Idag ska vi under rubriken "Konst på fem minuter" prata om själva känd konstnär modernitet - Damien Stephen Hirst. Vi kommer att ta itu med en haj i formaldehyd med hjälp av en Moebiusremsa, ta reda på hur medeltida konst har något gemensamt med en diamantskalle, och ge oss ut på en överträdelse för att ta reda på om det finns liv i döden.
Referens: Damien Hirst är en engelsk konstnär, entreprenör, konstsamlare och den mest hyllade figuren bland de unga brittiska konstnärerna, som har dominerat konstscenen sedan 1990-talet. Född 7 juni 1965 i Bristol, Storbritannien.
Vad är det centrala temat i Hirsts verk?
Kort: Död.
Mer: Den grundläggande motsättningen mellan förnekandet av döden och medvetenheten om dess oundviklighet är konstnärens centrala tema. Hirst går inte runt, han går in i själva döden. För att grundligt utforska ämnet, även i sin ungdom, gick konstnären till den anatomiska teatern för att göra skisser och arbetade deltid i bårhuset.
Eftersom Hirst har många dödsrelaterade verk kommer vi att titta på den specifika installationen "Tusen år" från 1990 – ett av författarens mest betydande verk. Det är en dubbel kombinerad låda: i det första höljet finns ett kohuvud och en elektrisk flugsmällare, i den andra - larver och flugor. Det finns 4 hål i mellanväggen mellan dessa kuber. Flugor, flyger in i den första kuben, omedelbart dividerat med 2 olika grupper: den första flög direkt till lamporna och vidrör dem dog omedelbart, och den andra delen av flugorna försökte ta plats på huvudet av en död ko.
Konstnären berättar om henne: "Jag minns att Gary Hume och jag satt en dag när jag arbetade med den här installationen, han frågade: "Vad jobbar du med nu?" Jag sa: "Ja, jag har en glaslåda, ett kohuvud, maskar och flugor. Allt som återstår är att hitta en flugsmällare som kommer att döda dem alla." Han tittade på mig som om jag var galen. Och jag tänkte, "bra. Det är ett bra sätt att förklara det som något galet - bara förklara det för någon så att de redan har en åsikt. Och det är när de inte har en aning om vad det egentligen är, så att de inte kan var beredd på vad de ser."
Denna installation hänvisar oss till Donald Judd, minimalismens fader. Konstnären avsäger sig traditionell skönhet, figurativitet och allt sentimentalt innehåll.
I detta enda verk fångade Hirst livscykeln, han visade hur ordnat kaoset av liv och död är.
Det måste sägas att ibland ryss Hirst med: en gång kallade britten terroristattackerna i New York den 11 september 2001 för ett konstverk, som han sedan var tvungen att be om ursäkt för.
Jag kommer att dö – och jag vill leva för evigt. Jag kan inte undgå döden, och jag kan inte bli av med lusten att leva. Jag vill få en glimt av hur det är att dö.
Är Hirst den rikaste artisten i världen?
Kortfattat: D a.
Läs mer: P det är åtminstone vad alla västerländska publikationer säger. Konstnärens totala tillstånd uppskattas till en miljard dollar. Hirst såld komplett samling"Beautiful Inside My Head Forever" på Sotheby's för 111 miljoner pund (198 miljoner dollar), vilket slog rekordet för en auktion med en artist. Med på listorna över de rikaste artisterna finns också Takashi Murakami, Jeff Koons, Jasper Johns. Förresten, den ungefärliga lönen för Hirsts assistenter är $32 000.
Vad heter stilen som konstnären arbetar i?
Kort: Neokonceptualism.
Mer: Nykonceptualism eller postkonceptualism är en riktning som representerar det moderna stadiet i konceptualismens utveckling på 60-70-talet. Nykonceptualism uppstod i USA och Europa i slutet av 1970-talet. Neokonceptualism, liksom konceptuell konst, är först och främst en frågekonst. Konceptuell konst fortsätter idag att väcka grundläggande frågor inte bara om själva definitionen av konst, utan också om politik, media och samhälle. Neo-konceptualism förknippas mest med Young British Artists, som gjorde sig ett namn på 1990-talet.
Stora evenemang
1991: Charles Saatchi finansierar Damien Hirst och nästa år Saatchi Gallery ställer ut hans verk "The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living" - en haj i formaldehyd.
1993: Vanessa Beecroft håller sin första föreställning i Milano.
1999: Tracey Emin nominerad till Turnerpriset. En del av hennes utställning är installationen "Min säng".
2001: Martin Creed vinner Turner-priset för "The Lights Going On and Off", ett tomt rum med ljus som tänds och släcks.
2005: Simon Starling får Turnerpriset för "Shedboatshed" - träbyggnaden som han seglade nedför Rhen på.
Har Hirst en tavla?
Kort: Ja.
Mer: Hirst fokuserade aldrig på att måla, inte ens som en tidig student på 1980-talet och gick på det banbrytande Goldsmiths College. Till skillnad från andra skolor som lockade elever som inte lyckades komma in på en riktig högskola, lockade Guldsmedsskolan många duktiga elever och fyndiga lärare. Goldsmith introducerade ett innovativt program som inte krävde att eleverna skulle rita eller måla.
Men Hirst har fortfarande tre användningsområden för färg.
Den förstaär fläckmålningar, färgade cirklar som växer fram ur Jeff Koons. Detta projekt pågår fortfarande. En dag öppnade konstnären exakt samma utställningar i flera städer runt om i världen samtidigt, vars hela utrymme hängdes med målningar med flerfärgade cirklar.
