Publikacije muzejskega oddelka

Starorimska tragedija, ki je postala zmagoslavje Karla Bryullova

Karl Bryullov se je rodil 23. decembra 1799. Carl, sin francoskega kiparja Paula Brulla, je bil eden od sedmih otrok v družini. Tudi njegovi bratje Pavel, Ivan in Fedor so postali slikarji, brat Aleksander pa arhitekt. Vendar je bil najbolj znan Karl, ki je leta 1833 naslikal platno "Zadnji dan Pompejev" - glavno delo njegovega življenja. Kultura.RF se je spomnila, kako je nastalo to platno.

Karl Bryullov. Avtoportret. 1836

Zgodovina nastanka

Slika je bila naslikana v Italiji, kamor je umetnik leta 1822 za štiri leta odšel na upokojensko potovanje iz Cesarske akademije umetnosti. A tam je živel 13 let.

Zgodba pripoveduje o starodavni rimski tragediji - smrti starodavnega mesta Pompeji, ki se nahaja ob vznožju Vezuva: 24. avgusta 79 AD. e. Vulkanski izbruh je terjal življenja 2000 ljudi.

Leta 1748 je začel vojaški inženir Roque de Alcubierre arheološka izkopavanja na mestu tragedije. Odkritje Pompejev je postalo senzacija in se je odražalo v delu različnih ljudi. Tako se je leta 1825 pojavila opera Giovannija Pacinija, leta 1834 pa zgodovinski roman Angleža Edwarda Bulwer-Lyttona, posvečen smrti Pompejev.

Bryullov je mesto izkopavanja prvič obiskal leta 1827. 28-letni umetnik si ob odhodu v ruševine ni predstavljal, da bo to potovanje zanj usodno: "Ne morete iti skozi te ruševine, ne da bi v sebi začutili nekaj popolnoma novega občutka, zaradi katerega pozabite na vse, razen na grozen dogodek s tem mestom."- je zapisal umetnik.

Občutki, ki jih je Karl Bryullov doživljal med izkopavanji, ga niso zapustili. Tako se je rodila ideja o platnu zgodovinska tema. Slikar je ob delu na ploskvi študiral arheološke in literarne vire. "To kuliso sem vzel iz narave, ne da bi se sploh umaknil in brez dodajanja, stal s hrbtom proti mestnim vratom, da bi videl del Vezuva kot glavni razlog.". Modeli likov so bili Italijani - potomci starodavnih prebivalcev Pompejev.

Na stičišču klasicizma in romantike

V tem delu se Bryullov ne kaže kot tradicionalni klasik, ampak kot umetnik romantične smeri. Torej njegova zgodovinska zgodba ni posvečena enemu junaku, temveč tragediji celotnega naroda. In kot zaplet ni izbral idealizirane podobe ali ideje, temveč resnično zgodovinsko dejstvo.

Res je, da Bryullov gradi kompozicijo slike v tradiciji klasicizma - kot cikel posameznih epizod, zaprtih v trikotniku.

Na levi strani slike v ozadju je več ljudi upodobljenih na stopnicah velike zgradbe Scaurusove grobnice. Ženska gleda neposredno v gledalca, v očeh katerega se bere groza. In za njim je umetnik s škatlo barv na glavi: to je Bryullov avtoportret, ki doživlja tragedijo skupaj s svojimi liki.

Gledalcu je bližje zakonski par z otroki, ki poskušata pobegniti iz lave, v ospredju pa ženska stiska k sebi svoje hčere ... Poleg nje je krščanski duhovnik, ki je svojo usodo že zaupal Bogu in je torej miren. V globini slike vidimo poganskega rimskega svečenika, ki skuša pobegniti z odnašanjem obrednih vrednosti. Tu Bryullov namiguje na padec starodavnega poganskega sveta Rimljanov in začetek krščanske dobe.

