Пейзаж занимает особое место в изобразительном искусстве России. Название появилось благодаря французскому слову pays – местность. Пейзажи маслом – изображения природы в ее естественном либо слегка видоизмененном состоянии.
Впервые пейзажные мотивы проявились в древнерусской иконописи. Самостоятельные пейзажи природы, представляющие собой виды дворцовых парков, начинают появляться в России в XVIII веке. В период правления Елизаветы Петровны искусство живописи активно развивается, издается первый сборник гравюр с видами Петербурга, где также встречаются пейзажные изображения.
Расцвет пейзажа начинается с появлением Семена Федоровича Щедрина, которого по праву называют основоположником русской пейзажной живописи. Биография художника насчитывает несколько лет обучения за границей, где Щедрин изучает основы классицизма, нашедшие впоследствии отражение в его творчестве.
Впоследствии появляются и другие русские художники-пейзажисты: Федор Алексеев – основоположник городского пейзажа, Федор Матвеев – мастер пейзажей в лучших традициях классицизма.
Жанры изобразительного искусства во второй половине XIX века обогащаются новыми направлениями. Картины пейзажи, созданные в разных направлениях, представляли известные художники: Иван Айвазовский (романтизм), Иван Шишкин (реализм), Виктор Васнецов (сказочно-былинное направление), Михаил Клодт (эпические пейзажи) и прочие признанные мастера живописи.
К середине XIX века русская живопись «утверждает» пленер, как художественную технику, позволяющую создавать красивые пейзажи. В последующем ее формировании немалую роль сыграло развитие импрессионизма, существенно повлиявшего на творчество художников-пейзажистов. В это же время сформировывается отдельная идея «природного» восприятия – лирический пейзаж. В этом направлении выполнены пейзажи художников: Алексея Саврасова, Архипа Куинджи, Михаила Нестерова.
Истинного расцвета пейзажная живопись маслом XIX века достигла в работах Исаака Левитана. Живопись художника наполнена спокойным, пронзительно-щемящим настроением. Выставка художника всегда была значимым событием в художественном мире, собирая массу посетителей во всех городах России.
К началу XX века формируется «Союз русских художников», основанный по инициативе Константина Юона, Абрама Архипова и Игоря Грабаря. Основные направления творчества и многие картины художников характеризуются любовь к русскому пейзажу как естественному, так и городскому.
Развиваются и другие виды изобразительного искусства – ведутся активные поиски альтернативных выразительных средств для пейзажной живописи. Яркими представителями новых течений становятся: Казимир Малевич (авангардизм, осенний пейзаж «Скачет красная конница»), Николай Крымов (символизм, зимний пейзаж «Зимний вечер»), Николай Дормидонтов (неоакадемизм).
В 30-е годы изобразительное искусство в СССР обогащается пейзажным социалистическим реализмом. Одним из основных его представителей становится Георгий Нисский и работа «Мальчики, выбегающие из воды». Наступление «оттепели» во второй половине 1950-х годов приводит к восстановлению многообразия «живописного» языка, сохранившегося и в современных школах.
В который раз пишу, что Дневник мне дарит виртуальное знакомство со многими интересными, увлеченными живописью людьми, вот и к творчеству латышского акварелиста я обратился благодаря тому, что ко мне "на огонек" заглянула Rona1. Татьяна - бывшая жительница Риги, живущая ныне в Кармиэле, Израиль, рассказала мне, что отец ее свекра был художником, что она много лет увлечена живописью. С подачи Татьяны появились новые посты в рубрике "Фильмы о художниках", она же познакомила меня с именем Бректе и выслала фотографии нескольких имеющихся у нее дома работ художника. За что ей отдельная благодарность. Вот, таким образом, в моей серии ЖЗЛ появилось новое имя.
Янис Бректе
Латышский художник, заслуженный деятель искусств ЛССР (1981), один из популярнейших и плодотворных акварелистов советского времени, широко известен за пределами Латвии.
Янис Бректе родился в Риге в семье садовника. Детство провел в маленьком городке Лизума, с 1934 года и до конца жизни жил в Риге. В 1936 году поступил на курсы рисования художника Карлиса Андреевича Бренценса (Кarlis Brencēns, 1879-1951). Бренценс был мастером витражной живописи, который в своём творчестве пытался отобразить основные идейные веяния национального колорита. В частности, его витражи изобилуют изящно обыгранными этнографическими мотивами. Заслуживают внимания его работы начала 1900-х годов, например, «Петух в снегу» (1903) и портрет Валдемарса Кришьянис а (1912). В студии Бренценса Янис проучился три года.
