Museersektionens publikationer

Forntida romersk tragedi som blev Karl Bryullovs triumf

Karl Bryullov föddes den 23 december 1799. Son till franskfödde skulptören Paul Brullo, Carl var ett av sju barn i familjen. Hans bröder Pavel, Ivan och Fedor blev också målare, och hans bror Alexander blev arkitekt. Den mest kända var dock Karl, som 1833 målade duken "The Last Day of Pompeii" - hans livs huvudverk. Kultura.RF kom ihåg hur denna duk skapades.

Karl Bryullov. Självporträtt. 1836

skapelsehistoria

Bilden målades i Italien, där konstnären 1822 åkte på pensionärsresa från Imperial Academy of Arts under fyra år. Men han bodde där i 13 år.

Handlingen berättar om den antika romerska tragedin - döden av den antika staden Pompeji, som ligger vid foten av Vesuvius: 24 augusti 79 e.Kr. e. Vulkanutbrottet krävde 2 000 människors liv.

1748 började militäringenjören Roque de Alcubierre arkeologiska utgrävningar på platsen för tragedin. Upptäckten av Pompeji blev en sensation och återspeglades i olika människors arbete. Så 1825 dök en opera av Giovanni Pacini upp, och 1834 en historisk roman av engelsmannen Edward Bulwer-Lytton tillägnad Pompejis död.

Bryullov besökte utgrävningsplatsen första gången 1827. På väg till ruinerna hade den 28-årige artisten ingen aning om att denna resa skulle bli ödesdiger för honom: "Du kan inte gå igenom dessa ruiner utan att känna någon helt ny känsla i dig själv som får dig att glömma allt, förutom den hemska incidenten med den här staden"- skrev konstnären.

Känslorna som Karl Bryullov upplevde under utgrävningarna lämnade honom inte. Så föddes idén om duken på historiskt tema. Under arbetet med handlingen studerade målaren arkeologiska och litterära källor. "Jag tog det här landskapet från naturen, utan att dra mig tillbaka alls och utan att lägga till, och stod med ryggen mot stadsportarna för att se en del av Vesuvius som den främsta anledningen". Modellerna för karaktärerna var italienarna - ättlingarna till de gamla invånarna i Pompeji.

I skärningspunkten mellan klassicism och romantik

I detta verk visar Bryullov sig inte som en traditionell klassicist, utan som en konstnär av en romantisk riktning. Så dess historiska handling är inte tillägnad en hjälte, utan till tragedin i en hel nation. Och som intrig valde han inte en idealiserad bild eller idé, utan ett verkligt historiskt faktum.

Det är sant att Bryullov bygger kompositionen av bilden i klassicismens traditioner - som en cykel av enskilda episoder inneslutna i en triangel.

På vänster sida av bilden i bakgrunden finns flera personer avbildade på trappan till den stora byggnaden av Scaurus grav. En kvinna tittar direkt på betraktaren, i vars ögon skräck läses. Och bakom den finns en konstnär med en låda med färger på huvudet: detta är Bryullovs självporträtt, som upplever en tragedi tillsammans med sina karaktärer.

Närmare betraktaren står ett gift par med barn som försöker fly från lavan, och i förgrunden kramar en kvinna sina döttrar till sig ... Bredvid henne står en kristen präst som redan har anförtrott sitt öde åt Gud och är därför lugn. I bildens djup ser vi en hednisk romersk präst som försöker fly genom att bära bort rituella värden. Här anspelar Bryullov på fallet av romarnas forntida hedniska värld och början av den kristna eran.

