Hamlets interna inkonsekvenser har länge uppmärksammats och brukar anses vara verkliga inkonsekvenser. De förklaras av partiella och inte förde till sin logiska slutsats auktoriella och kanske icke-auktoriella förändringar, ibland av Shakespeares försummelse av mindre detaljer, och ibland av den speciella irrationella charmen hos sådana inkonsekvenser.
Alla dessa är fullt möjliga förklaringar. Men jag har inte stött på försök att helt rationalisera alla inkonsekvenser av Hamlet, att visa att de alla är imaginära och ganska förklarliga inom tragedins inre verklighet. Och samtidigt är det inte alls svårt att rationalisera dem, verkar det som.
Naturligtvis kan inkonsekvenserna i "Hamlet" också förklaras av oavslutade förändringar, författarens försumlighet och hans önskan om skönheten i det irrationella. Jag vill bara visa att de kan avvisas helt.
Catch 1: Age of Hamlet
Av scenen på kyrkogården framgår tydligt att Hamlet är 30 år gammal. Samtidigt är det allmänt accepterat att Hamlet verkar yngre, cirka 18–20 år gammal. Denna subjektiva åsikt har blivit vardag. Men var följer det egentligen att Hamlet är yngre?
Laertes och Polonius säger att han är ung, men det motsäger inte åldern på 30 år. Enligt min mening är Hamlets karaktär och sätt att tänka ganska konsekvent med 30 år. (Jag fyller 30 i år, och jag tror inte att Hamlet är mycket äldre eller mycket yngre än mig.)
Med tanke på att Hamlet är 30 år ska det anses att drottningen med största sannolikhet är under 50. Samtidigt borde hon vara ganska attraktiv - för kungen, åtminstone. Men inte ens här finns det ingen motsägelse, med tanke på till exempel att drottning Elizabeth 1601 fyllde 68 år, och då, att döma av porträtten och recensionerna av hennes samtida, var hon inte utan attraktionskraft. Andra exempel skulle lätt kunna nämnas, även om de bara är begränsade till drottningar. Till exempel föddes den blivande engelske kungen John the Landless 1167, när hans mor, Eleanor av Aquitaine, var 45 år gammal, och när hon dog vid 82 års ålder kallades hon "vacker och rättvis" i sin dödsruna. Det händer inte heller!
Tvivel om Hamlets specificerade ålder stöds ibland av åsikten att tidigare människor levde mindre och blev gamla tidigare. Detta är delvis sant, men ofta överdrivet. Människor levde kortare liv i genomsnitt, men mest på grund av hög spädbarnsdödlighet, och det var inte ovanligt att överlevande nådde 70-talet och ibland 80- eller 90-talet, så en 30-åring ansågs ändå vara relativt ung. 1601 fyllde den unge dansk-norske kungen Christian IV 24 år, men samtidigt fyllde den engelska drottningen, som redan nämnts, 68, hennes blivande arvtagare, den skotske kungen Jacob - 35, den franske kungen Henrik IV - 48, den Den ryske tsaren Boris Godunov - cirka 50. Förutom den märkliga dansk-norske kungen är alla äldre än Hamlet!
Om skapelsen är perfekt, orsakar den mindre kontroverser, och det är svårare att prata om det. Det är konstigt att alla försöker identifiera sig med Hamlet, även skådespelerskor – Sarah Bernard lyckades spela Hamlet, och jag är glad att kunna rapportera att hon under föreställningen bröt benet. Det är acceptabelt att påpeka din likhet med karaktären, men du ska inte säga: "Det är jag." Du kan säga: "Förmodligen är jag mer lik Claudius än Laertes." Eller, "Jag skulle hellre vara Benedict än Orsino." Men när en läsare eller tittare säger "Här är jag" låter det lite misstänkt. Det är suspekt när skådespelare i olika roller säger: "Här är rollen som jag vill spela" - istället för att föreslå: "Den här rollen skulle vara bra för mig." Personligen tvivlar jag på att någon någonsin har lyckats spela Hamlet utan att verka löjlig. "Hamlet" - en tragedi med en ledig huvudroll, precis som rollen som en improviserande skådespelare i en fars förblir obesatt. Men i Hamlet lämnas rollen öppen för den tragiske skådespelaren.
Shakespeare arbetade på denna pjäs under mycket lång tid. För en författare med en sådan klarhet och snabbhet i utförandet som Shakespeare är en sådan försening ett tecken på visst missnöje. Hans plan förverkligades inte fullt ut. Thomas Eliot kallade pjäsen för ett "konstnärligt misslyckande." Hamlet, den enda icke-agerande karaktären, passar inte bra in i pjäsens tyg och har inte tillräckliga motiv, även om de aktiva karaktärerna är utmärkta. Polonius är en sorts olycklig pragmatiker, som delar ut råd till höger och vänster och spionerar på sina barns intima liv. Laertes vill se ut som en briljant societetsdandy som är accepterad överallt - men rör bara inte min syster! Och Laertes är avundsjuk på Hamlets sinne. Rosencrantz och Guildenstern. - Sjung med. Gertrude är en kvinna som vill ha kärlek, hon gillar det när det finns romantik i livet. Horatio är inte särskilt ljus, men han är påläst och gillar att citera.
Hamletperiodens pjäser i Shakespeares verk är magnifika, men de får en att undra om Shakespeare överhuvudtaget ville lämna dramat. "Hamlet" verkar vittna till förmån för sådana tvivel. Pjäsen visar vad Shakespeare kunde göra om han hade fullständig valfrihet: kanske skulle han ägna sig åt dramatiska monologer. Monologerna i Hamlet, liksom i andra pjäser från denna period, kan skiljas både från karaktärerna och från pjäsen. I Shakespeares tidiga och senare verk är monologerna bättre inbyggda i texten. Monologen "Att vara eller inte vara" i Hamlet (III. 1) är ett utmärkt exempel på tal som kan alieneras från karaktären och från pjäsen; detsamma gäller Ulysses' monologer om tiden i Troilus och Cressida (III.3), kungen till ära i All's Well That Ends Well (II.3), och hertigen om döden i Mått för Mått (III. 1).
Vid denna tid av Shakespeares liv är olika problem med skrivteknik upptagna. Den första av dessa är förhållandet i pjäser mellan prosa och vers. I de tidiga pjäserna talar "låg" eller komiska karaktärer - som Shylock och Lancelot Gobbo i The Merchant of Venice - i prosa. Kloka män som Falstaff talar på prosa, till skillnad från den passionerade Hotspur som talar på vers. I As You Like It talar både hjälten och hjältinnan, tvärtemot traditionen, prosa. I tolfte natten talar Viola på vers vid hovet och enbart på prosa. I samma pjäs talar karaktärer som är bedrägliga eller saknar humor på vers, och människor som är kloka eller dras till självkännedom talar i prosa. I tragedier utvecklar Shakespeare en exceptionellt rik prosastil för tragiska hjältar. Hamlet talar både på vers och prosa. Hamlet talar på vers i monologer, ensam med sig själv och i rasande, passionerade vädjanden till andra karaktärer, som i scenen med sin mamma. Annars brukar han tala i prosa. I alla pjäser från denna period väver Shakespeare skickligt samman prosa och poesi. I senare pjäser föredrar Shakespeare i allt högre grad poesi och tar till prosa antingen när han är trött eller när luckor behöver fyllas. I "Antony och Cleopatra" tråkigheter talar prosa, ljusa karaktärer - på vers.