Andra- det här är spin painting, som innebär en snurrande cirkel som färg hälls på, så själva färgen ritar en dynamisk duk. Den mest kända skapelsen i denna stil var hela Olympiastadion. Hirst fick i uppdrag att dekorera arenan, och han hällde färg i form av den brittiska flaggan för att hedra invigningen av OS. Men som vi ser är varken den första eller den andra målning, det är användningen av färger utan teckning.
Människor som kritiserar modern konst glömmer att all konst en gång var modern.
Den tredjeär verk i Francis Bacons stil. Till att börja med sa Hirst själv att han inte skulle måla, eftersom hans målningar skulle vara absolut sekundära, han var medveten om sin egen imitation. Men av någon anledning ändrade han sig och tog med sig sin målning till den personliga utställningen "Requiem", som visades hos oss på Pinchuk Art Center 2009. Förutom gamla verk ställde konstnären ut en ny målningsserie kallad "Skallmålningar". De blev det främsta målet för sarkastiska invektiv kritiker. "Det finns en känsla av att framför betraktaren finns en stilisering av Bacon, gjord av en student", anmärkte en av dem. Många av kritikerna samtida konst Man tror att Hirst en gång, i början av 90-talet, var den obestridda ledaren för New British Art och generellt stod i framkanten av samtidskonsten, men de tiderna är sedan länge förbi, nu har gårdagens avantgardekonstnär förvandlats till en leverantör av ultra -dyr kitsch - bara efter smak och sinne hos östeuropeiska och asiatiska oligarker, och Hirsts målningar är helt enkelt hjälplösa.
Hirst har även en tavla "För mamma". Den föreställer frukter och blommor, utan anspelningar, reminiscenser och gåtor. Bara frukt och blommor. För ända sedan han blev konstnär fortsatte hans mamma att förebrå honom att hans son inte kunde rita något "normalt". Så han skrev faktiskt, vad kan vara mer normalt än frukter och blommor?
Nyligen avslöjades det att Hirst låste in sig i sitt trädgårdsskjul och målade där i hemlighet. "Djur i formaldehyd chockerar inte längre allmänheten, det är mycket mer överraskande när du tar penslar och duk och går tillbaka till grunderna"- han kommenterade sina skamliga sysselsättningar för en modern konstnär.
Geni eller fiktion?
Kortfattat: K som det sades i den heliga skriften "vi kommer att dö - vi kommer att veta."
Mer: Hirst är ofattbart rik och framgångsrik, och dessutom är han en samtida - detta är den idealiska formeln som genererar många diskussioner kring britternas arbete.
Vissa kritiker anser att konstnären är ett artificiellt skapat fenomen med en påse pengar istället för ett huvud. Andra, som vi redan har sagt, förtalar hans målning och pekar på imitationen av Bacon. Men Julian Spalding gick längst, han betraktar Hirst som en fiktion och bara en icke-artist, och kallar ironiskt nog con-artist, som å ena sidan talar om svek, eftersom "con" på engelska betyder "att lura", och på å andra sidan är det en förkortning från ordet "konceptualism", vilket är roligt. För övrigt "con" i engelska språket betyder en annan obscen betydelse, något i stil med "dick", det var vad Bill Gates kallades i skolan, så om du försöker skapa en mapp på skrivbordet med det namnet kommer du inte att lyckas. Prova det nu.
Kritiker från stranden, där gräset är grönare, tycker att Hirst är ett geni som från vardagens mos sublimerar konstens rena alkohol med hjälp av uppfinningsrikedom och avancerad teknik. Många argument ges till Tom, varav det viktigaste (med hänvisning till historisk diskurs) är att han klarade sig från början gammalt tema"döden" skapar en helt ny konst. Å andra sidan, under Hirsts retrospektiva utställning på MOMA ökade närvaron med 20 procent, vilka fler argument behövs?
Britten är så populär och kontroversiell att andra konstnärer skapar konst av honom. Den spanske skulptören Eugenio Merino gjorde ett föremål som föreställer Damien Hirsts självmord: i en glaslåda knäböjer en docka som liknar den brittiska konstnären med en pistol ställd mot ett blodigt tempel. Objektet, enligt The Daily Telegraph, kallas "4 the Love of Go(l)d". Således spelar det på namnet på en av de mest kända verk Hirst - en skalle täckt med diamanter ("For the Love of God"), och ordet "guld" - "guld": britten anses vara en av de dyraste artisterna i världen. Merino säger sig vara ett fan av Hirsts arbete. Han säger så här om sitt ämne: "Det här är naturligtvis ett skämt, men det här är paradoxen: om han [Hirst] begår självmord, kommer hans arbete att bli ännu dyrare."
Vad världens kritiker än säger, uttryckte The Guardian det bäst: "I en tid av allt skapat, i en värld där eklekticism och pengar styr, är Hirst "konstnären vi förtjänar."
Fråga från PR-chefen Anastasia Kosyreva
Vad är skillnaden mellan en haj i Hirsts formaldehyd och ett djur i formaldehyd på biologilektionerna? Varför är den första konst och den andra inte?
Kort:"För att den första finns i galleriet och den andra inte är det" (c) Hirst
Mer: Hirst skämtar förstås, han är generellt sett en väldigt rolig person, det syns i alla hans intervjuer. Men vi pratar seriöst.
