Grekiska statyer av kvinnor. Antik skulptur. Uppmärksamhet på detaljer

Konst Antikens Grekland blev det stöd och grund på vilken helheten europeisk civilisation. Skulpturen i det antika Grekland är ett speciellt ämne. Utan antik skulptur skulle det inte finnas några lysande mästerverk från renässansen, och faktiskt ytterligare utveckling denna konst är svår att föreställa sig. I historien om utvecklingen av den grekiska antika skulpturen kan tre stora stadier urskiljas: arkaisk, klassisk och hellenistisk. Var och en har något viktigt och speciellt. Låt oss överväga var och en av dem.

Arkaisk

"Gudinna med ett granatäpple", som förvaras i Berlin statligt museum, en av de bäst bevarade arkaiska skulpturerna. Med yttre grovhet och "fel" proportioner lockas betraktarens uppmärksamhet av skulpturens händer, briljant utförd av författaren. Skulpturens uttrycksfulla gest gör den dynamisk och särskilt uttrycksfull.

Klassisk

Under klassikernas era skapades sådana berömda skulpturer som Athena Parthenos, Olympian Zeus, Discobolus, Doryphorus och många andra. Historien har bevarat för eftervärlden namnen på enastående skulptörer från eran: Policlet, Phidias, Myron, Skopas, Praxiteles och många andra.

Det klassiska Greklands mästerverk kännetecknas av harmoni, idealiska proportioner (vilket indikerar utmärkt kunskap om mänsklig anatomi), såväl som internt innehåll och dynamik.

Hellenism

Orientalisk emotionalitet och temperament tränger in i klassikernas lugn och majestät.

Afrodite av Cyrene, som pryder det romerska museet Thermae, är full av sensualitet, till och med en del koketteri.

Inför grekisk konst uttryckte många framstående hjärnor äkta beundran. En av de mest kända konstforskarna, Johann Winckelmann (1717-1768) säger om grekisk skulptur: ”Kännare och imitatörer av grekiska verk finner i sina mästerliga skapelser inte bara den vackraste naturen utan också mer än naturen, nämligen några ideal. skönhet, som skapas av bilder skissade av sinnet.

Alla som skriver om Grekisk konst, notera i den en fantastisk kombination av naiv omedelbarhet och djup, verklighet och fiktion. I den, särskilt inom skulpturen, förkroppsligas människans ideal. Vad är idealets natur? Hur fascinerade han människor så mycket att den åldrade Goethe snyftade i Louvren framför skulpturen av Afrodite?

Grekerna har alltid trott att endast i en vacker kropp kan en vacker själ leva. Därför är kroppens harmoni, yttre perfektion ett oumbärligt villkor och grund perfekt person. Det grekiska idealet definieras av termen kalokagathia (grekiska kalos - vacker + agathos bra). Eftersom kalokagatiya inkluderar perfektion av både kroppslig konstitution och andlig och moralisk läggning, så bär idealet tillsammans med skönhet och styrka rättvisa, kyskhet, mod och rimlighet. Det är detta som gör, skulpterade av forntida skulptörer, unikt vackert.

De bästa monumenten av antik grekisk skulptur skapades på 500-talet. FÖRE KRISTUS. Men mer har kommit ner till oss tidiga verk. Statyer från 700- och 600-talen FÖRE KRISTUS. symmetrisk: ena halvan av kroppen är en spegelbild av den andra. Fjädrade ställningar, utsträckta armar pressade mot en muskulös kropp. Inte den minsta lutning eller vridning av huvudet, men läpparna är åtskilda i ett leende. Ett leende, som inifrån, lyser upp skulpturen med ett uttryck för livsglädje.

Senare, under klassicismens period, får statyerna en större variation av former. Det gjordes försök att förstå harmoni algebraiskt. Den första vetenskapliga studien av vad harmoni är, genomfördes av Pythagoras. Skolan, som han grundade, övervägde frågor av filosofisk och matematisk karaktär och tillämpade matematiska beräkningar på alla aspekter av verkligheten. Varken musikalisk harmoni, människokroppens harmoni eller arkitektoniska struktur var ett undantag.

Pythagoras skola ansåg att numret var världens grund och början. Vad har talteori med grekisk konst att göra? Det visar sig vara det mest direkta, eftersom harmonin mellan universums sfärer och harmonin i hela världen uttrycks av samma siffror, varav de viktigaste är förhållandena 2/1, 3/2 och 4 /3 (i musik är dessa en oktav, en femma respektive en fjärde). Dessutom innebär harmoni möjligheten att beräkna varje korrelation mellan delar av varje objekt, inklusive skulptur, enligt följande proportion: a / b \u003d b / c, där a är en mindre del av objektet, b är vilken stor del som helst , c är helheten.

På grundval av detta skapade den store grekiska skulptören Polikleitos (400-talet f.Kr.) en skulptur av en spjutbärande ung man (400-talet f.Kr.), som kallas "Dorifor" ("Spjutbärare") eller "Kanon" - efter namnet på verk skulptören, där han, diskuterar konstteorin, överväger lagarna för bilden av en perfekt person. Man tror att konstnärens resonemang kan tillskrivas hans skulptur. Statyerna av Polykleitos är fulla av intensivt liv. Polikleitos tyckte om att avbilda idrottare i vila. Ta samma "Spearman". Denna kraftfullt byggda man är full av självkänsla. Han står orörlig framför betraktaren. Men detta är inte den statiska resten av forntida egyptiska statyer. Som en man som skickligt och lätt kontrollerar sin kropp, böjde spjutsmannen lätt det ena benet och flyttade tyngden av sin kropp till det andra. Det verkar som att ett ögonblick kommer att passera, och han kommer att ta ett steg framåt, vända huvudet, stolt över sin skönhet och styrka. Före oss är en man stark, stilig, fri från rädsla, stolt, återhållsam - förkroppsligandet av grekiska ideal.

Till skillnad från sin samtida Polikleitos tyckte Myron om att avbilda sina statyer i rörelse. Här finns till exempel statyn "Discobolus" (400-talet f.Kr.; Museum of Thermae. Rom). Dess författare, den store skulptören Miron, avbildade en vacker ung man i det ögonblick då han svängde en tung skiva. Hans rörelsefångade kropp är böjd och spänd, som en fjäder på väg att vecklas ut. Tränade muskler buktade under den elastiska huden på armen som drogs tillbaka. Tår, bildar ett pålitligt stöd, djupt pressade in i sanden. Statyerna av Myron och Polykleitos var gjutna i brons, men bara marmorkopior från antika grekiska original gjorda av romarna har kommit ner till oss.

Grekerna ansåg att Phidias var sin tids största skulptör, som dekorerade Parthenon med marmorskulptur. Hans skulpturer speglade de gamla grekernas uppfattning om gudarna som en bild av en ideal person. Det bäst bevarade reliefbandet i marmor är en fris på 160 m. Den föreställer en procession på väg till gudinnan Athenas tempel - Parthenon. Skulpturen av Parthenon skadades svårt. Och statyn av "Athena Parthenos" dog i antiken. Hon stod inne i templet och var outsägligt vacker. Gudinnans huvud med en låg, slät panna och rundad haka, hals och armar var gjorda av elfenben, och hennes hår, kläder, sköld och hjälm var präglade av ark av guld.