В 1940 году он поступил в Латвийскую Академию искусств. Среди его педагогов были пейзажисты Лео Симанович Свемпс (Leo Svemps, 1897-1975), народный художник СССР с 1963 года, Карлис Миесниекс (Karlis Miesnieks, 31 января 1887 – 25 октября 1977), окончивший школу Петербургского Общества императорского искусства (1911) и Центральную рисовальную школу Штиглица, работавший в собственной студии живописи, а с 1922 года – в Академии, и Николас Брейкш (Nikolajs Breikshs, 10 января 1911 – 1 августа 1972), выпускник Латышской Академии, после ряда лет работы учителем рисования вернувшийся в 1945 году преподавать в «альма-матер».
Бректе окончил Академию в 1948 году, еще во время учебы, начиная с 1943 года, он стал участвовать в выставках.
Янис Бректе Улица Стрелниеку в зимой 1945 г.
Янис Бректе Первого января 1957 г.
Янис Бректе Морская школа 1960-е гг.
Янис Бректе Из окна мастерской 1968 г.
В 1950 году Янис Бректе становится членом Союза художников, в 1981 году ему присваивается звание Заслуженного деятеля искусств Латвийской ССР. Большие персональные выставки художника прошли в Риге (1977, 1980) и Елгаве (1981).
Янис Бректе Подсолнечники с арбузом 1973 г.
Янис Бректе Без названия.
Бректе специализировался на пейзажах и натюрмортах. Но если в раннем творчестве художник сосредоточился на индустриальном пейзаже (им написано много видов гавани и порта), то в последующие годы он уделял больше внимания природе.
Янис Бректе Раннее утро. 1967 г.
Янис Бректе Дальний Восток. Владивосток. 1971 г.
Но, прежде всего, имя художника неразрывно связано со Старой Ригой. Бректе написал множество серий акварелей с видами улочек Старого города в разные времена года и с разными настроениями природы. В творческом наследии Яниса Бректе несколько тысяч работ.
Янис Бректе Старая Рига. 1973 г.
Янис Бректе Склады в Старой Риге. 1981 г.
Янис Бректе Серия Старая Рига.
Янис Бректе Серия Старая Рига.
Мемориальные выставки, посвященные его творчеству состоялись в Цесисе (1986) и Риге (1991, 1992). В художественном музее города Лизума находится постоянная экспозиция его работ.
Янис Бректе Улочка Старой Риги. Дом № 13.
Янис Бректе Сентябрь в Старой Риге 1967 г.
1) Человек неразрывно связан с природой, он часть ее. И наслаждение природой, стремление найти в ней созвучие своим чувствам, своим идеалам, всегда было источником творчества писателей, композиторов, художников. 2) ПЕЙЗА́Ж (франц.- "местность, страна "; лат.- "село, деревня") - жанр , предметом которого является изображение природы , ее преображение и выражение отношения художника к окружающей его среде; этот жанр характерен для живописи и графики, реже встречается в скульптуре (рельеф). Как самостоятельный жанр пейзаж впервые появился в Китае ещё в VI веке. 3) Разновидности пейзажа (поджанры ): сельский, городской, архитектурный, индустриальный пейзаж . В особый поджанр выделяется марина – изображение морской стихии.
4) В 60-70е годы XIX в. возникает и утверждается русский национальный пейзаж , опирающийся на завоевание художников предшествующих эпох. 5) Основоположником его по праву является Алексей Кондратьевич Саврасов (1830-1897 гг.). 6) Продолжали и развивали его традиции замечательные русские пейзажисты Федор Александрович Васильев (1850-1873гг.), Иван Иванович Шишкин (1832-1898 гг.), Архип Иванович Куинджи (1842-1910 гг.). 7) Вершиной русского пейзажного искусства в 60-90-х годах 19 в. признано творчество Исаака Ильича Левитана (1850-1900).
