I Antikens Grekland människor värderade skönhet högt. Särskilt grekerna föredrog skulptur. Men många mästerverk av stora skulptörer gick under och nådde inte vår tid. Till exempel Discobolus av skulptören Myron, Doryphoros av Policlet, "Aphrodite of Cnidus" av Praxiteles, Laocoön av skulptören Agesander. Alla dessa skulpturer gick under, och ändå... vi känner dem mycket väl. Hur kunde de försvunna skulpturerna bevaras? Bara tack vare de många exemplar som fanns i hemmen hos rika antika samlare och som prydde grekernas och romarnas innergårdar, gallerier och salar.
Dorifor - "Spearman" har i många århundraden blivit en modell av manlig skönhet. Och "Aphrodite of Knidos" - en av de mest kända nakna kvinnliga skulpturerna i antikens Grekland - blev en modell av kvinnlig skönhet. För att beundra Afrodite kom de gamla grekerna från andra städer och, när de såg hur vacker hon var, beordrade de okända skulptörer att göra exakt samma kopia för att placera Afrodite på stadens torg eller på gården till deras rika bostad.
Diskuskastare - en förlorad bronsstaty av en idrottare som är på väg att kasta en diskus, skapades av Myron runt det 5th århundradet BC. e. - detta är det första försöket i Greklands konst att skulptera en person i rörelse, och försöket är mer än framgångsrikt. Den unga idrottaren frös i en bråkdel av en sekund, och i nästa ögonblick börjar han snurra för att kasta diskus med all sin kraft.
Laocoon är en skulpturell grupp av lidande människor, som visas i en smärtsam kamp. Laocoon var en präst som varnade invånarna i staden Troja – trojanerna – att staden kunde dödas tack vare en trähäst. För detta sände havsguden, Poseidon, två ormar från havet, och de ströp Laocoön och hans söner. Statyn hittades relativt nyligen, på 1600-talet. Och den store renässansskulptören Michelangelo sa att Laocoön är den bästa statyn i världen. Om det under antiken inte fanns några älskare och samlare av prover av vackra skulpturer, skulle den moderna mänskligheten inte heller ha känt till detta mästerverk.
Många romerska och grekiska hermer har också kommit ner till oss - huvuden och byster av människor på läktare. Konsten att skapa hermer har sitt ursprung i skapandet av rituella pelare för dyrkan av Hermes, på den övre ställningen av vilken det fanns ett stuckaturhuvud av gudomen för handel, vetenskap och resor. Med namnet Hermes började pelarna kallas hermer. Sådana stolpar var placerade vid korsningen, vid ingången till en stad eller by eller vid ingången till ett hus. Man trodde att en sådan bild skrämmer bort onda krafter och ovänliga andar.
Från omkring 400-talet f.Kr. började alla porträttbilder av människor kallas hermer, de blev en del av husets inre, och de rika och ädla grekerna och romarna skaffade sig hela porträttgallerier och skapade en sorts utställning av familjebakterier. Tack vare detta mode och tradition vet vi hur många forntida filosofer, befälhavare, kejsare som levde för årtusenden sedan såg ut.
Forntida grekisk målning har praktiskt taget inte kommit till oss. Men de överlevande exemplen bevisar att den grekiska konsten nådde höjderna av både realistiskt och symboliskt måleri. Tragedin i staden Pompeji, täckt av Vesuvius aska, har till denna dag bevarat de lysande målningarna som täckte alla väggar i offentliga byggnader och bostadshus, inklusive hus i fattiga stadsdelar. Väggfresker ägnades åt en mängd olika ämnen, antikens konstnärer nådde perfektion i målarskicklighet, och bara århundraden senare upprepades denna väg av renässansens mästare.
Historiker vittnar om att det i antikens Grekland, vid det atenska templet, fanns en förlängning som kallas Pinakothek, och antika grekiska målningar förvarades där. En gammal legend berättar hur den första målningen såg ut. En grekisk flicka ville verkligen inte skiljas från sin älskare, som var tänkt att gå i krig. Det var fullmåne under deras nattliga dejt. Skuggan av en ung man dök upp på den vita väggen. Flickan tog en bit kol och cirklade runt dess skugga. Detta möte var det sista. Den unge mannen dog. Men hans skugga låg kvar på väggen, och denna skuggbild förvarades länge i ett av templen i staden Korint.
Många målningar av de gamla grekerna skapades enligt principen om att fylla i siluetten - först ritades figurens kontur på bilden, nästan samma som det sägs i legenden, och först då började konturen bli målad. Till en början hade de gamla grekerna bara fyra färger - vit, svart, röd och gul. De var baserade på färgade mineraler och knådades med äggula eller smält vax, utspädd med vatten. Avlägsna figurer på bilden kunde vara större än de främre, de gamla grekerna använde både direkt och omvänt perspektiv. Bilder målades på brädor eller på våt puts.
Bildkonsten trängde också igenom de tillämpade områdena. Målade grekiska kärl, amforor och vaser förvaras på många museer runt om i världen och förmedlar till oss skönheten i vardagen, karakteristisk för antika civilisationer.
Mosaik är en speciell uråldrig konst som gav oss all skönhet i antik måleri.- kolossala målningar, upplagda av bitar av färgade stenar och, i senare perioder, glas, skapades efter pittoreska skisser och visade sig vara ett slags tidlös konst. Mosaiker dekorerade golv, väggar, fasader på hus, de spelade både en estetisk och praktisk roll för att skapa en harmonisk och vacker livsmiljö.
Antikens era var storhetstiden för konsten att skapa skönhet och harmoni i alla manifestationer. Den antika kulturens nedgång och glömska ledde till att mänskligheten återvände till negativismens filosofier och de absurda fördomarnas triumf. Förlusten av estetiken att beundra det vackra, förnekandet av den naturliga skönheten i människokroppen, förstörelsen av antika tempel och konstverk blev den mest märkbara konsekvensen av den antika världens kollaps. Det tog århundraden innan antikens ideal återvände och började omarbetas på ett kreativt sätt av renässansens konstnärer och sedan av den nya tidens mästare.
antik skulptur
HERMITAGE
Afrodite
Afrodite 
Afrodite (Venus Taurida)
Beskrivning:
Enligt Hesiods Teogoni föddes Afrodite nära ön Cythera från Uranus frö och blod kastrerat av Kronos, som föll i havet och bildade snövitt skum (därav smeknamnet "skumfödda"). Vinden förde henne till ön Cypern (eller hon seglade själv dit, eftersom hon inte gillade Kiefera), där hon, som dök upp ur havets vågor, möttes av Malmer.