Dessutom blir Shakespeares poetiska språk allt mer flexibelt. Han började med lyriska och marlovska dikter, som var kompletta semantiska segment - de var lämpliga för att uttrycka höga passioner. I Hamlet experimenterar Shakespeare med en caesura, en paus i mitten av en rad, för att uppnå en neutral intonation som varken är passionerad eller prosaisk. Användningen av dubbla adjektiv blir mer sofistikerad. Från en sådan tautologisk fras som till exempel "söta och honungiga tal" i "Henry V" (I. 1) övergår Shakespeare i "Hamlet" till definitionspar som kombinerar det abstrakta med det konkreta. Låt oss ta som exempel Laertes anmärkningar: "Och begrav dig bakom dina begär, / Bort från pilar och lidandens förstörelse" (I. 3), Horatio: "Prins, / De är vilda, osammanhängande ord" (I. 5) och Hamlet : "Här är en armé, en tung bulk, / Ledd av en graciös, mild prins" (IV. 4). George Rylands ord och poesi är en mycket detaljerad diskussion om Shakespeares språk och stil.
När Hamlet skrevs verkade Shakespeare trött på komedier, kanske för att de kom för lätt för honom. Språkets passion och känslornas rikedom i komedi begränsas av genren, även om Shakespeare fantastiskt hantverk inkluderade både den första och den andra. Men eftersom han vill gå bort från komedin vill han inte återgå till den grova retoriken i "King John" och "Richard III" eller till den lyriska och romantiska retoriken i "Romeo och Julia" och "Richard E". Han behöver inte längre en infantil karaktär, omedveten om vad som händer omkring honom, som Romeo och Richard E, eller en grov karaktär som Brutus, fångad i ett nätverk av omständigheter av historisk betydelse, där händelser viktigare än karaktärer. Slutligen behöver han inte en karaktär med fånig humor som behöver en specifik situation för att utvecklas. Efter att ha skapat Falstaff vill han inte återgå till burlesk.
Kanske var det Shakespeares framgångar som dramatisk poet som fick honom att känna sig missnöjd med sig själv, vilket återspeglades i Hamlet. Den dramatiska poeten kan föreställa sig vilken persons känslor som helst, och därför är han upptagen med frågorna: "Vad är jag?" "Vad känner jag?", "Kan jag känna?" Konstnärer lider inte av ett överskott av känslor, utan snarare av brist på dem. Förvandlas till en spegel och du börjar tvivla på spegelns verklighet.
Shakespeare skapade Hamlet från ett galleri av tidigare karaktärer som annars var hans prototyper. Richard II är ett barn fyllt av självömkan: det finns mycket teatralitet i hans handlingar, men till skillnad från Hamlet inser han inte att han spelar. Falstaff, en intellektuell karaktär och verk av en konstnär som kände sig säker på sina förmågor, liknar Hamlet, men Falstaff är inte medveten om sig själv på samma sätt som Hamlet. När Falstaff tittar in i sig själv dör han – och hans död ser mycket ut som självmord. Brutus anar Hamlet "från motsatsen"; Brutus är i viss mening den danske prinsens antipod. Hamlet förstör hans fantasi. Brutus, som en sann stoiker, förstörs av sin önskan att undertrycka sin egen fantasi. Han försöker utesluta sannolikhet från världsbilden. Närmast Hamlet är Jacques, en karaktär som inte kan delta i handlingen: Jacques karaktär förblir oupptäckt.
Kanske är det viktigare att studera Hamlets handlingskällor än för någon annan av Shakespeares pjäser. Berättelsen om Hamlet dyker först upp i Saxo Grammars History of the Danes, men Shakespeare vände sig till François de Belforets Tragic Histories för en utökad och moraliserande version av berättelsen. Belforets berättelse översattes till engelska 1608. En annan källa är Thomas Kidds pjäs "Den spanska tragedin" - prototypen på "hämndspelet". Den här sista dök upp 1594 och fick enorm popularitet på den elisabetanska scenen.
Den första betydande studien av temat hämnd i litteraturen genomfördes i Oresteia, legenden om Orestes, Agamemnon och Clytemnestra. Historien om Hamlet i presentationen av Saxo Grammar är ganska fattig på känslor - hämnd presenteras i den som en absolut plikt. I elizabethanernas pjäser, om en person blir kränkt, går offret för långt i hämnd, och Nemesis vänder ryggen åt honom - ett exempel på det är Shylock. Det som uppfattades som en plikt blir en fråga om passion och hat. Avskyn, den avsky som Hamlet känner för sin mamma, verkar helt oproportionerlig mot hennes faktiska beteende.
Det finns många misstag i Hamlet – hål gapar både i handling och i motiven till karaktärernas agerande. Ett misslyckande är ett hastigt skissat porträtt av Fortinbras. Men i början av pjäsen får vi veta om hans militanta planer: Claudius skickar en budbärare till honom med en begäran om att sluta. Fortinbras håller med, men kräver att han ska få passera Danmark på väg till Polen. Vi ser honom korsa scenen i spetsen för sin armé, på väg mot Polen. Han kommer tillbaka när alla hjältar är döda. Den här subplotten är nödvändig, men den är inte tillräckligt väl invävd i pjäsen. Avsnitt som involverar Laertes är också förbryllande. Varför, när Laertes återvänder från Frankrike för andra gången, berättar ingen för honom att Hamlet dödade sin far, och varför, när han bryter sig in i palatset, avtar passionerna efter några minuter? Polonius begravs i hemlighet. Varför? Polonius död är nödvändigt för att Laertes ska kunna åka till England, men återigen passar inte underhandlingen in i huvudhandlingen. Och varför har Claudius inte bråttom att döda Hamlet, utan fortsätter att göra listiga planer som kan misslyckas? Ofelia är en dum, nedtryckt tjej. Efter att ha tappat förståndet på grund av sin fars död, beter hon sig nästan obscent och orsakar en känsla av förlägenhet. Även om hennes galenskap är skrämmande och motbjudande, är det inte välgrundat. Hon älskade inte riktigt sin påfrestande pappa - han väckte aldrig något större intresse för henne.
Hamlets ålder är ett stort mysterium. Hans samtal med gycklargravaren (V. 1) tyder på att han är omkring trettio, men i så fall, varför är han fortfarande universitetsstudent? Tja, om han är ung nog att vara student, stämmer inte hans tal - väldigt moget och mer i linje med medelåldern - med hans utseende. Och hur gammal är Gertrud då?
Var Hamlet verkligen kär i Ophelia? Han säger detta i slutet av pjäsen:
Jag älskade henne; fyrtio tusen bröder
Med all din kärlek med mig
Skulle inte utjämna.
Akt V, scen 1.