Na desni strani slike v ozadju je jezdec, ki se je dvignil. In bližje gledalcu - zgroženi ženin, ki poskuša v naročju držati svojo nevesto (obešena je z rožnim vencem), ki je izgubila zavest. V ospredju dva sinova nosita starega očeta v naročju. In poleg njih je mladenič, ki roti svojo mamo, naj vstane in pobegne dlje od tega vsepožirajočega elementa. Mimogrede, ta mladenič ni nihče drug kot Plinij Mlajši, ki je res pobegnil in zapustil svoje spomine na tragedijo. Tukaj je odlomek iz njegovega pisma Tacitu: »Gledam nazaj. Prehitela nas je gosta črna megla, ki se je kot potok razlivala po tleh. Povsod je padla noč, za razliko od brezmesečne ali oblačne: tako temno je le v zaklenjeni sobi z ugasnjenimi ognji. Slišal se je ženski krik, cviljenje otrok in jok moških, nekateri so klicali starše, drugi otroke ali žene in jih skušali prepoznati po glasu. Nekateri so objokovali njihovo smrt, drugi smrt bližnjih, nekateri so v strahu pred smrtjo molili za smrt; mnogi so dvignili roke k bogovom; večina je razlagala, da bogov ni nikjer in za svet je bila to zadnja večna noč..

Na sliki ni glavnega junaka, so pa osrednji: zlatolasi otrok ob ležečem telesu svoje pokojne matere v rumeni tuniki je simbol propada starega sveta in rojstva novega, to je nasprotje življenja in smrti - v najboljših tradicijah romantike.

Na tej sliki se je Bryullov pokazal tudi kot inovator, saj je uporabil dva vira svetlobe - vročo rdečo luč v ozadju, ki daje občutek bližajoče se lave, in hladno zelenkasto modro v ospredju, kar je zapletu dodalo dodatno dramaturgijo.

Svetla in bogata barva te slike tudi krši klasične tradicije in nam omogoča, da govorimo o umetniku kot o romantiku.

Zmagoslavna povorka slike

Karl Bryullov je na platnu delal šest let - od 1827 do 1833.

Slika je bila prvič predstavljena javnosti leta 1833 na razstavi v Milanu - in takoj naredila pljusk. Umetnik je bil počaščen kot rimski zmagovalec, o sliki so v tisku pisali pohvalne ocene. Bryullova so na ulici pozdravili z aplavzom, med njegovimi potovanji po mejah italijanskih kneževin pa niso potrebovali potnega lista: veljalo je, da ga vsak Italijan že pozna na videz.

Leta 1834 je bil na pariškem salonu predstavljen Zadnji dan Pompejev. Francoska kritika je bila za razliko od italijanske bolj zadržana. Toda strokovnjaki so delo cenili po resnični vrednosti in Bryullovu podelili zlato medaljo Francoske akademije umetnosti.

Platno je naredilo senzacijo v Evropi, v Rusiji pa so ga nestrpno pričakovali. Istega leta je bil poslan v Sankt Peterburg. Ko je videl sliko, je Nikolaj I izrazil željo, da bi osebno spoznal avtorja, vendar je umetnik odšel na potovanje v Grčijo z grofom Vladimirjem Davidovom in se vrnil v domovino šele decembra 1835.

11. junija 1836 so se v Okrogli dvorani Ruske akademije umetnosti, kjer je bila razstavljena slika »Zadnji dan Pompejev«, zbrali častni gostje, člani Akademije, umetniki in samo ljubitelji umetnosti. Avtorja platna, "velikega Karla", so v naročju odnesli v dvorano ob navdušenih vzklikih gostov. "Množice obiskovalcev, bi lahko rekli, so vdrle v dvorane Akademije, da bi pogledale Pompeje.", - piše sodobnik in priča tega uspeha, ki mu noben ruski umetnik ni poznal enakega.

Naročnik in lastnik slike Anatolij Demidov jo je podaril cesarju, Nikolaj I. pa jo je postavil v Eremitaž, kjer je ostala 60 let. In leta 1897 je bil prenesen v Ruski muzej.

Slika je dobesedno navdušila vse Ruska družba in najboljši umi tega časa.

Umetnostne mirovne trofeje
Pripeljal si v očetovsko krošnjo.
In bil je "Zadnji dan Pompejev"
Za rusko ščetko prvi dan! -

o sliki je pisal pesnik Jevgenij Boratinski.

Aleksander Puškin ji je posvetil tudi pesmi:

Vesuvius zev se je odprl - v klubu je bruhal dim, plameni
Široko razvit kot bojni prapor.
Zemljo skrbi - od opotekajočih se stolpcev
Idoli padajo! Ljudje, ki jih žene strah
Pod kamnitim dežjem, pod vnetim pepelom,
Množice, stari in mladi, bežijo iz mesta.