Statyn av Afrodite (Venus Tauride) går tillbaka till 300-talet f.Kr. e. nu är den i Eremitaget och anses vara dess mest kända staty. Skulpturen blev den första i Ryssland antik staty naken kvinna. Marmorstaty av Venus som badar i naturlig storlek (höjd 167 cm), modellerad efter Afrodite från Cnidus eller Venus Capitoline. Statyns armar och ett fragment av näsan saknas. Innan du går in Statens Eremitage hon dekorerade trädgården till Tauridepalatset, därav namnet. Tidigare var "Venus Tauride" tänkt att dekorera parken. Men statyn levererades till Ryssland mycket tidigare, även under Peter I och tack vare hans ansträngningar. Inskriptionen på piedestalens bronsring påminner om att Venus presenterades av Clement XI till Peter I (som ett resultat av ett utbyte mot relikerna från St. Brigid, skickat till påven Peter I). Statyn upptäcktes 1718 under utgrävningar i Rom. Okänd skulptör från 300-talet. FÖRE KRISTUS. porträtterade den nakna kärlekens och skönhetens gudinna Venus. En smal kropp, rundade, släta siluettlinjer, mjukt modellerade kroppsformer - allt talar om en sund och kysk uppfattning kvinnlig skönhet. Tillsammans med en lugn återhållsamhet (hållning, ansiktsuttryck), ett generaliserat sätt, främmande för fragmentering och fina detaljer, såväl som ett antal andra egenskaper som är karakteristiska för klassikernas konst (5:e - 4:e århundradena f.Kr.), skaparen av Venus förkroppsligade i henne hans idé om skönhet, förknippad med idealen från III-talet f.Kr. e. (graciösa proportioner - hög midja, något långsträckta ben, tunn hals, litet huvud, lutning av figuren, rotation av kroppen och huvudet). 
Italien. Antik skulptur i Vatikanmuseet.
Joseph Brodsky
Torso
Om du plötsligt vandrar in i stengräset,
ser bättre ut i marmor än i verkligheten,
Eller märker du en faun som ägnar sig åt en fest
med en nymf, och båda i brons är lyckligare än i en dröm,
du kan släppa staven från dina trötta händer:
du är i imperiet, vän.
Luft, eld, vatten, fauner, najader, lejon,
taget från naturen eller från huvudet, -
allt som Gud kom på och håll dig trött
hjärna, förvandlad till sten eller metall.
Detta är slutet på saker och ting, det här är slutet på vägen
spegel för att komma in.
Stå i en fri nisch och himla med ögonen,
se århundradena passera, försvinna bakom
hörn, och hur mossa växer i ljumsken
och damm faller på axlarna - denna solbränna av epoker.
Någon kommer att skära av handen och huvudet från axeln
rullar ner, knackar.
Och det kommer att finnas en bål, en icke namngiven summa av muskler.
Tusen år senare, en mus som lever i en nisch med
med en bruten klo, utan att ha övervunnit granit,
gå ut en kväll, gnisslande, hacka
tvärs över vägen för att inte komma ner i hålet
vid midnatt. Inte på morgonen.
10 hemligheter med kända skulpturer
Tystnaden i de stora statyerna rymmer många hemligheter. När Auguste Rodin fick frågan om hur han skapar sina statyer, upprepade skulptören den store Michelangelos ord: "Jag tar ett block av marmor och skär bort allt som är överflödigt från det." Det är förmodligen därför skulpturen av en riktig mästare alltid skapar en känsla av ett mirakel: det verkar som om bara ett geni kan se skönheten som är gömd i en stenbit.
Vi är säkra på att i nästan varje betydande arbete konst är ett mysterium, en "dubbelbotten" eller en hemlig historia som du vill avslöja. Idag kommer vi att dela med oss av några av dem.
1. Horned Moses 
Michelangelo Buanarotti, Moses, 1513-1515
Michelangelo avbildade Moses med horn på sin skulptur. Många konsthistoriker tillskriver detta en felaktig tolkning av Bibeln. Andra Moseboken säger att när Mose kom ner från berget Sinai med tavlorna var det svårt för judarna att se honom in i ansiktet. Vid denna tidpunkt i Bibeln används ett ord som kan översättas från hebreiska som både "strålar" och "horn". Men utifrån sammanhanget kan vi definitivt säga att vi talar om ljusstrålar - att Moses ansikte lyste, och inte hornat.
2. Färg Antiken 
"August från Prima Port", antik staty.
Under lång tid trodde man att antika grekiska och romerska skulpturer gjorda av vit marmor ursprungligen var färglösa. Nyligen genomförda studier av forskare har dock bekräftat hypotesen att statyerna målades i ett brett spektrum av färger, som så småningom försvann under långvarig exponering för ljus och luft.
3. Den lilla sjöjungfruns lidande 
Edvard Eriksen, Den lilla sjöjungfrun, 1913
Den lilla sjöjungfrustatyn i Köpenhamn är en av de mest lidande i världen: det är hon som är mest älskad av vandaler. Dess historia har varit mycket turbulent. Den bröts och sågades i bitar många gånger. Och nu kan du fortfarande hitta knappt märkbara "ärr" på nacken, som framkom från behovet av att byta ut huvudet på skulpturen. Den lilla sjöjungfrun halshöggs två gånger: 1964 och 1998. 1984 sågades hennes högra hand av. Den 8 mars 2006 placerades en dildo på sjöjungfruns hand och den olyckliga kvinnan själv stänktes med grön färg. Dessutom fanns det en nedklottrad inskription "Sedan 8 mars!" på baksidan. År 2007 meddelade myndigheterna i Köpenhamn att statyn kunde flyttas längre in i hamnen för att undvika ytterligare skadegörelse och för att förhindra att turister ständigt försöker klättra på den.
4. "Kiss" utan en kyss 
Auguste Rodin, Kyssen, 1882
Den berömda skulpturen av Auguste Rodin "Kyssen" kallades ursprungligen "Francesca da Rimini", för att hedra den ädla italienska damen från XIII-talet avbildad på den, vars namn förevigades av Dantes gudomliga komedi (andra cirkeln, femte kanto). Damen blev kär i sin mans yngre bror Giovanni Malatesta, Paolo. När de läste historien om Lancelot och Guinevere upptäcktes de och dödades sedan av hennes man. På skulpturen kan man se Paolo hålla en bok i handen. Men i själva verket rör de älskande inte varandra med sina läppar, som om de antydde att de dödades utan att begå en synd.
Omdöpningen av skulpturen till en mer abstrakt - Kiss (Le Baiser) - gjordes av kritiker som först såg den 1887.
5. Marmorslöjans hemlighet 
Raphael Monti, "Marmorslöja", mitten av XIX V.