Men låt oss tvivla. På ett eller annat sätt motsäger den fientlighet som Hamlet visade mot henne, och hans avsägelse av hennes kärlek, prinsens ord från sista akten. Han misstänker Ophelia för att vara en spion, och går möjligen tillbaka till någon tidig, pre-Shakespeare-version av Hamlet, där Polonias dotter spionerade på prinsen.
Slutligen, varför reagerar inte Claudius på pantomim, varför vänta på en "pjäs i en pjäs"? Det måste ha funnits två tidiga versioner av Hamlet, varav den ena innehöll pantomime, den andra en pjäs i en pjäs, och Shakespeare inkluderade båda avsnitten i tragedin utan någon oro för rimligheten.
När det gäller spöken höll sig elisabethanerna till ett antal konventioner. Spöket kan dyka upp för mördaren eller komma för att uppmana till hämnd. Spöket kunde besöka platsen där hans kropp inte begravdes enligt sedvane. Hans utseende kunde vara ett dåligt omen, och om han under sin livstid begravde en skatt någonstans och inte hade tid att informera sina arvingar om det, var han skyldig att informera dem. Horatio ställer spöket alla lämpliga frågor för situationen.
Hamlets melankoli är svår att korrelera med handlingen i pjäsen, och hans avskedstal visar sig genom fåfänga, som i många självmordsbrev om självmord:
När jag kunde (men döden, hård väktare,
Nog snabbt), åh, jag skulle säga... -
Men ändå, - Horatio, jag dör;
Du lever; berätta sanningen om mig
Otillfredsställd…
O vän, vilket sårat namn,
Dölj hemligheten med allt, det skulle förbli för mig!
När du höll mig i ditt hjärta
Gå sedan åt sidan för en stund från lycka,
Andas in en hård värld så att min
Berätta en historia.
Akt V, scen 1.
Hamlet försening. Han är kapabel att agera när yttre omständigheter hotar honom. Han agerar till exempel på scenen för mordet på Polonius och avslöjar en anmärkningsvärd okänslighet. Pjäsen i pjäsen han skapar och regisserar presenteras inte som komisk utan som tragisk konflikt där skådespelarnas oskuld ställs i kontrast till skulden hos dem som vet hur man kan klä tankarna i en elegant form, och föreställningen, tänkt som ofarlig underhållning, orsakar fruktansvärt lidande.
Hamlet är helt uppslukad av sig själv, intresset för sin egen person lämnar honom inte förrän i slutet. Han tvekar. Uppgiften är att hitta dig själv, att acceptera nuet. Utropa inte: "Tidernas förbindelse har fallit! / Varför är jag född att binda den?" (I.5). Det vill säga: "Allt skulle vara bra om omständigheterna var annorlunda." Jag behöver inte önska att vara någon annan. Jag måste inse att jag inte ska gömma en del av mig själv för mig själv och försöka lösa situationen som en Brutus gör (och, som en Brutus, ta situationen lättare än den är). Jag måste hitta mig själv. Hur kan man gå bortom naturen som jag klädde mig i och sedan glömma allt? Jag får inte överlåta detta val åt ödet eller omständigheterna, som en man som hoppar in i utsvävningar. Jag ska inte säga att jag vägrar leva för att min mamma inte älskade mig tillräckligt, eller älskade mig för mycket, eller vad som helst. Hamlet kunde genast hämnas sin far eller säga att det inte är hans sak att döma andra, detta är Guds lott. Hamlet gör ingetdera. Han finner bara situationen intressant och konstaterar: "Att man kan leva med ett leende och med ett leende / Att vara en skurk" (I. 5).
Avsky är en källa till tillhörighet och samtidigt avskildhet. Hat eller kärlek innebär en förändring i situationen. Varför är Hamlet inaktiv? Han måste hitta svaret på frågan: "Vem är jag?" Själva begreppet tillvarons mening är främmande för honom. Hamlet saknar tro på Gud och på sig själv. Följaktligen tvingas han definiera sitt väsen i termer av andra människor, det vill säga: Jag är den person vars mamma gifte sig med hans farbror som dödade hans far. Hamlet skulle vilja bli hjälten i en uråldrig tragedi, ett offer för ödet. Därav hans oförmåga att agera, för han kan bara "leka" - leka med valmöjligheterna. Han är i grunden uttråkad, och av denna anledning är hans beteende teatraliskt. Pjäsen är skriven med fullständig ignorering av skådespelarens hantverk, och till sin natur är rollen som Hamlet inte iscensatt. En skådespelare kan spela vem som helst utom en skådespelare. Hamlet ska spelas av en man från gatan, medan resten av rollerna ska spelas av professionella skådespelare. Komplexiteten i rollen som Hamlet är att han är en skådespelare, och det är omöjligt att spela sig själv. Du kan bara vara dig själv.
Människor kan inte längre tro på något bara för att så många andra tror på det. Att tro på något är inte längre en naiv handling. En persons normala reaktion är inte att försöka gå framåt, utan snarare att dra sig tillbaka, gå bort från önskningar och vilja, återgå till passion, där handling är möjlig. Detta kan dock bara uppnås genom att offra förnuftet, och för att väcka passion hos reflekterande människor är det nödvändigt att uppfinna anordningar av monstruös sofistikering. Ett passionerat språng i ödets avgrund motarbetas av ett orimligt sug efter handling, som i Iago.
Kierkegaard skriver i Antingen-Eller att "tristess är roten till allt ont."
Kunniga människor hävda att det är mycket rimligt att vägledas av någon princip; Jag vill ge dem nöje, och utgår därför från följande princip - alla människor är tråkiga. Naturligtvis vill ingen se så tråkig ut att börja motbevisa detta mitt påstående. Ovanstående princip ger intryck av det mest motbjudande - det oumbärliga villkoret för alla negativa principer, och principerna, enligt vårt ursprungliga postulat, är grundorsaken till all rörelse. Denna princip är inte bara motbjudande, utan extremt formidabel, och alla som försöker förstå den kan inte annat än känna en stor längtan att gå framåt, att göra nya upptäckter. För, om min princip är rätt, behöver vi bara analysera hur destruktiv tristess är för mänskligheten, och, vid behov koncentrera oss på denna grundläggande sanning, själva välja den rätta impulskraften. Om man vill uppnå impulsens maximala kraft, så att själva drivkraften är hotad, behöver man bara säga till sig själv: tristess är roten till allt ont. Det är konstigt att tristess, i sig så stillsam och trögflytande, har kraften att sätta allt i rörelse. Det inflytande det utövar är helt magiskt, förutom att det inte är ett inflytande av attraktion utan av avstötning.
"Tråkighet", fortsätter Kierkegaard, "är den demoniska sidan av panteismen. Panteism kännetecknas i stort av fullhet; i fallet med tristess har vi att göra med något helt motsatt, eftersom dess utmärkande drag är tomhet. Men detta är det som förvandlar tristess till ett panteistiskt koncept Tristess beror på ingenting som genomsyrar verkligheten, det orsakar yrsel, som du upplever när du tittar in i en gapande avgrund, och denna yrsel är obegränsad."
Anmärkningar:
Se G. Ibsen, "Peer Gynt", akt II, scen 6.
