"KOMPOSITOR AV XXI TALLET"

En dag ägnades åt att juryn lyssnade på ljudinspelningar av tonsättarens verk som skickades av deltagare från avlägsna hörn av Ryssland och utomlands, och tre dagars tävlingsuppträdanden hölls i närvaro av lyssnare. Jag hade en chans att observera ett fantastiskt samvälde och samskapande av deltagare, juryn och allmänheten, som, det måste erkännas, fortfarande inte är många, men definitivt intresserade. Det verkar som att frågan om antalet lyssnare vid sådana evenemang inte tas bort från agendan, och livet i sig är "kunden" till den nya tävlingen – just för att det ännu inte har skett ett totalt uppvaknande av intresset för modern musik. Och jag skulle vilja tro att ryktet om tävlingen kommer att locka en bredare publik till den i framtiden, eftersom den här tävlingen inte är uppfunnen eftersom detta är uppenbart saknat i Ryssland, och bland de många olika tävlingarna, och "Kompositören av den 21st Century" optimistiska "small awakening" lyckades ändå.

Organisationskommitté och jury

Grundare och arrangör av tävlingen var den autonoma ideella organisationen "International Academy of Musical Innovations", som i år firar tioårsjubileum av sin verksamhet. Tävlingens ordförande och chefen för organisationskommittén, Igor Evard, samlade mycket professionella hedrade musiker kring idén om att återuppliva intresset för samtida tonsättarkonst: Folkets konstnär i Ryssland, ordförande för Union of Composers of Russia Vladislav Kazenin, som hedersamt ledde juryn för tävlingen, professor i GMPI uppkallad efter M.I. MM. Ippolitov-Ivanov Efrem Podgayts, hedrad konstnär i Ryska federationen, professor vid Ryska musikakademin. Gnesins Ruzanna Lisitsian, Ryska federationens folkkonstnär, chef för Kaliningrad Regional Philharmonic Viktor Bobkov, samt solister från Moscow State Academic Philharmonic, pristagare av internationella tävlingar Ekaterina Mechetina och Kirill Rodin.

Begrepp

Tävlingen "Kompositör av XXI-talet" gav naturligtvis en möjlighet att uttrycka sig för både kompositörer och artister, eftersom det är välkänt att kompositörer inte kan existera separat från artister, och artister måste hitta sin moderna repertoar. Och i det här fallet vi har att göra med en tävling inom en tävling som på ett mycket elegant sätt binder samman de två komponenterna i födelsen av ny musik.

Kompositioner som lämnats in till organisationskommittén i form av lämpligt musikmaterial och, vilket är särskilt viktigt för fjärrdeltagare, i form av ljud- eller videoinspelningar, accepterades som tonsättarverk. Den skisserade genren av kompositioner var begränsad till deras destination antingen för sångare eller ensembler av olika kompositioner med antalet deltagare som inte översteg fem. Konkurrenter med en speciell musikalisk utbildning, studenter och utexaminerade från musikuniversitet och högskolor (inte bara i Ryssland) fick tävla som artister och kompositörer. Utvärdering av verk av en enda jury genomfördes i tre oberoende nomineringar. Konkurrenter från 17 år och uppåt kunde delta i tonsättarnomineringen "Årets premiärminister" och den utövande nomineringen "Ensembler" (duett, trio, kvartett, kvintett) utan att sätta en övre gräns. I nomineringen "Akademisk sång" fanns två ålderskategorier: grupp A (från 17 till 21 år) och grupp B (från 22 till 40 år).

I nomineringen "Akademisk sång" i grupperna A och B framfördes ett verk av en samtida kompositör från vilket land som helst, skrivet efter 1980, efter eget val, och det andra - bland de som rekommenderas på den officiella webbplatsen för tävlingen www. .muzkult.ru. I nomineringen "Ensembles", även om de rekommenderade kompositionerna också kunde hittas på denna sida, bjöds tävlingskompositionerna in att väljas av författarna själva: i sin helhet eller i fragment måste de framföra ett eller två verk av kompositörer av valfri land skrivet efter 2000.

I enlighet med tävlingsbestämmelserna fastställdes vinnarna i kompositörsnomineringen "Årets premiär" genom ljudaudition (23 januari) och sedan vid tävlingsframträdanden i semifinalerna (24 och 25 januari) i Orgelsal "På Kislovka". Den 26 januari fortsatte tävlingen endast för artister: på scenen i Stora salen i Moscow House of Composers framförde finalisterna, efter juryns val, en av de kompositioner som redan lämnats in tidigare, det vill säga vinnarna i nomineringarna för ensembler och akademisk sång fastställdes baserat på resultaten från två omgångar.

Det totala antalet ansökningar var högt och endast pristagare av regionala och internationella tävlingar inkluderades automatiskt i antalet deltagare i semifinalerna. En tävlande som ville delta i flera nomineringar hade ytterligare möjligheter, och ackompanjatören (sångarens ackompanjatör) kunde, om så önskas, även agera som medlem i ensemblen. Under fyra dagar fick juryn bekanta sig med kompositörens verk av 39 tävlande, lyssnade på 22 sångare och 19 olika ensembler.

När det gäller rikedom och repertoarmångfald i programmet visade sig tävlingen vara nästan en pionjär i sitt slag. Och även om inte alla kompositioner jag hörde imponerade fullt ut på mig, minns tre dagars "arbete" som lyssnare med en behaglig "eftersmak".

