Durer föddes den 21 maj 1471 i Nürnberg, i familjen till en juvelerare som kom till denna tyska stad från Ungern i mitten av 1400-talet. 8 barn växte upp i familjen, varav den framtida konstnären var det tredje barnet och den andra sonen. Far, Alberecht Dürer Sr., var en guldsmed, han översatte bokstavligen sitt ungerska efternamn Aitoshi till tyska som Türer; hon började därefter spelas in som Dürer. Barbara Durer. Albrecht Dürer Sr.

Först försökte fadern fängsla sin son med smycken, men han upptäckte i sin son talangen hos en konstnär. Vid 15 års ålder skickades Albrecht för att studera vid den tidens ledande Nürnbergkonstnär, Michael Wohlgemuths verkstad. Där behärskade Dürer inte bara målning, utan också gravering på trä och koppar. Att studera 1490 slutade traditionellt med en fyraårig resa, den unge mannen reste till ett antal städer i Tyskland, Schweiz och Nederländerna och fortsatte att förbättras i bild och form och bearbetning av material.

1494 återvände Dürer till Nürnberg, kort därefter gifte han sig. Sedan, samma år, gjorde han en resa till Italien, där han bekantade sig med arbetet av Mantegna, Polayolo, Lorenzo di Credi och andra mästare. 1495 återvände Dürer till hemstad och skapar under de kommande tio åren en betydande del av hans gravyrer, som nu har blivit kända. Agnes Durer. Pennateckning. 1494

År 1520 gjorde konstnären en resa till Nederländerna, där han föll offer för en okänd sjukdom, som sedan plågade honom till slutet av hans liv. PÅ senaste åren liv Albrecht Dürer ägnar stor uppmärksamhet åt förbättringen av defensiva befästningar, som orsakades av utvecklingen av skjutvapen. I sitt verk "Guide to the befæstning av städer, slott och raviner", släppt 1527, beskriver Dürer i synnerhet en i grunden ny typ av befästning, som han kallade bastei.

Om kreativitet Durer gjorde den första i Europa så kallade magiska kvadraten, avbildad på hans gravyr "Melankoli". Dürers förtjänst ligger i det faktum att han lyckades skriva in siffror från 1 till 16 i den ritade kvadraten på ett sådant sätt att summan 34 erhölls inte bara genom att addera siffror vertikalt, horisontellt och diagonalt, utan även i alla fyra kvartalen, i central fyrkant och även när fyra hörnceller läggs till. Dürer lyckades också i tabellen avsluta året för skapandet av gravyren "Melankoli" (1514).

Dürers "Magiska torg" förblir ett komplext mysterium. Om vi betraktar de mittersta rutorna i den första vertikalen är det slående att siffrorna har ändrats och korrigerats: 6 korrigeras för 5, och 9 erhålls från 5. Utan tvekan har Dürer berikat sin "magiska ruta" med sådana detaljer som inte kan bli förbisedd.

Dürers stjärna och geografiska kartor År 1515 gjorde Dürer tre berömda träsnitt som föreställde kartor över stjärnhimlens södra och norra halvklot och jordens östra halvklot. Dessa konstverk är samtidigt vetenskapens mest värdefulla monument. Arbetet med gravyrerna utfördes i samarbete med framstående tyska vetenskapsmän Johann Stabius (initiativtagare till projektet) och Konrad Heinfogel.

I den geografiska kartan över Stabia - Heinfogel - Dürer, för att förmedla jordens sfäricitet, användes en perspektivprojektion med en synvinkel utanför jordklotet på ett avstånd av tre gånger diametern, från vilken punkterna på jordens yta var projiceras på ritningens plan. Dürer var redan som konstnär intresserad av utvecklingen av designmetoder. Kartan är dessutom ett otvivelaktigt exempel på gravyrkonsten. Längs kartans kanter finns mästerliga bilder av flera vindar som blåser på jorden. Dürers geografiska karta, även den gjord i samarbete med I. Stabius och K. Heinfogel, skildrar "Gamla världen" Europa, Asien och Afrika, det vill säga samma områden som kartlades av Ptolemaios. Dürer deltog också själv i den långsiktiga förberedelsen av utgivningen av Ptolemaios Geografi på latin, som leddes av W. Pirckheimer. Trots de traditionella dragen innehåller kartan många nya funktioner som speglar utvecklingsnivån för geografisk kunskap under renässansen.

Dürer var den första tyska konstnären som började arbeta samtidigt med båda typerna av gravyr på trä och koppar. Han uppnådde en extraordinär uttrycksfullhet i gravering på trä, reformering av det traditionella arbetssättet och användning av de arbetsmetoder som hade utvecklats vid gravering på metall. Under åren Durer skapade tre grafiska ark som kom in i konsthistorien under namnet "Mästergravyrer": "Riddare, döden och djävulen", "Saint Hieronymus i cellen" och "Melankoli".

Cirka 970 teckningar av Durer har överlevt: landskap, porträtt, skisser av människor, djur och växter. Dürer tränade outtröttligt i layout, generalisering av detaljer, konstruktion av rymden. Dürers grafiska arv kännetecknas av högt hantverk, iakttagelse, naturtrohet. Han använde sina studier i gravyrer och målningar, upprepade gång på gång motiven för grafiska verk i stora verk. Hare, 1502