Se T. S. Eliot, "Hamlet" i Selected Essays (1932).
Saxo Grammaticus, Danernas historia (ca 1200, utgiven första gången 1514); Francois de Belforet, " tragiska berättelser" (1576).
Översättning av A. I. Kroneberg.
S. Kierkegaard, "Antingen - eller", 1:234, 239.
1500- och 1600-talens dramaturgi var en integrerad och kanske den viktigaste delen av den tidens litteratur. Denna typ av litterär kreativitet var närmast och mest begriplig för den breda massan, det var ett skådespel som gjorde det möjligt att förmedla författarens känslor och tankar till betraktaren. William Shakespeare är en av de ljusaste representanterna för dåtidens dramaturgi, som läses och återläses till vår tid, pjäser utifrån hans verk, analyserar filosofiska begrepp.
Genialiteten hos den engelska poeten, skådespelaren och dramatikern ligger i förmågan att visa livets realiteter, att penetrera själen hos varje tittare, att i den finna ett svar på hans filosofiska uttalanden genom känslor som är bekanta för varje person. Den tidens teaterhandling utspelade sig på en plattform mitt på torget, skådespelarna kunde under pjäsens gång gå ner till ”salen”. Tittaren blev liksom en deltagare i allt som hände. Nuförtiden är en sådan effekt av närvaro ouppnåelig även när man använder 3d-teknik. Desto viktigare på teatern var författarens ord, verkets språk och stil. Shakespeares talang visar sig i många avseenden i hans språkliga sätt att presentera handlingen. Enkelt och något utsmyckat, det skiljer sig från gatornas språk, vilket gör att betraktaren kan höja sig över vardagen, för en tid stå i nivå med pjäsens karaktärer, människor i överklassen. Och genialitet bekräftas av att det inte har förlorat sin betydelse i mer senare tider– vi får möjlighet att under en tid bli medbrottslingar i händelserna i det medeltida Europa.
Toppen av Shakespeares verk ansågs av många av hans samtida, och efterföljande generationer efter dem, vara tragedin "Hamlet - Prins av Danmark". Detta verk av en erkänd engelsk klassiker har blivit ett av de mest betydelsefulla för ryskt litterärt tänkande. Det är ingen slump att tragedin om Hamlet har översatts till ryska mer än fyrtio gånger. Sådant intresse orsakas inte bara av fenomenet medeltida dramaturgi och författarens litterära talang, vilket utan tvekan är. Hamlet är ett verk som speglar " evig bild"en sökare av sanning, en moralfilosof och en man som steg över sin tid. Galaxen för sådana människor, som började med Hamlet och Don Quijote, fortsatte i rysk litteratur med bilder av "överflödiga människor" Onegin och Pechorin, och vidare i verk av Turgenev, Dobrolyubov, Dostoevsky. Denna linje är infödd i den ryska sökande själen.
Skapandes historia - Tragedi Hamlet i romantiken på 1600-talet
Hur många av Shakespeares verk är baserade på litteraturnoveller tidig medeltid, och handlingen i tragedin Hamlet lånades av honom från de isländska krönikorna på 1100-talet. Den här handlingen är dock inget original för den "mörka tiden". Temat för kampen om makten, oavsett moraliska normer, och temat hämnd finns i många verk genom tiderna. Utifrån detta skapade Shakespeares romantik bilden av en person som protesterade mot sin tids grundvalar, letade efter en väg ut ur dessa konventioners bojor till den rena moralens normer, men som själv är gisslan för befintliga regler och lagar. Kronprinsen, en romantiker och en filosof, som ställer eviga frågor om att vara och samtidigt tvingas kämpa i verkligheten på det sätt som var brukligt på den tiden - "han är inte sin egen herre, hans födelse är knuten hand i hand” (akt I, scen III ), och detta orsakar honom en intern protest.
(Antik gravyr - London, 1600-talet)
Under året då tragedin skrevs och iscensattes upplevde England en vändpunkt i sin feodala historia (1601), därför finns det i pjäsen en viss dysterhet, en verklig eller imaginär nedgång i staten - "Något har ruttnat i kungariket av Danmark" (akt I, scen IV). Men vi är mer intresserade av de eviga frågorna "om gott och ont, om våldsamt hat och helig kärlek", som så tydligt och så tvetydigt stavas av Shakespeares geni. I full överensstämmelse med romantiken i konsten innehåller pjäsen hjältar av uttalade moraliska kategorier, en uppenbar skurk, en underbar hjälte, det finns en kärlekslinje, men författaren går längre. romantisk hjälte vägrar att följa tidens kanoner i sin hämnd. En av tragedins nyckelfigurer - Polonius, framstår inte för oss i ett entydigt ljus. Temat svek tas upp i flera berättelser och erbjuds även till tittaren. Från det uppenbara sveket mot kungen och otroheten i minnet av den avlidne mannen av drottningen, till det triviala sveket mot studenternas vänner, som inte är emot att ta reda på hemligheterna från prinsen för kungens nåd. .
Beskrivning av tragedin (handlingen av tragedin och dess huvuddrag)
Ilsinore, de danska kungarnas slott, nattvakt med Horatio, Hamlets vän, möter den avlidne kungens spöke. Horatio berättar för Hamlet om detta möte, och han bestämmer sig för att personligen träffa sin fars skugga. Spöket berättar för prinsen hemsk historia hans död. Kungens död visar sig vara ett vidrigt mord av hans bror Claudius. Efter detta möte inträffar en vändpunkt i Hamlets sinne. Det som lärdes överlagras på det onödigt snabba bröllopet mellan kungens änka, Hamlets mor och den mördande brodern. Hamlet är besatt av tanken på hämnd, men är i tvivel. Han måste se till allt själv. Hamlet låtsas galenskap och observerar allt. Polonius, rådgivare till kungen och far till Hamlets älskade, försöker förklara för kungen och drottningen sådana förändringar hos prinsen med avvisad kärlek. Förut förbjöd han sin dotter Ophelia att acceptera Hamlets uppvaktning. Dessa förbud förstör kärlekens idyll, vilket ytterligare leder till depression och galenskap hos flickan. Kungen gör sina försök att ta reda på sin styvsons tankar och planer, han plågas av tvivel och sin synd. Hamlets tidigare studentvänner som anställts av honom är oskiljaktigt med honom, men till ingen nytta. Chocken över det han lärde sig får Hamlet att tänka ännu mer på meningen med livet, på sådana kategorier som frihet och moral, på den eviga frågan om själens odödlighet, varats svaghet.
Under tiden dyker en trupp kringvandrande skådespelare upp i Ilsinore, och Hamlet övertalar dem att lägga in flera repliker i den teatrala handlingen, vilket avslöjar kungen för brodermord. Under föreställningens gång ger Claudius bort sig själv med förvirring, Hamlets tvivel om hans skuld skingras. Han försöker prata med sin mamma, kasta anklagelser i ansiktet på henne, men spöket som dyker upp förbjuder honom att hämnas på sin mamma. En tragisk olycka förvärrar spänningen i de kungliga kamrarna - Hamlet dödar Polonius, som gömde sig bakom gardinerna av nyfikenhet under det här samtalet och misstade honom för Claudius. Hamlet skickas till England för att täcka över dessa olyckliga olyckor. Spionvänner skickas med honom. Claudius ger dem ett brev till kungen av England och ber honom att avrätta prinsen. Hamlet, som av misstag lyckades läsa brevet, gör korrigeringar i det. Som ett resultat avrättas förrädare, och han återvänder till Danmark.