Omenja "Zadnji dan Pompejev" in Mihaila Lermontova v romanu "Princesa Ligovskaya": »Če imate radi umetnost, potem lahko povem zelo dobro novico: Bryullova slika »Zadnji dan Pompejev« gre v Sankt Peterburg. Zanjo je vedela vsa Italija, Francozi so jo razstavili.- Lermontov je očitno vedel za ocene pariškega tiska.

Ruski zgodovinar in popotnik Aleksander Turgenjev je dejal, da je ta slika slava Rusije in Italije.

In Nikolaj Gogol je sliki posvetil dolg članek in zapisal: »Njegov čopič vsebuje poezijo, ki jo lahko le občutiš in vedno prepoznaš: naši občutki vedno poznajo in celo vidijo razlikovalne lastnosti, vendar njihove besede nikoli ne povedo. Njena barva je tako svetla, kot skoraj nikoli prej, njene barve žarijo in hitijo v oči. Bili bi nevzdržni, če bi se umetniku zdeli za stopnjo nižji od Brjullova, a v njem so oblečeni v to harmonijo in dihajo tisto notranjo glasbo, s katero so napolnjeni živi predmeti narave..

Ruski umetnik Karl Bryullov je bil nedvomno zelo cenjen zaradi svoje izdelave že dolgo pred nastankom te mojstrovine. Kljub temu je "Zadnji dan Pompejev" Bryullovu brez pretiravanja prinesel svetovno slavo. Zakaj je imela slika katastrofe tako velik odmev v javnosti in katere skrivnosti še skriva pred občinstvom?

Zakaj Pompeji?

Konec avgusta 79 našega štetja so zaradi izbruha Vezuva mesta Pompeji, Herculaneum, Stabiae in številne majhne vasi postale grobnice za več tisoč lokalnih prebivalcev. Prava arheološka izkopavanja območij, ki so potonila v pozabo, so se začela šele leta 1748, to je 51 let pred rojstvom samega Karla Bryullova. Jasno je, da arheologi niso delali en dan, ampak več desetletij. Zahvaljujoč tej okoliščini je umetniku uspelo osebno obiskati izkopanine in se sprehajati po starih rimskih ulicah, ki so bile že osvobojene strjene lave. Poleg tega so se v tistem trenutku izkazali za najbolj očiščene Pompeje.

Skupaj z Bryullovim je tam hodila tudi grofica Julija Samoilova, do katere je Karl Pavlovič gojil topla čustva. Kasneje bo igrala veliko vlogo pri ustvarjanju mojstrovine ljubimca in celo več kot enega. Bryullov in Samoilova sta imela priložnost videti stavbe starodavnega mesta, obnovljene gospodinjske predmete, ostanke mrtvih ljudi. Vse to je pustilo globok in živ pečat na subtilni naravi umetnika. Bilo je leta 1827.

Izginotje likov

Bryullov se je pod vtisom skoraj takoj lotil dela, poleg tega zelo resno in temeljito. Več kot enkrat je obiskal bližino Vezuva in delal skice za prihodnje platno. Poleg tega se je umetnik seznanil z rokopisi, ki so se ohranili do danes, vključno s pismi očividca katastrofe, starorimskega politika in pisatelja Plinija Mlajšega, čigar stric je Plinij Starejši umrl med izbruhom. Seveda je tako delo zahtevalo veliko časa. Zato je priprava na pisanje mojstrovine Bryullov trajala več kot 5 let. Samo platno s površino več kot 30 kvadratnih metrov je ustvaril v manj kot letu dni. Od izčrpanosti umetnik včasih ni mogel hoditi, dobesedno so ga odnesli iz delavnice. Toda tudi s tako skrbno pripravo in trdim delom na mojstrovini je Bryullov nenehno spreminjal prvotno idejo na tak ali drugačen način. Na primer, ni uporabil skice, ki je prikazovala, kako tat snema nakit padli ženski.

Enaki obrazi

Ena glavnih skrivnosti, ki jih lahko najdemo na platnu, je prisotnost več enakih ženskih obrazov na sliki. To je deklica z vrčem na glavi, ženska, ki leži na tleh z otrokom, pa tudi mati, ki objema svoje hčere, in oseba z možem in otroki. Zakaj jih je Bryullov narisal tako podobno? Dejstvo je, da je ista gospa služila kot prijazna do vseh teh likov - ista grofica Samoilova. Kljub dejstvu, da je umetnik na sliki naslikal druge ljudi iz navadnih prebivalcev Italije, je očitno Samoilov Bryullov, ki so ga prevzeli določeni občutki, preprosto rad pisal.