glida 2

Från författarna

Dürers roll i världskonstens historia är så stor att konsthistoriker med rätta kallar slutet av 1400-talet och första hälften av 1500-talet för "Dürer-eran". Konsten i de norra Alperna och Tyskland, som fortfarande bär en medeltida karaktär, lyckades Dürer ingjuta innovativa former av den italienska renässansen, vilket gör att vi kan tala om Dürers renässans. Dessutom anses Dürer vara den mest perfekta mästaren inom gravering på trä och koppar. Han uppnådde enheten av utrymme och kroppslig volym hos karaktärerna, nästan fotografisk noggrannhet. Stor filosof Erasmus från Rotterdam talade om konstnärens skicklighet på följande sätt: "Jag prisar den stora skickligheten hos gravören Albrecht Dürer, som gjorde det möjligt för honom att förmedla allt tillgängligt för mänsklig syn och känsla utan hjälp av färger, med bara svarta streck. Durer kan uttrycka allt i en färg, det vill säga med svarta streck. Skugga, ljus, briljans, utsprång och fördjupningar, tack vare vilka varje sak dyker upp inför betraktarens blick, inte bara med sin fasett. Han förstår skarpt de korrekta proportionerna och deras inbördes överensstämmelse. Det han inte avbildar, till och med det som inte kan avbildas - eld, strålar, åska, blixtar, blixtar, en slöja av dimma, alla förnimmelser, känslor, slutligen, hela en persons själ, manifesterad i kroppsrörelser, nästan själva rösten . Och allt detta förmedlar han med svarta, exakta drag ..."

glida 3

Mästarens kreativitet

Dürers självporträtt (1498) Konstnärens signatur finns på duken: "Jag skrev detta från mig själv / jag var tjugosex år gammal / Albrecht Dürer (tyska: Das malt ich nach meiner gestalt / Ich war sex und zwenzig Jor alt / Albrecht Dürer)". Eftersom konstnären fyllde 27 år den 21 maj kan man med säkerhet säga att Dürer avslutade arbetet med sitt porträtt i början av 1498. Konstnärens ställning på duken är väldigt lugn och självsäker. Han porträtterade sig själv stående, lätt vänd åt sidan, lutad med handen mot kanten. Durers figur upptar hela duken, nästan vidrör toppen av bilden med hans huvudbonad. Hans ansikte och hals är upplysta av ljuset som faller in i rummet, och hans långa vågiga hår avbildas mycket noggrant. Jämfört med det tidigare självporträttet har han ett riktigt skägg här, vilket var en ovanlig egenskap för den tidens unga män. Målarens kläder är mycket raffinerade. Hans eleganta jacka är klädd i svart, undertill har han en vit skjorta broderad vid kragen. Han har en randig huvudbonad på huvudet som matchar jackan. En ljusbrun cape slängs över axeln, som hålls upp av ett snöre lindat runt halsen. På hans händer finns fint utformade läderhandskar. Rummet föreställer en båge som delvis ramar in konstnärens huvud, och till höger finns ett öppet fönster med ett utsökt landskap. Gröna fält rinner av i fjärran till en sjö omgiven av träd och snötäckta berg syns bakom, förmodligen påminner om Dürers resa genom Alperna tre år tidigare. I självporträttet avbildas han som en aristokrat, en arrogant och dandy ung man.

glida 4

Durer den äldre, 1490Dürer den äldre var från Ungern. Han översatte bokstavligen sitt ungerska efternamn Aytosi (ungerska Ajtósi, från namnet på byn Aytosh, från ordet ajtó - "dörr") till tyska som Thürer; hon började därefter spelas in som Dürer. Han hade arton barn, varav Dürer var det tredje barnet. Målarens far var guld- och silversmed, och det var när han studerade smycken som Dürer bestämde sig för att bli konstnär.

glida 5

Självporträtt.1500. Helt annorlunda än i "Självporträtt med ett järnek", gjort av mästaren 7 år tidigare, framträder Dürer framför oss i ett självporträtt skrivet av en redan etablerad konstnär. Det är inte tvivel och sökandet efter en ung oerfaren lärling som läses i hans ansikte, utan en mogen mans självförtroende och koncentration. Dürer för bilden närmare kanten av bilden, den "döva" mörka bakgrunden berövar den djupet och liknar tvådimensionella plana verk av religiös målning. Den "ikoniska" närvaron av personen som porträtteras, de något idealiserade ansiktsdragen och bildens symmetri framkallar bilden av Kristus i betraktarens minne. Kanske är detta en antydan: Dürer är messias ny målning?

glida 6

Rosenkransens högtid, 1506 En ganska sällsynt tomt på altaret förknippades med den populära rosenkranskulten i Tyskland. Maria och barnet ger kransar av rosor, identifierade med radbandet, till prästerskapet och lekmännen. I en tid präglad av det överhängande hotet om invasionen av den kejserliga armén i Italien, uppfattades radbandets sträng, där den ena pärlan passar tätt mot den andra, som en symbol för det världsomspännande brödraskapet av kristna förenade av en gemensam tro. Denna målning, målad av Dürer under hans andra vistelse i Italien, gav konstnären välförtjänt berömmelse bland sina italienska kollegor.

Bild 7

venetiansk. 1505. Förutom altarmålningarna målade Dürer flera porträtt i Venedig, där inflytande av Venetiansk målning. Med hjälp av de finaste nyanserna av chiaroscuro skapar konstnären intrycket av en luftig atmosfär, och dominansen av varma toner i färg och det generaliserande sättet att skriva ger mästaren en god bekantskap med Giorgiones verk. Venetianska konstnärer , han själv upplever en djupgående utveckling av sitt arbete. Porträttet av en ung venetiansk kvinna är inte färdigt, vilket kan ses av hårstrån över hennes högra axel, som fanns kvar i den ursprungliga versionen; dock visar bilden vad konstnären lärde sig i Venedig: detta är en stor mjukhet av funktioner i jämförelse med svårighetsgraden av de figurer som han målade hemma. Den unga kvinnan avbildas mot en mörk bakgrund, och ljusa och mjuka toner bildar hennes känsliga ansikte, inramat av sensuella gyllene lockar.