Till höger på bilden i bakgrunden är en ryttare som växte upp. Och närmare betraktaren - brudgummen, gripen av fasa, som försöker hålla sin brud i hans famn (hon har en krans av rosor), som har förlorat medvetandet. I förgrunden bär två söner sin gamle far i famnen. Och bredvid dem står en ung man som ber sin mamma att resa sig upp och springa längre från detta alltförtärande element. Den här unge mannen är förresten ingen mindre än Plinius den yngre, som verkligen flydde och lämnade sina minnen av tragedin. Här är ett utdrag ur hans brev till Tacitus: "Jag ser tillbaka. En tjock svart dimma, som spred sig som en bäck över marken, överföll oss. Hela natten föll, till skillnad från månlös eller molnig: det är så mörkt bara i ett låst rum med släckta bränder. Kvinnors skrik, barns gnisslande och mäns rop hördes, några ropade till sina föräldrar, andra till barn eller fruar och försökte känna igen dem på deras röster. Somliga sörjde sin död, andra käras död, några bad i fruktan för döden om döden; många höjde sina händer till gudarna; majoriteten förklarade att det inte fanns några gudar någonstans, och för världen var detta den sista eviga natten..

Det finns ingen huvudkaraktär i bilden, men det finns centrala sådana: ett guldhårigt barn nära sin avlidna mammas liggande kropp i en gul tunika är en symbol för den gamla världens fall och födelsen av en ny, detta är motsättningen mellan liv och död - i romantikens bästa traditioner.

På den här bilden visade sig Bryullov också som en innovatör, med hjälp av två ljuskällor - ett varmt rött ljus i bakgrunden, som förmedlar känslan av annalkande lava, och en kall grönblå i förgrunden, vilket tillför ytterligare dramaturgi till handlingen.

Den ljusa och rika färgen på denna målning bryter också mot klassiska traditioner och låter oss tala om konstnären som en romantisk.

Målningens triumftåg

Karl Bryullov arbetade på duken i sex år - från 1827 till 1833.

För första gången presenterades bilden för allmänheten 1833 på en utställning i Milano - och fick omedelbart ett stänk. Konstnären hedrades som en romersk triumferande, lovordande recensioner skrevs om målningen i pressen. Bryullov hälsades på gatan med applåder, och under sina resor på gränserna till de italienska furstendömena krävde de inget pass: man trodde att varje italienare redan kände honom av synen.

År 1834 presenterades Pompejis sista dag på Parissalongen. Den franska kritiken var, till skillnad från den italienska, mer återhållsam. Men proffs uppskattade arbetet till dess verkliga värde och gav Bryullov guldmedaljen från den franska konstakademin.

Duken gjorde sensation i Europa och var efterlängtad i Ryssland. Samma år sändes den till Sankt Petersburg. När han såg bilden uttryckte Nicholas I en önskan att personligen träffa författaren, men konstnären åkte på en resa till Grekland med greve Vladimir Davydov och återvände till sitt hemland först i december 1835.

Den 11 juni 1836, i Round Hall of the Russian Academy of Arts, där målningen "The Last Day of Pompeii" ställdes ut, samlades hedersgäster, medlemmar av akademin, konstnärer och bara konstälskare. Dukens författare, "den store Karl", bars in i salen i sina armar till gästernas entusiastiska rop. "Mängder av besökare, kan man säga, rusade in i akademins salar för att titta på Pompeji", - skriver en samtida och ett vittne om den framgången, som ingen rysk konstnär kände lika.

Kunden och ägaren till målningen, Anatoly Demidov, presenterade den för kejsaren, och Nicholas I placerade den i Eremitaget, där den låg kvar i 60 år. Och 1897 överfördes den till det ryska museet.

Bilden upphetsade bokstavligen alla ryska samhället och tidens bästa hjärnor.

Fredstroféer för konst
Du tog in i faderns baldakin.
Och det var "The Last Day of Pompeii"
För den ryska borsten första dagen! -

poeten Yevgeny Boratynsky skrev om målningen.

Alexander Pushkin tillägnade henne också dikter:

Vesuvius zev öppnade - rök forsade i en klubb, lågor
Vida utvecklad som en stridsbanner.
Jorden oroar – från stapplande kolonner
Idolerna faller! Ett folk som drivs av rädsla
Under stenregnet, under den inflammerade askan,
Folkmassor, gamla som unga, flyr ut ur staden.

Nämner "The Last Day of Pompeii" och Mikhail Lermontov i romanen "Princess Ligovskaya": "Om du älskar konst, då kan jag säga mycket goda nyheter: Bryullovs målning "The Last Day of Pompeii" kommer till St. Petersburg. Hela Italien kände till henne, fransmännen demonterade henne.– Lermontov kände tydligt till recensionerna av den parisiska pressen.