Laertes, son till Polonius, återvänder också till Danmark, den tragiska nyheten om hans syster Ophelias död till följd av hennes vansinne på grund av kärlek, såväl som mordet på hans far, driver honom till en allians med Claudia som hämnd . Claudius provocerar fram en duell med svärd mellan två unga män, Laertes blad förgiftas medvetet. Utan att uppehålla sig vid detta, förgiftar Claudius vinet också, för att göra Hamlet full i händelse av seger. Under duellen såras Hamlet av ett förgiftat blad, men finner en förståelse med Laertes. Duellen fortsätter, under vilken motståndarna byter svärd, nu såras Laertes av ett förgiftat svärd. Hamlets mor, drottning Gertrud, kan inte stå ut med spänningen i duellen och dricker förgiftat vin för sin sons seger. Claudius dödas också, bara Horace, Hamlets enda sanna vän, är kvar vid liv. Den norske prinsens trupper går in i Danmarks huvudstad, som ockuperar den danska tronen.
Huvudkaraktärer
Som kan ses av hela utvecklingen av handlingen, tonar temat hämnd i bakgrunden innan huvudpersonens moraliska strävan. Att fullborda hämnd för honom är omöjligt i uttrycket, som är brukligt i det samhället. Även efter att ha övertygat sig själv om sin farbrors skuld, blir han inte hans bödel, utan bara en anklagare. Till skillnad från honom gör Laertes ett avtal med kungen, för honom står hämnden framför allt, han följer sin tids traditioner. kärlekslinjen i tragedin är det bara ett ytterligare sätt att visa den tidens moraliska bilder, för att sätta igång Hamlets andliga sökande. Huvudpersonerna i pjäsen är prins Hamlet och kungens rådgivare Polonius. Det är i dessa två människors moraliska grundval som tidskonflikten kommer till uttryck. Inte konflikten mellan gott och ont, utan skillnaden i moraliska nivåer hos två positiva karaktärer är huvudlinjen i pjäsen, briljant visad av Shakespeare.
En smart, hängiven och ärlig tjänare till kungen och fosterlandet, en omtänksam far och en respekterad medborgare i sitt land. Han försöker uppriktigt hjälpa kungen att förstå Hamlet, han försöker uppriktigt förstå Hamlet själv. Hans moraliska principer på den tidens nivå är oklanderliga. Han skickar sin son för att studera i Frankrike och instruerar honom om uppförandereglerna, som idag kan ges utan ändringar, de är så kloka och universella för vilken tid som helst. Orolig för sin dotters moraliska karaktär uppmanar han henne att vägra Hamlets uppvaktning, förklarar klasskillnaden mellan dem och utesluter inte möjligheten av prinsens oseriösa inställning till flickan. Samtidigt finns det enligt hans moraliska åsikter motsvarande den tiden inget fördomsfullt i en sådan lättsinne från den unge mannens sida. Med sin misstro mot prinsen och faderns vilja förstör han deras kärlek. Av samma skäl litar han inte heller på sin egen son och skickar en tjänare till honom som spion. Planen för att observera honom är enkel - att hitta bekanta och, lite förtalande av sin son, locka fram den uppriktiga sanningen om hans beteende hemifrån. Att avlyssna samtalet med en arg son och mamma i de kungliga kamrarna är inte heller något fel för honom. Med alla sina handlingar och tankar verkar Polonius smart och snäll person, även i Hamlets galenskap, ser han sina rationella tankar och ger dem vad de förtjänar. Men han är en typisk representant för ett samhälle som sätter så stor press på Hamlet med sin svek och dubbelhet. Och detta är en tragedi som är förståelig inte bara i moderna samhället men också till London-publiken tidiga XVIIårhundrade. Sådan dubbelhet protesteras av dess närvaro och in modern värld.
Hjälte med stark ande och ett enastående sinne, sökande och tvivlande, som blivit ett steg högre än hela samhället i sin moral. Han kan se på sig själv utifrån, han kan analysera omgivningen och analysera sina tankar och handlingar. Men han är också en produkt av den eran och det binder honom. Traditioner och samhälle påtvingar honom en viss stereotyp av beteende, som han inte längre kan acceptera. På grundval av handlingen om hämnd visas hela tragedin i situationen när en ung man ser ondska inte bara i en avskyvärd handling, utan i hela samhället där sådana handlingar är berättigade. Denna unge man kallar sig själv att leva i enlighet med högsta moral, ansvar för alla sina handlingar. Tragedin i familjen får honom bara att tänka mer på moraliska värderingar. En sådan tänkande person kan inte annat än ställa universella filosofiska frågor för sig själv. Den berömda monologen "Att vara eller inte vara" är bara höjdpunkten av sådana resonemang, som vävs in i alla hans dialoger med vänner och fiender, i samtal med slumpmässiga människor. Men ofullkomligheten i samhället och miljön driver fortfarande på impulsiva, ofta omotiverade handlingar, som sedan upplevs svårt av honom och i slutändan leder till döden. När allt kommer omkring förtrycker skulden i Ophelias död och det oavsiktliga misstaget i mordet på Polonius och oförmågan att förstå Laertes sorg honom och fjättrar honom med en kedja.
Laertes, Ophelia, Claudius, Gertrude, Horatio
Alla dessa personer introduceras i handlingen som Hamlets följe och präglar det vanliga samhället, positivt och korrekt i dåtidens förståelse. Även om man betraktar dem ur en modern synvinkel kan man känna igen deras handlingar som logiska och konsekventa. Kampen om makt och äktenskapsbrott, hämnd för den mördade fadern och den första flickkärleken, fiendskap med grannstater och att få mark som ett resultat av tornerspelsturneringar. Och bara Hamlet står med huvud och axlar över detta samhälle, fast i midjan i stamtraditionerna för tronföljden. Tre vänner till Hamlet - Horatio, Rosencrantz och Guildenstern, är representanter för adeln, hovmän. För två av dem är det inget fel att spionera på en vän, och bara en förblir en trogen lyssnare och samtalspartner, en smart rådgivare. En samtalspartner, men inget mer. Inför sitt öde, samhället och hela riket lämnas Hamlet ensam.
Analys - idén om tragedin av prinsen av Danmark Hamlet
Shakespeares huvudidé var att visa psykologiska porträtt samtida baserade på "de mörka tidernas feodalism", en ny generation som växer upp i samhället som kan förändra världen till det bättre. Kompetent, sökande och frihetsälskande. Det är ingen slump att Danmark i pjäsen kallas fängelse, vilket enligt författaren var hela den tidens samhälle. Men Shakespeares geni tog sig uttryck i förmågan att beskriva allt i halvtoner, utan att glida in i det groteska. De flesta karaktärerna är positiva och respekterade människor enligt dåtidens kanoner, de resonerar ganska förnuftigt och rättvist.