Intryck på bakgrunden av resultaten

Tre dagars offentliga auditions – i absoluta tal, är det mycket eller lite? Det verkar som att det inte räcker, men redan på tre dagar lyckades tävlingen bevisa att modern musik är långt ifrån en "skräckhistoria". Ny musik framstod som en substans materialiserad i ljud, tydligt med ett mänskligt ansikte. Jag bildade mig en uppfattning om att kompositörerna-konkurrenterna för det mesta började skriva - och artisterna-tävlande precis valde - inte verk med ett "viskös gnissling av strängar" eller uttalad sonoristik (även om det naturligtvis bland de hörda där var sådana exempel), men musik, ovanligt melodisk för den stabila klichén av moderna sonoriteter, valdes av opus som definitivt gör en nick till den klassiska traditionen, men som definitivt är experimentell, och därför definitivt modern. Detta tyder på att en ny generation musiker har bildats, tydligt trötta på "avantgardet" och företräde i musikstycke som ett mål i sig är det formen - formen, som regel, komplex, subtilt "vriden", men absolut värdelös, när det inte finns någon melodi, när musikens hjärta inte slår och dess själ är tyst. Formellt kan vilken skala som helst framstå som musik, men inte varje sekvens och inte varje kombination av ljud ger upphov till exakt den musik som resonerar i lyssnarens själ. Ibland förefaller det mig som om bara avsaknaden av en melodisk gåva hos vissa kompositörer och inget annat provocerar dem till mycket tvivelaktiga, irrationella experiment som inte leder någonstans och tydligt alienerar lyssnarna från sig själva. Vid samma tävling segrade den musikaliska uttrycksfullhetens enkelhet och naturlighet klart över laboratoriehybriderna av kompositörens form. Samtidigt är det viktigt att notera att "enkel" inte alls betyder "primitiv" och "komplex" inte alls "bra". Så, mitt i kollapsen som de mest radikala trenderna i dagens komposition ledde till, missade vi något, märkte inte något särskilt viktigt - det faktum att den vanliga lyssnarens likgiltighet för moderna opus bokstavligen väcktes vid denna tävling och tvingades, slutligen, att lyssna på musik med genuint intresse. Det är därför det är extremt svårt att överskatta relevansen av händelsen som diskuteras. Och nu, vid prisutdelningen, som ägde rum direkt efter finalkonserten, hörs namnen på pristagare och diplomtagare.

I nomineringen av Årets premiär delades priserna ut enligt följande:
1:a pris – Tatyana Shatkovskaya-Aizenberg (Moskva)
II-priset – Alexey Pavlyuchuk (Saratov), ​​​​Alexander Tipakov (Kaluga);
III-priset – Elmir Nizamov (Kazan)

Vyacheslav Semyonov (Moskva), Nikolai Mikheev (Yakutsk), Selbi Niyazova (Ashgabat, Turkmenistan), Nodirbek Makharov (Tashkent, Uzbekistan), Maria Egorova (Moskva) tilldelades titlarna Diplom.

I nomineringen "Ensembler" är vinnarna:
1:a pris – Fandango-kvintett (Moskva): Maxim Fedorov (knappdragspel), Semyon Denisov (första violin), Ivan Muratidi (andra fiol), Artem Valentinov (viola), Vasily Ratkin (cello);
2:a pris – duett "Una sinistra" (Moskva): Alexander Selivanov (knappdragspel), Yulia Amerikova (dragspel);
III-pris – Tatiana Shatkovskaya-Aizenberg Ensemble (Moskva): Elizaveta Koshkina (fiol), Maria Vlasova (dragspel), Natalia Semenova (sopran), Nikita Morozov (gitarr), Ramon Aizenberg (melodirecitation).

Diplomtitlar delades ut till kvintetten p/r Irina Krasotina (Moskva) bestående av Maria Nefedova (cello), Tatyana Fedorova (fiol), Margarita Bryndina (piano), Alexei Zavodov (klarinett) och Varvara Mistyukova (flöjt), samt en duett (Moskva) med Maxim Zolotarenko (cello) och Elena Zolotova (sopran).

Priser i nomineringen "Academic vocal" (grupp B):
1:a pris – Maria Patrusheva (mezzosopran, Moskva), Vladislav Dorozhkin (bas, Moskva);
II-priset – Daniil Vilpert (baryton, Saratov);
III-priset – Elena Zolotova (sopran, Moskva)

Diplomtitlar tilldelades Gulbana Yerzhanova (sopran, Astana, Kazakstan), Olga Vishnevskaya (sopran, Engels, Saratov-regionen), Dmitry Sivakov (baryton, Minsk, Vitryssland), Nadezhda Orlova (sopran, Moskva) och även (i grupp A) ) - Dinara Taubekova (sopran, Aktobe, Kazakstan).

Alla pristagare och diplomtagare överräcktes med värdefulla gåvor - notuppsättningar från musikförlaget "P. Yurgenson". Dessutom tilldelades ett specialpris, genom enhälligt beslut av juryn, till tävlingens bästa ackompanjatör - Mikhail Turpanov. De deltagare som inte blev vare sig pristagare eller diplomtagare tilldelades diplom för deltagande. Slutligen fick absolut alla deltagare märken med tävlingens emblem.