Den ryske historikern och resenären Alexander Turgenev sa att denna bild var Rysslands och Italiens ära.

Och Nikolai Gogol ägnade en lång artikel åt bilden och skrev: "Hans pensel innehåller poesin som du bara kan känna och alltid kan känna igen: våra känslor känner alltid till och till och med ser de utmärkande dragen, men deras ord kommer aldrig att berätta. Dess färg är så ljus, vilket den nästan aldrig har varit förut, dess färger bränner och rusar in i ögonen. De skulle vara outhärdliga om de framstod för konstnären en grad lägre än Bryullov, men i honom är de klädda i den harmonin och andas den inre musik som levande naturobjekt är fyllda med.”.

Den ryske konstnären Karl Bryullov var utan tvekan ganska respekterad för sitt hantverk långt innan skapandet av detta mästerverk. Ändå var det "The Last Day of Pompeii" som gav Bryullov, utan att överdriva, världsberömdhet. Varför fick katastrofbilden sådan inverkan på allmänheten, och vilka hemligheter döljer den fortfarande för publiken?

Varför Pompeji?

I slutet av augusti 79 e.Kr., som ett resultat av vulkanen Vesuvius utbrott, blev städerna Pompeji, Herculaneum, Stabiae och många små byar gravar för flera tusen lokala invånare. Verkliga arkeologiska utgrävningar av områden som har sjunkit i glömska började först 1748, det vill säga 51 år innan Karl Bryullov själv föddes. Det är tydligt att arkeologer inte arbetade under en dag, utan i flera decennier. Tack vare denna omständighet lyckades konstnären personligen besöka utgrävningarna och vandra genom de gamla romerska gatorna som redan var befriade från den stelnade lavan. Dessutom var det i det ögonblicket Pompeji som visade sig vara mest rensad.

Tillsammans med Bryullov gick även grevinnan Julia Samoilova, för vilken Karl Pavlovich hade varma känslor, dit. Senare kommer hon att spela en stor roll i att skapa ett mästerverk av en älskare, och till och med mer än en. Bryullov och Samoilova hade möjlighet att se byggnaderna i den antika staden, restaurerade hushållsartiklar, resterna av döda människor. Allt detta lämnade ett djupt och levande avtryck på konstnärens subtila natur. Det var 1827.

Försvinnande av karaktärer

Imponerad började Bryullov nästan omedelbart arbeta, dessutom mycket seriöst och grundligt. Han besökte Vesuvius närhet mer än en gång och gjorde skisser för den framtida duken. Dessutom fick konstnären bekanta sig med de manuskript som har överlevt till denna dag, inklusive brev från ett ögonvittne till katastrofen, den antika romerska politikern och författaren Plinius den yngre, vars farbror Plinius den äldre dog under utbrottet. Sådant arbete krävde naturligtvis mycket tid. Därför tog förberedelserna för att skriva ett mästerverk Bryullov mer än 5 år. Själva duken, med en yta på mer än 30 kvadratmeter, skapade han på mindre än ett år. Av utmattning kunde konstnären ibland inte gå, han fördes bokstavligen ut ur verkstaden. Men även med så noggrann förberedelse och hårt arbete på mästerverket ändrade Bryullov ständigt den ursprungliga idén på ett eller annat sätt. Han använde till exempel inte en skiss som visade en tjuv som tog bort smycken från en fallen kvinna.

Identiska ansikten

Ett av huvudmysterierna som kan hittas på duken är närvaron av flera identiska kvinnliga ansikten i bilden. Det här är en tjej med en kanna på huvudet, en kvinna som ligger på marken med ett barn, samt en mamma som kramar sina döttrar och en person med sin man och sina barn. Varför ritade Bryullov dem så lika? Faktum är att samma dam tjänade som snäll för alla dessa karaktärer - samma grevinna Samoilova. Trots det faktum att konstnären målade andra människor på bilden från vanliga invånare i Italien, tyckte Samoilov Bryullov, överväldigad av vissa känslor, helt enkelt att skriva.