När man tittar på statyerna täckta med en genomskinlig marmorslöja tänker man ofrivilligt på hur det ens är möjligt att göra detta av sten. Allt handlar om den speciella strukturen hos marmorn som används för dessa skulpturer. Blocket, som skulle bli en staty, fick ha två lager – ett mer genomskinligt, det andra tätare. Sådana naturstenar är svåra att hitta, men de finns. Mästaren hade en tomt i huvudet, han visste vilken typ av block han letade efter. Han arbetade med det, observerade strukturen på en normal yta och gick längs gränsen som skilde åt den tätare och mer genomskinliga delen av stenen. Som ett resultat lyste resterna av denna genomskinliga del igenom, vilket gav effekten av en slöja.
6Den perfekta David gjord av skadad marmor 
Michelangelo Buanarotti, "David", 1501-1504
Den berömda statyn av David gjordes av Michelangelo av en bit vit marmor som blivit över från en annan skulptör, Agostino di Duccio, som utan framgång försökte arbeta med denna bit och sedan övergav den.
Förresten, David, som i århundraden ansågs vara en modell av manlig skönhet, är inte så perfekt. Saken är den att han är en idiot. Denna slutsats drogs av den amerikanske forskaren Mark Levoy från Stanford University, som undersökte statyn med hjälp av laser-datorteknik. "Syndefekten" hos den mer än fem meter långa skulpturen är omärklig, eftersom den är placerad på en hög piedestal. Enligt experter försåg Michelangelo medvetet sin avkomma med denna brist, eftersom han ville att Davids profil skulle se perfekt ut från vilken vinkel som helst.
Döden inspirerade till kreativitet
7. Dödskyss, 1930 
Den mest mystiska statyn på den katalanska kyrkogården i Poblenou kallas "Dödens kyss". Skulptören som skapade den är fortfarande okänd. Vanligtvis tillskrivs författarskapet av Kyssen Jaume Barba, men det finns de som är säkra på att monumentet skulpterades av Joan Fonbernat. Skulpturen är placerad i ett av de bortre hörnen av Poblenou-kyrkogården. Det var hon som inspirerade filmregissören Bergman att skapa filmen "Det sjunde inseglet" - om kommunikationen mellan Riddaren och Döden.
8. Venus de Milos händer 
Agesander (?), Venus de Milo, ca. 130-100 f.Kr
Venusfiguren tar en stolthet i Louvren i Paris. En viss grekisk bonde hittade henne 1820 på ön Milos. Vid tiden för upptäckten var figuren uppdelad i två stora fragment. I sin vänstra hand höll gudinnan ett äpple och med sin högra hand höll hon en fallande dräkt. Inser den historiska betydelsen av detta gammal skulptur, beordrade officerare från den franska flottan att marmorstatyn skulle tas bort från ön. När Venus släpades över klipporna till det väntande skeppet utbröt ett slagsmål mellan bärarna och båda armarna bröts av. Trötta sjömän vägrade blankt att återvända och leta efter de återstående enheterna.
9. Vacker ofullkomlighet hos Nike of Samothrace 
Nika från Samothrace, 2:a århundradet. FÖRE KRISTUS.
Statyn av Nike hittades på ön Samothrace 1863 av Charles Champoiseau, en fransk konsul och arkeolog. En staty på ön, huggen av gyllene parisk marmor, krönte havets gudars altare. Det tror forskare okänd skulptör skapade Nike på 200-talet f.Kr. som ett tecken på grekiska sjösegrar. Gudinnans händer och huvud är oåterkalleligt förlorade. Upprepade gånger gjorda och försök att återställa den ursprungliga positionen för gudinnans händer. Det antas att den högra handen, upphöjd, höll i en bägare, krans eller bugle. Intressant nog misslyckades upprepade försök att återställa statyns händer - de förstörde alla mästerverket. Dessa misslyckanden tvingar oss att erkänna: Nika är bara så vacker, perfekt i sin ofullkomlighet.
10. Mystiskt Bronsryttare
Etienne Falcone, Monument till Peter I, 1768-1770
Bronsryttaren är ett monument omgivet av mystiska och utomjordiska berättelser. En av legenderna förknippade med honom säger att under Fosterländska krigetÅr 1812 beordrade Alexander I att särskilt värdefulla konstverk skulle föras ut ur staden, inklusive ett monument över Peter I. Vid denna tid fick en viss major Baturin ett möte med tsarens personliga vän, prins Golitsyn, och berättade honom att han, Baturin, hemsöktes av samma dröm. Han ser sig själv på Senatstorget. Peters ansikte vänds. Ryttaren lämnar sin klippa och beger sig längs St Petersburgs gator till Kamenny Ostrov, där Alexander I då bodde. Ryttaren går in på innergården till Kamenoostrovsky-palatset, varifrån suveränen kommer ut för att möta honom. "Ung man, vad har du fört mitt Ryssland till", säger Peter den store till honom, "men så länge jag är på plats har min stad inget att frukta!" Sedan vänder ryttaren tillbaka och den "tunga galoppen" hörs igen. Påverkad av Baturins berättelse förmedlade prins Golitsyn drömmen till suveränen. Som ett resultat avbröt Alexander I sitt beslut att evakuera monumentet. Monumentet stod kvar på sin plats.
*****
Grekland och konst är oskiljaktiga begrepp. I många arkeologiska museer kan du se antika skulpturer och bronsstatyer, av vilka många restes från botten av Egeiska havet. Lokalhistoriska museer visar hantverk och textilier, och de bästa museerna i Aten är i paritet med konstgallerier på andra håll i Europa.
Aten, Pireus arkeologiska museum.
Ursprung: Statyn upptäcktes bland annat 1959 i Pireus, i korsningen mellan Georgiou och Filona gatorna i ett förråd nära den antika hamnen. Skulpturen gömdes i detta rum från trupperna från Sulla år 86 f.Kr. e.
Beskrivning: Bronsstaty av Artemis
Denna typ av kraftfull kvinnlig figur identifierades ursprungligen som en poetess eller musa från Silanions skulpturala kompositioner. Denna staty identifieras som en bild av Artemis genom närvaron av en sling för en koger på baksidan, såväl som av platsen för fingrarna på handen där bågen var belägen. Detta cleissicizing arbete tillskrivs Euphranor på grundval av dess likhet med Apollo Patros på Agora.
Forntida grekisk skulptur är den ledande standarden i världen av skulpturkonst, som fortsätter att inspirera moderna skulptörer att skapa konstnärliga mästerverk. Frekventa teman av skulpturer och stuckaturkompositioner av antika grekiska skulptörer var striderna mellan stora hjältar, mytologi och legender, härskare och antika grekiska gudar.