På bilden: Athena Parthenos, skulptör Phidias. Kopiera. Återställd enligt beskrivningarna. Arkeologiska museet, Aten.

Gudinnan i form av en vacker kvinna är personifieringen av Aten. Många historier förknippas med denna skulptur. Det skapade mästerverket var så stort och känt att dess författare omedelbart hade många avundsjuka människor. De försökte på alla möjliga sätt reta upp skulptören och letade efter olika anledningar till varför de kunde anklaga honom för något. Det sägs att Phidias anklagades för att ha dolt en del av guldet som gavs som material för utsmyckning av gudinnan. Som bevis på sin oskuld tog Phidias bort alla gyllene föremål från skulpturen och vägde dem. Vikten matchade exakt vikten av guldet som gavs till skulpturen.

Sedan anklagades Phidias för ateism. Anledningen till detta var Athenas sköld. Den skildrade handlingen i striden mellan grekerna och amasonerna. Bland grekerna gestaltade Phidias sig själv och sin älskade Perikles. Bilden av Phidias på skölden blev orsaken till konflikten. Trots alla prestationer från Phidias kunde den grekiska allmänheten vända sig mot honom. Den store skulptörens liv slutade med en grym avrättning.

Phidias prestationer i Parthenon var inte de enda i hans arbete. Skulptören skapade många andra verk, varav det bästa var den kolossala bronsfiguren Athena Promachos, uppförd på Akropolis omkring 460 f.Kr. och inte mindre enorm elfenben och guldfigur av Zeus för templet i Olympia.

Så här kan du beskriva Zeus-statyn för templet i Olympia: En enorm gud på 14 meter satt på en gyllene tron, och det verkade som om han ställde sig upp och rätade ut sina breda axlar, skulle det bli trångt i det stora hall och det skulle vara lågt i tak. Zeus huvud var dekorerat med en krans av olivkvistar - ett tecken på den formidabla gudens fridfullhet. Ansiktet, axlarna, armarna, bröstet var av elfenben, och kappan kastades över vänster axel. Kronan, Zeus skägg var av gnistrande guld. Phidias försåg Zeus med mänsklig adel. Hans stiliga ansikte, inramat av ett lockigt skägg och lockigt hår, var inte bara sträng, utan också snäll, hållningen var högtidlig, majestätisk och lugn. Kombinationen av kroppslig skönhet och själsvänlighet betonade hans gudomliga idealitet. Statyn gjorde ett sådant intryck att, enligt den antika författaren, människor, uppgivna av sorg, sökte tröst i att överväga skapandet av Phidias. Ryktet har förklarat att statyn av Zeus är ett av "världens sju underverk".

Tyvärr finns det inga fler autentiska verk, och vi kan inte se med våra egna ögon de magnifika konstverken i det antika Grekland. Endast deras beskrivningar och kopior fanns kvar. På många sätt berodde detta på den fanatiska förstörelsen av statyer av troende kristna.

Verken av alla tre skulptörerna var lika genom att de alla skildrade harmonin hos en vacker kropp och en vänlig själ som finns i den. Detta var tidens främsta trend. Naturligtvis har normerna och attityderna inom grekisk konst förändrats genom historien. Den arkaiska konsten var mer okomplicerad, den saknade den fulla av djupa innebörd av återhållsamhet som gläder mänskligheten under de grekiska klassikernas period.

Under hellenismens era, när en person förlorade känslan av världens stabilitet, förlorade konsten sina gamla ideal. Det började spegla de känslor av osäkerhet om framtiden som rådde i den tidens sociala strömningar. En sak förenade alla perioder av utvecklingen av det grekiska samhället och konsten: detta är en speciell passion för plast, för rumslig konst.

En sådan förkärlek är förståelig: enorma lager av olika färg, ädelt och idealiskt material - marmor - gav stora möjligheter för dess genomförande. Även om majoriteten av de grekiska skulpturerna gjordes i brons, eftersom marmor var ömtålig, var det marmorns struktur, med dess färg och dekorativa effekt, som gjorde det möjligt att återge människokroppens skönhet med största uttrycksfullhet.

Forntida grekiska myter har passerat genom århundradena och har kommit ner till våra dagar som det största förrådet av visdom och djup filosofisk mening. Det var den antika grekiska kulturens kulter och gudomliga gestalter som inspirerade den första gamla skulptörer att skapa sina magnifika mästerverk som fängslade konstkännare runt om i världen.

Fram till nu, i olika delar av världen, presenteras unika skulpturala statyer av olika grekiska gudar, av vilka många en gång dyrkades och erkändes som verkliga mästerverk av världsskulptur. Tänk på funktionerna i den skulpturala bilden av gudarna i det antika Grekland och kom ihåg de mest kända verken av de stora mästarna.

Zeus - himlens och åskans gud. De gamla grekerna betraktade Zeus som alla gudars kung och dyrkade honom som den mäktigaste gudomliga varelsen. Hans namn jämförs ofta med namnet på hans romerska motsvarighet, Jupiter.

Zeus är den yngsta av Kronos och Rheas barn. I klassisk mytologi tror man att Zeus var gift med gudinnan Hera, och som ett resultat av denna förening föddes Ares, Hebe och Hefaistos. Andra källor kallade Dione sin hustru, och Iliaden hävdar att deras förening kröntes med Afrodites födelse.

Zeus är ökänd för sina erotiska upptåg. Detta resulterade i många gudomliga och heroiska avkommor inklusive Athena, Apollo, Artemis, Hermes, Persephone, Dionysos, Perseus, Hercules och många fler.

Traditionellt tilltalade även gudar som inte är direkt släkt med Zeus honom respektfullt som en far.

Foto:

Sculptures of Zeus kombineras alltid med hans klassiska symboler. Zeus symboler är blixten, örnen, tjuren och eken. Skulptörer har alltid avbildat Zeus som en mäktig medelålders man med ett tjockt skägg, som håller blixten i ena handen, vilket motiverar sin titel åska.

Zeus figur avbildas vanligtvis som ganska krigisk, eftersom det är känt att det är han som anses vara arrangören av det blodiga trojanska kriget. Samtidigt utstrålar Zeus ansikte alltid adel och dygd.

Den mest kända statyn av Zeus restes på 500-talet f.Kr. i Olympia och anses vara ett av världens sju underverk. Den gigantiska skulpturen var gjord av guld, trä och elfenben och förvånade samtida med sin otroliga skala.

Statyn föreställde Zeus sittande majestätiskt på en enorm tron. I sin vänstra hand höll han en stor spira med en örn, medan han i sin andra hand höll en miniatyrskulptur av Nike, segergudinnan. Tronen var dekorerad med många basreliefer och fresker som föreställer lejon, kentaurer, Theseus och Herkules bedrifter. Den mäktige Zeus var klädd i gyllene kläder och sjöngs av många samtida i många litterära och historiska vittnesmål.