Hamlet visas som en person som är benägen till introspektion, andligt stark, men ändå bunden av konventioner. Oförmågan att agera, oförmågan, gör honom släkt med den ryska litteraturens "överflödiga människor". Men det bär på en laddning av moralisk renhet och samhällets önskan om det bättre. Genialiteten med detta arbete ligger i det faktum att alla dessa frågor är relevanta i den moderna världen, i alla länder och på alla kontinenter, oavsett det politiska systemet. Och den engelska dramatikerns språk och strof fängslar med sin perfektion och originalitet, får dig att läsa om verken flera gånger, vända dig till föreställningar, lyssna på föreställningar, leta efter något nytt, gömt i tidens dimmor.
Hamlet är en karaktär i den brittiska klassiska tragedin med samma namn. Idag anses pjäsens hjälte vara en av de mest populära och mystiska karaktärerna i världslitteraturen. Moderna litteraturvetare undrar om prinsen av Danmark gömde sig bakom galenskap eller faktiskt var föremål för vansinniga visioner, de är intresserade av hans biografi, en beskrivning av hans utseende. Shakespeares hjälte väcker eviga frågor i dialoger och monologer, tänker på ödet, visar vördnadsfull kärlek.
Karaktärsskapande historia
Under William Shakespeares mandatperiod skapades verk för teaterproduktioner på grundval av befintliga pjäser. "Hamlet" var inget undantag - redan på 700-talet skrev den danske krönikören Saxo Grammatik ner legenden om prins Hamlet (i originalet låter namnet som Amled), som ingår i samlingen av skandinaviska sagor.
Utifrån hennes motiv komponerade en samtida och landsman till den engelske dramatikern (man antar att det var Thomas Kidd) en pjäs som satts upp på teatrar, men som inte har överlevt till denna dag. På den tiden skämtades det om "ett gäng Hamlets som spred handfulla tragiska monologer".
Under perioden 1600-1601 gjorde Shakespeare helt enkelt om litterärt verk. Den store poetens verk skilde sig från den skandinaviska primära källan i förfining av den konstnärliga duken och betydelsen: författaren flyttade fokus från yttre kamp till huvudpersonens andliga lidande.
- Rollen som Hamlet är den längsta i Shakespeares pjäser. Volymen på texten, som låter från hans mun, är 1506 rader. Och i allmänhet är tragedin större än författarens andra verk - den sträckte sig över 4 tusen rader.
- För författarens samtida var tragedin en berättelse om blodsfejd. Och bara i sena XVIII talet vände Johann Goethe upp och ner på uppfattningen om verket - han såg i huvudpersonen inte en hämnare, utan en tänkande representant för renässansen.
- 2012 tog karaktären andra plats i Guinness rekordbok när det gäller frekvensen av uppträdande av bokkaraktärer bland människor i filmer och på tv (han var i ledningen).
Citat
Det finns många saker i naturen, vän Horatio, som våra vise män aldrig drömt om.Åh, kvinnor, ditt namn är förräderi!Drick inte vin, Gertrud!Bibliografi
- 1600–1601 - "Hamlet"
Filmografi
- 1964 - "Hamlet" (USSR)
- 1990 - "Hamlet" (Storbritannien, Frankrike)
- 1996 - "Hamlet" (Storbritannien, USA)
- 2009 - "Hamlet" (Storbritannien)
Om allt hade varit som nyss beskrivits, skulle Shakespeare inte ha varit annorlunda än senare tiders dramatiker, som exakt beräknade händelsernas varaktighet. Men det finns skillnader.
Låt oss gå tillbaka till tragedin vi pratade om.
När sjuksköterskan kommer till Romeo för att få svar på om han kommer att gifta sig med Julia, anser hon att det är nödvändigt att skvallra om att Julia på intet sätt är utan friare, men hon föredrar den unge Montague: "Ja, det finns en adelsman i staden, en viss Paris: han skulle gärna hämta henne, ja det är det, min kära, - det är trevligare för henne att se en padda, en riktig padda, än att se honom. Jag retar henne ibland - jag kommer att säga att, säger de, greve Paris är bara brudgummen för henne; så, tror du det, så snart hon hör det, blir hon vitare än ett linne” (II, 4, 213).
Om sjuksköterskan talar sanning, då uppstår frågan: när retade hon "ibland" Juliet? När allt kommer omkring, bara dagen innan, pratade mamman först med en fjortonårig flicka om äktenskap. När kunde hon börja reta Juliet, om inte ens en dag gått sedan Paris frieri?
Samma sjuksköterska är skyldig till en annan. När Romeo förvisas och hennes far insisterar på Juliets äktenskap med Paris, råder sjuksköterskan henne att underkasta sig sin fars testamente. Lämnad ensam förebrår Juliet sjuksköterskan i sin frånvaro:
Förbannad gammal kvinna, ond djävul!
Var är den värsta synden? lär mig
Svek mot min make
Eller så här, häda honom med dina läppar,
Vilket har hyllats tidigare
Hundra tusen gånger?(III, 5, 235. BP)
I originalet dock "så många tusen gånger", men det förändrar inte saken, tusentals finns kvar. Återigen uppstår frågan: när ägde dessa tusentals hyllningar av Romeo som våtsköterska rum? Hon träffade honom trots allt på måndagsmorgonen och nu är det tisdag och även morgon.
Det är konstigt att ingen som regel märker denna avvikelse. Tvärtom tror vi att sjuksköterskan kunde säga så och så, för vi såg själva att hon älskar att reta Juliet. Psykologiskt är allt korrekt, även om det är kronologiskt omöjligt.
En liknande diskrepans förekommer i den första delen av Henrik IV. Prinsen, Falstaffs och resten av sällskapets konspiration att råna pilgrimerna på väg till Canterbury med rika gåvor äger rum i den andra scenen i första akten. Rånet ska ske "i morgon", varefter hela gänget bestämmer sig för att träffas på en krog i Eastcheep för att slösa bort bytet där.
I nästa scen uppstår ett gräl mellan Henrik IV och feodalherrarna, och de senare, efter att ha skilts från kungen, konspirerar omedelbart för att göra uppror mot honom. Den mest upproriska av dem, Hotspur, måste gå norrut för att få stöd från skottarna (I, 3). Därefter sker rånet av pilgrimerna (II, 1 och II, 2). Historien om Falstaff och prinsen avbryts av en scen på Hotspur Castle. Hans fru klagar över att han helt försummar henne:
Vad var fel, att det har gått två veckor
Hur drivs jag från din säng?(II, 3, 40)
I nästa scen (II, 4) samlas rånarna i Eastcheap och Falstaffs berömda upptåg äger rum. Jag påminner er: kl I, 2 beslutades att träffas imorgon, och mötet äger rum på utsatt tid. Det betyder att två dagar gick från den andra uppsättningen av första akten till den fjärde scenen i andra akten. Och i scenerna som är mellan dem - I, 3; II, 3, - minst två veckor har gått! Det visar sig att tiden för utvecklingen av Falstaffs berättelse är en sak, och den är kort, medan tiden för de konspiratörers verksamhet som förbereder ett uppror mot kungen är en annan, och den varar mycket längre. De visas i pjäsen parallellt.