В 60-х годах девятнадцатого века в России начался период формирования реалистической пейзажной живописи. Главенствующую роль для художников-пейзажистов приобретал вопрос о содержании искусства. Побуждаемые высокими патриотическими чувствами, они стремились показать могучую и плодородную русскую природу как источник возможного богатства и счастья. В это время отдельные произведения пейзажистов уже смело могли встать в ряд с картинами жанровой живописи, являвшейся в то время самым передовым искусством. Серьезный вклад в развитие русского пейзажа внесли такие известные художники, как Алексей Саврасов, Иван Шишкин, Федор Васильев, Архип Куинджи, Василий Поленов, Исаак Левитан.
9) Одной из самых прославленных в истории русского пейзажа по праву считается скромная по размеру и незамысловатая по мотиву картина А.К.Саврасова “Грачи прилетели” 1872 г. А) Незатейливый пейзаж обычного русского села. Старая церковь с колокольней, длинный дощатый забор, крыши деревянных домов, несколько тонких, неказистых, искривленных берез на первом плане, на которых прилетевшие грачи вьют свои гнезда – все на полотне кажется необыкновенно простым и знакомым. И как в тоже время все это чудесно! По-весеннему чист и прозрачен воздух, он как будто бы напоен влагой. Снег стал уже рыхлым, появляются проталины. В одной из них (справа) отражаются голубое небо, белые облака, кусты, тонкие деревья. Пейзаж написан нежнейшими перламутровыми сочетаниями красок, светлых, легких, прозрачных. (возможно написание эпитетов на доске). А если долго внимательно смотреть на картину, она покажется звучащей: можно услышать негромкий перезвон колоколов, весенний гомон суетливых птиц. Б) Художник И.Н.Крамской назвал пейзаж “лучшим и действительно прекрасным”, так как в нем есть “душа” русской природы, ее лиричность и задушевность. (Возможно использование плаката с написанными словами Крамского И.Н.) В) Пейзаж небольшого селения превратился в образ Родины, в образ всей России.
***В 1871 году молодым художником Федором Александровичем Васильевым после поездки по Волге была написана картина “Оттепель” . Чувство, вызываемое пейзажем, неоднозначно, сложно. Это пронизывающая душу тоска, одиночество: открытая ветрам равнина, жутким выглядит лес на фоне низкой свинцовой тучи; заброшенной, сиротливой кажется заснеженная крестьянская изба, стоящая в стороне от дороги; грустным представляется положение путника с ребенком среди безмолвной равнины, на талой дороге, по которой ни пройти, ни проехать. ***Но к чувству бесприютности присоединяется и надежда на скорое весеннее пробуждение жизни. Все же потеплело, оттаяло в природе, мороз сдался – “оттепель”. И эти, казалось бы, противоположные чувства объединяются ощущением красоты и гармонии изображенного.
Красота и гармония достигаются композицией пейзажа, в которой выдержана внутренняя соразмерность, уравновешенность всех ее частей, где центром является группа высоких деревьев, и его живописью (теплые коричневые и холодные серые тона, составляющие
10) Художник-пейзажист И.И.Шишкин – непревзойденны1 мастер в написании соснового леса . А) На картине “Сосны, освещенные солнцем” - солнце золотит прямые стволы сосен, развертывается лесная жизнь со всеми ее приметами и подробностями. Срезая рамой верхушки стволов, этот прием мы заметили и в других его работах, художник усиливает впечатление огромных деревьев, которым, кажется, не хватает места на полотне. Мощные вековые сосны даны во всей своей красоте. Каждая сосна красива по-своему, но в целом, это единый мир природы, полный жизненных сил. Чудится терпкий запах сосен, кажется, что хрустнет под ногами сосновая шишка. Очень много солнца и света исходит от этой картины. Б) Среди всех произведений художника наиболее популярна картина «Утро в сосновом лесу». Её сюжет, возможно, был подсказан Шишкину К. А. Савицким. Есть другая версия, что толчком к появлению этого полотна послужил пейзаж «Туман в сосновом лесу» (1888), написанный, по всей вероятности, как и «Бурелом», под впечатлением от поездки в вологодские леса. «Туман в сосновом лесу», имевший успех на передвижной выставке в Москве мог вызвать у Шишкина и Савицкого желание написать полотно, повторяющее мотив прославленной картины, но с включением жанровой сцены (медведей). В) «Рожь». Тему для этого произведения - как и для многих других своих картин - Шишкин нашёл на родине , во время поездки в Елабугу, совершённой в 1877 году вместе с дочерью. Шишкина называют “певцом русского леса”; большинство его полотен посвящено изображению лесных чащ, бора, полян. Г) Картины И.Шишкина воспринимаются как обобщенные, эпические образы России. Обычно избегая зыбких, переходных состояний природы, художник фиксирует ее высший летний расцвет. Не задушевную тонкость, легкость и хрупкость, – то, что близко было в пейзажах средней полосы России Саврасову и Васильеву, – а ее мощь, размах, величие ценил выше всего Шишкин. Д) Именно в этих качествах русской природы он видел красоту, чувствовал ее активное положительное воздействие на человека, способное вдохновить на большие дела, на творческое созидание ради будущего родины.
