressionism, kubism, symbolism, futurism.

Bild 7

Impressionism

Impressionism (från intryck - intryck) - en trend i konsten i slutet av XIX - början av XX-talet. Dök upp i Frankrike. Representanter försökte fånga den verkliga världen i dess rörlighet och variation på det mest naturliga och opartiska sättet, för att förmedla sina flyktiga intryck.

Bild 8

V.A. Serov

Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911) - Rysk målare och grafiker, porträttmästare.

Bild 9

Konstnärens kusiner

Bild 10

Expressionism

Expressionism (av expressio, "expression") är en trend inom modernismen som utvecklades mest under de första decennierna av 1900-talet, främst i Tyskland och Österrike. Expressionismen strävar inte så mycket efter att reproducera verkligheten som att uttrycka författarens känslomässiga tillstånd.

glida 11

"Scream" av den norske konstnären Edvard Munch (1893) - ett slags skyltfönster för expressionistisk konst

glida 12

Marc Chagall grafiker, teaterkonstnär, illustratör

Brud med fläkt 1911 Jag och byn 1911

glida 13

Kubism

Kubism (fr. Cubisme) är en modernistisk trend inom bildkonsten, främst inom måleriet, som har sitt ursprung i början av 1900-talet och kännetecknas av användningen av eftertryckligt geometriserade villkorsformer, önskan att "dela upp" verkliga föremål till stereometriska primitiver. Lentulov. Basilika den välsignade. ringande

Bild 14

Lyubov Sergeevna Popova

Porträtt av en filosof, 1915

glida 15

Symbolism

Symbolism (fr. Symbolisme) är en av de största trenderna inom konsten som uppstod i Frankrike och nådde sin största utveckling vid 1800- och 1900-talets skift, främst i Frankrike, Belgien och Ryssland. Symbolisterna förändrade radikalt inte bara olika typer av konst, utan också själva inställningen till den. Symbolister använde symbolik, underdrift, tips, mysterium, mysterium.

glida 16

MI. Vrubel

Mikhail Alexandrovich Vrubel (5 mars 1856 - 1 april 1910) - Rysk konstnär från början av XIX-XX-talet, som förhärligade sitt namn i nästan alla typer och genrer av konst.

De flesta ryska konstnärers arbete under denna period är svårt att tillskriva någon stil. Alla kombinerade i sina verk drag av olika trender och stilar - från realism och impressionism till symbolism och modernitet. Så, Mikhail Vasilievich Nesterov(1862-1942) började skriva på det realistiska sättet som Wanderers, men den andliga kris han upplevde tvingade honom att vända sig till bilderna av det förflutnas heliga asketer. Så här dök ett av Nesterovs mest kända verk - "Vision till ungdomen Bartholomew" (1889-1890), skrivet på grundval av en episod från Sergius av Radonezhs liv. En enorm belastning i den här bilden är landskapet, som skapar en stämning av kontemplation och frid. Denna bild var början på "Sergius-cykeln" (1892-1899), som inkluderade ett antal verk tillägnade St. Sergius. Samtidigt dök många verk upp, vars hjältar var munkar, eremiter, eremiter, också skrivna mot bakgrund av ett diskret ryskt landskap ("Under the Blagovest", "Stor tonsur", etc.).

M.V. Nesterov heliga Ryssland

Landmärke för konstnärens arbete var målningarna "Heliga Ryssland", som föreställer Kristus omgiven av ryska helgon och människor, och "I Ryssland", som visar processionen. I dem lyckades Nesterov skapa en generaliserad bild av det ryska folket.

En mycket viktig del av konstnärens kreativa arv var porträttgenren. Särskilt intressanta är porträtten av framstående ryska filosofer och religiösa personer - P.A. Florensky och S.N. Bulgakov, skriven av dem som promenerar nära Treenigheten-Sergius Lavra, samt ett porträtt av I.A. Ilyin. Ett stort antal porträtt av Moskva-forskare och konstnärer skapades av Nesterov under sovjettiden (han målade inte något annat efter revolutionen).

För kreativitet Konstantin Alekseevich Korovin(1861 - 1939) Impressionismen hade ett stort inflytande. I hans målningar finns ett subtilt spel av ljus och skugga och förmågan att förmedla flyktiga intryck och förnimmelser. Detta skapar en atmosfär av glädje och livsfullhet som är inneboende i Korovins målningar. Han hade en rent impressionistisk likgiltighet för handlingen och innehållet och ökade uppmärksamheten på formen, lusten att lösa rent bilduppgifter ("Porträtt av en refräng", landskap "Paris. Capuchin Boulevard", "In Winter", stilleben "Fisken" , vin och frukt").