Dessutom, i mängden avbildad på duken, kan du hitta målaren själv. Han porträtterade sig själv som han var, en konstnär med en låda fylld med konstförnödenheter på huvudet. Denna metod, som en slags autograf, användes av många italienska mästare. Och Bryullov tillbringade många år i Italien och det var där han studerade målarkonsten.

Kristen och hednisk

Bland mästerverkets karaktärer finns också en anhängare av den kristna tron, som lätt kan kännas igen på korset på bröstet. En mamma med två döttrar kurar sig fram till honom, som om hon söker skydd från den gamle mannen. Emellertid målade han Bryullov och en hednisk präst, som snabbt flyr, utan att uppmärksamma de rädda stadsborna. Utan tvekan var kristendomen på den tiden förföljd och det är inte säkert känt om någon av anhängarna av denna tro då kunde vara i Pompeji. Men Bryullov, som försökte hålla sig till händelsernas dokumentära äkthet, introducerade en dold mening i sitt arbete. Med hjälp av de förutnämnda prästerna visade han inte bara själva katastrofen, utan det gamlas försvinnande och det nyas födelse.

K. Bryullov. Självporträtt. (romantik)

Född i familjen till en konstnär, akademiker, lärare vid Konsthögskolan. Redan i barndomen arbetade hans far mycket med honom, vilket inte kunde annat än lämna ett avtryck på hans arbete. I sina verk följde han vanligtvis klassicismens stil ( konststil, översatt från latin som "exemplariskt", med antikens och renässansens traditioner som ideal. Klassicismen upphöjer det heroiska, höga medborgarskap, pliktkänslan, fördömer laster.), som Konsthögskolan ihärdigt införde inom sina väggar. Men som vi kommer att se lämnade trenderna inte heller Bryullov oberörd. Han tog briljant examen från akademin, fick den stora guldmedaljen och förbättrade sedan sina färdigheter i Italien, där han snabbt uppnådde europeiskt erkännande. Handlingarna i många av hans målningar är inspirerade av italienska motiv. Bryullov äger dukar på både historiska och mytologiska teman och om vardagliga ämnen. Han målade också illustrationer för litterära verk och många porträtt.

Pompejis sista dag (1833)

Bilden återskapar döden av den antika staden Pompeji under vulkanen Vesuvius utbrott år 79 e.Kr. Detta är en enorm duk 4,5 meter hög och 6,5 meter lång.

Den mest komplexa landskapsbakgrunden, multifigurkompositionen krävde en ansträngning av fysisk och kreativ energi. Framgången för bilden beror på scenens stormiga dramatik, färgernas briljans och ljusstyrka, kompositionell omfattning, skulpturell klarhet och uttrycksfullhet hos former.

Vesuvius zev öppnade - rök forsade, en klubba av lågor

Vida utvecklad som en stridsbanner,

Jorden är orolig - från de svindlande kolonnerna

Idolerna faller! Ett folk som drivs av rädsla

Under stenregnet, under den inflammerade askan,

Folkmassor, gamla som unga, flyr ut ur staden.

Huvudsaken är att målaren övertygande visade: nej, de mest skoningslösa och oundvikliga krafterna kan inte förstöra en person i en person. När du tittar på bilden märker du att även i dödsögonblicket söker var och en av de avbildade inte så mycket efter frälsning för sig själv, utan snarare försöker först och främst rädda människor nära och kära för honom. Så mannen i mitten av bilden, som sträcker ut sin vänstra hands öppna handflata mot den formidabla himlen, skyddar inte sig själv från fallande stenar, utan sin fru, som han täckte med sin kappa. Kvinnan, böjd och framåtlutad med hela kroppen, försöker täcka över barnen med sin kropp.

Här är vuxna barn som försöker få ut sin gamle pappa ur elden. Här övertygar mamman sin son att lämna henne, för att rädda sig själv. Och här är brudgummen med den döda bruden i famnen.