Den grekiska skulpturen utvecklades särskilt under perioden från 800 till 300 f.Kr. e. Detta område av skulptur hämtade tidig inspiration från egyptisk och främre östern monumental konst och utvecklades under århundradena till en unik grekisk vision av människokroppens form och dynamik.
Grekiska målare och skulptörer nådde toppen konstnärlig skicklighet, som fångade de svårfångade dragen hos en person och visade dem på ett sätt som ingen annan någonsin har kunnat visa. Grekiska skulptörer var särskilt intresserade av proportioner, balans och den idealiserade perfektion av människokroppen, och deras sten- och bronsfigurer har blivit några av de mest igenkännliga konstverken som någonsin skapats av någon civilisation.
Skulpturens ursprung i antikens Grekland
Från 800-talet f.Kr. såg det arkaiska Grekland en ökning av produktionen av små solida figurer i lera, elfenben och brons. Trä var utan tvekan också ett mycket använt material, men dess känslighet för erosion tillät inte massproduktion av träprodukter, eftersom de inte visade den nödvändiga hållbarheten. Bronsfigurer, människohuvuden, mytomspunna monster och i synnerhet griffiner användes som dekorationer och handtag för bronskärl, kittel och skålar.
I stilen har grekiska människofigurer uttrycksfulla geometriska linjer, som ofta kan hittas på dåtidens keramik. Kroppen av krigare och gudar är avbildade med långsträckta lemmar och en triangulär överkropp. Också ofta antika grekiska skapelser dekoreras med djurfigurer. Många har hittats i hela Grekland på tillflyktsorter som Olympia och Delphi, vilket indikerar deras gemensamma funktion som amuletter och föremål för tillbedjan.
Foto:
De äldsta grekiska stenskulpturerna gjorda av kalksten går tillbaka till mitten av 700-talet f.Kr. och hittades i Thera. Under denna period dyker också bronsfigurer upp allt oftare. Ur författarens avsiktssynpunkt blev handlingarna för de skulpturala kompositionerna mer och mer komplexa och ambitiösa och kunde redan skildra krigare, stridsscener, idrottare, vagnar och till och med musiker med instrument från den perioden.
Marmorskulptur visas i början av 600-talet f.Kr. De första monumentala marmorstatyerna i naturlig storlek fungerade som monument tillägnade hjältar och ädla personer, eller var placerade i helgedomar där symbolisk tjänst för gudarna hölls.
De tidigaste stora stenfigurerna som hittades i Grekland föreställde unga män klädda i kvinnokläder, som åtföljdes av en ko. Skulpturerna var statiska och grova, som i egyptiska monumentalstatyer var armarna placerade rakt på sidorna, benen var nästan ihop, och ögonen såg rakt fram utan något särskilt ansiktsuttryck. Dessa ganska statiska figurer utvecklades långsamt genom detaljeringen av bilden. Begåvade mästare fokuserade på de minsta detaljerna i bilden, som hår och muskler, tack vare vilka figurerna började komma till liv.
En karakteristisk ställning för grekiska statyer var positionen där armarna är lätt böjda, vilket ger dem spänningar i muskler och vener, och ett ben (vanligtvis det högra) är något framflyttat, vilket ger en känsla av den dynamiska rörelsen hos staty. Så här dök de första realistiska bilderna av människokroppen i dynamik ut.
Foto:
Målning och färgläggning av antika grekiska skulpturer
I början av 1800-talet hade systematiska utgrävningar av antika grekiska platser grävt fram många skulpturer med spår av mångfärgade ytor, av vilka några fortfarande var synliga. Trots detta motsatte sig inflytelserika konsthistoriker som Johann Joachim Winckelmann idén om målad grekisk skulptur så starkt att förespråkare för målade statyer stämplades som excentriker och deras åsikter i stort sett undertrycktes i över ett sekel.
Endast de publicerade vetenskapliga artiklarna av den tyske arkeologen Vindzenik Brinkmann i slutet av 1900-talet och början av 2000-talet beskrev upptäckten av ett antal berömda antika grekiska skulpturer. Med hjälp av högintensiva lampor, ultraviolett ljus, specialdesignade kammare, gipsavgjutningar och några pulveriserade mineraler bevisade Brinkmann att hela Parthenon, inklusive dess huvudkropp, såväl som statyerna, var målade i olika färger. Därefter analyserade han kemiskt och fysiskt pigmenten i den ursprungliga färgen för att bestämma dess sammansättning.
Brinkmann skapade flera färgmålade kopior av grekiska statyer som åkte på turné runt om i världen. Samlingen inkluderade kopior av många verk av grekisk och romersk skulptur, vilket visar att bruket att måla skulptur var normen och inte undantaget i grekisk och romersk konst.
Museerna där utställningarna ställdes ut noterade utställningens stora framgång bland besökarna, vilket beror på en viss diskrepans mellan de vanliga snövita grekiska idrottarna och de ljusa statyerna som de verkligen var. Platser inkluderar Glyptotekmuseet i München, Vatikanmuseet och det nationella arkeologiska museet i Aten. Samlingen iscensatte sin amerikanska debut vid Harvard University hösten 2007.
Foto:
Stadier av bildandet av grekisk skulptur
Utvecklingen av skulpturkonst i Grekland gick igenom flera betydande stadier. Var och en av dem återspeglades i skulpturen med dess karakteristiska egenskaper, märkbara även för icke-professionella.
geometriskt stadium
Man tror att den tidigaste inkarnationen av grekisk skulptur var i form av träkultstatyer, som först beskrevs av Pausanias. Inga bevis för detta har överlevt, och beskrivningarna av dem är vaga, trots att de förmodligen varit föremål för vördnad i hundratals år.
Det första riktiga beviset på grekisk skulptur hittades på ön Euboea och daterades till 920 f.Kr. Det var en staty av en Lefkandi-kentaur i handen av en okänd terrakottaskulptur. Statyn sattes ihop eftersom den medvetet krossades och begravdes i två separata gravar. Kentauren har ett tydligt märke (sår) på sitt knä. Detta gjorde det möjligt för forskarna att föreslå att statyn kan föreställa Chiron, sårad av Herkules pil. Om det är sant, kan detta anses vara den tidigaste kända beskrivningen av myten i den grekiska skulpturens historia.
Skulpturerna från den geometriska perioden (cirka 900 till 700 f.Kr.) var små statyetter gjorda av terrakotta, brons och elfenben. Typiska skulpturala verk från denna era representeras av många exempel. ryttarstaty. Handlingsrepertoaren är dock inte begränsad till män och hästar, eftersom några exempel på statyer och stuckaturer från den tiden föreställer bilder av rådjur, fåglar, skalbaggar, harar, gripar och lejon.