Tyvärr går det sista omnämnandet av denna staty tillbaka till 500-talet e.Kr. e. Världens tredje underverk, enligt historiska data, förstördes av brand år 425.

Poseidon i antik grekisk mytologi anses vara en av de högsta havsgudarna. Tillsammans med Zeus och Hades är Poseidon en av de tre mäktiga olympiska gudarna. Enligt myter bor Poseidon med sin fru gudinnan Amphitrite och sonen Triton i ett lyxigt palats på havets botten, omgivet av olika marina mytiska varelser och gudar.

Den mäktiga och stora havets gud, Poseidon, inspirerade många skulptörer att skapa stora statyer och basreliefer. En av de mest kända och erkända statyerna av Poseidon "Poseidon från Cape Artemision" är en antik hellenistisk bronsstaty.

Foto:

En staty upptäcktes i Egeiska havet nära Cape Artemision och höjdes till ytan som ett av antikens största arv som har överlevt till denna dag. Skulpturen föreställer Poseidon i full längd svänger för att kasta ett vapen som aldrig hittades. Forskare menar att detta är en treudd.

Dessutom kan många statyer och skulpturer av Poseidon hittas på gatorna i antika europeiska städer - Köpenhamn, Florens, Aten, etc. Men denna Gud fick den största konstnärliga responsen när han skapade fontäner. Det finns hundratals magnifika skulpturala fontäner i världen, i mitten konstnärlig komposition som Poseidon är närvarande, omgiven av fiskar, delfiner, ormar och havsmonster.

Den stora olympiska gudinnan Demeter anses vara gudinnan för fertilitet, jordbruk, spannmål och bröd. Detta är en av de mest vördade gudarna i det olympiska pantheonet, som nedlåtande bönder. Gudinnan Demeter har, liksom många andra grekiska gudar, två sidor - mörk och ljus.

Enligt legender och myter kidnappades hennes dotter Persephone av en gud. undre världen och brodern till Demeter själv, Hades, som gjorde henne till sin hustru och drottning av de dödas rike. Arg, skickade Demeter en hungersnöd till jorden, som började ta livet av människor. Men efter att ha kommit till sitt förnuft och visat barmhärtighet skickade hon också hjälten Triptolemos till folket för att lära dem hur man korrekt odlar jorden.

Foto:

Inom skulptur och konst avbildas Demeter som en medelålders kvinna, vanligtvis krönt och med veteöron i ena handen och en brinnande fackla i den andra. Den mest kända statyn av gudinnan Demeter förvaras idag och ställs ut i Vatikanmuseerna. Denna marmorskulptur är bara en kopia av en grekisk staty från den romerska perioden 430-420. FÖRE KRISTUS.

Gudinnan avbildas majestätisk och lugn och klädd i traditionell antik grekisk klädsel. Figuren får en speciell monumentalitet på grund av de symmetriskt fördelade ändarna av tunikans överlappning.

Apollo är en av de viktigaste och mest vördade olympiska gudarna i klassisk grekisk och romersk religion och mytologi. Apollo var son till Zeus och Titanides Leto, och tvillingbror till Artemis. Enligt legenden blev Apollo personifieringen av solen och ljuset, medan hans syster Artemis förknippades av de gamla grekerna med månen.

Först och främst anses Apollo vara ljusets gud, liksom beskyddare av musiker, artister och läkare. Som beskyddare av Delfi var Apollo ett orakel - en profetisk gudom. Trots guden Apollons många dygder beskrevs han också som en gud som kunde ge ohälsa och en dödlig pest.

Foto:

En av de mest kända skulpturerna av Apollo är Apollo Belvedere. Denna marmorskulptur är en exakt kopia av bronsprototypen, som skapades av den antika grekiska skulptören Leohar 330-320 f.Kr. före Kristus e. Skulpturen föreställer Gud i form av en ung, smal yngling som framstår som helt naken för publiken.

Trädstammen fungerar som ett stöd för gudens högra hand. Den unge mannens ansikte skildrar beslutsamhet och adel, hans ögon är fästa på avståndet och hans hand sträcker sig framåt. Idag ställs skulpturen "Apollo Belvedere" ut i Vatikanmuseerna.

Artemis var en av de mest vördade antika grekiska gudinnorna. Hennes romerska motsvarighet är Diana. Homer nämner henne under namnet Artemis Agrotera som "vilda djurs beskyddare och djurens älskarinna." Arkadianerna trodde att hon var dotter till Demeter och Zeus.

Men i klassisk grekisk mytologi beskrevs Artemis vanligtvis som dotter till Zeus och Leto, samt tvillingsyster till Apollo. Hon var den hellenska gudinnan för jakten och vilda djur. Samtidigt var det Artemis som de gamla grekerna betraktade som unga flickors beskyddare, oskuldens vårdare och en assistent vid förlossningen.

Foto:

I skulpturala inkarnationer avbildades Artemis ofta som en jägare som bar båge och pilar. Huvudsymbolerna för Artemis var cypressen och rådjuren. Den mest kända skulpturen i världen tillägnad gudinnan Artemis är Diana av Versailles eller Jägaren Diana. Denna marmorstaty gjordes på 1:a eller 2:a århundradet. före Kristus e. av en oidentifierad tidig hellenistisk skulptör. Skulpturen föreställer en ung smal flicka med håret uppdraget och klädd i en klassisk kort grekisk dräkt.

Afrodite är den antika grekiska gudinnan för kärlek, skönhet, njutning och fortplantning. Hon identifieras med planeten Venus, som är uppkallad efter den romerska gudinnan Venus, som anses vara Afrodites prototyp i romersk mytologi.

Afrodites huvudsymboler är myrten, rosor, duvor, sparvar och svanar. Kulten av Afrodite var till stor del baserad på kulten av den feniciska gudinnan Astarte (sumerisk kultur). Afrodites huvudsakliga kultcentra var Cypern, Korint och Aten. Hon var också prostituerades skyddsgudinna, vilket ledde till att forskare föreslog konceptet "helig prostitution" under en tid. Detta koncept anses för närvarande vara felaktigt.

Den mest kända skulpturala statyn av Afrodite är den världsberömda statyn av Venus de Milo. Förmodligen skapades figuren omkring 300 f.Kr. e. av en nu okänd skulptör.

Våren 1820 grävde en grekisk bonde från ön Milos upp denna magnifika skulptur av en ung och vacker flicka i sin trädgård. För att betona att Afrodite är kärlekens gudinna framställs hennes figur av mästaren som otroligt feminin och attraktiv. Ett inslag i denna magnifika skapelse var frånvaron av händer.

Efter långa tvister beslutade restauratörerna att de inte skulle återställa skönhetens händer och lämna Venus oförändrad. Idag ställs denna magnifika skulptur, gjord av snövit marmor, ut i Louvren och lockar årligen hundratusentals turister från hela världen.

Hermes är en av de yngsta bland de olympiska gudarna. Han anses vara son till Zeus och Pleiades Maya. Hermes är en ganska kontroversiell gud. Å ena sidan anses han som guden för handel, vinst, skicklighet och vältalighet, men enligt legenden hade han ingen motsvarighet i stöld och svek. Enligt den berömda myten begick Hermes sin första stöld medan han fortfarande var spädbarn.