Naturligtvis är inte alla människor lika trogna och anständiga. På bilden finns också djurrädsla, som tvingar ryttaren till häst att rädda sig själv så snart som möjligt, och en omättlig girighet med vilken prästen tillägnar sig kyrkliga skatter och utnyttjar den allmänna paniken. Men de är få.

Ändå domineras bilden av adel och kärlek.

På Bryullovs arbete ligger ett ljust avtryck av romantikens inflytande. Detta kan ses i valet av tema och i bildens eldiga färgsättning. Men å andra sidan, här kan du också se inflytandet från klassicismen, som Bryullov alltid var trogen - människors figurer påminner mycket om perfekta antika skulpturer. Triumfen som upplevdes av skapandet av Bryullov var känd för få konstverk.

Känd engelsk författare Walter Scott tillbringade två timmar nära målningen och bedömde skapandet av den ryske mästaren som ett historiskt epos. När författaren klev på ursprungsland Han var redan varmt hedrad i Odessa (han anlände sjövägen), och särskilt entusiastiskt till Moskva. Det var på den "första tronen" som konstnären hälsades med poetiska strofer av E.A. Baratynsky:

Du tog med dig fredliga troféer

Med dig i faderns skugga,

Och blev "The Last Day of Pompeii"

För den ryska borsten första dagen!

Självporträtt (1848)

Porträtt av Yulia Samoilova med en elev

Den här bilden är toppen av Bryullovs kreativitet som porträttmålare. Detta är en triumferande manifestation av skönheten och andliga styrkan hos en oberoende, ljus, fri personlighet. Bryullov och Yulia Samoilova älskade varandra. De träffades i Rom och den generösa italienska naturen bidrog till deras kärlek. Konstnären avbildade henne, tillsammans med sin elev, lämnar vardagsrummet hemma: häftig, impulsiv, bländande vacker, fängslande med doftande ungdom och passionerad natur. Konstnären Kiprensky sa att det är så framgångsrikt att skapa ett porträtt av en kvinna som du inte bara oändligt beundrar, utan som du älskar passionerat, galen ...

Det andra namnet på målningen är "Masquerade". Detta är konstnärens huvudsakliga avsikt.
Där, längst bak i hallen - en maskerad. Men i lögnens värld kastade Samoilova, full av människovärde, föraktfullt av sig masken och visar stolt sitt öppna ansikte. Hon är uppriktig. Hon döljer inte sin kärlek till artisten, som fördömdes på denna bal, och sin inställning till samhället, som hon trotsigt lämnar med sin systerdotter.
Och där, längst bak i salen, fortsätter den maskerade publiken att ha roligt, det finns representanter för high society, som är vana vid att säga en sak, göra en annan och tänka en tredje. Det finns ett helt falskt samhälle, med vilket Bryullov så ofta inte sammanföll med hans åsikter. Samoilova spelade en stor roll i konstnärens liv - hon stödde honom både ekonomiskt och andligt i svåra stunder av Bryullovs liv.

Bakhchisarais fontän (1849)

Bild-illustration dikt med samma namn Pusjkin. Han avbildade Khan Girays "skygga fruar" i trädgården vid poolen och tittade på fiskarnas rörelser i vattnet. En eunuck vakar över dem. Med intresse och glädje förmedlar konstnären östens exotism: bisarra orientaliska dräkter, naturens magnifika lyx - allt detta ger bilden en festlig dekorativ effekt. Det är ingen dramatik i bilden. som i en dikt. Den idylliska stämningen gör den till en pittoresk illustration för poesi:

Väntar slarvigt på Khan

Runt den lekfulla fontänen

På sidenmattor

Publiken satt piggt

Och såg med barnslig glädje

Som en fisk på ett klart djup

Gick på marmorbotten.

Med avsikt till henne i botten av andra

Tappade guldörhängen.

Italiensk eftermiddag (1827)

Porträtt av Shishmarev-systrarna (1839)

Batseba (1832)

Flicka som plockar druvor.

Bilden målades 1827. Det här är en scen från livet på landsbygden, sett i en av de italienska städerna. Bryullov gjorde det till en elegant balettföreställning.