Det finns inga inskriptioner på den geometriska skulpturen från den tidiga perioden fram till uppkomsten av statyn av Manticlos "Apollo" från början av 700-talet f.Kr., som hittades i Thebe. Skulpturen är en figur av en stående man med en inskription vid fötterna. Denna inskription är en sorts instruktion för att hjälpa varandra och återlämna vänlighet för vänlighet.
arkaisk period
Inspirerade av den monumentala stenskulpturen i Egypten och Mesopotamien började grekerna hugga i sten igen. De enskilda figurerna delar hårdheten och frontställningen som är karakteristisk för orientaliska modeller, men deras former är mer dynamiska än egyptisk skulptur. Ett exempel på skulpturerna från denna period är statyerna av Lady Auxerre och bålen av Hera (tidig arkaisk period - 660-580 f.Kr., utställd i Louvren, Paris).
Foto:
Sådana figurer hade en framträdande funktion i ansiktsuttryck - ett ålderdomligt leende. Detta uttryck, som inte har någon specifik relevans för den avbildade personen eller situationen, kan ha varit en konstnärs redskap för att ge animation och "livlighet" åt figurerna.
Under denna period dominerades skulpturen av tre typer av figurer: en stående naken ungdom, en stående flicka klädd i traditionell grekisk klädsel och en sittande kvinna. De betonar och generaliserar huvuddragen i den mänskliga figuren och visar en allt mer exakt förståelse och kunskap om människans anatomi.
Forntida grekiska statyer av nakna ungdomar, i synnerhet den berömda Apollon, presenterades ofta i enorma storlekar, vilket var tänkt att visa makt och manlig styrka. I dessa statyer är detaljerna i muskulaturen och skelettstrukturen mycket mer synliga än i de tidiga geometriska verken. De klädda tjejerna har ett brett utbud av ansiktsuttryck och kroppsställningar, som i skulpturerna på den atenska Akropolis. Deras draperi är snidat och målat med den delikatess och noggrannhet som är karakteristisk för detaljerna i skulpturen från denna period.
Grekerna beslutade mycket tidigt att människofiguren var det viktigaste ämnet för konstnärlig strävan. Det räcker med att påminna om att deras gudar har ett mänskligt utseende, vilket betyder att det inte fanns någon skillnad mellan heligt och sekulärt i konsten - människokroppen var både sekulär och helig på samma gång. En manlig nakenfigur, utan hänvisning till en karaktär, skulle lika gärna kunna bli Apollo eller Hercules, eller porträttera en mäktig olympier.
Som med keramik producerade grekerna inte skulpturer bara för konstnärlig visning. Statyer gjordes på beställning antingen av aristokrater och adelsmän, eller av staten, och användes för offentliga minnesmärken, för utsmyckning av tempel, orakel och helgedomar (vilket gamla inskriptioner på statyer ofta bevisar). Grekerna använde också skulpturer som monument för gravar. Statyer under den arkaiska perioden var inte avsedda att representera specifika personer. Dessa var bilder av ideal skönhet, fromhet, heder eller offer. Det är därför skulptörer alltid har skapat skulpturer av unga människor, allt från tonåren till tidig vuxen ålder, även när de placerats på (förmodligen) äldre medborgares gravar.
klassisk period
Den klassiska perioden gjorde en revolution i grekisk skulptur, ibland förknippad av historiker med radikala förändringar i det sociala och politiska livet - införandet av demokrati och slutet av den aristokratiska eran. Den klassiska perioden förde med sig förändringar i skulpturens stil och funktion, samt en dramatisk ökning av grekiska skulptörers tekniska skicklighet när det gäller att avbilda realistiska mänskliga former.
Foto:
Poseringarna blev också mer naturliga och dynamiska, speciellt i början av perioden. Det var vid denna tid som grekiska statyer alltmer började avbilda riktiga människor snarare än vaga tolkningar av myter eller helt fiktiva karaktärer. Även om stilen som de presenterades i ännu inte har utvecklats till en realistisk form av porträtt. Statyerna av Harmodius och Aristogeiton, skapade i Aten, symboliserar störtandet av aristokratiskt tyranni och blir enligt historiker de första offentliga monumenten som visar verkliga människors figurer.
Den klassiska perioden såg också hur stuckaturkonsten blomstrade och använde skulpturer som dekorationer för byggnader. Karakteristiska tempel från den klassiska eran, som Parthenon i Aten och Zeustemplet i Olympia, använde reliefformning för dekorativa friser, vägg- och takdekorationer. Den komplexa estetiska och tekniska utmaningen som skulptörerna stod inför den perioden bidrog till skapandet av skulpturella innovationer. De flesta verk från den perioden har bara överlevt i form av separata fragment, till exempel finns stuckaturdekorationen av Parthenon idag delvis i British Museum.
Begravningsskulpturer gjorde ett stort steg under denna period, från de stela och opersonliga statyerna från den arkaiska perioden till de mycket personliga familjegrupperna från den klassiska eran. Dessa monument finns vanligtvis i Atens förorter, som i gamla tider var kyrkogårdar i utkanten av staden. Även om några av dem skildrar "ideala" typer av människor (en längtande mamma, en lydig son), blir de alltmer personifieringen av riktiga människor och visar som regel att den avlidne lämnar denna värld med värdighet och lämnar sin familj. Detta är en märkbar ökning av känslornas nivå i förhållande till den arkaiska och geometriska epoken.
En annan anmärkningsvärd förändring är uppblomstringen av det kreativa arbetet av begåvade skulptörer vars namn har gått till historien. All information som är känd om skulpturer under den arkaiska och geometriska perioden är fokuserad på själva verken, med liten uppmärksamhet till deras upphovsmän.
Hellenistisk period
Övergången från den klassiska till den hellenistiska (eller grekiska) perioden inträffade på 300-talet f.Kr. Den grekiska konsten blev mer och mer mångsidig under inflytande av kulturerna hos de folk som var involverade i den grekiska omloppsbanan, Alexander den stores erövringar (336-332 f.Kr.). Enligt vissa konsthistoriker ledde detta till en minskning av skulpturens kvalitet och originalitet, men människor från den tiden kanske inte delade denna åsikt.
Det är känt att många skulpturer, som tidigare betraktades som genier från den klassiska eran, faktiskt skapades under den hellenistiska perioden. Den tekniska förmågan och talangen hos de hellenistiska skulptörerna är uppenbar i sådana stora verk som Samothrakiens bevingade seger och Pergamonaltaret. Nya centra för grekisk kultur, särskilt inom skulptur, utvecklades i Alexandria, Antiokia, Pergamon och andra städer. Vid 2:a århundradet f.Kr. hade Roms växande makt också slukt mycket av den grekiska traditionen.