Poleg tega lahko v množici, upodobljeni na platnu, najdete samega slikarja. Upodobil se je takšnega, kakršen je, umetnika s škatlo, napolnjeno z umetniškimi pripomočki, na glavi. To metodo, kot nekakšen avtogram, so uporabljali številni italijanski mojstri. In Bryullov je preživel veliko let v Italiji in tam je študiral umetnost slikanja.

krščanski in poganski

Med liki mojstrovine je tudi pripadnik krščanske vere, ki ga je zlahka prepoznati po križu na prsih. K njemu se stisne mati z dvema hčerkama, kot bi iskala zaščite pri starcu. Vendar pa je naslikal Bryullova in poganskega duhovnika, ki hitro pobegne, ne da bi bil pozoren na prestrašene meščane. Nedvomno je bilo krščanstvo v tistem času preganjano in ni zagotovo znano, ali bi kdo od privržencev te vere lahko bil takrat v Pompejih. Toda Bryullov, ki se je poskušal držati dokumentarne pristnosti dogodkov, je v svoje delo vnesel skriti pomen. S pomočjo omenjenih svečenikov ni prikazal samo kataklizme same, temveč izginjanje starega in rojstvo novega.

K. Brjulov. Avtoportret. (romantika)

Rojen v družini umetnika, akademika, učitelja Akademije za umetnost. Že v otroštvu je njegov oče veliko delal z njim, kar ni moglo, da ne pusti vtisa na njegovo delo. V svojih delih je običajno sledil slogu klasicizma ( umetniški slog, prevedeno iz latinščine kot "zgledno", pri čemer jemlje tradicijo antike in renesanse kot ideal. Klasicizem povzdiguje junaštvo, visoko državljanstvo, občutek dolžnosti, obsoja pregrehe.), ki jih je Akademija umetnosti vztrajno uvajala v svoje zidove. Vendar, kot bomo videli, tudi trendi Bryullova niso pustili ravnodušnega. Briljantno je diplomiral na akademiji, prejel veliko zlato medaljo in se nato izpopolnjeval v Italiji, kjer je hitro dosegel evropsko priznanje. Zapleti mnogih njegovih slik se zgledujejo po italijanskih motivih. Bryullov ima v lasti platna na zgodovinske in mitološke teme ter na vsakdanje teme. Slikal je tudi ilustracije za literarna dela in veliko portretov.

Zadnji dan Pompejev (1833)

Slika poustvarja smrt starodavnega mesta Pompeji med izbruhom Vezuva leta 79 našega štetja. To je ogromno platno, visoko 4,5 metra in dolgo 6,5 metra.

Najbolj zapleteno krajinsko ozadje, večfiguralna kompozicija je zahtevala napor fizične in ustvarjalne energije. Uspeh slike je posledica nevihtne drame prizora, sijaja in svetlosti barv, obsega kompozicije, kiparske jasnosti in izraznosti oblik.

Vesuvius zev se je odprl - kadil se je dim, ognjeni klub

Široko razvit kot bojni prapor,

Zemlja je zaskrbljena - od opotekajočih se stolpcev

Idoli padajo! Ljudje, ki jih žene strah

Pod kamnitim dežjem, pod vnetim pepelom,

Množice, stari in mladi, bežijo iz mesta.

Glavno je, da je slikar prepričljivo pokazal: ne, najbolj neusmiljene in neizogibne sile niso sposobne uničiti človeka v človeku. Če pogledate sliko, opazite, da tudi v trenutku smrti vsak od upodobljencev ne išče toliko odrešitve zase, temveč želi najprej rešiti ljudi, ki so mu blizu in dragi. Torej moški v samem središču slike, ki iztegne odprto dlan svoje leve roke proti mogočnemu nebu, ne ščiti sebe pred padajočimi kamni, temveč svojo ženo, ki jo je pokril s svojim plaščem. Ženska, ki se upogne in nagne naprej s celim telesom, poskuša s telesom pokriti otroke.

Tukaj so odrasli otroci, ki poskušajo rešiti svojega starega očeta iz ognja. Tu mati prepričuje sina, naj jo zapusti, da se reši. In tukaj je ženin z mrtvo nevesto v naročju.