Bild 8

Ecce Homo eller Se Man! 1490-1492 år. Kunsthalle Gallery, Karlsruhe. Nordrenässansen. Man av sorger (lat. Vir dolorum, Heb. אִישׁ מַכְאֹבוֹת, ish mah "ovot") – ett epitet av Jesus Kristus, som kommer från Gamla testamentets förutsägelse om den kommande Messias i Jesajas bok 53. Det finns ingendera utseende eller storhet i honom ... som skulle dra oss till sig Han var föraktad och ödmjuk inför människorna, en man av sorger och bekant med sjukdomar, och vi vände våra ansikten bort från honom, han var föraktad, och vi aktade honom ingenting Men han tog på sig våra svagheter och bar våra sjukdomar, och vi trodde att han var slagen, tuktad och förödmjukad av Gud, men han blev sårad för våra synders skull och plågades för våra missgärningar: vår frids straff var på honom , och genom hans ränder blev vi helade (Jesaja 53:1-3) Den symboliska innebörden av denna bild är Guds Sons frivilliga antagande av en mänsklig form med alla dess svagheter och rollen som en offer "syndabock" Albrecht Durers målning kallas traditionellt för "Ecce homo", även om det har en typisk ikonografi av "Sorgens man" - var uppmärksam på spåret av blåsspjuten.

Bild 9

Adam och Eva 1507. Men bilden av en man som han skapade skiljer sig djupt från det italienska idealet, Leonardo da Vincis och Rafaels ideal. Durer var en tysk konstnär och hans verk är djupt nationellt. Han älskade folket i sitt hemland, och det generaliserade ideal som han skapade återgav utseendet hos den person han såg omkring sig - allvarlig, upprorisk, full av inre styrka och tvivel, viljestark energi och dyster reflektion, främmande för lugn och klar harmoni. Det är därför Durer, trots de största ansträngningarna och det hårda arbetet, aldrig i sina bilder uppnådde det harmoniska idealet om skönheten hos da Vincis hjältar. Liksom andra tänkare i sitt hemland, klädde han ofta sina tankar i en allegorisk form; ofta leker det kreativ fantasi var kantiga, spända, motsägelsefulla, och hans idéer förkroppsligades i ett komplicerat konstnärligt språk. Efter en resa till Venedig skapade konstnären Albrecht Dürer målningar som i sin bildteknik låg nära klassiska italienska modeller. Madrid "Adam och Eva" är särskilt karakteristisk i denna mening. Från dessa bilder försvann all kantighet och nervositet hos de vanliga Dürer-figurerna. Det finns inget individuellt, unikt i dem. Det perfekta bilder vackra mänskliga varelser, byggda enligt den klassiska kanonens principer, talar om den högsta mänskliga skönheten, baserad på harmonin mellan de kroppsliga och andliga principerna. Deras gester kännetecknas av återhållsamhet och grace, deras ansiktsuttryck är drömmande. Allt överflödigt har tagits bort från dessa bilder, det finns inte ens en antydan om den tidigare fragmenteringen och överbelastningen med detaljer i dem. Samma kvaliteter utmärker Berlins "Porträtt av en venetianare". Konstnärens målartekniker förändras också; övergångarna mellan gränserna för färgglada nyanser utjämnas, skuggorna glider försiktigt över rundade former, de linjära konturerna är suddiga och går tillbaka till bakgrunden.

Bild 10

Mordet på tiotusen kristna, 1508. Dürers sökande tar formen av experimentella studier. Mellan 1500 och 1504 gjorde han ett antal teckningar av en naken människofigur, för vilken fornminnen fungerade som prototyp. Syftet med dessa ritningar är att hitta idealiska proportioner manlig och kvinnlig kropp. Den konstnärliga gestaltningen av resultaten av Dürers forskning är kopparstickningen av 1504 "Adam och Eva", där figurerna från ateljéritningarna är direkt överförda. De är bara placerade i en sagoskog och omgivna av djur. Det är ytterst kännetecknande för Dürer att i sin fullbordade konstverk, som mest fullständigt förkroppsligar hans världsbild, inkluderar han endast i de mest sällsynta isolerade fallen idealfiguren av en person som han hittat i teoretiska ritningar. Här dominerar i regel en enskild person långt ifrån klassiska normer, återgiven med all skärpa av konstnärsbetraktaren.

glida 11

Alla helgons högtid (Landauer altartavla) 1511. Inskriptionen längst ner till höger "Albrechtus Dürer av Nürnberg skrev år efter tillstånd av Jungfru Maria från bördan 1511" gör det möjligt att identifiera detta verk med det som beställdes av konstnären Matthäus Landauer för Zwölfbruderhaus i Nürnberg. Detta är tillbedjan av den heliga treenigheten, som är belägen högst upp i mitten: Gud Fadern avbildas i traditionell ikonografi med utsträckta armar som stödjer tvärstången på vilken Kristus korsfästes, och en duva, en symbol för den helige Ande, svävar över deras huvuden. Till vänster, lite lägre, Jungfru Maria, omgiven av änglar-musiker, som tillsammans med Johannes Döparen, till höger, följer med helgonskaran. Dürer bevisade att han var en stor perspektivivrare, vilket han studerade i Italien och anmärkningsvärt använde i detta imponerande spektakel. I detta mästerverk, tack vare italienska lektioner om exemplet med stora dukar fyllda med luft och ljus av venetianska konstnärer, gör målaren dyrkan av treenigheten rimlig genom att kombinera Fadern, skriven som Gamla testamentets patriark, Sonen och den Helige Ande med helgonfigurer och människor i en enda kör.