Myten berättar att han sprang från vaggan och stal en hel flock kor, som på den tiden betes av Apollo. För att korna och han inte skulle bli listade av trappan på sanden, band han trädgrenar på djurens hovar, vilket tog bort alla spår. Hermes är också nedlåtande för talare och härolder, och anses vara guden för magi och alkemi.

Foto:

Det kanske mest kända och begåvade verket av skulptörer för att visa bilden av Hermes var statyn av parisk marmor "Hermes med spädbarnet Dionysos". Figuren upptäcktes av Ernst Curtius 1877 under utgrävningar av Heras tempel i Olympia. Det första som förvånar betraktaren när man tittar på statyn är dess enorma storlek. Tillsammans med podiet är statyns höjd 370 cm.

En annan magnifik skulptur tillägnad denna gud är Hermes Belvedere. Under lång tid förväxlades denna skulptur med statyn av Antinous. Statyn föreställer en snövit figur av en naken ung man som böjde huvudet. En cape, traditionell för grekerna, faller lättlöst från hans axel. Hittills tror många forskare att skulpturen av Hermes Belvedere i marmor bara är en kopia av det förlorade brons originalet.

Dionysos - i antik grekisk mytologi är detta den yngsta av de olympiska gudarna, vinets gud och vinframställningens beskyddare. Det andra namnet på denna gudom är Bacchus. Intressant nog, förutom vinodling, beskyddade Dionysos också teatern och ansågs vara guden för inspiration och religiös extas. Ritualerna förknippade med vördnaden av Dionysos åtföljdes alltid av floder av berusat vin, frenetiska danser och spännande musik.

Man tror att Dionysos föddes från en ond relation mellan Zeus och Semele (dotter till Cadmus och Harmony). När hon fick veta om Semeles graviditet blev Zeus fru Hera arg och flyttade bort flickan från Olympen. Zeus hittade dock fortfarande en hemlig älskare och ryckte barnet från hennes mage. Vidare syddes den här bebisen in i låret på Zeus, där han lyckades uthärda det. På ett så ovanligt sätt, enligt grekiska myter, föddes Dionysos.

Foto:

mest berömd staty Dionysos skapades av den största skulptören av världsberömdhet - Michelangelo. I ett försök att betona personlighetsdragen avbildade mästaren Dionysos naken med en skål i handen. Hans hår är prydt med vindruvor och vinrankor. Bredvid huvudpersonen placerade Michelangelo Satyr, som oundvikligen förföljer människor som lider av olika beroenden, inklusive alkoholism.

Myterna och legenderna i det antika Grekland var av avgörande betydelse för skapandet av unika skulpturala kompositioner runt om i världen. Alla världsskulpturens mästerverk som anges ovan bör besökas och ses med egna ögon.

Idag skulle jag vilja ta upp ett ämne som av erfarenhet ibland orsakar en svår och långt ifrån entydig reaktion - att prata om antik skulptur, och mer specifikt om skildringen av människokroppen i den.

Försök att introducera barn till gammal skulptur ibland stöter de på oförutsedda svårigheter, när föräldrar helt enkelt inte vågar visa nakna statyer för sitt barn, med tanke på att sådana bilder nästan är pornografiska. Jag antar inte att hävda metodens universalitet, men i min barndom uppstod inte ett sådant problem ens, eftersom - tack vare min kloka mor - en utmärkt upplaga av legenderna och myterna från det antika Grekland av Kuhn, rikligt illustrerad med fotografier av antika mästares verk, dök upp i mitt liv vid en ålder av fem eller sex, sedan är det långt innan flickan började intressera sig för alla möjliga specifika frågor om sex.

Så olympiernas kamp med titanerna och Hercules bedrifter slog sig ner i mitt huvud någonstans på samma hylla med snödrottningen och vilda svanar och kom ihåg inte bara som bisarra historier, utan fick omedelbart en visuell förkroppsligande, visade sig vara vara bunden - kanske på den tiden inte helt medvetet - till specifika ställningar, gester, ansikten - mänsklig plasticitet och ansiktsuttryck. Samtidigt hittade min mamma omedelbart enkla och begripliga svar på alla barnsliga frågor som dök upp - att det för det första var varmt i antikens Grekland, och för det andra är statyerna inte människor och nu är de inte alls kalla.

När det gäller vuxnas frågor måste man komma ihåg att idén om att dela upp en person i själ och kropp, vilket i den kristna antropologin i slutändan ledde till idén om kroppens underordning till själ (och även senare, i vissa protestantiska utlöpare, helt och hållet - till ett styvt tabu för det kroppsliga), formulerades först tydligt, kanske bara av Platon. Och innan dess, under åtminstone flera århundraden, nådde grekerna idén att själen inte bara är en ande, andetag, utan något individuellt personligt och så att säga "stationärt", som mycket gradvis flyttade från begreppet θυμός till begreppet ψυχή. Således, särskilt sedan gudarna blev antropomorfa, hade de grekiska mästarna helt enkelt inget annat sätt att berätta om livets olika sidor, förutom genom att avbilda människokroppen.

Så en betydande del av den grekiska skulpturen är illustrationer för myter, som i antiken inte bara var "sagor om gudarna", utan också ett sätt att förmedla den viktigaste informationen om världens struktur, livsprinciper, korrekt och felaktig . Det vill säga, sådana "3D-illustrationer" var mycket viktigare för forntida människor än för mig i barndomen. Men kanske mycket viktigare än förståelsen av myter, för oss finns det en annan möjlighet som den grekiska skulpturen gav sina skapare - att studera och lära känna mannen själv. Och om huvudpersonerna i den primitiva konsten var olika djur, så blir människan utan tvekan en sådan från paleolitikum och genom antiken.

Alla ansträngningar från konstnärerna under denna ganska långa period syftar först till att fånga och förmedla de mest allmänna anatomiska dragen i människokroppens struktur, och sedan på dess mer komplexa dynamiska manifestationer - rörelser, gester, ansiktsuttryck. Så europeisk konst började sin långa resa från de råa och endast avlägset mänskliga "paleolitiska venuserna" till Mirons verk, perfekta i proportioner, och från dem längre; en väg som villkorligt kunde kallas vägen till en person - först till hans kropp och sedan till hans själ - dock så långt i ordets psykologiska mening. Låt oss gå igenom några av dess stadier och vi.

Paleolitiska venusor. För cirka 30 tusen år sedan

De allra första humanoidbilderna i Europa, som nämnts ovan, var "Paleolithic Venuses" - små statyetter gjorda av mammutbetar eller mjuka stenar av sten. Funktioner i deras bild - den nästan fullständiga frånvaron av armar, och ibland till och med ben och huvuden, hypertrofierad mittdelen torsos - låt oss anta att vi för närvarande troligen inte ens skildrar människokroppen i sin helhet, utan bara ett försök att förmedla en av dess funktioner - barnafödande. Kopplingen av "Venuses" med kulten av fertilitet antyder den stora majoriteten av forskare; vi behöver dem bara som utgångspunkt för vår resa.