11) А.И.Куинджи - великий русский художник-пейзажист, преподаватель, - было очень много общего с Шишкиным. А) Ему тоже было свойственно эпическое восприятие природы, изображение широты и спокойной мощи ее бескрайних просторов, высокого неба, плавного течения рек, его картины также несли положительный заряд оптимизма, они наполнены мажорным звучанием, здоровой силой, Б) но в то же время пейзажи Куинджи разительно отличаются от шишкинских, да и от произведений других живописцев . В) Куинджи увлекали эффекты освещения, цветовые контрасты, контрасты света и глубоких теней , и именно эта особенность, прежде всего, определяет своеобразие его творчества. Г) Особенно ярко его колористические искания проявились в ночных пейзажах : “Украинская ночь ”, 1876 г. и “Лунная ночь на Днепре” ,1880 г. Они-то и принесли громкую славу художнику, которого стали называть певцом лунной ночи. Д) Наибольший успех на выставке имела картина “Березовая роща”. Работая над этой картиной, Куинджи искал, прежде всего, наиболее выразительную композицию. Передний план погружен в тень - так подчеркивается насыщенность солнцем зеленой поляны. Солнечный день запечатлен в картине чистыми, звучными красками, блеск которых достигнут контрастом, сопоставлением цветов, очищенных до белизны. Необычайную гармонию цвету придает зеленый цвет, проникающий в голубой цвет неба, в белизну березовых стволов, в синеву ручья на ровной поляне. Эффект светоцветового контраста, при котором цвет не обеззвучен, а форсирован, создает впечатление ясности мира. Природа кажется недвижимой, она словно зачарована неведомой силой. Пейзаж устранен от бытовизма, что и сообщает ему некую чистоту. Е)Природа в “Березовой роще” Куинджи реальна и условна. “Березовая роща” не укладывалась полностью в пластику развитого реализма: мешали элементы декоративности. Вместе с тем картина слабо предвещала и романтические преобразования. Архип Куинджи выработал особую, только ему присущую манеру письма, построенную на контрастах света и тени.
12) Особым даром не только понимать, но и слышать русскую задушевную природу, обладал И.Левитан – русский художник-передвижник, мастер пейзажной живописи. А) Художник очень остро ощущал любовь к скромной русской природе. Б) Всмотритесь в картину “Март” . Радость весны, начала пробуждения, воскрешения природы от зимнего снега и холода. ***Художник замечательно написал высокое синее небо, играющее на пожухлом снегу сугробов, голубые, сиреневые и лиловые тени, помолодевшую сочную хвою елей и зеленовато-темные стволы осин, тянущихся к мартовским небесам и солнцу своими ветвями. От желтизны тесаных досок, которыми обиты стены домика, веет солнечной теплотой. И хотя о присутствии в нем человека говорит лишь открытая дверь и стоящая у крыльца каурая лошадка, запряженная в легкие дровни, вся картина наполнена той особой человеческой радостью, которая приходит весной. В) “С природой одною он жизнью дышал”, - эту строчку из стихотворения Баратынского Левитан привел в одном из писем, объясняя, что в слиянии человека и природы он видел смысл работы пейзажиста. ****Торжественна, празднична красота “пышного природы увяданья” (Пушкин А.С.) на полотне “Золотая осень” .Это пейзаж – настроение , в нем передано самое обычное состояние теплого осеннего дня, так знакомого всем. Еще не облетели листья на деревьях, но они уже пожелтели, порыжели, усыпают зеленую траву золотым ковром. Г) И.И.Левитан написал один из самых проникновенных пейзажей “Вечерний звон” , воплощающий мечту художника о счастье, о мире, где нет зла и торжествуют благие начала . Красиво вечернее освещение, которое румянит и золотит легкие облака и белые стены монастырских зданий.