Seveda niso vsi ljudje enako verni in spodobni. Na sliki sta tudi živalski strah, ki sili jezdeca na konju, da se čim prej reši, in nenasiten pohlep, s katerim si duhovnik prisvaja cerkvene zaklade in izkorišča vsesplošno paniko. Vendar jih je malo.

Vendar na sliki prevladujeta plemenitost in ljubezen.

Na delu Bryullova je svetel pečat vpliva romantike. To je razvidno iz izbire teme in ognjene barve slike. Toda po drugi strani je tukaj mogoče opaziti tudi vpliv klasicizma, ki mu je bil Bryullov vedno zvest - figure ljudi zelo spominjajo na popolne antične skulpture. Zmagoslavje, ki ga je doživelo ustvarjanje Bryullova, je bilo znano le malo umetninam.

slavni angleški pisatelj Walter Scott je ob sliki preživel dve uri in stvaritev ruskega mojstra ocenil kot zgodovinski ep. Ko je avtor stopil na domovina, so ga toplo počastili že v Odesi (prispel je po morju), posebno navdušeno pa v Moskvi. Umetnika je na "prvem prestolu" pozdravil s pesniškimi kiticami E. A. Baratynsky:

Prinesel si miroljubne trofeje

S teboj v očetovi senci,

In postal "Zadnji dan Pompejev"

Za rusko ščetko prvi dan!

Avtoportret (1848)

Portret Julije Samoilove z učencem

Ta slika je vrhunec Bryullove ustvarjalnosti kot portretista. To je zmagoslavna manifestacija lepote in duhovne moči neodvisne, svetle, svobodne osebnosti. Bryullov in Julija Samoilova sta se ljubila. Spoznala sta se v Rimu, radodarna italijanska narava pa je pripomogla k njuni ljubezni. Umetnik jo je upodobil, ko skupaj z učenko zapušča domačo dnevno sobo: impulzivno, impulzivno, bleščeče lepo, očarljivo z dišečo mladostjo in strastno naravo. Umetnik Kiprensky je rekel, da je tako uspešno ustvariti portret ženske, ki jo ne samo neskončno občudujete, ampak jo ljubite strastno, noro ...

Drugo ime slike je "Maskarada". To je glavni namen umetnika.
Tam, zadaj v dvorani - maškarada. Toda v svetu laži je Samoilova, polna človeškega dostojanstva, prezirljivo odvrgla masko in ponosno razkazovala svoj odprt obraz. Ona je iskrena. Ne skriva ljubezni do umetnika, ki je bil na tokratnem plesu obsojen, in odnosa do družbe, ki jo kljubovalno zapušča z nečakinjo.
In tam, v zadnjem delu dvorane, se množica v maskah še naprej zabava, tam so predstavniki visoke družbe, ki so navajeni govoriti eno, delati drugo in misliti tretje. Obstaja popolnoma lažna družba, s katero Bryullov tako pogosto ni sovpadal s svojimi pogledi. Samoilova je igrala veliko vlogo v življenju umetnika - podpirala ga je tako finančno kot duhovno v težkih trenutkih Bryullovega življenja.

Bakhchisarai vodnjak (1849)

Slika-ilustracija istoimenska pesem Puškin. Na vrtu ob bazenu je upodobil "plašne žene" kana Giraja, ki so opazovale gibanje rib v vodi. Nad njimi bdi evnuh. Umetnik z zanimanjem in veseljem prenaša eksotiko vzhoda: bizarne orientalske noše, veličastno razkošje narave - vse to daje sliki praznični dekorativni učinek. Na sliki ni drame. kot v pesmi. Zaradi idiličnega razpoloženja je slikovita ilustracija za poezijo:

Brezskrbno čaka na Khana

Okoli razigranega vodnjaka

Na svilenih preprogah

Množica je živahno sedela

In pogledal z otroškim veseljem

Kot riba v čisti globini

Hodil po marmornem dnu.

Namenoma ji na dnu drugih

Odpadli zlati uhani.

Italijansko popoldne (1827)

Portret sester Šišmarev (1839)

Bathsheba (1832)

Dekle obira grozdje.

Slika je bila naslikana leta 1827. To je prizor iz podeželskega življenja, viden v enem izmed italijanskih mest. Bryullov jo je spremenil v elegantno baletno predstavo.