Nästa stopp kommer att vara kouros och kors (lit. - pojkar och flickor) - mänskliga bilder snidade i forntida politik på 700- och 600-talen f.Kr.

Kouros, arkaiskt leende. Kouros och bark

Som du kan se förmedlar sådana statyer, som till exempel används som monument till kända idrottare, människokroppens utseende mycket mer detaljerat, men de är också ett slags "mänskligt schema". Så, till exempel, alla de många kuros, av någon oförklarlig anledning, står i samma position - pressar sina händer mot kroppen, trycker sitt vänstra ben framåt; de senaste misstankarna om porträtt kan slutligen skingras när man tittar på deras ansikten - med samma frånvarande uttryck och läppar sträckta till ett kusligt - sk. arkaiskt leende.

Nästa stopp. 5:e århundradet BC, grekisk arkaisk. Skulpturer av Myron och Polikleitos, som slår betraktaren med perfektion av proportioner.

Miron. Discokastare 455 f.Kr., Polykleitos. Doryphorus (spjutsman) (450-440 f.Kr.) och sårad Amazonas (430 f.Kr.)

Verkligen, frågar du, och det här är återigen ett schema? Och gissa vad, svaret är ja. Vi har åtminstone två bevis på detta. För det första utdrag av den sk. "Polykleitos kanon". I denna matematiska avhandling försökte skulptören, som var en anhängare av den pythagoriska rörelsen, beräkna de ideala proportionerna av den manliga kroppen. En illustration av sådana beräkningar blev tydligen senare en staty. Och det andra beviset blir ... den tidens omfattande grekiska litteratur. Från den kan vi till exempel rita följande linjer av Sappho:

Den som är vacker är bra.

Och den som är snäll blir snart vacker.

Dessutom, bland alla hjältar i "Iliaden" av Homer, är det bara den "slöa-talande" Thersites som vägrar att utan tvekan gå in i ett oändligt krig, dit hjältarna drivs av gudarna. Författaren sparar inte svart färg för denna karaktär, som gör uppror mot armén med sina tal och hatar bokstavligen alla; men det är ingen slump att samma Thersites, på uppdrag av författaren, visar sig vara ett fruktansvärt freak:

En högst ful man kom han till Ilion bland Danae;
Det var en korsögd, halt; helt puckelryggad bakifrån
Axlarna konvergerade mot perserna; hans huvud gick upp
Pekade uppåt, och var bara sparsamt prickad med ludd.

Sålunda kan vi säga att grekerna under den arkaiska perioden var anhängare av idén att yttre skönhet är en oumbärlig manifestation av inre skönhet och harmoni, och därför, genom att noggrant beräkna parametrarna för den ideala människokroppen, försökte de skildra, nej mindre, en perfekt själ, så så perfekt att den till och med verkar livlös.

Och egentligen, svara mig bara på en enkel fråga: var kommer skivan som kastas av diskuskastaren att flyga iväg i nästa ögonblick? Ju längre du tittar på statyn, desto tydligare kommer du att förstå att skivan inte kommer att kastas någonstans, eftersom positionen för idrottarens tillbakadragna hand inte alls innebär en svängning att kasta, hans bröstmuskler ger inte ut någon speciell spänning, hans ansikte är helt lugnt; dessutom tillåter den avbildade positionen för benen inte att göra det vändningshopp som är nödvändigt för att kasta, utan till och med ett enkelt steg. Det vill säga, det visar sig att diskuskastaren, trots den skenbara komplexiteten i sin hållning, är absolut statisk, perfekt, död. Liksom den sårade Amazonen, i hennes lidande graciöst lutad mot huvudstaden som dök upp bredvid henne vid en sådan tidpunkt.

Slutligen, IV-talet. FÖRE KRISTUS. introducerar nya stämningar i grekisk skulptur. Vid denna tidpunkt är den grekiska politiken på tillbakagång - vi kan anta att den forntida människans lilla universum gradvis upphör med sin existens. Grekisk filosofi vänder sig resolut till sökandet efter nya grundvalar för mänsklig lycka, och erbjuder ett val av Antisthenes cynism eller Aristippus hedonism; på ett eller annat sätt, men från och med nu måste en person själv ta itu med problemen med den djupa meningen med sitt liv. Samma separata mänskliga karaktär kommer i förgrunden i skulpturen, där både meningsfulla ansiktsuttryck och verklig rörelse framträder för första gången.

Lysippos Resting Hermes 400-talet f.Kr., Maenad Skopas, 400-talet. BC, Artemis från Gabii 345 BC

Smärta och spänningar uttrycks i Maenad Scopas ställning, och hennes ansikte med stora ögon vänt mot himlen. Tänkande, med en graciös och vanemässig gest, fäster Artemis från Gabia Praxiteles fibula på axeln. Den vilande Hermes Lysippe är också tydligt i djupa tankar, och de överdrivet långsträckta, helt icke-klassiska proportionerna av hans kropp gör figuren lätt, vilket ger en viss dynamik även till denna nästan statiska pose. Det verkar som om lite mer, och den unge mannen kommer att fatta ett viktigt beslut och springa vidare. Således börjar själen för första gången titta genom konturerna av vackra marmor- och bronskroppar.

De flesta statyer vi har recenserat idag är förresten nakna. Men har någon lagt märke till det?

Vid återpublicering av material från Matrony.ru-webbplatsen krävs en direkt aktiv länk till materialets källtext.

Eftersom du är här...

… vi har en liten förfrågan. Matronaportalen utvecklas aktivt, vår publik växer, men vi har inte tillräckligt med medel för det redaktionella arbetet. Många ämnen som vi skulle vilja ta upp och som är av intresse för er, våra läsare, förblir avslöjade på grund av ekonomiska begränsningar. Till skillnad från många medier gör vi medvetet ingen betalprenumeration, eftersom vi vill att vårt material ska vara tillgängligt för alla.

Men. Matroner är dagliga artiklar, spalter och intervjuer, översättningar av de bästa engelskspråkiga artiklarna om familj och uppväxt, dessa är redaktörer, hosting och servrar. Så du kan förstå varför vi ber om din hjälp.

Till exempel, är 50 rubel i månaden mycket eller lite? En kopp kaffe? Inte mycket för en familjebudget. För matron - mycket.

Om alla som läser Matrons stödjer oss med 50 rubel i månaden, kommer de att göra ett stort bidrag till möjligheten att utveckla publikationen och uppkomsten av nytt relevant och intressant material om en kvinnas liv i modern värld, familj, barnuppfostran, kreativt självförverkligande och andliga betydelser.

7 kommentarstrådar

5 trådsvar

0 följare

Mest reagerade kommentar

Hetaste kommentarstråden

ny gammal populär

0 Du måste vara inloggad för att rösta.

Du måste vara inloggad för att rösta. 0 Du måste vara inloggad för att rösta.

Du måste vara inloggad för att rösta. 0 Du måste vara inloggad för att rösta.

Ämne: Framstående skulptörer Antikens Grekland.

Mål: Studiet av huvudstadierna i utvecklingen av antik grekisk skulptur.

Nya ord:

MIMESIS"- likhet.