Ett annat liknande exempel.
I The Merchant of Venice, i den tredje scenen i första akten, lånar Shylock Antonio tre tusen dukater för en period av tre månader. Om Antonio är i efterskott kommer Shylock att få rätten att skära ett halvt kilo kött från honom på notan. Nästa dag åker Bassanio till Belmont för att uppvakta Portia. Gården av en ung skönhet nära Venedig, kan du köra dit på några timmar. Bassanio, som ni vet, gissar gåtan med de tre kistorna och blir Portias fästman. Vid denna tidpunkt får han ett brev där han får veta att Antonio är i trubbel: tre månader har gått ut, och han har ingenting att betala skulden till Shylock. Bassanio går genast för att rädda en vän.
Från den dag då den ödesdigra propositionen undertecknades flöt tiden annorlunda för de två vännerna: två eller tre dagar gick för Bassanio och tre månader för Antonio!
Många fler kan tas med liknande exempel hur olika karaktärer i samma pjäs har olika redovisning av tid - för vissa är den kortare, för andra är den längre.
När kommentatorer om Shakespeare, som läste varje rad, först upptäckte sådana inkonsekvenser, avfärdade de dem som rena fel. Men efter att ha samlat alla exempel kom forskarna till slutsatsen att vi kan prata om en speciell tidslag hos Shakespeare. När det flyter olika för enskilda karaktärer kallas detta för dubbeltid.
Det kanske mest slående exemplet på dubbeltid finns i Othello. Minns händelseförloppet under tragedin.
Första dagen, eller snarare - natten. Desdemona flyr med Othello från sina föräldrars hus. Nattmöte på Dogen. Othello beordras att omedelbart följa med flottan till Cypern. Han seglar på ett skepp, Desdemona på ett annat. Vi vet inte hur länge flottan seglade från Venedig till Cypern.
Den andra dagen hittar hjältarna redan på Cypern. Venetianerna anländer hit, ledda av Othello. Det blev inget slagsmål. Cypern ockuperas utan motstånd. Vid detta tillfälle firas det. Efter att ha gett order kan Othello äntligen tillbringa den första natten med Desdemona. Men morgeneralens bröllopsnatt avbryts av ett fylleslagsmål av Cassio. Othello avfärdar omedelbart Cassio från sin assistent. Iago råder den stackars löjtnanten att vända sig till Desdemona på morgonen för att gå i förbön för honom.
Den tredje dagen. Cassio, efter Iagos råd, ber hustru till överbefälhavaren att gå i förbön för honom inför sin man. Desdemona vänder sig till Othello, men han skjuter upp samtalet. Genast dyker Iago upp och börjar väcka Othellos svartsjuka. Under dagen övertygar han äntligen den ädla moren att Desdemona var otrogen mot honom med Cassio.
En naturlig fråga uppstår: när kan förräderi inträffa? Det finns ingen tid i pjäsen för Desdemona och Cassio att träffas. Det visar sig att tragedin också har dubbeltid. Den ena är kopplad till handlingen vi ser, den andra är den förmodade tiden för Othellos äktenskap med Desdemona, vilket är längre än de händelser vi såg, och det fanns tillräckligt med tid inte för ett möte, utan för ett långt förhållande.
Den dubbla tiden i tragedin bekräftas också av Bianca, Cassios älskarinna, som förebrår honom vid mötet:
Är det en hörd sak?
Försvinn i sju dagar och sju nätter!(III, 4, 173)
Var kom denna vecka ifrån? Från samma dubbeltidslager. I det här fallet, kanske kan vi till och med prata om trippeltid. Ty möjligheten till en särskild tidsberäkning mellan den olycksdrabbade löjtnanten och den i honom förälskade kurtisanen är inte utesluten. Jag pratar inte om att det är allmänt oklart från pjäsen när Cassios koppling till Bianca uppstod.
Och här är hur tidskränkningen inträffar hos Antony och Cleopatra. Efter Antonys avresa från Rom anländer en budbärare som informerar den egyptiska drottningen att hennes älskare har gift sig med Octavia. Arg Cleopatra skickar en budbärare (II, 5). I slutet av scenen kommer hon dock till besinning, hon tas isär av kvinnlig nyfikenhet, och hon beordrar att genast ta reda på av budbäraren hur Anthonys fru ser ut. Men i nästa scen äger de romerska triumvirernas möte med Sextus Pompejus, som hade gjort uppror mot dem, rum och förhandlingar pågår som slutar i fred (II, 6); för att fira försoningen arrangerar ledarna för de två arméerna en festmåltid på Pompejus skepp (II, 7); sedan följer Ventidius seger över Parthia (III, 1), Antonius och Octavias avgång från Rom (III, 2), och betraktaren, såväl som läsaren, medan världshändelser pågick - inget skämt, två krig ! – Jag glömde att Cleopatra var intresserad av Octavias utseende. Ändå börjar nästa scen med att Kleopatra förhör budbäraren om utseendet på Antonius nya utvalde (III, 3). Så, Kleopatras palats har sin tid. I denna handlingslinje mellan II, 6 och III, 7 gick flera ögonblick, precis tillräckligt för att få tillbaka den utvisade budbäraren, som bara hade lyckats gå ut genom dörren. Och i en annan handlingslinje, under denna period, inträffade händelser i världsskala, som tog avsevärd tid - veckor eller månader.
I början av tolfte natten får vi veta att Viola, förklädd till en page, tjänar hertigen i tre dagar, men har redan vunnit hans gunst (I, 4, 3). I slutet av pjäsen säger Orsino: "Den här pojken har tjänat mig i tre månader" (V, 1, 102). Men så lång tid kunde inte ha gått mellan de två scenerna. Utan att gå in på en analys av handlingen kan vi säga att det tog mycket mindre än tre månader. Hela historien utspelar sig över flera dagar. Men Orsino har sin egen skildring av tiden.
Ja, med tidsredovisningen i Shakespeares pjäser är det inte alltid säkert. I synnerhet även när det kommer till Hamlets ålder. När hans far dödades var Shakespeares Hamlet på universitetet. Det faktum att Hamlet fortfarande är student indikerar hans jämförande ungdom. Hamlets ungdom nämns mer än en gång i tragedin. Laertes varnar Ophelia för att Hamlets kärlek "bara är en impuls, bara ett infall av blod. Violett blomma vid vårens gryning” (I, 3, 7); Polonius berättar också för henne att prinsen är "ung" (I, 3, 123-124). Allt visar att Hamlet är i samma ålder som Laertes, Fortinbras, Horatio, Rosencrantz och Guildenstern, och de är alla unga människor. Låt oss också komma ihåg att Claudius fördes bort av Hamlets mor. Även på Balzacs tid ansågs en trettioårig kvinna vara medelålders. Låt oss anta att Gertrude är trettiofem eller fyrtio år gammal och att hon födde Hamlet i ung ålder. Så han måste vara tjugo eller tjugofem år gammal; under den första halvan av spelet gör Hamlet tydligt intryck ung man. Under tiden avviker det enda omnämnandet av hans ålder, som finns i en tillförlitlig text, från detta.