Den unga bondkvinnan, som en graciös dansare, reste sig på sina halva tår och spred sina flexibla armar, och rörde knappt vid vinrankan med en klase svarta druvor. Musikaliteten i hennes pose betonas av en lätt klänning som passar hennes smala ben - en tunika. En sträng av koraller sätter igång en smal hals och ett rött ansikte inramat av lockigt brunt hår.

En annan tjej lutar sig fritt på husets trappa. ringer i klockorna på en tamburin och kastar en kokett blick på betraktaren.

En yngre bror i kort skjorta ingriper i ett muntert sällskap – en sorts bacchanal amor som släpar en flaska vin.

Fortune teller Svetlana

Porträtt av N. N. Goncharova. 1832

Detta är det enda porträttet av Pushkins fru som skapades under poetens livstid. Detta är ett riktigt mästerverk av rysk akvarellmålning.

Konstnären fördjupar sig inte i den unga damens karaktär. Han är helt under inflytande av ungdomens skönhet och charm. Därför är all uppmärksamhet från tittaren nitad till hennes ungdom, till det vackra i ett nästan barnsligt ansikte och en elegant toalett. Hon var bara 18 år gammal.

På porträttet har vackra Natalie örhängen med dyra diamanter i öronen. Stackars Pushkin lånade dem för en bal till sin älskade fru av sin vän, Peter Meshchersky. När poeten såg dem på sin fru, insisterade han på att Bryullov skulle måla ett porträtt i dessa örhängen. Det bör sägas att, enligt legenden, var dessa diamanter inte vanliga, utan "Shirinsky-diamanter" - de klassificeras som historiska "dödliga ädelstenar". Det övervägdes. att de inte kan bäras av kvinnor som inte tillhör familjen Meshchersky.

När man tittar på detta porträtt av Bryullov, minns man ofrivilligt rader från Pushkins dikt tillägnad hans älskade hustru:

I mitt enkla hörn, mitt i långsamma mödor,

En bild som jag ville vara en åskådare för alltid,

En: så att på mig från duken, som från molnen,

Ren och vår gudomliga frälsare...

Mina önskemål har uppfyllts. Skapare

Han skickade ner dig till mig, du, min Madona,

Den renaste skönheten, det renaste exemplet.

Parporträtt av E. Mussar och E. Mussar (1849), akvarell

Inessa de Castros död (1834)

Framför oss är ett drama från den kastilianske kungen Alfons IV av Portugals liv. Hovdamen till kungens son Don Pedro Inessas hustru fängslade spädbarnet med sin skönhet, som efter sin frus död i hemlighet gifte sig med henne, eftersom. fadern hade en annan kandidat till sin sons hustru. Kungens rådgivare fick reda på sonens hemlighet och gav den till Alphonse.

Don Pedro vägrade att gifta sig med sin fars pretender. Sedan beslutades det, genom beslut av det kungliga rådet, att döda Inessa. Efter att ha väntat på ögonblicket då Don Pedro gick på jakt, gick kungen med sina rådgivare till Inessa. När Inessa insåg vad som väntade dem, kastade hon sig framför kungens fötter. Den olyckliga kvinnan snyftade och bad om sitt liv. Till en början förbarmade sig kungen över den unga kvinnan, men rådgivarna övertalade henne att inte ge efter för onödigt medlidande och dödade tvåbarnsmamman.

Don Pedro förlät inte sin far för sådant förräderi och efter hans död hittade han de direkta mördarna och avrättade dem. Konstnären lyckades förmedla mammans känslor och vädjade passionerat till sina mördare. Kungen och hans hantlangare är avbildade i mörka dystra toner, figurerna av Inessa och barn sticker ut som en ljuspunkt. Och igen, i bilden av en kvinna, förblir Bryullov trogen klassicismen, och när han väljer ett tema, när han skildra passion, lutar han sig mot romantiken.