Kalokagatiya (gr. kalos- härligt + agathos Snäll).

Kuros och skäll - skapad under ålderdomliga mäns tid. och kvinnlig figurer (upp till 3 m.) Mimesis - likhet. karyatid - (grekiska karyatis) - en skulptural bild av en stående kvinnlig figur som fungerar som ett stöd för en balk i en byggnad (eller bildligt uttrycker denna funktion).

bakterier – sten pyloner med "händer", placerade vid huvudentrén till huset.

Frågor.

Skulpturella kanoner av Polikleitos och Miron.

Skulpturer av Scopas och Praxiteles.

Lysippus och Leochar.

Hellenistisk skulptur.

Under lektionerna.

1. Förverkligande av elevernas kunskaper om det antika Greklands arkitektur.

2. Ämnets budskap, syftet med lektionen.

Grekerna trodde alltid att endast i en vacker kropp kan en vacker själ leva. Därför kroppens harmoni, yttre perfektion - ett oumbärligt villkor och grund för en ideal person. Det grekiska idealet definieras av termen kalokagatiya(gr. kalos- härligt + agathos Snäll). Eftersom kalokagatiya inkluderar perfektion av både kroppslig konstitution och andlig och moralisk läggning, så bär idealet tillsammans med skönhet och styrka rättvisa, kyskhet, mod och rimlighet. Det är detta som gör de grekiska gudarna, skulpterade av forntida skulptörer, unikt vackra.

Trots likheten mellan skulpturerna från VI och V-talen. BC, de har också karakteristiska skillnader:

Det finns inte längre domningar, schematism av arkaiska skulpturer;

Statyerna blir mer realistiska.

Skulpturella kanoner av Polikleitos och Miron .

1. En lovsång till Människans storhet och andliga kraft;

2. Favoritbild - en smal ung man med en atletisk kroppsbyggnad;

3. Andligt och fysiskt utseende är harmoniskt, det finns inget överflödigt, "inget övermått".

Mest kända skulptörer epoker av High Classics är Polykleitos och Myron.

Polykleitos - En antik grekisk skulptör och konstteoretiker som arbetade i Argos under andra hälften av 400-talet f.Kr.

1. På order av prästerna i Artemistemplet i Efesos ca. 440 f.Kr Poliklet skapade en staty av en skadad Amazon och tog förstaplatsen i tävlingen, där förutom honom även Phidias och Cresilaus deltog. En uppfattning om det ges av kopior - en relief upptäckt i Efesos, såväl som statyer i Berlin, Köpenhamn och Metropolitan Museum of Art i New York. Benen på Amazonas är satta, precis som Doryphorus, men fri hand hänger inte längs kroppen, utan kastas över huvudet; den andra handen stöder kroppen, lutad mot pelaren. Posen är harmonisk och balanserad, men Poliklet tog inte hänsyn till det faktum att om ett sår gapar under höger bröst på en person, kan hans högra hand inte höjas högt upp. Tydligen intresserade den vackra, harmoniska formen honom mer än handlingen eller överföringen av känslor. Samma omsorg genomsyras av den noggranna utvecklingen av vecken i Amazonas korta tunika.

2. Sedan arbetade Policlet i Aten, där ca. 420 f.Kr han skapade Diadumen, en ung man med ett bandage runt huvudet. I detta arbete, som kallades en mild ungdom, kan man i motsats till den modige Doryphoros känna inflytandet från den attiska skolan. Även här används stegets motiv, trots att båda händerna lyfts upp och håller i bandaget, en rörelse som skulle vara mer lämpad för en lugn och stadig ställning av benen. Motsatsen till höger och vänster sida är inte så uttalad. Ansiktsdrag och frodiga hårlock är mycket mjukare än i tidigare verk. De bästa reproduktionerna av Diadumen är en kopia som finns på Delos och nu i Aten, en staty från Vezon i Frankrike, som förvaras i British Museum, och kopior i Madrid och Metropolitan Museum of Art. Flera terrakotta- och bronsfigurer har också bevarats. De bästa exemplaren av chefen för Diadumen finns i Dresden och Kassel.

3. Omkring 420 f.Kr Poliklet skapade för templet i Argos en kolossal chrysoelephantine (gjord av guld och elfenben) staty av Hera, sittande på en tron. Argivemynt kan ge en uppfattning om hur denna antika staty såg ut. Bredvid Hera stod Hebe, skulpterad av Naucis, en elev till Polykleitos. I templets plastiska utformning kan man känna både inflytandet från mästarna i Attiska skolan och Polykleitos; kanske är det hans elevers verk. Polykleitos skapelser saknade majestätet hos Phidias statyer, men många kritiker anser dem vara överlägsna Phidias i sin akademiska perfektion och perfekta ställningstagande. Polykleitos hade många studenter och anhängare fram till eran av Lysippus (slutet av 300-talet f.Kr.), som sa att Doryphoros var hans lärare i konst, även om han därefter avgick från kanonen Poliklet och ersatte den med sin egen.

Myron han skapade statyer av segerrika idrottare, korrekt och naturligt förmedlade den mänskliga figuren, upptäckte hemligheten med plastkonceptet rörelse. Men (!!!) hans verk har bara en synvinkel. Bland hans mest kända verk är den skulpturala kompositionen

"Athena och Marsyas", såväl som "Discobolus".

Myron var en äldre samtida med Phidias och Polykleitos och ansågs vara en av sin tids största skulptörer. Han arbetade i brons, men inget av hans verk har överlevt; de är främst kända från kopior. Mest berömt verk Myrona - Diskuskastare (Skivkastare). Diskuskastaren avbildas i en komplex ställning i ögonblicket med den högsta spänningen före kastet. Skulptören var intresserad av formen och proportionen av figurer i rörelse. Miron var en mästare på att förmedla rörelse vid klimax, övergångsögonblicket. I ett berömmande epigram tillägnat hans bronsstaty av atleten Ladas, betonas det att den flämtande löparen avbildas med ovanlig livfullhet. Den skulpturala gruppen Myron Athena och Marsyas, som stod på den atenska Akropolis, präglas av samma skicklighet i att förmedla rörelse.

2. Skulpturella skapelser av Scopas och Praxiteles.

4:e århundradet FÖRE KRISTUS.

1. Strävade efter överföring av kraftfulla åtgärder;

2. De förmedlade en persons känslor och upplevelser:

Passion

dagdröm

Kärlek

Raseri

Förtvivlan

Lidande

SCOPAS (verksamhetens storhetstid 375–335 f.Kr.), grekisk skulptör och arkitekt, född på ön Paros ca. 420 f.Kr., möjligen. Det första verk av Scopas som vi känner till är Athena Alea-templet i Tegea, på Peloponnesos, som var tvungen att byggas om, sedan det förra brann ner 395 f.Kr. Scopas var en del av en grupp på fyra skulptörer (och kan ha varit den äldsta bland dem) som fick i uppdrag av änkan till Mavsolos Artemisia att skapa den skulpturala delen av mausoleet (ett av världens sju underverk) i Halikarnassus, hennes mans grav. Den passion som är inneboende i Scopas verk uppnås främst med hjälp av en ny tolkning av ögonen: de är djupt planterade och omgivna av tunga ögonlocksveck. Livlighet i rörelser och djärva kroppspositioner uttrycker intensiv energi och visar mästarens uppfinningsrikedom.