Foto:
Under denna period upplevde skulpturen återigen en förändring mot naturalism. Hjältar för att skapa skulpturer blev nu vanliga människor - män, kvinnor med barn, djur och inhemska scener. Många av skapelserna från den perioden beställdes av rika familjer för att dekorera sina hem och trädgårdar. Realistiska figurer av män och kvinnor i alla åldrar skapades, och skulptörer kände sig inte längre tvungna att avbilda människor som skönhetsideal eller fysisk perfektion.
Samtidigt behövde de nya hellenistiska städerna som växte upp i Egypten, Syrien och Anatolien statyer som föreställer Greklands gudar och hjältar för sina tempel och offentliga utrymmen. Detta ledde till att skulptur, liksom keramikproduktion, blev en industri med efterföljande standardisering och viss kvalitetsförsämring. Det är därför som mycket mer hellenistiska skapelser har överlevt till denna dag än den klassiska periodens epoker.
Tillsammans med den naturliga förskjutningen mot naturalism skedde också en förskjutning i skulpturernas uttryck och känslomässiga förkroppsligande. Statyernas hjältar började uttrycka mer energi, mod och styrka. Ett enkelt sätt att uppskatta denna förändring i uttryck är att jämföra de mest kända skapelserna från den hellenistiska perioden med de från den klassiska perioden. Ett av den klassiska periodens mest kända mästerverk är Delphi Carrier-skulpturen, som uttrycker ödmjukhet och ödmjukhet. Samtidigt speglar den hellenistiska periodens skulpturer styrka och energi, vilket är särskilt uttalat i verket "The Jockey of Artemisia".
De mest kända hellenistiska skulpturerna i världen är Samothraces bevingade seger (1:a århundradet f.Kr.) och statyn av Afrodite från ön Melos, mer känd som Venus de Milo (mitten av 2:a århundradet f.Kr.). Dessa statyer skildrar klassiska ämnen och teman, men deras utförande är mycket mer sensuellt och känslomässigt än den hårda andan från den klassiska perioden och dess tekniska färdigheter tillät.
Foto:
Hellenistisk skulptur var också föremål för en skalaökning, som kulminerade i Kolossen på Rhodos (sent 3:e århundradet), som historiker tror var jämförbar i storlek med Frihetsgudinnan. En serie jordbävningar och rån förstörde detta arv från det antika Grekland, liksom många andra stora verk från denna period, vars existens beskrivs i litterära verk samtida.
Efter Alexander den stores erövringar spreds den grekiska kulturen till Indien, vilket framgår av utgrävningarna av Ai-Khanoum i östra Afghanistan. Grekisk-buddhistisk konst representerade ett mellanstadium mellan grekisk konst och buddhismens visuella uttryck. Upptäckter som gjorts sedan slutet av 1800-talet angående den antika egyptiska staden Herakles har avslöjat resterna av en staty av Isis som går tillbaka till 400-talet f.Kr.
Statyn föreställer en egyptisk gudinna på ett ovanligt sensuellt och subtilt sätt. Detta är inte typiskt för skulptörerna i det området, eftersom bilden är detaljerad och feminin, vilket symboliserar kombinationen av egyptiska och hellenistiska former under Alexander den stores erövring av Egypten.
Forntida grekisk skulptur är stamfadern till all världskonst! Fram till nu lockar det antika Greklands mästerverk miljontals turister och konstälskare som försöker beröra skönheten och talangen som inte är föremål för tid.
Bland mångfalden av mästerverk kulturellt arv Det antika Grekland har en speciell plats. I grekiska statyer förkroppsligas och förhärligas människans ideal, människokroppens skönhet med hjälp av bildmedel. Men inte bara linjernas nåd och jämnhet särskiljer antika grekiska skulpturer - deras författares skicklighet är så stor att de även i en kall sten lyckades förmedla hela skalan av mänskliga känslor och ge figurerna en speciell, djup mening, som om att blåsa liv i dem och förse var och en med det där obegripliga mysteriet som fortfarande lockar och inte lämnar betraktaren oberörd.
Liksom andra kulturer gick det antika Grekland igenom olika perioder av sin utveckling, som var och en introducerade vissa förändringar i bildningsprocessen av alla typer, till vilka skulptur också hör. Det är därför det är möjligt att spåra stadierna av bildandet av denna typ av konst genom att kort karakterisera särdragen hos den antika grekiska skulpturen i det antika Grekland i olika perioder dess historiska utveckling.
ARKAISK PERIODEN (VIII-VI århundradet f.Kr.).
Skulpturerna från denna period kännetecknas av en viss primitivitet hos figurerna själva på grund av det faktum att bilderna som förkroppsligades i dem var för generaliserade och inte skilde sig åt i variation (figurerna av unga män kallades kouros, och flickor kallades kors). mest berömd skulptur av de flera dussin som har överlevt till vår tid anses den vara en staty av Apollo från skuggorna, gjord av marmor (Apollo själv dyker upp framför oss som en ung man med händerna nere, fingrarna knutna till nävar och ögonen vidöppna , och hans ansikte återspeglade arkaiska skulpturer typiska för den tiden leende). Bilderna av flickor och kvinnor kännetecknades av långa kläder, vågigt hår, men mest av allt lockades de av linjernas jämnhet och elegans - förkroppsligandet av kvinnlig nåd.
KLASSISK PERIOD (V-IV århundradet f.Kr.).
En av de framstående figurerna bland skulptörerna från denna period kan kallas Pythagoras Regius (480-450). Det var han som gav liv åt sina skapelser och gjorde dem mer realistiska, även om vissa av hans verk ansågs nyskapande och för djärva (till exempel en staty som heter The Boy Taking Out A Splinter). Ovanlig talang och snabbhet i sinnet tillät honom att studera betydelsen av harmoni med hjälp av algebraiska beräkningsmetoder, som han utförde på grundval av den filosofiska och matematiska skolan som grundades av honom. Med hjälp av sådana metoder utforskade Pythagoras harmonier av en annan karaktär: musikalisk harmoni, harmonin i människokroppen eller en arkitektonisk struktur. Pythagoras skola existerade på principen om siffra, som ansågs vara grunden för hela världen.
Förutom Pythagoras gav den klassiska perioden världskulturen sådana framstående mästare som Myron, Poliklet och Phidias, vars skapelser förenades av en princip: att visa en harmonisk kombination perfekt kropp och den inte mindre vackra själen som finns i den. Det var denna princip som låg till grund för skapandet av den tidens skulpturer.