Installationen "Tiger Shark in Fomaldehyde" heter "The Physical Imposibility of Death in the Mind of the Living". Hajen fångades av en australisk fiskare och såldes till en konstnär för 9 500 dollar. Och installationen såldes 2004 till samlaren Steve Cohen för 12 miljoner dollar. Att vara nära denna haj för tankarna till titeln på Jonathan Foers roman "Extremely Close, Outrageously Loud." Hajens fula mun är vidöppen, detta skapar effekten av ett morrande, ett skrik, som en symbol för smärtan av att dö. Den gapande munnen på en haj refererar till målningarna av Hirsts favoritkonstnär, Francis Bacon. I allmänhet kunde Hirst ta vilket djur som helst, men han valde hajen för att inte chocka samhället, hajen är en källa till fara och en symbol för döden. Hajen fördubblar döden: hon själv är död och samtidigt dödens bärare. Det mest ovanliga fenomenet hos hajar är intrauterin kannibalism. Cirka 70 % av hajarna dör i hårda strider mitt i livmodern.
Men det viktigaste i detta arbete är inte en haj eller formaldehyd. Viktigt är att denna installation utspelar sig i ett rent, minimalistiskt utrymme, vilket återigen fortsätter Judds tradition. Ett byggt schema av kontrast mellan den abstrakta och solida formen av demonstration och dess dödliga ämnesinnehåll. Konsten, "i vars namn" formen av montern agerar, fyller här sin traditionella funktion - den stoppar tiden.
Det finns också ett konceptuellt spel i detta verk, där bildens objekt är detsamma som själva bilden. Enkelt uttryckt skildrar döden döden. Ett sådant semantiskt Möbiusband, när verkets mening sluter sig, när verket berättar om sig själv.
Hirst säger om sitt arbete: "Jag försöker lista ut döden. Det är svårt för människor att inse sin egen dödlighet, och många av mina verk handlar om detta. Min haj är ett försök att beskriva den här känslan, en känsla av irrationell dödsrädsla. Det är därför jag använde en riktig haj, så stor att den kunde svälja en person hel. Och jag placerade den i en behållare med vätska av sådan storlek att tittaren skulle få gåshud. Och det här är inte en dyster syn på världen. Tvärtom, Jag hoppades att döden skulle fungera som en inspiration och en energikälla för tittarna. Det skulle hjälpa till att förverkliga firandet av livet."
Fråga från chefredaktör Evgenia Lipskaya:
Varför valde han fjärilar som huvudmaterial? Dödade han dem eller samlade han dem döda?
Kort: 1. På kort liv fjärilar är lättare att visa livscykeln, även en fjärils död är en mycket tydlig demonstration av både vackert och fruktansvärt.
2. Han dödade dem inte själv, men han samlade dem inte heller. Fjärilar hämtades från "speciella plantskolor" och dog sedan av sin egen död på galleriet.
Mer: Den mest kända installationen av konstnären, där huvudpersonerna är fjärilar, heter "Fall in love and stop loveing." Fjärilar flög fritt i galleriet som också hade fat med blommor och frukter. Eftersom fjärilarna är kortlivade varelser föll de döda mitt i utställningen. De slog på målningarna och smetade och skapade därmed abstrakta verk. Bilderna blev vackra och olycksbådande, eftersom vi pratar om döda varelser. Sedan gick han så långt att han ritade ut målade glasfönster för gotiska katedraler från riktiga vingar av döda fjärilar. Till en början visste inte besökarna att fjärilar dör under utställningen, 400 nya varelser togs in varje vecka. När allmänheten blev medveten om att 9 000 fjärilar hade dött under utställningen började Hirst attackeras. Konstnärens motståndare vilade särskilt på det faktum att i naturlig miljö Fjärilshabitat kunde leva mycket längre, upp till nio månader. Men representanter för Tate besvarade alla förebråelser med en sak: förutsättningar skapades för fjärilarna så nära deras livsmiljö som möjligt. Förresten, fjärilar togs i kokonger, de föddes på utställningen och dog där.
Till en början var dessa puppor utspridda i hela rummet, men efter att metamorfosprocessen slutförts flög de exotiska fjärilarna som föddes direkt till de enorma dukarna med färska blommor. Fjärilar limmades på klibbiga dukar och efter ett tag dog de och blev en del av bilden. Dessutom var enorma askkoppar fyllda till brädden med cigarettfimpar fästa på baksidan av de gigantiska dukarna.
Det finns också serierna "Fjärilar" och "Kaleidoskop", där döda fjärilar i det första fallet limmas på en nymålad duk utan att använda lim, och i det andra sitter de tätt vid varandra och skapar mönster som liknar ett kalejdoskop.
Det ska sägas att fjärilar inte är den enda insekten som Hirst förvandlar till konst. Han har ett jobb som helt består av flugor. Det vill säga att duken är täckt med flugor så tätt som möjligt, så konstnären skapade sin egen "svarta kvadrat".
Fråga från skönhetsredaktör Kristina Kilinskaya:
Vem köpte den här skallen och för hur mycket?
Kort: Ett konsortium som inkluderar Hirst själv, hans manager Frank Dunphy, chefen för White Cube-galleriet och den berömda ukrainske filantropen Viktor Pinchuk för 100 miljoner dollar.