Scopas mest kända verk var:

- Scopas . "Amazonomaki".

- Grekernas strid med amasonerna. Fragment av frisen i Halikarnassos mausoleum. Marmor. Omkring 350 f.Kr e. London. Brittiskt museum.

Reliefen är magnifik, som föreställer en krigare som lutar sig tillbaka skarpt och försöker stå emot Amazonas angrepp, som grep tag i sin sköld med ena handen och tillfogade ett dödligt slag med den andra. Till vänster om denna grupp är en Amazon som rider på en het häst. Hon sitter tillbakavänd och kastar tydligen en pil mot en fiende som förföljer henne. Hästen kör nästan över den bakåtlutande krigaren. Den skarpa sammandrabbningen av motsatt riktade rörelser mellan ryttaren och krigaren och den ovanliga landningen av Amazonas förstärker det övergripande dramat i kompositionen med deras kontraster.

Scopas. Chef för en sårad krigare från den västra frontonen av Athena-Aleias tempel i Tegea. Marmor. Första hälften av 4:e talet. före Kristus e. Aten. Nationalmuseum.

Scopas. Maenad. Mellan 4:e talet. före Kristus e. Romersk kopia i förminskad marmor av ett förlorat original. Dresden. Albertinum.

Marmorn "Maenad", som har kommit ner till oss i en liten skadad antik kopia, förkroppsligar bilden av en man besatt av ett våldsamt passionsutbrott. Inte förkroppsligandet av bilden av en hjälte som självsäkert kan härska över sina passioner, utan avslöjandet av en extraordinär extatisk passion som omfamnar en person är karakteristisk för Maenad. Intressant nog är Maenad of Scopas, till skillnad från 500-talets skulpturer, designad för att ses från alla håll.

PRAXITELS (4:e århundradet f.Kr.),

Statyn av Afrodite av Cnidus ansågs i antiken inte bara vara den bästa skapelsen av Praxiteles, utan i allmänhet den bästa statyn genom tiderna. Som Plinius den äldre skriver kom många till Knidos bara för att se henne. Det var den första monumentala bilden av en helt naken kvinnlig figur i grekisk konst, och därför avvisades den av invånarna i Kos, för vilka den var avsedd, varefter den köptes av stadsborna i grannlandet Cnidus. Under romartiden präglades bilden av denna staty av Afrodite på Knidos-mynt, många kopior gjordes av den (den bästa av dem finns nu i Vatikanen, och den bästa kopian av Afrodites huvud finns i Kaufmann-samlingen i Berlin ). I forntida tider hävdades det att modellen av Praxiteles var hans älskade, hetaera Phryne.

Den bästa idén om Praxiteles stil ger en staty av Hermes med spädbarnet Dionysos (museet i Olympia), som hittades under utgrävningar i Heras tempel i Olympia. Trots vissa tvivel är detta nästan säkert ett original, skapat ca. 340 f.Kr Den flexibla gestalten Hermes lutade sig graciöst mot en trädstam. Mästaren lyckades förbättra tolkningen av motivet av en man med ett barn i famnen: rörelserna hos Hermes båda händer är sammansatta förknippade med barnet. Förmodligen, i hans högra, inte bevarade hand, fanns det en klase druvor, med vilka han retade Dionysos, varför barnet sträckte sig efter det. Hermes figur är proportionerligt byggd och perfekt utarbetad, det leende ansiktet är fullt av livlighet, profilen är graciös och den släta ytan på huden kontrasterar skarpt med det schematiskt konturerade håret och den ulliga ytan på kappan som kastas över stammen . Hår, draperier, ögon och läppar och sandalremmar målades.

Värre är andra statyer av Afrodite som tillskrivs Praxiteles. En kopia av statyn som invånarna i Kos valt har inte bevarats. Afrodite från Arles, uppkallad efter upptäcktsplatsen och förvarad i Louvren, kanske inte föreställer Afrodite, utan Phryne. Statyns ben är dolda av draperier, och bålen är helt exponerad; av hennes hållning att döma höll hon en spegel i vänster hand. Några fina statyetter av en kvinna som sätter på sig ett halsband har också överlevt, men återigen kan man se både Afrodite och en dödlig kvinna i dem.

Praxiteles. Artemis från Gabia. Cirka 340-330 år. före Kristus e. Romersk marmorkopia av ett förlorat original. Paris. Louvren.

I statyn av Artemis ser vi exempel på att lösa motivet av en draperad människofigur. Artemis avbildas här som kvinnors beskyddarinna: hon kastar en slöja över sin högra axel, medförd av en kvinna som en gåva för en framgångsrik befrielse från en börda.

Praxiteles var fulländad mästare i överföringen av kroppens nåd och andens subtila harmoni. Oftast framställde han gudarna, och till och med satyrerna, som unga; i sitt arbete för att ersätta 400-talets bilders majestät och upphöjdhet. FÖRE KRISTUS. nåd och drömsk ömhet kommer.

3. Leochar och Lysippus. Konsten att den pseudo-klassiska riktningen avslöjades mest konsekvent i arbetet med Leohara, Leohar, en atenare till födseln, blev Alexander den stores hovmålare. Det var han som skapade ett antal krysoelefantstatyer av kungarna från den makedonska dynastin för Philippeion. Den kalla och pompösa klassificeringen, det vill säga utåt imiterar klassiska former, stilen i Leochars verk mötte behoven hos den framväxande monarkin Alexander. En uppfattning om stilen på Leohars verk, tillägnad lovpriset av den makedonska monarkin, ger oss en romersk kopia av hans heroiserade porträtt av Alexander den store. Alexanders nakna figur hade en abstrakt och idealisk karaktär.

Leohar. Apollo Belvedere . Omkring 340 f.Kr. e. Romersk marmorkopia av ett förlorat bronsoriginal. Rom. Vatikanen.

Den mest betydelsefulla bland Leohars verk var statyn av Apollo - den berömda "Apollo Belvedere" ( "Apollo Belvedere" - namnet på den romerska marmorkopian som har kommit till oss från brons originalet av Leochar, som en gång låg i Vatikanen Belvedere (öppen loggia)).

Bilden av Apollo är dock mer utåt spektakulär än inre betydelsefull. Frisyrens prakt, den högmodiga vändningen av huvudet, gestens välkända teatralitet är djupt främmande för klassikernas sanna traditioner.

Den berömda statyn av "Artemis of Versailles", full av kall, något arrogant storhet, ligger också nära Leochars cirkel.

Leohar. Artemis från Versailles. Tredje fjärdedelen av 4:e talet. före Kristus e. Romersk marmorkopia av ett förlorat original. Paris. Louvren.