Myrons verk hade ett stort inflytande på 400-talets pedagogiska konst i Aten (det räcker med att nämna hans berömda bronsdiskuskastare).
I skapelserna av Polikleitos, vars skicklighet förkroppsligades var förmågan att balansera figuren av en man som står på ett ben med armen upphöjd (ett exempel är statyn av Doryphoros, en spjutbärande ung man). I sina verk försökte Policlet kombinera idealisk fysisk data med skönhet och andlighet. Denna önskan inspirerade honom att skriva och publicera sin egen avhandling Canon, som tyvärr inte har överlevt till denna dag. Phidias kan med rätta kallas den stora skaparen av skulptur på 500-talet, eftersom han lyckades perfekt bemästra konsten att gjuta från brons. 13 skulpturala figurer gjutna av Phidias prydde Apollontemplet i Delfi. Bland hans verk finns också en tjugo meter lång staty av Athena Jungfrun i Parthenon, gjord av rent guld och elfenben (denna teknik med statyer kallas kryso-elefantin). Den verkliga berömmelsen kom till Phidias efter att han skapade statyn av Zeus för templet i Olympia (dess höjd var 13 meter).
HELLENISMPERIODEN. (IV-I århundradet f.Kr.).
Skulptur under denna period av utveckling av den antika grekiska staten hade fortfarande sitt huvudsakliga syfte att dekorera arkitektoniska strukturer, även om det återspeglade förändringarna som ägde rum i den offentliga förvaltningen. Dessutom, inom skulptur, som en av de ledande konstformerna, uppstod många skolor och trender.
Skopas blev en framstående figur bland skulptörerna under denna period. Hans skicklighet förkroppsligades i den hellenistiska statyn av Nike av Samothrace, så namngiven till minne av Rhodos-flottans seger 306 f.Kr. och monterad på en piedestal, som till sin design liknade en skeppsföre. Klassiska bilder blev exempel på skapelserna av skulptörer från denna tid.
I den hellenistiska skulpturen syns tydligt den så kallade gigantomanien (längtan att förkroppsliga den önskade bilden i en staty av enorm storlek): ett levande exempel på detta är statyn av guden Helios gjord av förgylld brons, som höjde sig 32 meter kl. inloppet till Rhodos hamn. I tolv år arbetade Lysippus elev, Chares, outtröttligt på denna skulptur. Detta jobb konst tog med rätta en plats i listan över världens underverk. Efter att det antika Grekland erövrats av de romerska erövrarna togs många konstverk (inklusive samlingar av kejserliga bibliotek i flera volymer, mästerverk av målning och skulptur) ut från dess gränser, dessutom togs många representanter från vetenskaps- och utbildningsområdet tillfångatogs. Så inom kulturen antika Rom sammanflätade och hade en betydande inverkan på dess ytterligare utveckling delar av den grekiska kulturen.
Olika perioder av utvecklingen av det antika Grekland gjorde naturligtvis sina egna justeringar av processen för bildandet av denna typ av konst,
Vi har redan talat om URSPRUNGEN. Den planerade prickade linjen avbröts av objektiva skäl, men jag vill ändå fortsätta. Jag påminner dig om att vi stannade i djup historia - i antikens Greklands konst. Vad minns vi från Läroplanen? Som regel sitter tre namn stadigt i vårt minne - Miron, Phidias, Poliklet. Sedan kommer vi ihåg att det också fanns Lysippus, Skopas, Praxiteles och Leochar ... Så låt oss se vad som är vad. Så, tidpunkten för handlingen är 4-5 århundraden f.Kr., scenen är antikens Grekland.
PYTHAGORAS REGIA
Pythagoras Regius (400-talet f.Kr.) - antik grek antik grekisk skulptör period av de tidiga klassikerna, vars verk är kända endast genom hänvisningar till antika författare. Flera romerska kopior av hans verk har överlevt, inklusive min favorit, Pojken som tar ut en splitter. Detta arbete gav upphov till den så kallade trädgårdsskulpturen.
Pythagoras Rhegian Boy tar bort en splitter ca mitten av 500-talet f.Kr br.romersk kopia av Capitoline museum
MIRON
Myron (Μύρων) - skulptör från mitten av 500-talet. före Kristus e. Skulptör av eran omedelbart före den högsta storhetstid Grekisk konst(slutet av VI - början av V-talet). De gamla karaktäriserar honom som den störste realisten och experten på anatomi, som dock inte visste hur man skulle ge liv och uttryck åt ansikten. Han porträtterade gudar, hjältar och djur, och med särskild kärlek återgav han svåra, flyktiga poser. Hans mest kända verk, "Discobolus", en idrottare som tänker starta en diskus, är en staty som kommit ner till vår tid i flera exemplar, varav det bästa är gjort av marmor och finns i Massimipalatset i Rom.
Diskus kastare.
PHIDIUS.
En av grundarna av den klassiska stilen är den antike grekiske skulptören Phidias, som med sina skulpturer dekorerade både Zeustemplet i Olympia och Athenatemplet (Parthenon) på Akropolis i Aten. Fragment av den skulpturala frisen i Parthenon finns nu på British Museum (London).
Fragment av frisen och frontonen av Parthenon. British Museum, London.
De viktigaste skulpturverken av Phidias (Athena och Zeus) har länge gått förlorade, templen har förstörts och plundrats.
Parthenon.
Det finns många försök att rekonstruera Athena och Zeus tempel. Du kan läsa om det här:
Information om Phidias själv och hans arv är relativt knapphändig. Bland de statyer som finns idag finns det inte en enda som utan tvekan skulle tillhöra Phidias. All kunskap om hans verk grundar sig på beskrivningar av antika författare, på studier av senare exemplar, samt bevarade verk, som med mer eller mindre säkerhet tillskrivs Phidias.
Mer om Phidias http://biography-peoples.ru/index.php/f/item/750-fidij
http://art.1september.ru/article.php?ID=200901207
http://www.liveinternet.ru/users/3155073/post207627184/
Tja, om resten av representanterna för den antika grekiska kulturen.
POLYCLETUS
Grekisk skulptör från andra hälften av 500-talet. före Kristus e. Skaparen av många statyer, inklusive vinnarna av sportspel, för kultsportcentra i Argos, Olympia, Thebe och Megalopolis. Författaren till kanonen för bilden av människokroppen i skulptur, känd som "kanonen Polykleitos", enligt vilken huvudet är 1/8 av kroppens längd, ansiktet och handflatorna är 1/10, fot är 1/6. Kanonen observerades i grekisk skulptur till slutet, den så kallade. klassisk era, det vill säga fram till slutet av 300-talet. före Kristus e. när Lysippus fastställde nya principer. Hans mest kända verk är "Dorifor" (Spjutman). Det är från ett uppslagsverk.