Mlada kmečka ženska se je kot graciozna plesalka dvignila na polprste in razširila prožne roke ter se komaj dotaknila trte s grozdom črnega grozdja. Muzikalnost njene postave poudarja lahkotna obleka, ki se prilega njenim vitkim nogam - tunika. Niz koral poudarja tanek vrat in rdeč obraz, ki ga obkrožajo kodrasti rjavi lasje.

Še eno dekle, ki prosto počiva na stopnicah hiše. zvoni na zvonce tamburice in koketno gleda gledalca.

V veselo družbo poseže mlajši brat v kratki srajci - nekakšen bakanski kupid, ki vleče steklenico vina.

Vedeževanje Svetlana

Portret N. N. Goncharova. 1832

To je edini portret Puškinove žene, ki je nastal v času pesnikovega življenja. To je prava mojstrovina ruskega akvarelnega slikarstva.

Umetnik se ne poglablja v lik mladenke. Popolnoma je pod vplivom lepote in šarma mladosti. Zato je vsa pozornost gledalca prikovana na njeno mladost, na lepoto skoraj otroškega obraza in elegantno toaleto. Stara je bila le 18 let.

Na portretu ima lepa Natalie v ušesih uhane z dragimi diamanti. Ubogi Puškin si jih je izposodil za žogo za svojo ljubljeno ženo od svojega prijatelja Petra Meščerskega. Ko jih je pesnik videl na svoji ženi, je vztrajal, da Bryullov naslika portret v teh uhanih. Povedati je treba, da po legendi ti diamanti niso bili navadni, ampak "Shirinsky diamanti" - razvrščeni so kot zgodovinski "usodni dragi kamni". Štelo se je. da jih ne morejo nositi ženske, ki ne pripadajo družini Meshchersky.

Ob pogledu na ta portret Bryullova se človek nehote spomni vrstic iz Puškinove pesmi, posvečene njegovi ljubljeni ženi:

V mojem preprostem kotu, sredi počasnih porodov,

Ena slika, za katero sem želel biti za vedno gledalec,

Ena: tako da na meni s platna, kot iz oblakov,

Čisti in naš božanski odrešenik ...

Moje želje so se izpolnile. Ustvarjalec

Poslal te je k meni, ti, moja Madona,

Najčistejša lepota, najčistejši zgled.

Parni portret E. Mussarja in E. Mussarja (1849), akvarel

Smrt Inesse de Castro (1834)

Pred nami je drama iz življenja kastiljskega kralja Alfonza IV. Portugalskega. Dvorna dama žene kraljevega sina Don Pedra Inessa je s svojo lepoto očarala infanta, ki se je po ženini smrti z njo skrivaj poročil, ker. oče je imel drugo kandidatko za sinovo ženo. Kraljevi svetovalci so izvedeli sinovo skrivnost in jo predali Alphonseu.

Don Pedro se ni hotel poročiti z očetovo pretendentko. Nato je bilo po odločitvi kraljevega sveta odločeno, da se Inessa ubije. Po čakanju na trenutek, ko je Don Pedro odšel na lov, je kralj s svojimi svetovalci odšel k Inessi. Ko je Inessa spoznala, kaj jih čaka, se je vrgla kralju pred noge. Nesrečnica je jokala in prosila za življenje. Kralj se je sprva mladenke zasmilil, a so jo svetovalci prepričali, naj ne podleže nepotrebnemu usmiljenju in so ubili mater dveh otrok.

Don Pedro očetu ni odpustil takšne izdaje in po njegovi smrti je našel neposredne morilce in jih usmrtil. Umetniku je uspelo prenesti občutke matere, ki je strastno prosila svoje morilce. Kralj in njegovi privrženci so upodobljeni v temnih mračnih tonih, figure Inesse in otrok izstopajo kot svetla točka. In spet, v podobi ženske, Bryullov ostaja zvest klasicizmu, pri izbiri teme, pri upodabljanju strasti, pa se nagiba k romantiki.

Konjenica (1823)

Znano je, da je med učenci Karla Bryullova njegovo platno "Zadnji dan Pompejev" ime je bilo precej preprosto - samo "Slika". To pomeni, da je bilo za vse učence to platno samo slika z veliko začetnico, slika slik. Primer bi lahko bil: kako Sveto pismo je knjiga vseh knjig, zdi se, da beseda Sveto pismo pomeni besedo Knjiga. V središču njenega dizajna in končnega estetskega učinka "Zadnji dan Pompejev" ni le še ena izkušnja v slogu metamorfoz, ampak tudi utelešena ideja, načrt.