I liveframträdandet i nomineringen av Årets premiär fick vi möjlighet att höra kompositionerna av endast två pristagare och två diplomtagare. Spanska scener till G. Lorcas ord för sopran, reciter, fiol, gitarr och dragspel "El y Ella" ("Han och hon") av T. Shatkovskaya-Eisenberg framfördes av hennes ensemble, och detta opus slog med sin subtila musikalisk och dramatisk synkretism , blev en riktig hit på tävlingsprogrammet. Anledningen, som om den är självklar, är dess raffinerade stiliserade spanska smak. Men denna komposition, med en uttalad gradvis rörelse från mörker till ljus i förhållandet mellan två individer, fängslar först och främst med det förtrollande djupet i sin vokal-verbala psykologism, och dess framgång beror till stor del på sopranen N. Semenova. Enligt min åsikt äger denna sångare också den mest meningsfulla, den mest subtila tolkningen vid tävlingen av I. Evards lyriska romans "Guitar" till verserna av G. Lorca, översatt av M. Tsvetaeva. I denna berusande sensuella sångminiatyr, som var oerhört populär bland de tävlande och artister (den framfördes 6 gånger i semifinalen), var M. Patrushevs mezzosopran också bra, men hennes stil kännetecknades av en viss "förträngning" , "överexponerat" vokaldramatiskt budskap (det ledde dock inte ut ur sfären av professionellt byggd prestation). Denna sångare presenterade också en komposition av M. Egorova, tävlingens diplomat - Fainas aria (till text av A. Blok) från operan "Breguet" (efter A. Kuprin). Men detta insatta operanummer gjorde, såvitt kan bedömas, inget särskilt slående intryck, även om det till formen liknade en helt "klassisk" recitativ aria.

Fantasi för bas och piano "Three fellows" till ord ur samlingen av folksånger av P. Kireevsky, skriven av A. Tipakov och listigt framförd av Vadim Prikladovsky, som inte deltog i tävlingen, uppfattades som en mycket effektiv "energi". antidepressiva". Genom den startande folklorebasen framträdde plötsligt jublet av ett enkelt och osofistikerat, men mycket ljust, soligt liv. Förresten, musiken av I. Evard, som lät magnifikt på tävlingen, var också fylld av inre ljus och uttryck av frihet: Kvintett nr 3 framförde kvintetten under ledning av I. Krasotina och kvartett nr 3 framförde kvintetten. Moskva-kvartetten under ledning av Anna Yanchishina. Dessa ensembler har gett verkligt nöje till sina professionella spelform. Men ändå blev Fandango-kvintetten den övertygande ledaren i denna nominering, som framförde det "kosmiskt-experimentella" stycket av E. Podgaits "Ex Animo" för knappdragspel och stråkkvartett. Detta opus, utan tvekan intressant för sina ljudfynd, har blivit ett slags ode till knappdragspelet, vars klang i den moderna akademiska musikens sammanhang relativt nyligen har uppfattats.

Och ändå presenterade V. Semenov en verklig skörd av kompositörens verk och gav en välförtjänt hyllning av respekt inte bara till knappdragspelet utan också till dragspelet. Den fenomenalt virtuosa duetten "Una sinistra" framförde två av hans förtjusande stycken - "Holiday in the Mountains" från "Balkan Rhapsody" och "Waltz-Caprice". "Waltz-Caprice", men i ett annat arrangemang, liksom "Musical Offering" lät väldigt sött och elegant i framförandet av Moskvas instrumentalduett bestående av dragspelaren Lev Lavrov och domrist Alexandra Voronova. Användningen av knappdragspelet som soloinstrument inom konsertgenren, även om det väckte ett visst intresse, lämnade mig personligen likgiltig. I konserten för knappdragspel och orkester "Frescos" av V. Semenov (arrangerad för knappdragspel och piano i tre delar), som framfördes av en instrumentalduett från Moskva bestående av pianisten Denis Chefanov och bajanisten Ekaterina Utkina, blev jag mer imponerad av "orkester-piano"-delen, och inte ett soloinstrument. Men detta är återigen en rent personlig åsikt.

Låt oss gå tillbaka till sångarna. Inför V. Dorozhkin fann två mycket nyfikna opus av E. Podgayets sin idealiska tolk: den utarbetade aria av Bes från operan "Ängeln och psykoterapeuten" och i synnerhet den subtilt satiriska sångskissen "Näsan" " till I. Irtenyevs ord. Om V. Dorozhkin är ägaren till en lyxig ädel bas, så är D. Vilperts sångförmågor mycket mer blygsamma. Men trots det resonerande kraftfulla ljudet av hans röst var det absolut omöjligt att förneka sångaren konstnärligt mod. Han presenterade Mephistos aria från V. Kobekins opera "Margarita" och var den enda mansröst som framförde I. Evards "Gitarr". Däremot var det väldigt intressant, men ljudet av en kvinnlig röst i den här kompositionen verkar vara mer att föredra för mig.

Ett annat exempel på artisteri som helt klart lockar, med mycket blygsamma vokala och tekniska data, är tolkningen av kanske det mest "chockerande" tävlingsnumret, som jag tror inte kunde lämna någon oberörd. Vi talar om ett ganska stort, till synes oändligt på grund av många upprepningar, fragment "The clouds in the sky is smoldering" från I. Sokolovs opera "Ett mirakel älskar att värma sina hälar." Denna ganska poetiska text av A. Vvedensky i det "desperat stormiga" musikackompanjemanget av ackompanjatören M. Turpanov och den vokala, på gränsen till det groteska, tolkningen av E. Zolotova framstod oväntat som en "explosiv blandning" av musikalisk surrealism och socialistisk realism. I pandan till detta framförde duetten av M. Zolotarenko och E. Zolotova "Diptyk" för röst och cello av T. Smirnova med namnen på delarna "Silentium" och "Scherzo pizzicato", i vilka i varje del "i på alla sätt", faktiskt sjöng de namnen på dessa delar.