Polykleitos. Doryphorus. Pushkin museum. Gips kopia.
PRAXITELS
APHRODITE OF CNIDS (romersk kopia från 300-talet f.Kr.) Rom, Nationalmuseer (huvud, armar, ben, draperier återställda)
Ett av de mest kända verken inom antik skulptur är Afrodite av Knidos, det första antik grekisk skulptur(höjd - 2 m), föreställande en naken kvinna före bad.
Afrodite av Cnidus, (Aphrodite of Braschi) romersk kopia, 1:a c. FÖRE KRISTUS. Glyptotek, München
Afrodite av Knidos. Mellankornig marmor. Torso - romersk kopia av 200-talet. n. gipskopia av Pushkin-museet
Enligt Plinius beställde invånarna på ön Kos statyn av Afrodite för den lokala helgedomen. Praxiteles utförde två alternativ: en naken gudinna och en klädd gudinna. För båda statyerna utsåg Praxiteles samma avgift. Kunderna riskerade inte och valde den traditionella versionen, med en draperad figur. Dess kopior och beskrivningar har inte bevarats, och den har sjunkit i glömska. Och Afrodite av Knidos, som stannade kvar i skulptörens verkstad, köptes av invånarna i staden Knidos, vilket gynnade utvecklingen av staden: pilgrimer började strömma till Knidos, lockade av berömd skulptur. Afrodite stod i ett friluftstempel, synligt från alla håll.
Aphrodite of Cnidus åtnjöt sådan berömmelse och kopierades så ofta att de till och med berättade en anekdot om henne, som låg till grund för epigrammet: "När Cyprida såg Cyprida på Knida, sa Cyprida blygt: "Ve mig, var såg Praxiteles mig naken? ”
Praxiteles skapade kärlekens och skönhetens gudinna som personifieringen av jordisk femininitet, inspirerad av bilden av sin älskade, den vackra Phryne. Faktum är att Afrodites ansikte, även om det skapats enligt kanon, med ett drömskt utseende av tröga skuggade ögon, bär en antydan av individualitet, vilket indikerar ett specifikt original. Efter att ha skapat nästan porträttbild, Praxiteles såg in i framtiden.
En romantisk legend om förhållandet mellan Praxiteles och Phryne har bevarats. De säger att Phryne bad Praxiteles att ge henne som ett tecken på sin kärlek bästa arbete. Han höll med, men vägrade säga vilken av statyerna han ansåg vara den bästa. Sedan beordrade Phryne tjänaren att informera Praxiteles om branden i verkstaden. Den rädda mästaren utbrast: "Om lågan förstörde både Eros och Satyr, då dog allt!" Så Phryne fick reda på vilken typ av arbete hon kunde fråga Praxiteles.
Praxiteles (förmodligen). Hermes med spädbarnet Dionysos IV c. FÖRE KRISTUS. Museum i Olympia
Skulpturen "Hermes med barnet Dionysos" är typisk för den sena klassiska perioden. Hon personifierar inte fysisk styrka, som var brukligt tidigare, utan skönhet och harmoni, återhållsam och lyrisk mänsklig kommunikation. Skildringen av känslor, karaktärernas inre liv är ett nytt fenomen i antik konst, inte karakteristiskt för höga klassiker. Hermes maskulinitet betonas av Dionysos infantila utseende. De böjda linjerna i figuren Hermes är graciösa. Hans starka och utvecklade kropp saknar den atleticism som är karakteristisk för Polykleitos verk. Ansiktsuttrycket, även om det saknar individuella drag, är mjukt och omtänksamt. Hennes hår målades och knöts med ett silver pannband.
Praxiteles uppnådde känslan av värme i kroppen genom att finmodellera ytan av marmor och med stor skicklighet förmedlade tyget av Hermes mantel och Dionysos kläder i sten.
SCOPAS
Museum i Olympia, Skopas Menada Förminskad romersk marmorkopia efter den ursprungliga 1:a tredjedelen av 4 c
Skopas - antik grekisk skulptör och arkitekt från 300-talet. före Kristus e. representativ för de sena klassikerna. Han föddes på ön Paros och arbetade i Teges (nu Piali), Halicarnassus (nu Bodrum) och andra städer i Grekland och Mindre Asien. Som arkitekt deltog han i byggandet av Athena Alei-templet i Tegea (350-340 f.Kr.) och mausoleet i Halicarnassus (mitten av 300-talet f.Kr.). Bland de autentiska verk av S. som har kommit ner till oss är den viktigaste frisen av mausoleet i Halikarnassos föreställande Amazonomachia (mitten av 300-talet f.Kr.; tillsammans med Briaxis, Leoharomi Timothy; fragment - i British Museum, London; se illustration). Många verk av S. är kända från romerska kopior ("Potos", "Ung Hercules", "Meleagr", "Maenad", se illustration). Att förkasta 400-talets inneboende konst. harmoniskt lugn i bilden, vände sig S. till överföringen av starka känslomässiga upplevelser, passionernas kamp. För att implementera dem använde S. en dynamisk komposition och nya tekniker för att tolka detaljer, särskilt ansiktsdrag: djupt liggande ögon, rynkor i pannan och en skild mun. S.s arbete, mättat med dramatiskt patos, hade ett stort inflytande på skulptörerna av den hellenistiska kulturen (se hellenistisk kultur), i synnerhet på verk av mästare från 300- och 200-talen som arbetade i staden Pergamon.
LYSIPP
Lysippus föddes omkring 390 i Sicyon på Peloponnesos och hans verk representerar redan den senare, grekiska delen av det antika Greklands konst.
Lysippos. Herkules med ett lejon. Andra hälften av 4:e talet. före Kristus e. Romersk marmorkopia av ett bronsoriginal. St Petersburg, Eremitaget.
LEOHAR
Leohar - antik grekisk skulptör från 300-talet. före Kristus e., som på 350-talet arbetade med Scopas på den skulpturala utsmyckningen av mausoleet i Halicarnassus.
Leohar Artemis av Versailles (Herr romersk kopia av 1-2 århundraden från originalet ca 330 f.Kr.) Paris, Louvren
Leohar. Apollo Belvedere Det här är jag med honom i Vatikanen. Ursäkta friheterna, men det är lättare att inte ladda en gipskopia på det här sättet.
Sen var det hellenismen. Vi känner honom väl från Venus (på "grekiska" Afrodite) från Milos och Nike från Samothrace, som förvaras i Louvren.
Venus de Milo. Omkring 120 f.Kr Louvren.
Nike från Samothrace. OK. 190 f.Kr e. Louvren