Mer: Installationen heter "For the Love of the Lord" och är en människoskalle gjord av platina och täckt med diamanter. Enligt Hirst var namnet inspirerat av hans mors ord när hon vände sig till honom med orden: "För Guds kärlek, vad ska du göra härnäst?" ("Säg mig, vad ska du göra härnäst?". För kärleken till Gud - bokstavligen ett citat ur det första Johannesbrevet: "Ty detta är Guds kärlek" (1 Joh 5:3)). Skallen är gjord av platina, som en något förminskad kopia av skallen på en 35-årig europé som levde mellan 1720 och 1810. Hela området av skallen, med undantag för de ursprungliga tänderna, är översållad med 8 601 diamanter med en totalvikt på 1 106,18 karat. I mitten av pannan är huvudelementet i kompositionen - en päronformad rosa diamant. Arbetet kostade Hirst 14 miljoner pund.
2007, i investeringssyfte, köpte en grupp investerare, inklusive Hirst själv, hans chef Frank Dunphy, chefen för White Cube-galleriet och den berömde ukrainske filantropen Viktor Pinchuk, skallen för 50 miljoner pund (100 miljoner amerikanska dollar). Detta är ett rekordpris som betalas för ett verk av en levande konstnär.
"For the love of the Lord" - en syntes av kitsch, popkonst, klassiker och evigt tema av död. Skallen är en extremt visuell realisering av det klassiska temat för västerländsk konst Vanitas vanitatum - konstnären visar att både pengar och lyx är förfall och fåfänga.
I grund och botten är detta verk Hirsts ganska kvicka kommentar om sin egen kommersiella framgång: istället för att skamfullt dölja det, prunkar konstnären med det - investerar i skapandet av ett föremål som kostar 15 miljoner pund. Och det faktum att detta föremål är en skalle betonar bara triumfen för den gyllene kalvens religion i den moderna världen.
Det konstnärliga samfundet uppskattade dock inte den självavslöjande aspekten av den engelska konstnärens nya verk. I en tid av etiskt och politiskt upptagen konst har Damien Hirst blivit en avskyvärd figur, och en anständig insiderreaktion när hans namn nämns är en grimas av ironi, irritation och tristess.
Hirst själv säger det "det här föremålet symboliserar livets rikedom och värde" och tillägger "Förresten handlar diamantskallar också om det faktum att att dekorera döden är ett bra sätt att komma överens med den här idén."
Min tro på konst skiljer sig lite från religiös fanatism. Vi behöver alla något att navigera i mörkret.
13812
Damien Hirst (1965, Bristol, Storbritannien) är en av de dyraste levande konstnärerna och den mest framstående figuren i gruppen Young British Artists.
Hans far var en mekaniker och bilförsäljare som lämnade familjen när Damien var 12. Hans mamma var ett katolskt konsultföretag och amatörkonstnär. Hon tappade snabbt kontrollen över sin son, som greps två gånger för snatteri. Damien Hirst gick på Leeds College of Art och studerade konst vid University of London.
Hearst hade allvarliga problem med droger och alkohol i tio år, med början i början av nittiotalet.
Döden är ett centralt tema i hans verk. Konstnärens mest kända serie är döda djur i formalin (haj, får, ko...)
Ett av hans första verk var installationen "Tusen år" - en tydlig demonstration av liv och död. I en glasmonter dök fluglarver upp ur sina ägg för att krypa bakom en glasvägg för att få mat - ett ruttnande kohuvud. Larverna kläcktes till flugor, som sedan dog på den "elektroniska flugsmällarens" blottade trådar. En besökare kunde titta på "Tusen år" idag och sedan komma tillbaka några dagar senare och se hur ko huvud och en hög med döda flugor växte.
Vid fyrtio var Hirst värd 100 miljoner pund, mer än Picasso, Warhol och Dali tillsammans vid den åldern.
1991 skapade Hirst "The Physical Imposibility of Death in the Mind of the Living" (en tigerhaj i en formaldehydtank)
"Jag gillar när ett föremål symboliserar en känsla. En haj är skrämmande, den är större än dig och befinner sig i en miljö som är obekant för dig. Död ser den ut som en levande varelse, och levande - som en död." Såld för 12 miljoner dollar
Konserverade får skurna på längden. En att vara "frusen i döden". Uttrycker "livets glädje och dödens oundviklighet." Såld för 2,1 miljoner pund
"Separerade mor och barn". Du kan gå mellan dem. 1995 fick Hurst Turner-priset för det. 1999 tackade han nej till en inbjudan att representera Storbritannien på Venedigbiennalen.
Hirst hade en stor "medicinsk" serie. Vid en utställning i Mexico City betalade presidenten för en vitaminkampanj 3 miljoner dollar för "The Blood of Christ", en installation av paracetamoltabletter i ett sjukvårdsskåp. "Spring lullaby" - ett skåp med 6136 piller utlagda på rakblad gick på Christies auktion för 19,1 miljoner dollar
LSD
Den tredje stora serien av Hirst - "prickmålningar" - färgade cirklar på en vit bakgrund. Mästaren angav vilka färger som skulle användas, men rörde inte duken själv. 2003 användes hans prickmönster som en instrumentkalibrering på den brittiska Beagle-rymdfarkosten som sköts upp till Mars.
Den fjärde serien - målningar av rotation - skapas på ett roterande krukmakarhjul. Hirst står på en stege och kastar färg på en roterande bas - duk eller bräda. Beordrar ibland assistent: "Mer röd" eller "Terpentin"
Målningarna "är en visuell representation av slumpens energi"
Ett collage av tusentals individuella tropiska fjärilsvingar skapas av tekniker i en separat studio
En intressant historia hände med en reporter som hade ett gammalt porträtt av Stalin, köpt på en gång för 200 pund. 2007 vände han sig till Christie med ett förslag om att lägga ut det på auktion. auktionshus vägrade och sa att han inte sålde varken Stalin eller Hitler.