glida 12

Madonna med ett päron, 1512. Detta mästerverk mogen mästare kännetecknas främst av intimitet och mildhet. I båda figurerna, som sticker ut mot en mörk bakgrund, kan man känna handen på gravören Dürer, som under dessa år ägnade sig mer åt gravyr än målning. Denna trend är tydlig inte bara i rena linjer, utan också i användningen av färg reducerad till blå och cyan, ljusa toner och subtila hudtoner; Jungfru Marias slöja, till exempel, av samma ton som barnets hud. Dürer känner djupt charmen hos italienska konstnärer, han är inte främmande för påverkan från Mantegna och Michelangelo, vars verk han känner till från tidig ålder. Huvudelementet i kompositionen är Madonnan, som ser ner på barnet med en kärleksfull blick; det verkar som att mästaren fokuserar hela bildens utrymme på deras ansikten och kurvorna på barnets kropp. Det verkar mycket ovanligt att kombinera volymetriska och ljusa och skuggande element, karakteristiska för den italienska traditionen, med spår av sengotisk konst, vilket gör Dürer till en absolut originell mästare.

glida 13

Kejsar Maximilian I, 1519. Porträttet av kejsar Maximilian I målades efter hans död. Men för detta arbete använde Dürer en teckning från livet, gjord ett år tidigare i Augsburg, där han träffade kejsaren personligen. Det är känt att kejsaren mycket uppskattade konstnären och hans verk. Maximilian utnämnde honom till och med en livslång pension på 100 floriner 1512, men efter monarkens död 1519 avbröts den, på grund av vilket mästaren var tvungen att gå till Karl V, arvtagaren till den plötsligt avlidne kejsaren i Nederländerna för att återställa Det.

Bild 14

Porträtt av Johann Kleberger. 1526. Konstnären målade detta porträtt under de sista åren av sitt liv. Dürer höll sig också till lutherska åsikter inom måleriområdet och övergav i sina verk vad Gillo Dorles kallade "den dekorativa stilens lätta elegans", och gick vidare till större rigoritet och enkelhet. Johann Kleberger var en rik köpman och finansman, en passionerad älskare av alkemi och svärson till den store humanisten Willibald Pirckheimer, en nära vän till Dürer. Klebergers porträtt tycks vara präglat som ett gammalt mynt, det tycks vara en byst, avbildad upp till halsen och sticker ut utanför den runda ram i vilken den är placerad. Dragen i hans ansikte, inramad av mjukt, lockigt hår, är rena och ädla, men fulla av motsägelser och melankoli. Dürer uppnår en oöverträffad estetisk och psykologisk syntes. Erwin Panofsky noterade att valet av denna ovanliga typologi kan ha inspirerats av Hans Burgmeiers serie träsnitt av romerska mynt; andra forskare känner igen inflytandet från Mantegna. Konstnären har de senaste åren grovt utforskat den psykologiska sidan och introspektionen i porträttgenren.

glida 15

De fyra apostlarna, 1526. Två skärp som presenterades som en gåva till stadsfullmäktige i Nürnberg var tänkta att fungera som vingar för en stor altarmålning som aldrig färdigställdes av mästaren. Apostlarna är förkroppsligandet av en persons inre andliga styrka, de verkar vara kallade för att varna medlemmarna i rådet för vanföreställningar under de svåra åren av religiösa kostnader och krig. Det finns en åsikt att i bilden av apostlarna (från vänster till höger: Johannes, Petrus, Markus och Paulus), ville konstnären skildra fyra typer av temperament - sangvinsk, flegmatisk, kolerisk och melankolisk. Dürers arbete kände inte till nedgången under de senare åren av hans liv, hans karriär slutade på den högsta punkten, vilket bevis är De fyra apostlarna, den sista stora bilden av mästaren.

Visa alla bilder

glida 1

glida 2

glida 3

glida 4

glida 5

glida 6

Bild 7

Bild 8

Bild 9

Bild 10

Presentationen om ämnet "Albrecht Dürers arbete" kan laddas ner helt gratis på vår hemsida. Projektets ämne: MHK. Färgglada bilder och illustrationer hjälper dig att hålla dina klasskamrater eller publik intresserade. För att se innehållet, använd spelaren, eller om du vill ladda ner rapporten, klicka på lämplig text under spelaren. Presentationen innehåller 10 dia(r).

Presentationsbilder

glida 1

MOU "Trubachevskaya gymnasieskola"

Verk av Albrecht Dürer

Slutförd av 9:e klass elev Daniil Makushkin Leader Trapeznikova I.G.

Trubachevo 2009

glida 2

Albrecht Dürer

Albrecht Dürer (tyska: Albrecht Dürer, 1471-1528) var en tysk målare och grafiker, en av de största mästarna inom västeuropeisk konst.

glida 3

Början på den kreativa vägen

Dürer, son till en guldsmed, föddes i Nürnberg den 21 maj 1471. Albrecht Dürer Sr ville inte att hans son skulle rita. Men en dag stod dörrarna till pappans garderob öppna: pappan glömde att låsa dem. Och här är lyckan! Gravyrer av den berömda mästaren Schopenhauer! Inte så ofta Albrecht hade en chans att beundra dem. När jag gick igenom gravyrerna kom jag över ett pappersark och på det stod ett porträtt av min far. Tro då vuxna! Han ritar själv, men förbjuder honom. Albrecht tvivlade inte på att detta var hans fars verk.

glida 4

Skapa ett självporträtt

Det är omöjligt att oroa sig: gravörens hand måste vara fast - detta är den första regeln som hans far ständigt inspirerar honom. Men hur kan du vara lugn när du inser att skaparen har försett dig med förmågan att för alltid spara på papper vad dina ögon ser. Vad är vacker? Jo, till exempel, det finns en vacker sak som gynnar människor, vacker är det som gläder ögat. Men ändå - vad är det?

glida 5

Fram till 15 års ålder studerade han faderns hantverk, och från den tiden blev han lärling hos konstnären av den frankiska skolan M. Wolgemut, hos vilken han studerade till 1490, varefter han begav sig iväg för att resa. På denna första resa nådde Dürer bland annat Venedig, vilket bekräftas av hans teckningar under denna tid, som bär tydliga spår av italienska mästares inflytande på honom.

glida 6

Han öppnade en egen verkstad i Nürnberg och framförde här, delvis med hjälp av sina elever, ett betydande antal altartavlor, såsom: "Kristi klagan", "Korsfästelsen", "Alla helgons altare". Samtidigt målade han porträtt: sitt eget (1498), Tuherna (1499).