Течение реки уводит взгляд вдаль. В центре композиции окруженный осенним лесом монастырь и высокое предзакатное небо. Кажется, что на картине отдыхает и природа, и солнце, и люди под красивый звон колоколов. Д) Так, вглядываясь в картину «Владимирка» И. Левитана невольно перед глазами всплывают образы каторжников, сосланных в Сибирь. Недаром этот пейзаж был назван «историческим». Как знамение века, он несет потомкам живую боль современника, поднявшего голос в защиту угнетенных, в защиту справедливости . С жизненной правдивостью подлинного реализма в ней переданы и воздушная среда, и пространство, и свет. Серебристо-серые холодные тона необыкновенно красочны и богаты. Каждый цвет обладает множеством дополнительных оттенков и от этого становится удивительно насыщенным и звучным. Роль композиции в картине Левитана также почти незаметна. Ощущение непосредственности, естественности композиции усиливает реалистическую жизненность произведения и обостряет выразительность той главной мысли, которая с такой искренностью вылилась из души художника. Его глубокое сочувствие угнетенных, живая боль и сострадание к судьбам народа воплотились в общем настроении природы. Е) «У омута» - одна из трех больших картин Левитана, написанных в первой половине 1890-х годов, и входящих в так называемую "мрачную трилогию" (наряду с Владимиркой и Вечным покоем). Картина была слишком личной для художника, а потому встретила непонимание у многих. В частности, Репин сказал о ней: "Надо же, какая большая картина, и все для какого-то пейзажа!". Михаил Нестеров же, близкий друг художника, верно заметил, что Омут отражает некий глубокий личный метафизический опыт художника, которому приходилось немало бродить над пропастями нашей жизни. И.Левитан, как истинный мастер лирического пейзажа, любил писать натуру в переходный период, когда одно состояние природы сменяет другое. Вывод-обобщение. Пейзажи, созданные творцами русской художественной культуры, живут в нашем сознании как задушевные картины русской природы и в то же время погружают в мир прекрасных чувств, глубоких мыслей, вечных духовных ценностей. Каждый из художников-пейзажистов был самобытным живописцем, создавшим свой уникальный образ русской природы. Таким образом, пейзажная живопись, вступив в свой реалистический этап, вышла из разряда второстепенных жанров и заняла одно из почетных мест рядом с такими жанрами, как портрет и бытовая живопись . В условиях русской общественной жизни этого периода лучшие художники-демократы не могли ограничиваться показом только темных сторон действительности и обращались к изображению положительных, прогрессивных явлений. И это в большой мере способствовало расцвету русской пейзажной живописи конца 19-начала 20 века. В России жанр пейзажа возник гораздо позже, чем в Европе, но, несмотря на это, его развитие было стремительным. Понадобилось лишь столетие, чтобы к началу XIX века он стал самым популярным, а во второй половине XIX в. достиг своего расцвета.
И.Левитан
И.Шишкин
А.Куинджи
И.Левитан. У омута.
И. Левитан. Владимирка.
И.Левитан. Март.
И.Левитан. Золотая осень.
И.Шишкин. Рожь.
И.Шишкин. Утро в сосновом лесу.
И.Шишкин. Сосны, освещенные солнцем.
А.Куинджи. Березовая роща.
А.Куинджи. Лунная ночь на Днепре.
А.Куинджи. Украинская ночь.
Пейза?ж- жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения является природа.
В зависимости от характера пейзажного мотива можно выделить сельский, городской (в том числе городской архитектурный), индустриальный пейзаж, по временам года.
Особую область составляет изображение морской стихии - марина. Пейзаж может носить исторический, героический, фантастический, лирический и эпический характер.
В пейзаж входят некоторые основные элементы:
Земная поверхность
Растительность
Перспектива вида
Картина также может включать:
водоёмы (озера, моря, реки)
метеорологические образования (облака, дождь).
Пейзажи по пространственному принципу подразделяются на открытые, полуоткрытые, полузакрытые и закрытые.