Vokalister - representanter för Kazakstan G. Yerzhanova och D. Taubekova, samt en representant för Vitryssland D. Sivakov - deklarerade sig mest självsäkert i sin nationella repertoar. Men på tal om diplomtagare skulle jag särskilt vilja säga om sångerskan N. Orlova, som tack vare sitt ljusa, livfulla och konstnärliga frihetsframträdande i semifinalen enligt min mening utan tvekan borde ha gjort anspråk på titeln pristagare. Men det finns ingen anledning att misströsta: sångerskan är fortfarande ung, och hon behöver gå längre, eftersom hon har alla nödvändiga böjelser - en sensuell röst och meningsfull intonation, vokaldrama och plastmjukt ljud som leder. N.Orlova är den enda som sökte till tävlingen till I.Evards romans "Wind" baserad på verk av G.Lorca översatta av B.Dubin och A.Geleskul, och den musikaliska och poetiska liknelsen om vattenflickan en gång fängslade med sin sorgliga och kalla romantik . Men sångarens framförande av ett fragment från M. Tariverdievs monoopera "Waiting" blev en riktig uppenbarelse.

Så många intryck har samlats under tävlingens tre fullfjädrade dagar att jag till och med skriver en hel bok, men mitt mål är mycket mer blygsamt. Och därför, när jag avslutar samtalet om sångarna och de mest levande personliga intrycken av denna musikaliska tävling som helhet, kommer jag återigen att vända mig till sångaren N. Semenova. I ett av numren i nomineringen "Vokalister" solo hon i Anna Shatkovskayas verk "The Great Stream" för röst, stråkkvartett och piano på texten till Sufibönen Khatum: Ensemblen "XX Century" (Moskva), som gjorde inte delta i tävlingen, hjälpte sångaren, men den del som pianot framfördes av kompositören. Detta arbete orsakade mycket kontrovers, men personligen blev jag verkligen fångad av dess livliga och ljusa eklekticism. "Den stora strömmen" bar mig in i meditationens hav, in i elementet av en ovanlig, men väldigt organisk gemenskap av sång och ljudsökningar, där mycket var otroligt fräscht och organiskt helt.

Och det sista jag skulle vilja säga. Före finalen i tävlingen i Union of Composers of Russia ägde en intressant rundabordsdiskussion rum om ämnet "Modern musik - en evig tvist? ..", och alla kunde delta: tävlingens deltagare och musiker, och lyssnare. Temat för det runda bordet föreslogs ursprungligen av dess presentatör - docent vid Ryska vetenskapsakademin. Gnessins Walid Kelle. V. Kelle inledde samtalet och ledde till situationen på tävlingen och märkte att någon tydligen medvetet satte ett frågetecken med en prick i slutet av ämnet, som saknades i sin ursprungliga formulering, ställer tvivel på denna evighet av dispyten. Visst finns det en tvist, men samtidigt är vi återigen övertygade om att viljan att förena nytt och gammalt inom den akademiska musikens område lever latent inom var och en av oss. Men detta är, som de säger, början på ett nytt kapitel.

Bland dessa melodier finns det ett motiv för vilken stämning som helst: romantisk, positiv eller trist, att slappna av och inte tänka på någonting, eller omvänt, att samla dina tankar.

Ludovico Einaudi

Den italienske kompositören och pianisten arbetar i minimalismens riktning, övergår ofta till ambient och kombinerar skickligt klassisk musik med andra musikstilar. Han är känd i en bred krets för stämningsfulla kompositioner som har blivit soundtrack till filmer. Till exempel kommer du säkert att känna igen musiken från det franska bandet "1 + 1" skrivet av Einaudi.

Philip Glass/Philip Glass

Glas är en av de mest kontroversiella personligheterna i världen av moderna klassiker, som antingen hyllas till skyarna eller kritiseras till niorna. Han har varit med sin Philip Glass Ensemble i ett halvt sekel och har skrivit musik till över 50 filmer, inklusive The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life och The Fantastic Four. Den amerikanske minimalistiske kompositörens melodier suddar ut gränsen mellan klassisk och populärmusik.

Max Richter

Författaren till många ljudspår, 2008 års bästa filmkompositör enligt European Film Academy och en post-minimalist. Fängslade kritiker från det första albumet Memoryhouse, där Richters musik lades över poesiläsningar, och efterföljande album använde även fiktiv prosa. Förutom att skriva sina egna ambientkompositioner arrangerar han klassikernas verk: Vivaldis The Four Seasons toppade listorna i hans arrangemang klassisk musik iTunes.

Giovanni Marradi/Giovanni Marradi

Denna skapare av instrumentalmusik från Italien förknippas inte med sensationell film, men är redan känd som kompositör, virtuos och erfaren pianolärare. Om du beskriver Marradis musik med två ord, så blir det orden "sensuell" och "magisk". De som älskar retroklassiker kommer att gilla hans skapelser och omslag: anteckningar från förra seklet syns i motiven.

Hans Zimmer

Den berömda filmkompositören har skapat musikackompanjemang för många höginbringande filmer och tecknade serier, inklusive Gladiator, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagaskar, Lejonkungen. Hans stjärna stoltserar på Hollywood Walk of Fame, och på hans hylla finns Oscar, Grammy och Golden Globe. Zimmers musik är lika varierad som dessa filmer, men oavsett tonfall slår den an.