Lysippos.. Inom konsten bestämde Lysippe avslöjandeuppgift inre frid mänskliga upplevelser och den välkända individualiseringen av bilden av en person. Samtidigt introducerade Lysippus nya nyanser för lösningen av dessa konstnärliga problem, och viktigast av allt, han slutade överväga skapandet av bilden av en perfekt vacker person som konstens huvuduppgift. Lysippus, som konstnär, kände att de nya förutsättningarna offentligt liv berövade detta ideal all seriös vital grund.

för det första, Lysippus finner grunden för bilden av det typiska i bilden av en person inte i de egenskaper som kännetecknar en person som medlem av ett team av fria medborgare i polis, som en harmoniskt utvecklad personlighet, men i egenskaperna hos hans ålder, yrke, tillhörande ett eller annat psykologiskt temperament. En särskilt viktig nyhet i Lysippus verk är intresset för att avslöja det karaktäristiskt uttrycksfulla och inte idealiskt perfekta i bilden av en person.

För det andra, Lysippus framhåller till viss del i sina verk ögonblicket för personlig uppfattning, försöker förmedla sin känslomässiga inställning till den avbildade händelsen. Enligt Plinius sa Lysippus att om de gamla skildrade människor som de verkligen var, så är han, Lysippus, som de verkar. Lysippos. Apoxyomenos. Huvud (se ill. 215).

Lysippus förståelse av bilden av en man var särskilt levande förkroppsligad i hans bronsstaty, berömd i antiken. statyn av Apoxyomenos. Lysippus avbildade en ung man som rensar bort sanden på arenan med en skrapa, som har fastnat på hans kropp under en sporttävling. I denna staty förmedlade konstnären mycket: uttrycksfullt det tillstånd av trötthet som grep den unge mannen efter stressen av den kamp han upplevt.

I Apoxyomeno vill Lysippus inte visa inre frid och stabil balans, utan en komplex och motsägelsefull förändring av humörnyanser.

Lysippos. Vila Hermes . Tredje fjärdedelen av 4:e talet. före Kristus e. Romersk bronskopia av ett förlorat original. Neapel. Nationalmuseum.

Hermes verkade sitta ett ögonblick på kanten av en klippa. Konstnären förmedlade här lugn, lätt trötthet och samtidigt Hermes beredskap att fortsätta en snabbt snabb flygning.

I samma serie ingick också en grupp som skildrade Herkules kamp med det Nemeiska lejonet, som också kom ner till oss i en romersk kopia som förvarats i Eremitaget.

Lysippos. Herkules med ett lejon . Andra hälften av 4:e talet. före Kristus e. Förminskad marmorkopia av den romerska perioden från ett förlorat bronsoriginal. Leningrad. Eremitagemuseet.

Framförallt stor betydelse hade Lysippus arbete för den fortsatta utvecklingen av det grekiska porträttet.

Chef för Alexander den store från ön Kos. Marmor Originaliteten och styrkan i Lysippos porträttskicklighet förkroppsligades tydligast i hans porträtt av Alexander den store.

En viljestark, energisk vändning av huvudet, hårstrån som slängs tillbaka kraftigt skapar en allmän känsla av en patetisk impuls. Å andra sidan ger de sorgsna vecken i pannan, den lidande blicken, den svängda munnen bilden av Alexander drag av tragisk förvirring. I detta porträtt uttrycks, för första gången i konsthistorien, passionernas spänning och deras inre kamp med sådan kraft.

4. Hellenismens skulptur.

1. Spänning och spänning i ansikten;

2. En virvelvind av känslor och upplevelser i bilder;

3. drömmande av bilder;

4. Harmonisk perfektion och högtidlighet

Hellenistisk konst är full av kontraster – gigantisk och miniatyr, ceremoniell och inhemsk, allegorisk och naturlig. Huvudtrenden - avvikelse från den generaliserade människotypentill förståelsen av människan som en konkret, individuell varelse, och därav den ökande uppmärksamhet på hans psykologi, intresse för händelser och ny vaksamhet för nationella tecken, ålder, sociala och andra tecken på personlighet.

Allt ovanstående betyder inte att den hellenistiska eran inte lämnade stora skulptörer och deras konstmonument. Dessutom skapade hon verk som, enligt vår uppfattning, syntetiserar de högsta prestationerna av antik plastisk konst, är hennes otillgängliga prover -

Afrodite av Melos,

Nike från Samothrace , Zeus altare i Pergamon. Dessa berömda skulpturer skapades under den hellenistiska eran. Deras författare, om vilka ingenting eller nästan ingenting är känt, arbetade i linje med den klassiska traditionen och utvecklade den verkligen kreativt.

Bland skulptörerna från denna era kan namnen på följande noteras: Apollonius, Taurisk ("Farnesian tjur"), Athenodorus, Polydorus, Agesander ("Aphrodite of Melos", "Laocoon").

Moral och livsformer, såväl som former av religion, började blandas under den hellenistiska eran, men vänskapen rådde inte och freden kom inte, oenigheten och kriget slutade inte.

5.Slutsats. En sak förenade alla perioder av utvecklingen av det grekiska samhället och konsten: detta särskild förkärlek för plastisk konst, för rumslig konst.

Vi undersökte skapelserna av de största skulptörerna i det antika Grekland under hela antiken. Vi såg hela processen av bildning, blomstring och nedgång av skulpturstilar - hela övergången från strikta, statiska och idealiserade arkaiska former genom den balanserade harmonin av klassisk skulptur till den dramatiska psykologismen hos hellenistiska statyer. Skaparna av skulptörerna i det antika Grekland betraktades med rätta som en modell, ett ideal, en kanon i många århundraden, och nu upphör det inte att erkännas som ett mästerverk av världsklassiker. Inget liknande har uppnåtts vare sig eller senare. All modern skulptur kan i en eller annan grad betraktas som en fortsättning på det antika Greklands traditioner. Skulpturen i det antika Grekland i dess utveckling passerade hård väg, banar väg för utvecklingen av plast från efterföljande epoker i olika länder.

Det är känt att de flesta forntida mästare inom plastisk konst inte skulpterade i sten, de gjutna i brons. Under århundradena efter den grekiska civilisationens era var det att föredra att bevara bronsmästerverk att de smältes ner till kupoler eller mynt och senare till kanoner. I mer sen tid traditionerna som fastställts av antika grekiska skulpturer berikades med nya utvecklingar och prestationer, medan de gamla kanonerna fungerade som den nödvändiga basen, grunden för utvecklingen av plastisk konst i alla efterföljande epoker.

6. Hus. uppgift: kap.8, st.84-91., uppgift st.91.

LISTA ÖVER ANVÄNDA KÄLLOR

1. Antik kultur. Ordbokshänvisning / under det allmänna. ed. V.N. Yarkho - M., 2002

2. Bystrova A. N. "Kulturens värld, kulturstudiernas grunder"
Polikarpov V.S. Föreläsningar om kulturstudier - M .: "Gardarika", "Expert Bureau", 1997

3. Vipper B.R. Konst i antikens Grekland. - M., 1972

4. Gnedich P.P. Världshistorien Konst - M., 2000

5. Gribunina N.G. Världens historia konstnärlig kultur, i 4 delar. Del 1, 2. - Tver, 1993

6. Dmitrieva, Akimova. Antik konst. Uppsatser. - M., 1988