Элементы пейзажа встречаются в искусстве глубокой древности: в изображениях сцен охоты, рыбной ловли, битв. Однако вплоть до эпохи Возрождения пейзажные мотивы неотъемлемы от изображения человека, они лишь указывают на место действия, часто довольно условно (как, например, в русских иконах). Художники Ренессанса обращаются к непосредственному изучению натуры, разрабатывают принципы перспективного построения пейзажного пространства. Исключительно важное место занимает пейзаж как самостоятельный жанр в искусстве средневекового Китая, где вечно обновляющаяся природа считалась наиболее наглядным воплощением жизни. В эпоху классицизма повышается содержательность пейзажа; наряду с топографическим видовым появляются эмоционально насыщенные героический и идиллический варианты пейзажа. Ведущим жанром становится пейзаж в творчестве французских импрессионистов, работавших на рубеже XIX и XX вв.; важнейшим компонентом их произведений стала вибрирующая световоздушная среда, словно оживляющая изображенные на полотнах уголки природы.
В России пейзаж как самостоятельный жанр складывается в начале XVIII в., поначалу это чисто видовой пейзаж, преобладавший в основном в графике.
Позднее в нем находят отражение мотивы и настроения, характерные для того или иного художественного направления - классицизма, романтизма и др. Значительный вклад в развитие пейзажного жанра внесли художники-передвижники (И. И. Шишкин, А. К. Саврасов, Ф. А. Васильев, А. И. Куинджи, И. И. Левитан и др.), в их полотнах реалистическое изображение природы сочетается с драматическими или лирическими настроениями, с возвышенно-философским толкованием пейзажа.
В первой половине XIX в. в живописи романтизма пробуждается интерес к передаче различных состояний природы, своеобразию национального пейзажа, проблемам пленэра. Романтические традиции играют важную роль в русском пейзаже середины XIX в.
У художников-романтиков пейзаж становится важным средством восприятия чувства любви к родине и формирования демократических умонастроений. Эта роль пейзажа характерна и для русской живописи. Наиболее ясно она выступает в искусстве И. И. Шишкина, А. Куинджи, И. И. Левитана и других. В их произведениях пейзаж становится средством для выражения очень глубокого гражданского содержания.
В искусстве XX в. признанными мастерами пейзажа стали художники прогрессивных направлений, опирающиеся на реалистическую традицию мирового искусства. В XX столетии получают развитие такие разновидности пейзажа, как городской и индустриальный.
Для советского пейзажа, проникнутого духом социалистического реализма, свойственны жизнеутверждающие образы, воспевающие красоту родной природы и красоту преобразованной трудом советских людей земли. Уже в 1920-е гг. зародился советский индустриальный пейзаж (Б. Н. Яковлев «Транспорт налаживается».,
Известные российские пейзажисты
Васильев, Фёдор Александрович
Куинджи, Архип Иванович
Исаак Ильич
Поленов, Василий Дмитриевич
Рерих, Николай Константинович
Саврасов, Алексей Кондратьевич
Иван Иванович
Юон, Константин Фёдорович
С самых незапамятных времен люди всегда восхищались природой. Они выражали свою любовь, изображая ее на всевозможных мозаиках, барельефах и картинах. Многие великие художники посвятили свое творчество рисованию пейзажей. Картины, на которых изображены леса, море, горы, реки, поля, поистине завораживают. И нужно уважать великих мастеров, которые так детально, красочно и эмоционально передали в своих работах всю красоту и могущество окружающего нас мира. Именно художники-пейзажисты и их биографии будут рассмотрены в данной статье. Сегодня мы поговорим о творчестве великих живописцев разных времен.
Известные художники-пейзажисты XVII века
В XVII веке жило немало талантливых людей, которые предпочитали изображать красоты природы. Одними из самых известных являются Клод Лоррен и Якоб Исаак ван Рейсдал. С них мы и начнем наше повествование.
Клод Лоррен
Французского художника считают основоположником пейзажа периода классицизма. Его полотна отличаются невероятной гармоничностью и идеальной композицией. Отличительной чертой техники К. Лоррена было умение безупречно передавать солнечный свет, его лучи, отражение в воде и т. д.
Несмотря на то, что маэстро родился во Франции, большую часть своей жизни он провел в Италии, куда уехал, когда ему было всего 13 лет. На родину он возвращался всего один раз, и то на два года.
Самыми известными произведениями К. Лоррена являются картины «Вид Римского Форума» и «Вид порта с Капитолием». В наше время их можно увидеть в Лувре.