– Och tänk om författaren var Hurst eller Warhol?
– Jaha, då tar vi det gärna.
Reportern ringde Hurst och bad honom måla Stalin en röd näsa. Han gjorde det och lade till sin signatur.
Christie sålde verket för £140 000
Damien Stephen Hirst (eng. Damien Hirst; 7 juni 1965, Bristol, Storbritannien) är en engelsk konstnär, entreprenör, konstsamlare och den mest kända figuren i gruppen Young British Artists, som har dominerat konstscenen sedan 1990-talet.
Sunday Times uppskattar att Hirst är den rikaste levande artisten i världen, med ett nettovärde på 215 miljoner pund 2010. I början av sin karriär arbetade Damien nära med den berömda samlaren Charles Saatchi, men de växande skillnaderna ledde till ett uppehåll 2003.
Döden är ett centralt tema i hans verk. Konstnärens mest kända serie är Natural History: döda djur (inklusive en haj, ett får och en ko) i formaldehyd. Signaturverk - "The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living" (eng. The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living): en tigerhaj i ett akvarium med formaldehyd. Detta verk har blivit en symbol för brittisk konsts grafiska verk på 1990-talet och en symbol för Britart över hela världen.
Fjärilar är ett av de centrala objekten för att uttrycka Hirsts verk, han använder dem i alla möjliga former: skildring i målningar, fotografier, installationer. Så, för en av hans installationer "Fall in love and out of love" (In and Out of Love), som hölls på Tate Modern från april till september 2012 i London, 9 000 levande fjärilar, som gradvis dog under denna händelse. Efter denna incident, företrädare Välgörenhetsstiftelse Djurskydd RSPCA utsatte konstnären för hård kritik.
I september 2008 sålde Hirst hela Beautiful Inside My Head Forever på Sotheby's för £111 miljoner ($198 miljoner), vilket slog rekordet för en auktion med en artist.
Damien Hirst föddes i Bristol och växte upp i Leeds. Hans pappa var mekaniker och bilförsäljare som lämnade familjen när Damien var 12 år gammal. Hans mor, Mary, var en amatörkonstnär. Hon tappade snabbt kontrollen över sin son, som greps två gånger för snatteri. Damien studerade först på en konstskola i Leeds, sedan försökte han, efter två år på byggarbetsplatser i London, komma in på Central St Martin's College of Art and Design och någon college i Wales. Som ett resultat antogs han till Goldsmith College (1986-1989).
På 1980-talet ansågs Goldsmith College vara innovativt: till skillnad från andra skolor som rekryterade elever som misslyckades med att komma in på en riktig högskola, lockade Goldsmith School många duktiga elever och fyndiga lärare. Goldsmith introducerade ett innovativt program som inte krävde att eleverna skulle rita eller måla. Under de senaste 30 åren har denna utbildningsmodell blivit utbredd över hela världen.
Som elev på skolan besökte Hirst regelbundet bårhuset. Senare kommer han att märka att många teman i hans verk har sitt ursprung där.
I juli 1988 kurerade Hirst den nu berömda Freeze-utställningen i den tomma Port of London Authority-byggnaden vid London Docks; utställningen visade verk av 17 elever på skolan och hans eget skapande - en komposition av kartonger, målade med latexfärger. Själva Freeze-utställningen var också frukten av Hirsts arbete. Han valde själv ut verken, beställde katalogen och planerade invigningsceremonin.
Freeze har blivit en startpunkt för flera YBA-artister; dessutom uppmärksammade den välkände samlaren, Natos propagandakurator Charles Saatchi Hirst.
Hirst tog examen från Goldsmiths College 1989. 1990 organiserade han tillsammans med vännen Carl Friedman en annan utställning, Gamble, i en hangar - i en tom byggnad i Bermondsey-fabriken. Saatchi besökte denna utställning: Friedman minns att han stod med öppen mun framför Hirsts installation som heter A Thousand Years, en visuell demonstration av liv och död. Saatchi köpte denna skapelse och erbjöd Hirst pengar för att skapa framtida verk.
Detta är en del av en Wikipedia-artikel som används under licensen CC-BY-SA. Hela texten till artikeln här →
Text: Ksyusha Petrova
Idag öppnar Gary Tatintsyan Gallery i Moskva den första utställningen sedan 2006 av Damien Hirst, en brittisk konstnär som inte förgäves kallas "the great and terrible", i jämförelse med antingen renässansens genier eller med hajarna från Wall Street. Hirst anses vara den rikaste levande författaren, vilket bara väcker kontroverser kring hans verk. Ända sedan Charles Saatchi, bokstavligen med öppen mun, tittade på installationen "Tusen år" - en spektakulär och dyster illustration av allt livsväg från födsel till död – bruset kring de kreativa metoderna och estetiska värdet av Hirsts verk avtar inte, vilket konstnären själv förstås bara är glad över. Vi berättar varför Hirsts verk verkligen är värda den enorma uppmärksamhet de får, och vi försöker förstå inre värld artist - mycket mer tvetydig och subtil än vad det kan verka utifrån.