När han pratar med gravgrävaren frågar Hamlet om han har gjort sitt yrke länge. Grävarens svar lyder: "Jag började samma dag som vår bortgångne kung Hamlet besegrade Fortinbras" (V, V, 157), och "det var samma dag som den unge Hamlet föddes" (V, V, 161). och slutligen: "Jag har varit gravgrävare här sedan min ungdom, i trettio år nu" (V, 1, 176). Av detta följer att Hamlet är trettio år gammal. Då inte mindre för Fortinbras, vars far var tvungen att hinna bli gravid med honom innan det ödesdigra mötet med Hamlets far. Men Fortinbras talas alltid om med tillägget av epitetet "ung" (I, 1, 92; I, 2, 17; 1, 2, 28; V, 2, 361). Fyra ihärdiga referenser till ungdomen hos en karaktär som knappast syns på scenen betyder något! I vår tid är trettio år inte längre ungdom, och ännu mer på den tiden.
Den enda fras från vilken man kan dra en slutsats om Hamlets ålder uttalas av gravgrävaren i närvaro av prinsen, och han motbevisar det inte. Men om Hamlet är tjugo eller till och med tjugofem år gammal i början av tragedin, och trettio i slutet, så måste år ha gått mellan början och slutet av pjäsen, och vi vet att handlingen bara varar i månader.
Jag ska tillägga att i den första upplagan av Hamlet säger gravgrävaren, som tog bort skallen från marken, att han hade legat i graven i "ett dussin år". Det är sant att det inte är klart om det är Yoricks skalle eller någon annans skalle. Men om vi antar att det har gått tolv år sedan gycklarens död, och han, som ni vet, spelade med pojken Hamlet, så kommer beräkningen att föra oss tillbaka till siffran tjugo år. Men allt detta spelar i huvudsak ingen roll för lösningen av problemet.
Av alla åsikter från forskare som försökte lösa problemet med Hamlets ålder tror jag att den mest övertygande synpunkten är F. Furnival: ”Jag anser att det är utom tvivel att Shakespeare föreställde sig Hamlet som en ganska ung man när han började pjäsen. Men i takt med att pjäsen växte behövdes större tyngd av tanke, inträngning i karaktärer, kunskap om livet etc., och Shakespeare gjorde oundvikligen och naturligt Hamlet till en mogen person; och när han kom till platsen med gravgrävarna, meddelade han oss att prinsen var 30 år gammal - den för honom lämpligaste åldern på den tiden; men inte när Laertes och Polonius varnade Ophelia för att hans blod sjöd, och att hans förälskelse i henne var "en lek med blod" osv. . Med andra ord, Hamlets ålder mäts inte av pjäsens varaktighet, utan av hans tragiska livserfarenhet; Hur gammal Hamlet är, känns inte igen av kalenderkontot, utan av hans själs sorgliga anteckningar.
Slutligen ska jag ge ett annat exempel, som, även om det inte handlar om ålder, också kan tjäna som exempel på de felaktigheter som finns i Shakespeares pjäser. Det här exemplet har blivit en klassiker i sitt slag. Lady Macbeth, som övertalar sin man att förkasta medlidande, förklarar att hon, efter att ha svurit en ed, skulle uppfylla den, även om hon för detta var tvungen att döda sitt eget barn:
Jag matade och jag vet vilken typ av lycka
Håll en diande bebis i dina armar.(I, 7, 54. BP)
Genom att jämföra Macbeths svaghet med hennes beslutsamhet och hänsynslöshet bekräftar hon återigen att hon var en mamma:
Jag svär att jag skulle dra ut min bröstvårta
Från mjukt tandkött och skulle hitta styrka
Jag, mamma, krossar barnets skalle!
Det går mycket tid och berättelsen om Macbeths skurkar växer. Bland hans offer finns Macduffs fru och barn. När Macduff får veta om sin familjs död har han bara en önskan - att hämnas på Macbeth med densamma, att utrota hans avkomma, men han minns genast med desperat bitterhet: "Han har inga barn" (IV, 3, 216) ), - han kan inte betala tillbaka genom att tillfoga samma sorg.
Hur så "inga barn"? Vi hörde från Macbeths fru att hon födde barn. Ja, och Macbeth själv, slagen av sin hustrus mod, utropade: "Föd mig enda söner" (I, 1, 72). Så det kan inte vara fråga om någon infertilitet hos Lady Macbeth! Hur ska man förstå denna motsägelse? Goethe, som var den förste som uppmärksammade denna diskrepans, förklarade det så här: ”... från en målares pensel eller från en skalds ord bör vi inte kräva alltför småaktig noggrannhet; tvärtom, begrundande konstverk, skapad av andens djärva och fria flykt, måste vi, om möjligt, genomsyras av samma djärva stämning för att kunna njuta av det ... ". Denna allmänna proposition, som är mycket viktig särskilt i förhållande till Shakespeare, åtföljer Goethe med en anmärkning som direkt hänvisar till Lady Macbeths och Macduffs ord; deras tal "har ett rent retoriskt syfte och visar bara en sak, att poeten gör sitt skådespelare säga varje gång vad som är lämpligast och kan göra starkast intryck på just denna plats, och går inte in på särskilt grundliga efterforskningar om inte dessa ord kommer i direkt konflikt med vad som sägs på andra ställen. Dessutom framhåller Goethe en annan sotomständighet: Shakespeare skrev för scenen, och under föreställningen kan motsättningarna mellan sådana detaljer inte ens uppmärksammas av betraktaren. ”I allmänhet trodde Shakespeare i sina pjäser knappast att de skulle ligga framför läsaren, som rader av tryckta bokstäver som kan räknas och jämföras med varandra; snarare såg han en scen framför sig när han skrev. Han såg i sina pjäser något rörande och levande, som snabbt väller ut från scenen inför publik och lyssnare, som inte kan hållas tillbaka och utsättas för små detaljerad kritik; därför var hans enda uppgift att ge det ljusaste och mest effektiva för tillfället.
Shakespeare skrev inte för kritiker, som studerar verket under lång tid och noggrant i detalj, utan för publiken. Han räknade med ett omedelbart intryck och visste att varje starkt intryck för tillfället utesluter från minnet de detaljer som förknippas med tidigare livfulla scener.
En sådan psykologisk beräkning sammanföll med det folkpoetiska tänkandets egenheter. Som vi vet var Shakespeares handling alltid baserad på legender, berättelser, noveller, sagor. Den allmänna karaktären i Shakespeares intriger motsvarade några urgamla folkkoncept. Folkets poetiska tänkande var inte längre helt och uteslutande mytologiskt, men elementen i myternas struktur ligger nära poesin i allmänhet och finns bevarade i den även på civilisationens utvecklade stadier. Mystisk och motsägelsefull, dunkel och inte helt förstådd finns kvar i poesin och dramatiken även efter att det faktiska mytologiska medvetandet har gett vika för andra former av tänkande. Där poesins anda fortfarande lever, prioriteras skönlitteraturen villigt framför prosatänkandets strikta logik.