Bild 7

Bild 8

Efter en andra resa till Italien i Wien samlade Dürer sina gravyrer i en upplaga och gjorde genom att experimentera med nya gravyrtekniker en radikal revolution inom denna konstgren. Av de berömda porträtten av Dürer kommer vi att nämna: kejsar Maximilian (1519, i Wien), M. Wolgemuth (1516, i München), Hans Imhof (1523, i Madrid), Kleberger, Muffel.

Bild 9

Porträtt av kejsar Maximilian

Durer, som uppfyllde kejsar Maximilians order, fick ingen ersättning. Man tror att porträttet blev misslyckat.

Tips på hur du gör en bra presentation eller projektrapport

Försök att involvera publiken i berättelsen, skapa interaktion med publiken med hjälp av ledande frågor, speldelen, var inte rädd för att skämta och le uppriktigt (när det är lämpligt).
Försök att förklara bilden med dina egna ord, lägg till ytterligare Intressanta fakta, du behöver inte bara läsa informationen från bilderna, publiken kan läsa den själva.
Du behöver inte överbelasta dina projektbilder med textblock, fler illustrationer och ett minimum av text kommer bättre att förmedla information och dra till sig uppmärksamhet. Endast nyckelinformationen ska finnas på bilden, resten är bättre att berätta för publiken muntligt.
Texten måste vara väl läsbar, annars kommer publiken inte att kunna se informationen som tillhandahålls, bli mycket distraherad från berättelsen, försöka urskilja åtminstone något, eller helt tappa allt intresse. För att göra detta måste du välja rätt typsnitt, med hänsyn till var och hur presentationen kommer att sändas, och även välja rätt kombination av bakgrund och text.
Det är viktigt att repetera din rapport, fundera över hur du kommer att hälsa publiken, vad du ska säga först, hur du ska avsluta presentationen. Allt kommer med erfarenhet.
Välj rätt outfit, eftersom. Talarens klädsel spelar också en stor roll för uppfattningen av hans tal.
Försök att tala självsäkert, flytande och sammanhängande.
Försök att njuta av föreställningen så att du kan vara mer avslappnad och mindre orolig.

Portal för färdiga presentationer

glida 2

Durer (Durer) Albrecht (1471-1528), tysk målare, tecknare, gravör, konstteoretiker. Grundaren av den tyska renässansen.

Sonen till en silversmed, Durer studerade smycken med sin far, född i Ungern, målning - i verkstaden hos Nürnbergkonstnären M. Wolgemuth (1486–1489), från vilken han antog principerna för den holländska och tyska sengotiska konsten , bekantade sig med teckningar och gravyrer av tidiga italienska mästare renässans (inklusive A. Mantegna). Under samma år upplevde Dürer ett starkt inflytande av M. Schongauer.

glida 3

1490-1494, under de resor längs Rhen, som var obligatoriska för en skrålärling, gjorde Dürer flera stafflistick i sengotisk anda, illustrationer till S. Brants "Dårarnas skepp" m.fl.

När han återvände till Nürnberg 1494 gifte han sig med Agnes Frey och öppnade sin egen verkstad. Inverkan på Dürer av humanistiska läror, som intensifierades som ett resultat av hans första resa till Italien (1494–1495), manifesterade sig i konstnärens önskan att behärska de vetenskapliga metoderna för att förstå världen, till en djupgående studie av naturen, där hans uppmärksamhet drogs till sig som de mest till synes obetydliga fenomenen (“Grass Bush”, 1503, Albertina-samlingen, Wien) och de komplexa problemen med sambandet i naturen mellan färg och ljus- och luftmiljön (“House by the Pond”, akvarell, cirka 1495–1497, British Museum, London).

glida 4

Dürer hävdade en ny renässansförståelse av personlighet i porträtt av denna period (självporträtt, 1498, Prado).

Stämningen under den före reformatoriska eran, inför mäktiga sociala och religiösa strider, uttryckte Dürer i en serie träsnitt "Apokalypsen" (1498), på det konstnärliga språket vars tekniker för tysk sengotisk och italiensk renässanskonst organiskt smälte samman .

Den andra resan till Italien (1505-1507) stärkte ytterligare Durers önskan om klarhet i bilder, ordning och reda kompositionskonstruktioner("The Feast of the Rosery", 1506, National Gallery, Prag; "Portrait of a Young Woman", Museum of Art, Wien), en noggrann studie av proportionerna hos en naken människokropp ("Adam och Eva", 1507 , Prado, Madrid). Samtidigt förlorade Dürer inte (särskilt i grafik) vaksamheten för iakttagelse, subjektiv uttrycksförmåga, vitalitet och uttrycksfullhet hos bilder som är karakteristiska för sengotisk konst (cykler av träsnitt "Stora passionen", cirka 1497–1511 , "Life of Mary", ca 1502–1511, "Small Passion", 1509-1511).

glida 5

Ritningar

Dürer var lika begåvad som målare, gravör och tecknare; teckning och gravyr intar en stor, ibland till och med ledande plats hos honom.