Joe Hisaishi

Hisaishi är en av de mest kända japanska kompositörerna, efter att ha vunnit fyra japanska Academy Film Awards för bästa filmmusik. Han blev känd för att ha skrivit soundtracket till Hayao Miyazakis anime Nausicaä of the Valley of the Wind. Om du är ett fan av Studio Ghibli eller Takeshi Kitanos band, kommer du säkerligen att beundra Hisaishis musik. Det är mestadels lätt och lätt.

Olafur Arnalds/Ólafur Arnalds

Denna isländska multiinstrumentalist är bara en pojke jämfört med de listade mästarna, men i 30-årsåldern lyckades han bli en erkänd nyklassicist. Han spelade in ackompanjemang till en balett, vann ett BAFTA-pris för soundtracket till den brittiska tv-serien "Murder on the Beach" och släppte 10 studioalbum. Arnalds musik påminner om en hård vind på en öde strand.

Mest kända verk Lee Ru Ma - Kiss the Rain and River Flows in You. Den koreanske New Age-kompositören och pianisten skriver populära klassiker som är förståeliga för lyssnare på alla kontinenter, med vilken musiksmak och utbildning som helst. Hans lätta och sensuella melodier blev för många början på kärleken till pianomusik.

Dustin O'Halloran / Dustin O "Halloran

Den amerikanske kompositören är intressant genom att han inte har en musikalisk utbildning, men samtidigt skriver han den trevligaste och ganska populära musiken. O'Hallorans låtar har använts i Top Gear och flera filmer. Det kanske mest framgångsrika soundtrackalbumet var för melodraman Like Crazy.

"Kompositörer av 2000-talet - för barn" Andrey Klassen Beketova Nina Aleksandrovna kommunala autonoma läroanstalt kultur Förskoleutbildning Barnmusikskolan Khabarovsk-territoriet, Komsomolsk-on-Amur All-Russian Festival of Excellence in Pedagogical Experience "Modern Teaching Methods and Techniques" Elektronisk tidskrift NAUKOGRAD

Andrei Klassen föddes den 14 januari 1955. I den lilla gruvstaden Saran nära Karaganda, i en familj av exiltyskar, var hans far, Abram Abramovich, en självlärd dragspelare. Mamma, Maria Genrikhovna, spelade sjusträngad gitarr och hade en fantastisk röst. Två av hans systrar, Elena och Elizaveta fick musikalisk utbildning, bor och undervisar för närvarande musikskolor i Tyskland.

Studentår Pianistexamen 1974. Temirtav Musical College. 1979 tog han examen från Novosibirsk State Glinka-konservatoriet i piano. År 1984 avslutade forskarstudier vid pianoavdelningen vid Institute of Arts i Vladivostok.

Bland de största projekten av Andrei Klassen är inspelningen av operans orkesterpartitur av den romantiska kompositören Gustav Schmidt (Female Fidelity). Det var möjligt att återskapa partiturets orkesterklang och framföra denna opera på Operafestivalen i Weinsberg den ruinerna av slottet där händelserna ägde rum 1140 .

Hans senaste kompositioner inkluderar en sång på dikter av Ella Gerasimenko Om hjärtat lever med musik för en barnkör med stråkensemble och piano, som han dedikerade till Barnens konstskola. Dargomyzhsky i Moskva. Detta arbete kommer att framföras för första gången i mars 2013. inom skolans väggar som en del av firandet av Dargomyzhskys 200-årsjubileum.

Resurser som används Privat korrespondens med kompositören på Andrey Klassens hemsida; Klassen-mussikveland.de, htt://vkontakte.ru Klassen-mussikveland.de, htt://vkontakte.ru, 2012; Andrey Klassen "Musical sketches" I anteckningsbok, II anteckningsbok, 1996; Andrey Klassen "Spelar för barn i 2 och 4 händer", 1998

Bland dessa melodier finns det ett motiv för vilken stämning som helst: romantisk, positiv eller trist, att slappna av och inte tänka på någonting, eller omvänt, att samla dina tankar.

Den italienske kompositören och pianisten arbetar i minimalismens riktning, övergår ofta till ambient och kombinerar skickligt klassisk musik med andra musikstilar. Han är känd i en bred krets för stämningsfulla kompositioner som har blivit soundtrack till filmer. Till exempel kommer du säkert att känna igen musiken från det franska bandet "1 + 1" skrivet av Einaudi.

Glas är en av de mest kontroversiella personligheterna i världen av moderna klassiker, som antingen hyllas till skyarna eller till niorna. Han har varit med sin egen Philip Glass Ensemble i ett halvt sekel och har skrivit musik till mer än 50 filmer, inklusive The Truman Show, The Illusionist, Taste of Life och The Fantastic Four. Den amerikanske minimalistiske kompositörens melodier suddar ut gränsen mellan klassisk och populärmusik.

Författaren till många ljudspår, 2008 års bästa filmkompositör enligt European Film Academy och en post-minimalist. Fängslade kritiker från det första albumet Memoryhouse, där Richters musik lades över poesiläsningar, och efterföljande album använde även fiktiv prosa. Förutom att skriva sina egna omgivande kompositioner arrangerar Max klassiska verk: Vivaldis The Four Seasons toppade iTunes-listorna i hans arrangemang.