Ryttare (1823)

Det är känt att bland eleverna till Karl Bryullov hans duk "Pompejis sista dag" hade ett ganska enkelt namn - bara "Bild". Det betyder att för alla lärjungar var denna duk bara en bild med stor bokstav, en bild av bilder. Ett exempel kan vara: hur Bibelnär alla böckers bok, ordet bibel verkar betyda ordet bok. I hjärtat av dess design och slutliga estetiska effekt "Pompejis sista dag"är inte bara ytterligare en upplevelse i stil med metamorfoser, utan också en förkroppsligad idé, en plan.

Principen om metamorfos vilar på konstens magiska kraft, det är inte bara i leksaksskala, utan också i stor skala. Gogol lyckades uttrycka alla känslor med all säkerhet: "... det föreföll mig som om skulpturen, som uppfattades i sådan plastisk perfektion av de gamla, att denna skulptur till slut övergick i målning och dessutom var genomsyrad av någon slags hemlig musik". Perfektionsidealet, som visades för betraktaren, har genomgått metamorfos. Han återuppstod och förvandlades i en pittoresk form. Måleri kallas trots allt i översättning - att skriva levande. I skulptur blir allt sten bara till liv. Men då försvinner alla tecken på naturtrohet som måleriet kan återställa i den. Samtidigt tappar den inte alls sin perfektion, den är inpräntad i antikens skulpturer.

Av detta följer att handlingen i bilden "Pompejis sista dag" tolkar inte en mycket tragisk händelse ur livet, utan en konstnärlig handling. Den berättar hur perfektionsidealet begravdes, men det bevarades i sten för att kunna övervinna, erövra tiden. Han behövde återfödas i måleriet för att förstå egenskaperna hos perfekt skönhet i skulpturala bilder. Hon samlade sina pengar under lång tid för att återuppliva och återställa andan av sådan skönhet. Detta var den skuld som målarkonsten hade för att återgå till den klassiska konsten. Det var nödvändigt att lära sig att hitta idealet om det absolut vackra. Det var just stämningen i dialogen mellan antiism och romantik, det var en slags estetisk bakgrund mot vilken konturerna av Bryullovs bild skisserades. Målningen av Karl Bryullov hade just en sådan metafysisk superplot om kontinuitetens och den konstnärliga erfarenhetens outgrundliga vägar.

Det är värt att påminna om det Baratynsky komponerade de berömda raderna "Och den sista dagen i Pompeji". Gogol tillkännager alldeles i början av sin artikel om det dystra skådespelet av den ljusa söndagens slut och död i målning. Med båda mästarnas ord spelas den slutliga handlingen och bildens titel i samma veva. Det är just detta som är nyckeln till bilden och till framgången som bilden fick av sin samtid. Motsatsen utspelas: den sista dagen, som betyder döden och slutet, döden - och den första - det vill säga betecknande och högtidlig. Men båda bilderna visar livets katastrofala förfall i en sak - historiens fråga, och vid ett tillfälle sätts de i ett mystiskt samband med den mirakulösa närvaron av levande energi.

Här målade konstnären bilden av livgivande död. Forntida värld dog på bilden, men han verkade räddas av levande skönhet. Karl Bryullov lyckades både återuppstå och föreviga. Det är vad han pratar om Gogol: "Hans figurer är vackra trots skräcken i hans position. De överröstar den med sin skönhet... Bryullov har en man för att visa all sin skönhet, all sin naturs högsta nåd. Passioner, känslor, sanna, eldiga, uttrycks i ett så vackert utseende, i sådant vacker person som du njuter av till hänförelse ..."

En serie utbrott inträffade under det första århundradet e.Kr Vesuviusåtföljd av en jordbävning. De förstörde flera blomstrande städer som låg nära bergets fot. Städer Pompeji dog på bara två dagar - i augusti 79 var han helt täckt av vulkanaska. Han begravdes under en sju meter tjock ask. Det verkade som om staden försvann från jordens yta. Upptäckten av Pompeji hände i 1748 år. Sedan dess, månad efter månad, har kontinuerligt pågående utgrävningar öppnat staden. Pompeji lämnade ett outplånligt märke på Karl Bryullovs själ under hans första besök i staden 1827.