Načelo metamorfoze temelji na magični moči umetnosti, ni samo v merilu igrače, ampak tudi v velikem merilu. Gogol je uspel z vso gotovostjo izraziti vse občutke: »... zdelo se mi je, da je skulptura, ki so jo stari razumeli v tako plastični popolnosti, da je ta skulptura nazadnje prešla v slikarstvo in je bila poleg tega prežeta z nekakšno skrivno glasbo«. Ideal popolnosti, ki je bil prikazan gledalcu, je doživel metamorfozo. Vstal je in se spremenil v slikovito obliko. Konec koncev se slikanju v prevodu reče – pisati živo. V kiparstvu vse kamnito kar oživi. Potem pa v njem izginejo vsi znaki živosti, ki jih slika lahko povrne. Hkrati pa sploh ne izgubi svoje popolnosti, vtisnjena je v skulpture antike.

Iz tega izhaja, da je zaplet slike "Zadnji dan Pompejev" interpretira ne zelo tragičen dogodek iz življenja, ampak umetniški zaplet. Pripoveduje, kako je bil ideal popolnosti pokopan, a ohranjen v kamnu, da bi lahko premagal, premagal čas. Moral se je preroditi v slikarstvu, da bi dojel poteze popolne lepote v kiparskih podobah. Dolgo časa je zbirala svoja sredstva, da je oživila in povrnila dih takšne lepote. To je bil dolg, ki ga je morala slikarska umetnost vrniti klasični umetnosti. Treba se je bilo naučiti najti ideal absolutno lepega. Prav to je bilo razpoloženje v dialogu med antiizmom in romantiko, bilo je nekakšno estetsko ozadje, na katerem so se začrtali obrisi Bryullove slike. Slika Karla Bryullova je imela prav takšen metafizični superzaplet o nedoumljivih poteh kontinuitete in umetniškega doživljanja.

Vredno je spomniti, da Baratinski sestavil znane vrstice "In zadnji dan Pompejev". Gogolže na začetku svojega članka napoveduje mračni spektakel konca in smrti svetle nedelje v slikarstvu. Po besedah ​​obeh mojstrov sta končni zaplet in naslov slike odigrana v istem duhu. Prav to je ključ do slike in do uspeha, ki ga je slika doživela pri svojih sodobnikih. Igra se antiteza: Poslednji dan, ki pomeni smrt in konec, smrt - in prvi - torej pomenljivo in slovesno. Toda obe sliki prikazujeta katastrofalen zaton življenja v eni materiji – materiji zgodovine, in na neki točki postavljata v mistično povezavo s čudežno prisotnostjo žive energije.

Tu je umetnik naslikal podobo oživljajoče smrti. starodavni svet na sliki je umrl, a zdelo se je, da ga je rešila živa lepota. Karla Bryullova je uspelo oživiti in ovekovečiti. O tem govori Gogol: »Njegove postave so čudovite kljub grozi njegovega položaja. Zadušijo jo s svojo lepoto ... Bryullov ima moškega, da bi pokazal vso svojo lepoto, vso najvišjo eleganco svoje narave. Strasti občutki resnični, ognjeviti se izražajo v tako lepem videzu, v takšni lepa oseba v kateri uživaš do zanosa ...«

V prvem stoletju našega štetja je prišlo do serije izbruhov Vezuv spremlja potres. Uničili so več cvetočih mest, ki so se nahajala ob vznožju gore. Mesta Pompeji umrl v samo dveh dneh - avgusta 79 je bil popolnoma prekrit z vulkanskim pepelom. Pokopan je bil pod sedemmetrsko debelino pepela. Zdelo se je, da je mesto izginilo z obličja zemlje. Odkritje Pompejev zgodilo v 1748 leto. Od takrat, mesec za mesecem, nenehno potekajoča izkopavanja odpirajo mesto. Pompeji so pustili neizbrisen pečat v duši Karla Bryullova med njegovim prvim obiskom mesta leta 1827.