Arvet från Dürer som ritare, som omfattar mer än 900 ark, kan bara jämföras med arvet från Leonardo da Vinci i dess viddhet och mångfald. Att teckna var tydligen en del av mästarens vardag. Han behärskade på ett briljant sätt alla grafiska tekniker som då var kända - från en silverstift och en vasspenna till en italiensk penna, kol och akvarell. När det gäller mästarna i Italien blev ritningen för honom det viktigaste steget i arbetet med kompositionen, som inkluderar skisser, studier av huvuden, armar, ben, draperier. Detta är ett verktyg för att studera karakteristiska typer - bönder, eleganta herrar, Nürnberg-fashionistas. Hans berömda akvareller "A Piece of Turf" och "The Hare" (Albertina, Wien) är gjorda med sådan uppsåt och kall avskildhet att de skulle kunna illustrera vetenskapliga koder.

glida 6

Den fantastiska noggrannheten i det grafiska språket, den finaste utvecklingen av ljus-luft-relationer, klarheten i linje och volym, den mest komplexa filosofiska underliggande grunden för innehållet särskiljer tre "mästerliga gravyrer" på koppar: "Ryttaren, döden och djävulen" ” (1513)

Bild 7

kreativ mognad. Målning 1494-1514

Dürers första betydande verk är en serie landskap (akvarell med gouache, 1494-95) gjorda under en resa till Italien. Dessa genomtänkta, noggrant balanserade kompositioner med smidigt alternerande rumsplaner är de första "rena" landskapen i den europeiska konsthistorien. En jämn, klar stämning, önskan om en harmonisk balans mellan former och rytmer bestämmer karaktären på Dürers målningar från det sena 1400-talet. - början av 1500-talets andra decennium

Ett av huvudteman i Dürers verk på 1500-talet. blir sökandet efter de ideala proportionerna av människokroppen, vars hemligheter han letar efter, teckning av nakna mans- och kvinnofigurer (Dürer var den första i Tyskland att övergå till studiet av naken), summerar dem i koppar gravyr "Adam och Eva" (1504) och den stora bilddiken med samma namn (ca 1507, Prado). Dürers mest komplexa, harmoniskt ordnade flerfiguriga bildkompositioner hör till åren av Dürers kreativa mognad - "Feast of the Rosenkrans" (1506, Nationalgalleriet, Prag) och "Tillbedjan av St. Trinity” (1511, Kunsthistorisches Museum, Wien). "Rosenkransfesten" (närmare bestämt "Rosenkransarnas högtid") är en av de största (161,5x192 cm) och mest stora när det gäller intonationsmålningsarbeten av Dürer; den ligger närmast italiensk konst inte bara i motiv, utan också livskraft, bildernas fyllighet (främst porträtt), färgernas fulla ljud, bredden i skriften, balansen i kompositionen.

Bild 8

Porträtt och självporträtt

Porträttet intar den viktigaste platsen i Dürers bildarv. Redan i det tidiga porträttet av Oswald Krehl (ca 1499, Alte Pinakothek, München) framstår Dürer som en etablerad mästare, som på ett briljant sätt förmedlar karaktärens originalitet, modellens inre energi. Durers unika ligger i att ett självporträtt intar en ledande position bland hans tidiga porträtt. ytterligare utveckling i de tre första självporträtten (1493, Louvren; 1498, Prado; 1500, Alte Pinakothek, München), och i det sista av dem avbildas mästaren strikt framtill, och hans vanliga ansikte, inramat av långt hår och en litet skägg, minns bilderna av Kristus- Pantocrator.

Bild 9

gravyrer

Dürer arbetade lika framgångsrikt inom området träsnitt (trägravyr) och inom området gravyr på koppar. Efter Schongauer gjorde han gravyr till en av de ledande konstformerna. I hans gravyrer uttrycktes den rastlösa, rastlösa andan i hans kreativa natur, vilket oroade honom för dramatiska moraliska konflikter. En skarp kontrast till de tidiga, lugna och tydliga målningarna var redan hans första stora grafiska serie - 15 träsnitt på temat Apokalypsen (1498). I sina gravyrer har Dürer i mycket större utsträckning än i målningar, förlitar sig på rent tyska traditioner, manifesterade i bilders överdrivna uttryck, intensiteten i skarpa, kantiga rörelser, rytmen av brytande veck, snabba, virvlande linjer.

Bild 10

Vid det här laget hade Dürer vunnit en hedersposition i sitt hemland Nürnberg, blivit berömmelse utomlands, särskilt i Italien och Nederländerna (där han reste 1520-1521)

Dürer var vän med de mest framstående humanisterna i Europa. Bland hans kunder fanns förmögna borgare, tyska prinsar och kejsar Maximilian I själv, för vilken han bland andra stora tyska konstnärer utförde pennteckningar till en bönebok (1515) I en serie porträtt från 1520-talet (J. Muffel, 1526) , , 1526, båda i ett konstgalleri, Berlin-Dahlem, etc.) Dürer återskapade typen av en renässansman, genomsyrad av ett stolt medvetande om sin egen persons självvärde, laddad med intensiv andlig energi och praktisk målmedvetenhet.