Bryullovs bror studerar pompeiansk arkitektur och arbetar med projekt för restaurering av pompeianska bad. Det kan tyckas att temat för framtidsbilden uppstod naturligt, som om det vore en hyllning till intrycket. Men i europeisk konst är handlingen i staden Pompeji en nomadintrig. Romantiken som konst skapades av en generation människor från Napoleonkrigens era. Det var framför deras ögon som spektaklet av ett mystiskt spel dök upp. Romantikerna började uppfinna och tolka historiska handlingar annorlunda.

Tragiska scener skildrades ofta i olika manifestationer av klassisk konst. Till exempel förstörelsen av Sodom eller de egyptiska avrättningarna. Men i sådana bibliska berättelser antyddes att avrättningen kommer från ovan, här kunde man se manifestationen av Guds försyn. Som om biblisk historia inte kände till något meningslöst öde, utan bara Guds vrede. I målningarna av Karl Bryullov var människorna utlämnade till ett blindt naturligt element, rock. Det kan inte föras någon diskussion om skuld och straff här. På bilden kommer du inte att kunna hitta huvudpersonen. Det är bara inte där. Framför oss dyker bara folkmassan upp, människorna som greps av skräck.

Till skillnad från många målningar från klassicismens tidevarv, där en vändning av karaktärernas ansikten främst rådde - mot aulan, en ny teknik, arbetas en ny version här fram. Rörelseriktningen utförs endast med rörelseriktningen på djupet. Enskilda figurer i målningen visas bakifrån, några är i stark diagonal rörelse. En sådan metod att placera grupper gav det som hände en tillvaro oberoende av betraktaren, här finns allt bara för betraktaren. Allt som händer tragiskt och hemskt händer bara för publiken. Det är just en sådan händelse, som en riktig eld på en scen artificiellt anpassad för artificiella passioner, som får publiken att känna allt de ser, allt berör dem direkt, det är som om han är en deltagare i evenemanget, och inte en åskådare .

Bryullov var vettigt att använda en kompositionsmanöver i skisserna, han skulle ändra den visuella miljön i analogi med situationer av detta slag. Tittaren behövde genomsyras av känslan av att allt sker i en rak linje. I skissen, som lagras i Tretjakovgalleriet, kan du se en hel härva av linjer som snurrar på olika sätt. Bilden i det övre högra hörnet visar ett vulkanutbrott - en eldig tunga flyr från ventilen och lavatungor sjunker ner för bergets sluttningar. Den röda himlen på bilden är också i bloss av lågor.

I skissen kan du även se modifierade citat från Vatikanens fresk. "Brand i Borgo". Här kan man också se grupper av människor som höjer sina händer mot skyn. De ber om nåd från översteprästen. Målningen har formen av en rektangulär grav, vilket begränsar målningens djup och skapar en känsla av täthet. En blandning av den klassiska kanonen och den nya genomförs. Det var författarens romantiska förkärlek som säkerställde en så stor framgång för bilden i Italien. Bilden gjorde succé även i St. Petersburg. Det var här som bilden var efterlängtad.

Målningen beställdes. Hon beställde Anatolij Demidov, han var en av de rikaste arvingarna till Ural gruvbolag. I Italien köpte han sig den speciella titeln Prince of San Donato, en samlare och beskyddare av konsten. 1834 kom Demidov till S:t Petersburg och överlämnade denna målning som en gåva till Nikolaus den första. Anatoly bestämde sig för att visa bilden först i Frankrike, så bilden gick till Paris. Men i mars samma år dök hon upp i Barcelona. Utställningens jury fastställde huvudpriset för just denna bild.

Men Karl Bryullov förblev missnöjd med den franska kritikens reaktion, särskilt efter den italienska entusiasmen. Det var den franska konstkritiken som speglade den allmänna kraftfördelningen inom konsten, men det var en kamp mellan partier. Bryullov nådde en kompromiss - han kombinerade romantik och klassicism. Men mot bakgrund av den pågående kampen mellan klassicism och romantik tillfredsställde bilden inte båda gruppernas smak. På utställningen låg målningen mellan målningarna - "St. Symphorion" Ingres och "Algeriska kvinnor" Delacroix.