Den mest kända delen av det kreativa arvet Valentin Alexandrovich Serov(1865-1911) - porträtt. Bland dem är den berömda "Girl with Peaches", ett porträtt av dottern till S.I. Mamontov, där han helt lyckades förmedla känslan av friskhet, ungdom och renhet. Konstnären placerade skickligt sina modeller i sin bekanta miljö, vilket betonade de exakta psykologiska bilder som konstnären skapade. Det var därför, även om många försökte beställa ett porträtt från en fashionabel och berömd konstnär, var de samtidigt rädda för hans skoningslösa utseende och egenskaperna som han gav till sina karaktärer. Så, konstnärens ironi är tydligt synlig i porträtten av S.M. Botkina, Z.N. Yusupova, storhertig Pavel Alexandrovich. Mest av allt gillade Serov att måla konstnärer, författare, konstnärer (på 1890-talet målade han porträtt av K.A. Korovin, N.S. Leskov, I.I. Levitan, N.A. Rimsky-Korsakov och 1905-1911 - M. N. Ermolova, F. O. I, Ch. M. A. Morozov, V. I. Kachalov, T. P. Karsavina).

Inte mindre intressant är Serovs landskap, målade på ett impressionistiskt sätt. Han lyckades perfekt förmedla den diskreta skönheten i det ryska landskapet ("Vinter i Abramtsevo. Kyrka", "Overgrown Pond", "Oktober. Domotkanovo", etc.). Genom att delta i utställningar av föreningen "World of Art", blev Serov intresserad av historiska ämnen. Så uppstod en cykel av blyertsteckningar, gouacher, akvareller, tempera och oljemålningar. Små kompositioner verkar ovanligt viktiga, som om de skrivits från livet ("Peter II och Elizabeth Petrovna jaktresa", "Peter I"). Mycket intressanta är Serovs målningar, målade efter en resa till Grekland 1907. Bland dem finns det berömda verket "The Abduction of Europe", skrivet i jugendstil, med sina karakteristiska rena, ljusa färger, en subtil kombination av konventionalitet och verklighet .

Han kombinerade impressionismens drag med sina egna iakttagelser av naturen i sitt arbete. Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov(1870-1905). Han var inte så mycket intresserad av handlingen som av målarteknik. Han försökte fånga luft- och färgspelet. I slutet av 1890-talet bestämdes utbudet av ämnen av intresse för konstnären - den idealiserade världen av de gamla "ädla bon", där han gömde modernitetens omvälvningar. Borisov-Musatovs målningar är målade i tekniken för pastell och tempera, vilket ger milda, dämpade toner - "Självporträtt med syster", "Höstmotiv", "Harmony", "Walk", "Tapestry". I konstnärens senare verk växte stämningen av värkande längtan efter det förflutna gradvis till ångest, melankoli och förtvivlan - "Pond", "Emerald Necklace", "Ghosts", "Requiem".

V.A. Serov

Porträtt av Ida Rubinstein

Porträttet speglar temat "liv för show", som fängslade konstnären. Ida Rubinstein är en känd dansare och skådespelerska vars liv tillbringades under allmänhetens granskning.

V.E. Borisov-Musatov. Självporträtt med syster

I sina dukar försökte konstnären, liksom impressionisterna, fånga luft- och färgspelet.

K.S. Petrov-Vodkin. Dröm

Bilden är löst i symbolikens anda. Den sovandes uppvaknande väntar, som två öden, två jungfrur

M. Vrubel. Panorera

Tystnad och mystik är fullfjädrade karaktärer i Vrubels dukar

Jag har letat efter mitt eget sätt att måla i hela mitt liv Mikhail Alexandrovich Vrubel(1856-1910), som också arbetade mycket som dekoratör, majolikamästare och inredningsarkitekt. Hans bildmässiga sätt att krossa former till kanter, målade från insidan med ljus och färg, låg nära symboliken. Vrubels musa var sångerskan Nadezhda Zabela, som senare blev hans fru. Vi hittar dess egenskaper i många kända verk av konstnären - "Svanprinsessan", "Lilac". Vrubel vände sig väldigt ofta till folklore, mytologi, medeltida motiv (Paris-domen, kompositionerna Faust, Margarita och Mephistopheles, Mikula Selyaninovich, Drömmarnas prinsessa). En betydande plats i Vrubels arbete upptas av bilden av demonen, där konstnären försökte förkroppsliga idén om att utmana världen, individens impuls till frihet. Konstnären återvände gång på gång till demonen och ritade honom på olika sätt ("Demon besegrad", "Demon sitter"). Vrubel var också en utmärkt porträttmålare, som lätt förmedlade en persons likhet och karaktärsdrag. 1902 blev Vrubel allvarligt sjuk och tillbringade resten av sitt liv på sjukhus och förstörde nästan alla hans teckningar och skisser.

En konsekvent symbolist var Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin(1878-1939). Serov, Vrubel, Gauguin, Chavannes, Nabister hade ett allvarligt inflytande på hans kreativa stil, men gradvis blir traditionen av forntida rysk konst det viktigaste för honom. mogen mästare han blev på 1910-talet. Sedan dök sådana berömda verk av honom som "Dröm", "Pojkar" upp. Programmet i konstnärens verk var målningen "Bathing the Red Horse", som förkroppsligar drömmen om skönhet, om beredskap för framtida prövningar. Färger spelar en speciell roll i målningarna av Petrov-Vodkin, färg blir grunden för symbolen, uttrycket för konstnärens säregna mytologiska tänkande. Senare dök andra verk av konstnären upp där han utvecklade samma principer - "Mor", "Girls on the Volga", "Morgon". Badande", "1918 i Petrograd", "Kommissariens död". Konstnären förblev trogen sin kreativa stil även under sovjettiden.