Якоб Исаак ван Рейсдал
Якоб ван Рейсдал - представитель реализма - родился в Голландии. Во время своих путешествий по Нидерландам и Германии художник написал немало примечательных работ, для которых характерны резкий контраст тонов, драматичная цветовая гамма и холодность. Одним из ярких примеров таких картин можно считать «Европейское кладбище».
Однако творчество художника не ограничивалось мрачными полотнами - он изображал и сельские пейзажи. Самыми известными работами принято считать «Вид деревни Эгмонд» и «Пейзаж с водяной мельницей».
XVIII век
Для живописи XVIII века характерно много интересных особенностей, в этот период было положено начало новым направлениям в упомянутом виде искусства. Венецианские художники-пейзажисты, к примеру, работали в таких направлениях, как видовой пейзаж (другое название - ведутный) и архитектурный (или городской). А ведутный пейзаж, в свою очередь, подразделялся на точный и фантастический. Ярким представителем фантастической ведуты является Франческо Гварди. Его фантазии и технике исполнения могут позавидовать даже современные художники-пейзажисты.
Франческо Гварди
Все без исключения его работы отличаются безупречно точной перспективой, замечательной передачей цветов. Пейзажи обладают некой магической притягательностью, от них просто невозможно оторвать взгляда.
Самыми восхитительными его работами можно назвать полотна «Праздничный корабль Дожа «Бучинторо», «Гондола в лагуне», «Венецианский дворик» и «Рио деи Мендиканти». Все его картины изображают виды Венеции.
Уильям Тернер
Этот художник является представителем романтизма.
Отличительной особенностью его полотен является использование множества оттенков желтого. Именно желтая палитра и стала основной в его работах. Мастер объяснял это тем, что такие оттенки ассоциировались у него с солнцем и чистотой, которую он хотел видеть в своих картинах.
Самой красивой и завораживающей работой Тернера является «Гесперидский сад» - фантастический пейзаж.
Иван Айвазовский и Иван Шишкин
Эти два человека — поистине самые великие и самые известные художники-пейзажисты России. Первый — Иван Константинович Айвазовский — изображал на своих картинах величественное море. Буйство стихии, вздымающиеся волны, брызги пены, разбивающейся о борт накренившегося судна, или тихая, безмятежная гладь, озаренная заходящим солнцем - морские пейзажи восхищают и поражают своей натуральностью и красотой. Кстати, такие художники-пейзажисты называются маринистами. Второй — Иван Иванович Шишкин — любил изображать лес.
И Шишкин, и Айвазовский — художники-пейзажисты 19 века. Остановимся на жизнеописании этих личностей подробнее.
В 1817 году появился на свет один из самых известных маринистов мира Иван Айвазовский.
Родился он в состоятельной семье, его отцом был армянский предприниматель. Нет ничего удивительного в том, что будущий маэстро питал слабость к морской стихии. Ведь родиной этого художника стала Феодосия — красивейший портовый город.
В 1839 году Иван окончил в которой он учился на протяжении шести лет. На стиль художника большое влияние оказало творчество французских маринистов К. Верне и К. Лоррена, которые писали свои полотна по канонам барокко-классицизма. Самой известной работой И. К. Айвазовского считается картина «Девятый вал», выполненная в 1850 году.
Кроме морских пейзажей, великий художник работал над изображением батальных сцен (яркий пример - картина «Чесменский бой», 1848 г.), а также посвящал многие свои полотна темам армянской истории («Посещение Дж. Г. Байроном монастыря мхитаристов близ Венеции», 1880 г.).
Айвазовскому повезло добиться невероятной славы при жизни. Многие художники-пейзажисты, которые стали знаменитыми в будущем, восхищались его работами и брали с него пример. Ушел из жизни великий творец в 1990 году.
Шишкин Иван Иванович родился в январе 1832 года в городе Елабуг. Семья, в которой воспитывался Ваня, была не слишком зажиточной (его отец был небогатым купцом). В 1852 году Шишкин начинает свою учебу в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, выпускником которого он станет через четыре года, в 1856-м. Даже самые ранние работы Ивана Ивановича отличаются необычайной красотой и непревзойденной техникой. Поэтому неудивительно, что в 1865 году за полотно «Вид в окрестностях Дюссельдорфа» И. И. Шишкину дали звание академика. А уже через восемь лет он получает звание профессора.