Denna skapare av instrumentalmusik från Italien förknippas inte med sensationell film, men är redan känd som kompositör, virtuos och erfaren pianolärare. Om du beskriver Marradis arbete med två ord, kommer dessa att vara orden "sensuell" och "magisk". Hans kompositioner och omslag kommer att tilltala dem som älskar retroklassiker: tonerna från förra seklet syns igenom i motiven.

Den berömda filmkompositören har skapat musikackompanjemang för många höginbringande filmer och tecknade serier, inklusive Gladiator, Pearl Harbor, Inception, Sherlock Holmes, Interstellar, Madagaskar, Lejonkungen. Hans stjärna stoltserar på Hollywood Walk of Fame, och på hans hylla finns Oscar, Grammy och Golden Globe. Zimmers musik är lika annorlunda som filmerna som listas, men oavsett tonfall slår den an.

Hisaishi är en av de mest kända japanska kompositörerna, efter att ha vunnit fyra japanska Academy Film Awards för bästa filmmusik. Joe blev känd för att ha skrivit soundtracket till animen Nausicaa of the Valley of the Wind. Om du är ett fan av Studio Ghibli eller Takeshi Kitanos band, kommer du säkert att beundra Hisaishis musik. Det är mestadels lätt och lätt.

Denna isländska multiinstrumentalist är bara en pojke jämfört med de listade mästarna, men i 30-årsåldern lyckades han bli en erkänd nyklassicist. Han spelade in ackompanjemang till en balett, vann ett BAFTA-pris för soundtracket till den brittiska tv-serien "Murder on the Beach" och släppte 10 studioalbum. Arnalds musik påminner om en hård vind på en öde strand.

Lee Rums mest kända verk är Kiss the Rain och River Flows in You. Den koreanske New Age-kompositören och pianisten skriver populära klassiker som är förståeliga för lyssnare på alla kontinenter, med vilken musiksmak och utbildning som helst. Hans lätta och sensuella melodier blev för många början på kärleken till pianomusik.

Den amerikanske kompositören är intressant i det, men han skriver samtidigt den trevligaste och ganska populära musiken. O'Hallorans låtar har använts i Top Gear och flera filmer. Det kanske mest framgångsrika soundtrackalbumet var för melodraman Like Crazy.

Denna kompositör och pianist kan mycket om konsten att dirigera och hur man skapar elektronisk musik. Men hans huvudområde är moderna klassiker. Cacchapalla har spelat in många album, tre av dem med Royal Philharmonic Orchestra. Hans musik flyter som vatten, det är härligt att koppla av under den.

Den ryska tonsättarskolan, vars traditioner fortsattes av de sovjetiska och dagens ryska skolor, började på 1800-talet med tonsättare som förenade de europeiska musikalisk konst med ryska folkmelodier, som länkar samman den europeiska formen och den ryska andan.

Om var och en av dessa kända människor du kan säga mycket, alla är inte enkla, och ibland tragiska öden, men i denna recension har vi försökt att bara ge kort beskrivning tonsättares liv och verk.

1. Mikhail Ivanovich Glinka

(1804-1857)

Mikhail Ivanovich Glinka medan han komponerade operan Ruslan och Lyudmila. 1887, konstnären Ilya Efimovich Repin

"För att skapa skönhet måste man vara ren i själen."

Mikhail Ivanovich Glinka är grundaren av rysk klassisk musik och den första inhemska klassiska kompositören som uppnådde världsberömmelse. Hans verk, baserade på den ryska folkmusikens månghundraåriga traditioner, var ett nytt ord i vårt lands musikkonst.

Född i Smolensk-provinsen, utbildad i St. Petersburg. Bildandet av världsbilden och huvudidén i Mikhail Glinkas arbete underlättades av direkt kommunikation med sådana personligheter som A.S. Pushkin, V.A. Zhukovsky, A.S. Griboyedov, A.A. Delvig. Den kreativa drivkraften till hans verk lades till av en långvarig resa till Europa i början av 1830-talet och möten med tidens ledande kompositörer - V. Bellini, G. Donizetti, F. Mendelssohn och senare med G. Berlioz, J. Meyerbeer.

Framgång kom till M.I. Glinka 1836, efter att ha satt upp operan "Ivan Susanin" ("Livet för tsaren"), som mottogs entusiastiskt av alla, för första gången inom världsmusik, rysk körkonst och europeisk symfoni- och operaövning. organiskt kombinerat, och en hjälte som liknar Susanin dök också upp, vars bild sammanfattar de bästa egenskaperna hos nationalkaraktären.

VF Odoevsky beskrev operan som "ett nytt element i konsten, och en ny period börjar i dess historia - perioden för rysk musik."

Den andra operan, eposet Ruslan och Ljudmila (1842), som bearbetades mot bakgrund av Pushkins död och under kompositörens svåra levnadsförhållanden, på grund av verkets djupt nyskapande karaktär, mottogs tvetydigt av publiken och myndigheterna, och förde M.I. Glinka tunga erfarenheter. Efter det reste han mycket och bodde växelvis i Ryssland och utomlands, utan att sluta komponera. Romanser, symfoniska verk och kammarverk fanns kvar i hans arv. På 1990-talet var Mikhail Glinkas "Patriotisk sång" Ryska federationens officiella hymn.