Bryullov brat študira pompejansko arhitekturo in dela na projektih za obnovo pompejskih kopeli. Morda se zdi, da je tema prihodnje slike nastala naravno, kot da bi šlo za poklon vtisu. Toda v evropski umetnosti je zaplet mesta Pompeji nomadski zaplet. Romantiko kot umetnost je ustvarila generacija ljudi iz obdobja napoleonskih vojn. Pred njihovimi očmi se je prikazal spektakel skrivnostne igre. Romantiki so začeli zgodovinske zaplete snovati in razlagati drugače.

Tragični prizori so bili pogosto upodobljeni v različnih manifestacijah klasične umetnosti. Na primer uničenje Sodome ali egipčanske usmrtitve. Toda v takšnih svetopisemskih zgodbah je bilo implicirano, da usmrtitev prihaja od zgoraj, tukaj je bilo mogoče videti manifestacijo Božje previdnosti. Kot da svetopisemska zgodovina ne pozna nesmiselne usode, ampak le božjo jezo. Na slikah Karla Bryullova so bili ljudje prepuščeni na milost in nemilost slepemu naravnemu elementu, kamnini. Tu ne more biti govora o krivdi in kazni. Na sliki ne boste mogli najti glavnega junaka. Samo ni tam. Pred nami se pojavi le množica, ljudje, ki jih je prevzel strah.

Za razliko od mnogih slik klasicizma, kjer je v glavnem prevladoval en obrat obrazov likov - proti avditoriju, se tukaj razvija nova tehnologija, nova različica. Smer gibanja se izvaja samo s smerjo gibanja v globino. Posamezne figure na sliki so prikazane od zadaj, nekatere so v močnem diagonalnem gibu. Tak način umeščanja skupin je dogajanju dal od gledalca neodvisno eksistenco, tukaj vse obstaja samo za gledalca. Vse, kar se zgodi tragično in grozno, se zgodi samo za občinstvo. Ravno tak incident, kot pravi požar na odru, umetno prirejenem za umetne strasti, povzroči, da občinstvo občuti vse, kar vidi, vse se ga neposredno nanaša, kot da je udeleženec dogodka in ne gledalec. .

Bryullovu je bilo smiselno uporabiti kompozicijski manever v skicah, vizualno postavitev je nameraval spremeniti po analogiji s tovrstnimi situacijami. Gledalca je bilo treba prežeti z občutkom, da se vse dogaja v ravni liniji. Na skici, ki je shranjena v Tretjakovska galerija, lahko vidite cel preplet črt, ki se vrtijo na različne načine. Slika v zgornjem desnem kotu prikazuje vulkanski izbruh - ognjeni jezik uhaja iz odprtine, jeziki lave pa se spuščajo po pobočjih gore. Tudi rdeče nebo na sliki je v oblačkih plamena.

Na skici lahko vidite tudi spremenjene citate iz vatikanske freske. "Požar v Borgu". Tukaj lahko vidite tudi skupine ljudi, ki dvigujejo roke v nebo. Prosijo za usmiljenje velikega duhovnika. Slika ima obliko pravokotnega groba, kar omejuje globino slike in ustvarja občutek tesnosti. Izvaja se mešanica klasičnega kanona in novega. Avtorjevo romantično nagnjenje je zagotovilo tako velik uspeh slike v Italiji. Slika je bila uspešna tudi v Sankt Peterburgu. Tu so sliko nestrpno pričakovali.

Slika je bila naročena. Naročila je Anatolij Demidov, bil je eden najbogatejših dedičev uralskih rudarskih podjetij. V Italiji si je kupil poseben naziv princa San Donata, zbiratelja in pokrovitelja umetnosti. Leta 1834 je Demidov prišel v Sankt Peterburg in to sliko podaril kot darilo Nikolaju Prvemu. Anatolij se je odločil, da bo sliko najprej pokazal v Franciji, zato je slika odšla v Pariz. Toda marca istega leta se je pojavila v Barceloni. Žirija razstave je za to sliko določila glavno nagrado.

Toda Karl Bryullov je ostal nezadovoljen z odzivom francoske kritike, zlasti po italijanskem navdušenju. Francoska umetnostna kritika je odražala splošno razporeditev sil v umetnosti, vendar je šlo za boj med strankami. Bryullov je dosegel kompromis - združil je romantiko in klasicizem. Toda v ozadju nenehnega boja med klasicizmom in romantiko slika ni zadovoljila okusov obeh skupin. Na razstavi je bila slika med slikami – "St. simforion" Ingres in "Alžirke" Delacroix.