Как и многие другие рисовал с натуры, проводя долгое время на природе, в тех местах, где его никто не мог потревожить.
Наиболее известными полотнами великого живописца являются «Лесная глушь» и «Утро в сосновом бору», написанные в 1872 году, и более ранняя картина «Полдень. В окрестностях Москвы» (1869 г.)
Жизнь талантливого человека прервалась весной 1898 года.
Многие русские художники-пейзажисты при написании своих полотен пользуются большим количеством деталей и колоритной цветопередачей. То же самое можно сказать и об этих двух представителях русской живописи.
Алексей Саврасов
Алексей Кондратьевич Саврасов — художник-пейзажист с мировым именем. Именно его считают основоположником русского лирического пейзажа.
Родился этот выдающийся человек в Москве в 1830 году. С 1844 года Алексей начал свое обучение в Московском училище живописи и ваяния. Уже с юности он отличался особым талантом и способностями к изображению пейзажей. Однако, несмотря на это, по семейным обстоятельствам юноша был вынужден прервать свое обучение и возобновить его только спустя четыре года.
Самой известной и всеми любимой работой Саврасова является, конечно же, полотно «Грачи прилетели». Оно было представлено на Передвижной выставке в 1971 году. Не менее интересными являются картины И. К. Саврасова «Рожь», «Оттепель», «Зима», «Проселок», «Радуга», «Лосиный остров». Однако, по мнению критиков, ни одна из работ художника не сравнилась с его шедевром «Грачи прилетели».
Невзирая на то что Саврасов написал множество прекрасных полотен и уже был известен как автор замечательных картин, вскоре о нем надолго забывают. А в 1897 году он умер в нищете, доведенный до отчаяния семейными неурядицами, гибелью детей и алкогольной зависимостью.
Но великие художники-пейзажистыне могут быть забыты. Они живут в своих картинах, от прелести которых захватывает дух, и которыми мы и по сей день можем восхищаться.
Вторая половина ХІХ века
Этот период характеризуется распространенностью в русской живописи такого направления, как бытовой пейзаж. В этом русле работали многие русские художники-пейзажисты, в том числе и Маковский Владимир Егорович. Не менее известными мастерами тех времен являются Арсений Мещерский, а также описанные ранее Айвазовский и Шишкин, творчество которых пришлось на середину-вторую половину ХІХ века.
Арсений Мещерский
Родился этот известный художник в 1834 году в Тверской губернии. Образование он получал в Императорской Академии искусств, где проучился на протяжении трех лет. Основными темами полотен автора стали лесные и Художник очень любил изображать в своих картинах великолепные виды Крыма и Кавказа с их величественными горами. В 1876 году он получил звание профессора пейзажной живописи.
Самыми удачными и известными его полотнами можно считать картины «Зима. Ледокол», «Вид Женевы», «Буря в Альпах», «У лесного озера», «Южный пейзаж», «Вид в Крыму».
Кроме Мещерский также передавал красоты Швейцарии. В этой стране он некоторое время набирался опыта у мастера пейзажной живописи Калама.
А еще мастер увлекался сепией и гравюрой. В этих техниках он также создал немало замечательных работ.
Множество картин рассматриваемого художника демонстрировалось на выставках как на территории России, так и в других странах мира. Поэтому многие люди успели оценить талант и самобытность этого творческого человека. Картины Арсения Мещерского продолжают радовать многих людей, увлекающихся искусством, и по сей день.
Маковский Владимир Егорович
Маковский В. Е. родился в Москве в 1846 году. Его отцом был известный художник. Владимир решил пойти по стопам отца и получил художественное образование в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, после чего уехал в Петербург.
Наиболее удачными его картинами стали «Ожидание. У острога», «Крах банка», «Объяснение», «Ночлежный дом» и «Весенняя вакханалия». Произведения в основном изображают простых людей и бытовые сцены.
Кроме бытовых пейзажей, мастером которых он был, Маковский также писал портреты и различные иллюстрации.
Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.
Wojciech Babski
Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.
Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.
Warren Chang
Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.
Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.
Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.
Aurelio Bruni
Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.
Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.
Alekasander Balos
Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.
В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.
После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.
Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.
Alyssa Monks
Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.
Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.
“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.
Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.
Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.
Antonio Finelli
Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.
Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.
Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.
Flaminia Carloni
Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.
Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.
Denis Chernov
Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.
Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.
Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.