Citat om M.I. Glinka:"Hela den ryska symfoniska skolan, som hela eken i en ekollon, ingår i den symfoniska fantasin "Kamarinskaya". P.I. Tjajkovskij

Intressant fakta: Mikhail Ivanovich Glinka kännetecknades inte av god hälsa, trots detta var han väldigt lättsam och kunde geografi mycket väl, kanske om han inte hade blivit kompositör skulle han ha blivit en resenär. Han kunde sex främmande språk, inklusive persiska.

2. Alexander Porfiryevich Borodin

(1833-1887)

Alexander Porfiryevich Borodin, en av de ledande ryska kompositörerna under andra hälften av 1800-talet, var förutom sin talang som tonsättare kemist, läkare, lärare, kritiker och hade en litterär talang.

Född i St. Petersburg, sedan barndomen, noterade alla omkring honom hans ovanliga aktivitet, entusiasm och förmågor i olika riktningar, främst inom musik och kemi.

A.P. Borodin är en rysk nuggetkompositör, han hade inga professionella musikerlärare, alla hans prestationer inom musik beror på självständigt arbete bemästra tekniken att komponera.

Bildandet av A.P. Borodin påverkades av M.I. Glinka (liksom alla ryska kompositörer från 1800-talet), och två händelser gav impulsen till tät ockupation av komposition i början av 1860-talet - för det första bekantskapen och äktenskapet med den begåvade pianisten E.S. Protopopova, och för det andra mötet med M.A. Balakirev och gå med i den kreativa gemenskapen av ryska kompositörer, känd som "Mighty Handful".

I slutet av 1870- och 1880-talen reste A.P. Borodin och turnerade flitigt i Europa och Amerika, träffade de ledande kompositörerna i sin tid, hans berömmelse växte, han blev en av de mest kända och populära ryska kompositörerna i Europa i slutet av 1800-talet. århundradet. århundradet.

Den centrala platsen i A.P. Borodins verk upptas av operan "Prince Igor" (1869-1890), som är ett exempel på det nationella hjälteeposet inom musiken och som han själv inte hann avsluta (den fullbordades av hans vänner A.A. Glazunov och N.A. Rimsky-Korsakov). I "Prins Igor", mot bakgrund av majestätiska målningar historiska händelser, reflekteras Huvudidén av allt kompositörens verk - mod, lugn storhet, andlig adel hos det bästa ryska folket och hela det ryska folkets mäktiga styrka, manifesterad i fosterlandets försvar.

Trots det faktum att A.P. Borodin lämnade ett relativt litet antal verk, är hans arbete mycket mångsidigt och han anses vara en av fäderna till rysk symfonisk musik, som påverkade många generationer av ryska och utländska kompositörer.

Citat om A.P. Borodin:"Borodins talang är lika kraftfull och fantastisk både i symfonin och i operan och i romantiken. Dess främsta egenskaper är gigantisk styrka och bredd, kolossalt omfång, snabbhet och fart, kombinerat med fantastisk passion, ömhet och skönhet. V.V. Stasov

Intressant fakta: Den kemiska reaktionen av silversalter av karboxylsyror med halogener, vilket resulterade i halogenerade kolväten, fick sitt namn efter Borodin, som han var den första att undersöka 1861.

3. Modest Petrovich Mussorgsky

(1839-1881)

"Ljudet av mänskligt tal, som yttre manifestationer av tanke och känsla, måste, utan överdrift och våldtäkt, bli sann, korrekt musik, men konstnärlig, högst konstnärlig."

Modest Petrovich Mussorgsky är en av 1800-talets mest briljanta ryska kompositörer, medlem av Mighty Handful. Mussorgskijs nyskapande arbete var långt före sin tid.

Född i Pskov-provinsen. Som många begåvade människor, från barndomen visade han sin förmåga inom musik, han studerade i St. familjetradition, militär. Den avgörande händelsen som avgjorde att Mussorgskij inte föddes till militärtjänst, och för musik, var hans möte med M.A. Balakirev och gå med i "Mighty Handful".

Mussorgskij är stor eftersom han i sina storslagna verk - operorna Boris Godunov och Khovanshchina - i musik fångade de dramatiska milstolparna i rysk historia med en radikal nyhet som den ryska musiken inte kände till innan honom, och visade i dem en kombination av folkmassor och en olika rikedom av typer, den unika karaktären hos det ryska folket. Dessa operor, i många upplagor av både författaren och andra kompositörer, är bland de mest populära ryska operorna i världen.

Ett annat enastående verk av Mussorgskijs är cykeln av pianostycken "Bilder på en utställning", färgstarka och uppfinningsrika miniatyrer genomsyras av det ryska refrängtemat och den ortodoxa tron.

Det fanns allt i Mussorgskijs liv - både storhet och tragedi, men han kännetecknades alltid av genuin andlig renhet och ointresse.

Hans sista år var svåra - livets oordning, icke-erkännande av kreativitet, ensamhet, alkoholberoende, allt detta avgjorde hans tidiga död vid 42, han lämnade relativt få kompositioner, av vilka några fullbordades av andra kompositörer.

Mussorgskijs specifika melodi och innovativa harmoni förutsåg vissa drag musikalisk utveckling 1900-talet och spelade viktig roll i utvecklingen av många världskompositörers stilar.

Citat om M.P. Mussorgsky:"Ursprungligen ryska ljud i allt som Mussorgskij gjorde" N. K. Roerich

Intressant fakta: I slutet av sitt liv avsade Mussorgskij, under påtryckningar från sina "vänner" Stasov och Rimsky-Korsakov, upphovsrätten till sina verk och presenterade dem för Tertiy Filippov.