Bort från flocken, 1994
Hirst är nu femtioelva, och för tio år sedan slutade han helt röka, droger och alkohol – chansen är stor att hans karriär håller i flera decennier till. Samtidigt är det svårt att föreställa sig vad som kan bli nästa steg för en artist av den här storleken - Hirst har redan representerat sitt land vid öppningsceremonin för OS i London, spelat in en video för Blur-gruppen, gjort det mesta dyrt konstverk i världen (en platinaskalle täckt med diamanter), i verkstäder på den sysselsätter mer än hundra sextio anställda (Andy Warhol drömde aldrig om något sådant med sin "fabrik") och hans förmögenhet överstiger en miljard dollar. Bilden av en bråkare som gjorde Hirst känd, tillsammans med hans serie av alkoholiserade djur på 1990-talet, förändrades gradvis till en lugnare: även om artisten fortfarande älskar läderbyxor och ringar med dödskallar, har han inte visat sin penis för främlingar för en länge, som han gjorde under "åren av militär glans", och mer och mer som en framgångsrik entreprenör än en rockstjärna, även om han i själva verket är båda.
Hirst förklarar sin extraordinära kommersiella framgång med det faktum att han hade mer motivation att tjäna pengar än resten av medlemmarna i föreningen Young British Artists som han ledde (medan han fortfarande studerade på Goldsmiths, organiserade Hirst den legendariska Freeze-utställningen, som väckte uppmärksamhet från framstående gallerister till unga konstnärer). Hirsts barndom kan inte kallas trygg och lycklig: han såg aldrig sin biologiska far, hans styvfar lämnade familjen när pojken var tolv och hans katolska mamma gjorde desperat motstånd mot sin sons försök att bli en del av den då mycket unga punk-subkulturen.
Ändå stödde hon hans konstsysselsättning - kanske av desperation, för det var Hirst orolig tonåring och alla ämnen, utom teckning, fick honom med svårighet. Damien fastnade regelbundet för småsnatterier och andra obehagliga historier, men han lyckades samtidigt skissa i det lokala bårhuset och studera medicinska atlaser, som var inspirationskällan för hans favoritförfattare, den dystre expressionisten Francis Bacon. Bacons målningar påverkade Hirst starkt: flinet från den berömda alkoholiserade hajen liknar motivet av Bacons mun öppnad i ett rop, rektangulära akvarier är celler och piedestaler som ständigt återfinns på Bacons dukar.
För några år sedan presenterade Hirst, som aldrig hade uppträtt inom det traditionella måleriets område, för allmänheten en serie av sina egna målningar, tydligt inspirerade av Bacons verk, och misslyckades kapitalt: kritiker kallade Hirsts nya verk för en patetisk parodi på mästarens målningar och jämförde dem med "en klättring av en nybörjare som inte ger stora förhoppningar." Kanske skadade dessa svidande recensioner konstnärens känslor, men de påverkade uppenbarligen inte hans produktivitet: med hjälp av assistenter som gör allt rutinarbete fortsätter Hirst sin oändliga serie dukar med flerfärgade prickar, "roterande" målningar skapade av rullande burkar av färg i en centrifug, installationer med tabletter och i industriell skala ger utmärkta försäljningsverk.
← «Untitled AAA», 1992
Även om Hirst alltid har sagt att pengar i första hand är ett medel för att producera konst i stor skala, kan det inte förnekas att han har en extraordinär talang för entreprenörskap - lika, om inte överlägsen i skala till konstnärlig talang. Britten, som inte är blygsam, tror att allt han rör förvandlas till guld - och det verkar vara sant: även under det depressiva 2008 översteg den tvådagarsauktion över hans verk som Hirst anordnade på Sotheby's, organiserad av Hirst, allt. förväntningar och slog Picasso-auktionsrekordet. Hirst, som ser ut som en enkel kille från Leeds, tvekar inte att tjäna pengar på föremål som verkar främmande för högkonst - vare sig det är souvenirskateboards på sex tusen dollar eller en trendig London-restaurang "Pharmacy", designad i andan av konstnärens "apotek"-serie. Köpare av Hirsts verk är inte bara Oxford-examinerade från goda familjer, utan också ett nytt lager av samlare - de som kom från botten och tjänade en förmögenhet från grunden, som konstnären själv.
Hirsts kändisstatus och den svindlande kostnaden för hans arbete gör det ofta svårt att urskilja deras väsen - vilket är synd, för idéerna som är inbäddade i dem är inte mindre imponerande än sågade kokroppar i formaldehyd. Även i vad som verkar vara 100 % kitsch, har Hirst en ironi: hans berömda diamantbestyckade skalle, såld för hundra miljoner dollar, kallas "For the Love of God" (ett uttryck som kan översättas bokstavligen som "I namnet på Guds kärlek" som en trött mans förbannelse: "Tja, för kärleken till allt som är heligt!"). Enligt konstnären inspirerades han att skapa detta verk av orden från sin mor, som en gång frågade: "Gud förbarma dig, vad ska du göra härnäst?" ("För Guds kärlek, vad ska du göra härnäst?"). Cigarettfimpar, med galna pedanteri utlagda i ett fönster, är ett sätt att beräkna livslängd: som djur i formalin, och en diamantskalle, med hänvisning till den klassiska memento mori-intrigen, påminner rökta cigaretter om tillvarons svaghet, som med all vår önskan kan inte fånga vårt sinne. Och mångfärgade muggar, och cigarettfimpar och hyllor med mediciner - ett försök att effektivisera det som skiljer oss från döden, att uttrycka det akuta i att vara i den här kroppen och i detta medvetande, som kan bryta av när som helst.