Ett intressant självporträtt av Albrecht Dürer vid 26 års ålder i handskar. Händerna på modellen som ligger på piedestalen är en välkänd teknik för att skapa en illusion av närhet mellan den som porträtteras och betraktaren.

glida 11

Början på ett nytt kreativt uppsving är förknippat med Dürers resa till Nederländerna (1520-21), där han, förutom många skisser, gjorde ett antal utmärkta grafiska porträtt (Erasmus av Rotterdam, kol, 1520, Louvren; Luke of Leiden, silverpenna, Museum Fine Arts, Lille; "Agnes Dürer", metallpenna, 1521, Gravyrskåp, Berlin, etc.). På 1520-talet porträttet blir den ledande genren i Dürers verk och i kopparstick.

glida 12

Dürers förtjänster

Dürer revolutionerade nordeuropeisk konst genom att kombinera erfarenheterna från nederländsk och italiensk måleri. Strävandenas mångsidighet manifesterades också i Dürers teoretiska verk ("A Guide to Measurement ...", 1525; "Four Books on Human Proportions", 1528). Dürers konstnärliga strävan fullbordades av målningen "De fyra apostlarna" (1526, Alte Pinakothek, München), som förkroppsligar de fyra temperamenten hos människor som är förbundna med ett gemensamt humanistiskt ideal om självständigt tänkande, viljestyrka, ståndaktighet i kampen för rättvisa och sanning.

glida 13

Dürer gjorde den första i Europa så kallade magiska torg, avbildad på hans gravyr "Melancholia" (se Albrecht Dürers torg). Dürers förtjänst ligger i det faktum att han lyckades skriva in siffror från 1 till 16 i den linjerade kvadraten på ett sådant sätt att summan 34 erhölls inte bara genom att addera siffror vertikalt, horisontellt och diagonalt, utan också i alla fyra fjärdedelar, i central fyrkant och även när fyra hörnceller läggs till. Dürer lyckades också i tabellen avsluta året för skapandet av gravyren "Melancholia" (1514)

Bild 14

glida 15

Självporträtt.

Rita med en silverpenna

glida 16

1 av 34

Presentation om ämnet:

bild nummer 1

Beskrivning av bilden:

bild nummer 2

Beskrivning av bilden:

Durer (Durer) Albrecht (1471-1528), tysk målare, tecknare, gravör, konstteoretiker. Grundaren av den tyska renässansen. Sonen till en silversmed, Durer studerade smycken med sin far, född i Ungern, målning - i verkstaden hos Nürnbergkonstnären M. Wolgemuth (1486–1489), från vilken han antog principerna för den holländska och tyska sengotiska konsten , bekantade sig med teckningar och gravyrer av tidiga italienska mästare renässans (inklusive A. Mantegna). Under samma år upplevde Dürer ett starkt inflytande av M. Schongauer.

bild nummer 3

Beskrivning av bilden:

Åren 1490–1494, under resorna längs Rhen, som var obligatoriska för en skrålärling, gjorde Dürer flera staffligravyrer i sengotisk anda, illustrationer till S. Brants "Dårarnas skepp" och andra. Återvände till Nürnberg 1494 , gifte han sig med Agnes Frey och öppnade sin egen verkstad. Inverkan på Dürer av humanistiska läror, som intensifierades som ett resultat av hans första resa till Italien (1494–1495), manifesterade sig i konstnärens önskan att behärska de vetenskapliga metoderna för att förstå världen, till en djupgående studie av naturen, där hans uppmärksamhet drogs till sig som de mest till synes obetydliga fenomenen (“Bush of Grass”, 1503, Albertina Collection, Wien) och de komplexa problemen med förhållandet mellan färg och ljus i naturen (“Huset vid dammen”, akvarell, cirka 1495–1497, British Museum, London).

bild nummer 4

Beskrivning av bilden:

Dürer hävdade en ny renässansförståelse av personlighet i porträtt av denna period (självporträtt, 1498, Prado). Stämningen från den före reformatoriska eran, före mäktiga sociala och religiösa strider, uttryckte Dürer i en serie träsnitt "Apokalypsen" (1498), på vars konstnärliga språk teknikerna för tysk sengotisk och italiensk renässanskonst organiskt sammanslogs. . Den andra resan till Italien (1505–1507) stärkte ytterligare Dürers önskan om klarhet i bilder, ordning och reda i kompositionskonstruktioner ("Feast of the Rosery", 1506, National Gallery, Prag; "Portrait of a Young Woman", Museum of Art, Wien), en noggrann studie av proportionerna av den nakna människokroppen ("Adam och Eva", 1507, Prado, Madrid). Samtidigt förlorade Dürer inte (särskilt i grafik) vaksamheten för observation, subjektiva uttrycksfullhet, vitalitet och uttrycksfullhet hos bilder som är karakteristiska för sengotisk konst (cykler av träsnitt "Stora passioner", ca 1497-1511, "Marias liv" ”, ca 1502-1511, "Små passioner", 1509-1511).

bild nummer 5

Beskrivning av bilden:

Teckningar Dürer var lika begåvad som målare, gravör och tecknare; teckning och gravyr intar en stor, ibland till och med ledande plats hos honom. Arvet från Dürer som ritare, som omfattar mer än 900 ark, kan bara jämföras med arvet från Leonardo da Vinci i dess viddhet och mångfald. Att teckna var tydligen en del av mästarens vardag. Han behärskade på ett briljant sätt alla grafiska tekniker som då var kända - från en silverstift och en vasspenna till en italiensk penna, kol och akvarell. När det gäller mästarna i Italien blev ritningen för honom det viktigaste steget i arbetet med kompositionen, som inkluderar skisser, studier av huvuden, armar, ben, draperier. Detta är ett verktyg för att studera karakteristiska typer - bönder, eleganta herrar, Nürnberg-fashionistas. Hans berömda akvareller "A Piece of Turf" och "The Hare" (Albertina, Wien) är gjorda med sådan uppsåt och kall avskildhet att de skulle kunna illustrera vetenskapliga koder.