4. Pjotr ​​Iljitj Tjajkovskij

(1840-1893)

"Jag är en konstnär som kan och måste ge heder åt sitt fosterland. Jag känner en stor konstnärlig kraft i mig själv, jag har ännu inte gjort ens en tiondel av vad jag kan. Och jag vill göra det med all min själs styrka.”

Pjotr ​​Iljitsj Tjajkovskij, kanske den största ryska kompositören på 1800-talet, höjde rysk musikkonst till oöverträffade höjder. Han är en av världens viktigaste kompositörer av klassisk musik.

En infödd i Vyatka-provinsen, även om hans faderliga rötter är i Ukraina, visade Tchaikovsky musikaliska förmågor från barndomen, men hans första utbildning och arbete var inom juridik.

Tjajkovskij är en av de första ryska "professionella" kompositörerna - han studerade musikteori och komposition vid det nya konservatoriet i Sankt Petersburg.

Tjajkovskij ansågs vara en "västerländsk" kompositör, i motsats till folkfigurerna i "Mighty Handful", som han hade goda kreativa och vänliga relationer med, men hans arbete är inte mindre genomsyrat av den ryska andan, han lyckades kombinera unikt det västerländska symfoniska arvet från Mozart, Beethoven och Schumann med ryska traditioner som ärvts från Mikhail Glinka.

Kompositören levde ett aktivt liv - han var lärare, dirigent, kritiker, offentlig person, arbetade i två huvudstäder, turnerade i Europa och Amerika.

Tchaikovsky var en ganska känslomässigt instabil person, entusiasm, nedstämdhet, apati, upprördhet, våldsam ilska - alla dessa sinnesstämningar förändrades i honom ganska ofta, eftersom han var en mycket sällskaplig person, strävade han alltid efter ensamhet.

Det är en svår uppgift att peka ut något bäst från Tjajkovskijs verk, han har flera lika stora verk i nästan alla musikaliska genrer Opera, balett, symfoni, kammarmusik. Och innehållet i Tjajkovskijs musik är universellt: med oefterhärmlig melodism omfattar den bilderna av liv och död, kärlek, natur, barndom, verk av rysk litteratur och världslitteratur avslöjas på ett nytt sätt, djupa processer av andligt liv återspeglas i det .

Citat om kompositör:"Livet har charm bara när det består av växlingen av glädje och sorg, av kampen mellan gott och ont, av ljus och skugga, med ett ord, av mångfald i enhet."

"Stor talang kräver stort hårt arbete."

Citat om kompositör: "Jag är redo dag och natt att stå som en hedersvakt vid verandan till huset där Pjotr ​​Iljitj bor - i en sådan utsträckning respekterar jag honom" A.P. Chekhov

Intressant fakta: Cambridge University i frånvaro och utan att försvara en avhandling tilldelade Tjajkovskij titeln Doctor of Music, liksom Paris Academy of Fine Arts valde honom till motsvarande ledamot.

5. Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov

(1844-1908)

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov är en begåvad rysk kompositör, en av de viktigaste figurerna i skapandet av ett ovärderligt inhemskt musikarv. Hans säregna värld och dyrkan av universums eviga allomfattande skönhet, beundran för varandes mirakel, enhet med naturen har inga motsvarigheter i musikhistorien.

Född i Novgorod-provinsen, enligt familjetraditionen, blev han sjöofficer, på ett krigsfartyg reste han runt i många länder i Europa och två Amerika. Han fick sin musikaliska utbildning först av sin mamma, sedan tog han privatlektioner av pianisten F. Canille. Och återigen, tack vare M.A. Balakirev, arrangören av Mighty Handful, som introducerade Rimsky-Korsakov i den musikaliska gemenskapen och påverkade hans arbete, förlorade inte världen den begåvade kompositören.

Den centrala platsen i Rimsky-Korsakovs arv upptas av operor - 15 verk som visar kompositörens mångfald av genre, stilistiska, dramatiska och kompositionsmässiga beslut, trots att de har en speciell stil - med all rikedom av orkesterkomponenten, melodiska sånglinjer är de viktigaste.

Två huvudriktningar skiljer kompositörens arbete: den första är rysk historia, den andra är sagans värld och epos, för vilken han fick smeknamnet "berättare".

Förutom direkt oberoende kreativ aktivitet N.A. Rimsky-Korsakov är känd som publicist, sammanställare av samlingar av folksånger, där han visade stort intresse, och även som finalisten av sina vänners verk - Dargomyzhsky, Mussorgsky och Borodin. Rimsky-Korsakov var grundaren av tonsättarskolan, som lärare och chef för St. Petersburgs konservatorium producerade han omkring tvåhundra kompositörer, dirigenter, musikforskare, bland dem Prokofjev och Stravinskij.

Citat om kompositör:"Rimsky-Korsakov var en mycket rysk man och en mycket rysk kompositör. Jag tror att hans ur ryska väsen, hans djupa folklore-ryska grund, bör uppskattas särskilt idag. Mstislav Rostropovich

Fakta om kompositören: Nikolai Andreevich började sin första lektion i kontrapunkt så här:

Nu ska jag prata mycket, och du kommer att lyssna mycket noga. Då kommer jag att prata mindre, och du kommer att lyssna och tänka, och slutligen kommer jag inte att prata alls, och du kommer att tänka med ditt eget huvud och arbeta självständigt, eftersom min uppgift som lärare är att bli onödig för dig.. .