"Klaustrofobi/Agorafobi", 2008
I sina intervjuer säger Hirst alltmer att han i sin ungdom kände sig evig, och nu har dödstemat för honom många andra nyanser. ”Kamrat, min äldsta son, Connor, är redan sexton. Flera av mina vänner har redan dött, och jag börjar bli gammal, - förklarar konstnären. "Jag är inte jäveln som försökte skrika på hela världen längre." Hirst är en trogen ateist och återvänder regelbundet till religiösa ämnen, dissekerar hänsynslöst dem och påstår om och om igen att Guds existens är omöjlig på samma sätt som "döden i de levandes sinne".
En serie verk med levande och döda fjärilar förkroppsligar konstnärens reflektioner över skönhet och dess bräcklighet. Denna idé kommer tydligast till uttryck i installationen "In and Out of Love": flera tusen fjärilar kläcks ur kokonger, lever och dör i galleriets utrymme, och deras kroppar som fastnat på dukar finns kvar som en påminnelse om skönhetens bräcklighet. Liksom de gamla mästarnas verk är det önskvärt att se Hirsts verk åtminstone en gång live: både den memetiska "Dödens fysiska omöjlighet i de levandes sinne" och "Separerad mor och barn" ger ett helt annat intryck om man stå bredvid dem. Dessa och andra verk från Natural History-serien är inte en provokation för en provokations skull, utan ett eftertänksamt och lyriskt uttalande om den mänskliga existensens grundläggande frågor.
Som Hirst själv säger, i konsten, som i allt vi gör, finns det bara en idé - sökandet efter ett svar på filosofins huvudfrågor: var kom vi ifrån, vart är vi på väg och är det vettigt? En berusad haj, inspirerad av Hirsts barndomsminnen från skräckfilmen "Jaws", konfronterar vårt medvetande med en paradox: varför känner vi oss obekväma bredvid kadaveret av ett dödligt djur, eftersom vi vet att det inte kan skada oss? Är det vi känner en av manifestationerna av en irrationell dödsrädsla som alltid skymtar någonstans på kanten av medvetandet – och i så fall, hur påverkar detta våra handlingar och vardag?
Hirst har kritiserats mer än en gång för sina kreativa metoder och hårda uttalanden: till exempel var artisten 2002 tvungen att be om ursäkt offentligt för att han jämförde attackerna den 11 september med konstnärlig process. Den levande klassikern fördömde Hirst för att han inte gjorde arbetet med sina egna händer, utan använde assistenternas arbete, och kritikern Julian Spalding myntade till och med paroditermen "Con Art", som kan översättas med "konceptualism för sossar". Det kan inte sägas att alla indignerade rop mot Hirst var grundlösa: konstnären dömdes upprepade gånger för plagiat och anklagades också för att på konstgjord väg höja priserna för sina verk, för att inte tala om uttalandena från Society for the Protection of Animal Rights, som var orolig för villkoren för att hålla fjärilar i museet. Den kanske mest absurda konflikten förknippad med namnet på den skandalösa britten är hans konfrontation med den sextonåriga konstnären Carthraine, som sålde collage med ett fotografi av Hirsts "For the Love of God". Multimiljonärkonstnären stämde tonåringen för tvåhundra pund, som han tjänade på sina collage, vilket orsakade upprördhet bland företrädarna för konstmarknaden.
← Förtrollad, 2008
Hirsts konceptualism är inte så själlös som det kan tyckas: konstnären föder faktiskt en idé, och dussintals av hans namnlösa assistenter är involverade i förkroppsligandet - dock visar praktiken att Hirst verkligen bryr sig om hans verks öde. Fallet med samma alkoholiserade haj som började sönderfalla har blivit en av konstvärldens favoritanekdoter. Charles Saatchi bestämde sig för att rädda verket genom att sträcka ut huden på den långlidande fisken på en konstgjord ram, men Hirst avvisade det omarbetade verket och sa att det inte längre gör ett så fantastiskt intryck. Som ett resultat såldes den redan skadade installationen för tolv miljoner dollar, men på artistens insisterande byttes hajen ut.
Hirsts YBA-vän och kollega Matt Collishaw beskriver honom som "en huligan och en estet", och om allt är klart med huligandelen, så glöms ofta den estetiska sidan bort: kanske kan Hirsts extraordinära konstnärliga stil bara uppskattas i utställningar av verk från hans omfattande
3 april 2012, 17:53Det var han som kom på idén att belägga mänskliga skallar med diamanter och göra konstföremål av kors lik. Damien Hirst(Damien Hirst) är en brittisk konstnär och samlare som först blev framträdande i slutet av 1980-talet. Han är medlem i gruppen Young British Artists och anses vara den dyraste artisten i världen och den rikaste i Storbritannien enligt The Sunday Times (2010). Hans verk ingår i samlingarna på många museer och gallerier: Tate, Museum of Modern Art i New York, Hirshhorn Museum och Sculpture Garden i Washington, Central Ulrecht Museum, etc. 
Damien Hirst föddes den 7 juni 1965 i Bristol, Storbritannien. En stor del av hans barndom spenderades i Leeds. Efter skilsmässan från sina föräldrar, när Damien var 12 år gammal, började han leva ett friare sätt att leva och arresterades två gånger för småstöld. Hirst var dock förtjust i att teckna sedan barndomen och tog examen från konsthögskolan i Leeds, och fortsatte senare sina studier vid Goldsmiths College, London University (1986-1989). Några av hans teckningar gjordes i bårhuset, dödstemat blev därefter det huvudsakliga i konstnärens verk. 
Damien Hirst är i ett borgerligt äktenskap med designern Maya Norman, paret har tre söner. Hearst tillbringar det mesta av sin tid med sin familj i sitt hem i Devon i norra England. 