bild nummer 6

Beskrivning av bilden:

bild nummer 7

Beskrivning av bilden:

kreativ mognad. Målning 1494-1514 Dürers första betydande verk är en serie landskap (akvarell med gouache, 1494-95) gjorda under en resa till Italien. Dessa genomtänkta, noggrant balanserade kompositioner med smidigt alternerande rumsplaner är de första "rena" landskapen i den europeiska konsthistorien. En jämn, klar stämning, önskan om en harmonisk balans mellan former och rytmer bestämmer karaktären på Dürers målningar från det sena 1400-talet. - början av det andra decenniet 16 i Ett av huvudteman i Dürers verk på 1500-talet. blir sökandet efter de ideala proportionerna av människokroppen, vars hemligheter han letar efter, teckning av nakna mans- och kvinnofigurer (Dürer var den första i Tyskland att övergå till studiet av naken), summerar dem i koppar gravyr "Adam och Eva" (1504) och den stora bilddiken med samma namn (ca 1507, Prado). Dürers mest komplexa, harmoniskt ordnade flerfiguriga bildkompositioner hör till åren av Dürers kreativa mognad - "Feast of the Rosenkrans" (1506, Nationalgalleriet, Prag) och "Tillbedjan av St. Trinity” (1511, Kunsthistorisches Museum, Wien). "Rosenkransfesten" (närmare bestämt "Rosenkransarnas högtid") är en av de största (161,5x192 cm) och mest stora när det gäller intonationsmålningsarbeten av Dürer; den ligger närmast italiensk konst, inte bara i motiv, utan också i vitalitet, bildernas fullhet (främst porträtt), färgernas fulla ljud, skriftbredden och kompositionens balans.

bild nummer 8

Beskrivning av bilden:

Porträtt och självporträtt Den viktigaste platsen i Dürers bildarv är porträttet. Redan i det tidiga porträttet av Oswald Krehl (ca 1499, Alte Pinakothek, München) framstår Dürer som en etablerad mästare, som på ett briljant sätt förmedlar karaktärens originalitet, modellens inre energi. Det unika med Dürer ligger i det faktum att ett självporträtt intar en ledande plats bland hans tidiga porträtt. Suget efter självkännedom, som ledde handen på en 13-årig pojke (“Självporträtt”, 1484, teckning med silvernål, Albertina, Wien) vidareutvecklas i de tre första bildmässiga självporträtten ( 1493, Louvren; 1498, Prado; 1500, Alte Pinakothek, München), och i det sista av dem är mästaren strikt avbildad i framsidan, och hans vanliga ansikte, inramat av långt hår och ett litet skägg, påminner om bilderna av Kristus Pantokratorn.

bild nummer 9

Beskrivning av bilden:

Gravyrer Dürer arbetade lika framgångsrikt inom området träsnitt (trägravyr) som inom området gravyr på koppar. Efter Schongauer gjorde han gravyr till en av de ledande konstformerna. I hans gravyrer uttrycktes den rastlösa, rastlösa andan i hans kreativa natur, vilket oroade honom för dramatiska moraliska kollisioner. En skarp kontrast till de tidiga, lugna och tydliga målningarna var redan hans första stora grafiska serie - 15 träsnitt på temat Apokalypsen (1498). I sina gravyrer förlitar sig Dürer, i mycket större utsträckning än i målningar, på rent tyska traditioner, manifesterade i bilders överdrivna uttryck, intensiteten i skarpa, kantiga rörelser, rytmen av brytande veck, snabba, virvlande linjer.

bild nummer 10

Beskrivning av bilden:

Vid det här laget hade Dürer vunnit en hederspost i sitt hemland Nürnberg, blivit berömmelse utomlands, särskilt i Italien och Nederländerna (där han reste 1520-1521), Dürer var vän med de mest framstående humanisterna i Europa. Bland hans kunder fanns förmögna borgare, tyska prinsar och själv kejsar Maximilian I, för vilken han bland andra stora tyska konstnärer gjorde pennteckningar till en bönebok (1515). I en serie porträtt från 1520-talet (J. Muffel, 1526, I. Holzschuer, 1526, båda i konsthallen, Berlin-Dahlem, etc.), återskapade Dürer typen av en man från renässanstiden, genomsyrad av en stolt medvetenhet om sin egen persons självvärde, laddad med intensiv andlig energi och praktisk målmedvetenhet. Ett intressant självporträtt av Albrecht Dürer vid 26 års ålder i handskar. Händerna på modellen som ligger på piedestalen är en välkänd teknik för att skapa en illusion av närhet mellan den som porträtteras och betraktaren.

bild nummer 11

Beskrivning av bilden:

1514 blev Dürer kejsar Maximilian I:s hovmålare. Efter 1514 arbetade Dürer vid kejsar Maximilian I:s hov och var laddad med officiella order, varav den mest tidskrävande var skapandet av en kolossal, målad på 192 brädor, målad litografi "Maximilian I's Arch" (i arbetet med den deltog, förutom Durer, en stor grupp konstnärer). Början av ett nytt kreativt uppsving är förknippat med Durers resa till Nederländerna (1520-21), där bl.a. Förutom ett flertal översiktliga skisser gjorde han ett antal utmärkta grafiska porträtt ("Erasmus of Rotterdam", kol, 1520, Louvren; "Luke of Leiden", silverpenna, Museum of Fine Arts, Lille; "Agnes Dürer", metallpenna , 1521, Gravyrskåp, Berlin, etc.). På 1520-talet porträttet blir den ledande genren i Dürers verk och i kopparstick. Dürer dog i Nürnberg den 6 april 1528.

bild nummer 12

Beskrivning av bilden:

Dürers förtjänster Dürer revolutionerade nordeuropeisk konst genom att kombinera erfarenheterna från den nederländska och italienska målningen. Strävandenas mångsidighet manifesterades också i Dürers teoretiska verk ("A Guide to Measurement ...", 1525; "Four Books on Human Proportions", 1528). Dürers konstnärliga strävan fullbordades av målningen "De fyra apostlarna" (1526, Alte Pinakothek, München), som förkroppsligar fyra karaktärstemperament av människor som är förbundna med ett gemensamt humanistiskt ideal om självständigt tänkande, viljestyrka, uthållighet i kampen för rättvisa och sanning .