Dream, 2008 Anthem, 2000 År 1988 organiserade Damien Hirst en utställning med guldsmedstudenter (Richard och Simon Patterson, Sarah Lucas, Fiona Ray, Angus Fairhurst och andra, senare började de kallas "Young British Artists") Freeze, som lockade allmänhetens uppmärksamhet. Här uppmärksammade konstnärer och särskilt Hirst den berömde samlaren Charles Saatchi. 
Förlorad kärlek, 2000 År 1990 deltog Damien Hirst i utställningarna Modern Medicine och Gambler. Han presenterade för dem sitt verk "Tusen år": en glasbehållare med ett kohuvud täckt med döda flugor, detta verk köptes av Saatchi. Sedan dess började Damien och samlaren arbeta nära tillsammans fram till 2003. "Jag kommer att dö och jag vill leva för evigt. Jag kan inte undgå döden, och jag kan inte bli av med lusten att leva. Jag vill åtminstone få en glimt av hur det är att dö.” 1991 hölls Hirsts första separatutställning i London, In and Out of Love, och 1992 hölls utställningen "Young British Artists" på Saatchi Gallery, som presenterade Hirsts verk "The Physical Impossibility of Death in the Mind of the Living": en tigerhaj i formaldehyd. Detta verk gav samtidigt konstnären berömmelse även bland dem som är långt ifrån konst, och en nominering till Turner-priset. 1993 deltog Hirst på Venedigbiennalen med verket Separated Mother and Child, och ett år senare kurerade han utställningen Some Went Mad, Some Ran Away, där han presenterade sin komposition Lost Sheep (dött får i formaldehyd), som var döptes om till "Black Sheep" när konstnären hällde bläck i akvariet. Damien Hirst fick Turnerpriset 1995. Samtidigt presenterade konstnären installationen Two Fucking and Two Watching, som är en sönderfallande ko och en tjur. Under de följande åren hölls Hirst-utställningar i London, Seoul, Salzburg. 1997 publicerades Hirsts självbiografiska bok Jag vill spendera resten av mitt liv överallt, med alla, en till en, alltid, för alltid, nu. År 2000 förvärvades verket "Hymn", som visas på Art Noise-utställningen, av Saatchi, skulpturen var en anatomisk modell av människokroppen mer än sex meter hög. Samma år hölls utställningen "Damien Hirst: Models, Methods, Approaches, Assumptions, Results and Findings", som besöktes av cirka 100 tusen människor, alla Hirsts skulpturer såldes. Självporträtt: "Kill yourself, Damien" 2004 såldes ett av Hirsts mest kända verk - "The Physical Impossibility of Death in the Mind of the Living" - Saatchi till en annan samlare, Steve Cohen. Dess kostnad var 12 miljoner dollar. 
"Det är väldigt lätt att säga," Ja, till och med jag skulle kunna göra det. Saken är den att jag gjorde det.
2007 presenterade Damien Hirst verket "För kärleken till Gud - en mänsklig skalle, täckt med platina och översållad med diamanter, bara tänder är naturliga. Den köptes av en grupp aktieägare (inklusive Hirst själv) för 50 miljoner pund (eller 100 miljoner dollar), medan konstnären själv spenderade 14 miljoner pund på skapandet. Således är "För Guds kärlek" mest dyrt arbete konst av en levande konstnär. "Investeringsbankman i formaldehyd" Hirst målar också, några av hans mest kända verk är triptykerna "Meaningless", gjorda på Francis Bacons sätt (några av dem såldes före öppnandet av utställningen 2009), serien Spots ( flerfärgade prickar på vit bakgrund, som påminner om popkonst), Spins (koncentriska cirklar), Fjärilar (dukar med fjärilsvingar). Damien Hirst agerar också som designer: 2009 använde han sin målning "Beautiful, Father Time, Hypnotic, Exploding Vortex, The Hours Painting" för att designa omslaget till albumet "See the Light" av britterna band The Hours, och kom 2011 med omslaget till Red Hot Chili Peppers I'm with You. Han har även samarbetat med Levi's, ICA och Supreme och har designat omslag till tidningar (bland annat Pop, Tar och Garage). Hirst-samlaren äger en samling målningar av Jeff Koons, Andy Warhol, Francis Bacon, Tracey Emin. Omslag till Tar Magazine, vår-sommar 2009 (designad av Damien Hirst, modellerad av Kate Moss) 
Omslag till Garage Magazine FW 2011/2012 (foto av Hedi Slimane, konst av Damien Hirst, modell Lily Donaldson) Omslag till Pop Magazine FW 2009/2010 (foto av Jamie Morgan, konst av Damien Hirst, modell Tavi Gevinson) 
Red Hot Chili Peppers "I'm with You" skivomslag (2011) Damiens kläder Damien Hirst X Supreme skateboardserie, 2011 Arbetar* In and Out of Love (1991), installation. * The Physical Imposibility of Death in the Mind of Someone Living (1991), tigerhaj i formalintank. Det var ett av bidragen som nominerades till Turnerpriset. * Apotek] (1992), reproduktion av ett apotek i naturlig storlek. * Away from the Flock (1994), döda får i formaldehyd. 
* Viss tröst från installationen Acceptance of the Inherent Lies in Everything (1996). 
* Mother and Child Divided * "For the Love of God", (2007) D. Hirst spelar in * 2007 såldes "For the Love of God" (platinaskalle täckt med diamanter) genom galleriet "White Cube" till en grupp investerare för rekordstora 100 miljoner dollar för levande artister.
